Dès l’ouverture, une silhouette apparaît dans le noir, lampe torche à la main. Elle éclaire son propre corps comme si elle le découvrait. Une deuxième la rejoint. Qui sont-elles ? La musique est presque mystique, faite de percussions et de sons organiques. Les corps avancent, testent, montrent. La lumière isole les jambes, les pieds. Le break commence par là, dans le détail des mouvements. 

La lumière pour changer le regard

Vêtues de noir dans un décor noir, les danseuses se fondent dans l’espace, presque invisibles. Puis le fond s’ouvre sur un mur blanc. Les ombres surgissent, se multiplient, déforment et agrandissent les corps. Une danseuse devient plusieurs. Une autre dialogue avec des doigts projetés en ombre chinoise. La lumière montre que l’on ne regardait pas au bon endroit. Les danseuses étaient bel et bien visibles dès le départ. On comprend alors que notre regard est biaisé, presque conditionné par des habitudes, souvent héritées d’un regard masculin.

Le « wow » du breakdance n’est pas seulement dans les figures pleines de forces musculaires et spectaculaires. Ici, il se trouve dans la lenteur d’un freeze tenu, tête en bas, où les jambes continuent de parler. Une phrase chorégraphique entière passe par ce mouvement suspendu. Le break devient un véritable langage, presque intime pour ces danseuses. 

La metteuse en scène Valentine Nagata-Ramos parle d’émancipation. Être une femme et choisir le break, c’est déjà un geste. Un homme n’aurait pas pu faire cette pièce, dit-elle. Peut-être parce qu’il ne s’agit pas juste de représenter, mais aussi de vivre une expérience. Be.girl est un hommage à d’autres formes de féminité mais aussi une démonstration : le break peut être subtil et profondément sensible. Il suffit d’ouvrir son esprit.

MANON BRUNEL

 Spectacle donné le 14 avril au Théâtre Jean-Marie Sevolker (Gémenos), dans le cadre du festival Impulsion.

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Pour cette édition, la programmation artistique reflète la vitalité de la scène émergente. Du concert solaire de la Montpelliéraine Mauvaise Bouche au show explosif du septet brésilien TechnoBrass, en passant par le duo marseillais Baja Frequencia et ses mixes endiablés entre reggaeton, cumbia et techno, la scène musicale promet des soirées éclectiques et exaltantes.

Côté arts de rue et spectacles, la programmation confirme la ligne artistique singulière du festival : le spectacle poétique Dans les rêves de la Cie Alas Negras, la fresque naturaliste Aucèls de la Cie l’Araignée au Plafond, ou encore l’univers absurde de Très grosse alerte à Maliboue de la Cie Monde Truelle entraîneront à coup sûr petits et grands. Sans oublier Ceci est mon corps de la Cie Chagall sans M, un monologue sur la réappropriation de soi, ou encore Essaye encore de la Cie Hors de Portes, un duo burlesque et fragile à souhait.

Une fête populaire et engagée

Mais ce qui distingue véritablement les Transes Cévenoles, c’est leur engagement écologique et social, au cœur de chaque édition. Le festival bannit le plastique jetable, favorise les mobilités douces, propose des repas végétariens, installe toilettes sèches et fontaines à eau en accès libre, et réduit drastiquement les supports imprimés. 

Au-delà de l’écologie, le festival œuvre pour l’égalité des genres, lutte contre les violences sexistes et sexuelles grâce à des stands de prévention, des équipes formées, et un espace d’écoute animé par l’association TKT. Une attention particulière est aussi portée à l’inclusion, avec l’accueil de jeunes issus de structures sociales pour vivre les coulisses de l’événement en immersion.

Les Transes Cévenoles, un modèle d’événement festif et citoyen. À travers une politique tarifaire souple et des engagements concrets, il dessine le visage d’un festival du XXI^e siècle, conscient de ses responsabilités, sans jamais renoncer à la joie de faire la fête.

MANON BRUNEL

Les Transes Cévenoles
19 et 20 juillet
Sumène

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Objets traditionnels – capes de matador, affiches de corrida, éventail en bois – cohabitent avec des œuvres dérangeantes du maître espagnol : huiles, lithographies, croquis. On croit, d’abord, plonger dans le patrimoine local. Mais la thématique se transforme rapidement en une représentation des rapports de pouvoir, de violence symbolique, voire sexuelle, entre les genres. Chaque pas dans cette scénographie devient un pas de trop, jusqu’à l’overdose.

Admiration masculine comme norme

« Le sujet de l’exposition est audacieux », affirme la commissaire lors du discours d’ouverture du vernissage, rappelant que ce sont « quatre femmes féministes » qui ont conçu le parcours. Pourtant, la volonté de distanciation se heurte à un mur : celui de l’impunité artistique. Le visiteur est invité à contempler des scènes érotiques où le taureau — symbole masculin chez Picasso — domine quasi systématiquement. La femme est muse soumise, comme dans A los toros avec Picasso où elle est nu face à un torero habillé. 

Le discours de présentation sur le site du musée cherche à rassurer : « les femmes s’y montrent puissantes, compatissantes ou dominatrices ». Mais les œuvres disent tout autre chose. L’admiration pour la force virile, la domination de la femme, l’adoration de la brutalité masculine forment une narration stéréotypée et violente. Les œuvres exposées, bien que témoins d’une époque, ne sont jamais déconstruites. Elles sont sacralisées. 

Le monstre au musée

Le musée tente de dissocier l’homme de l’artiste. Mais Picasso lui-même proclame : « ce sont des mémoires qu’on s’écrit à soi-même ». Fernande Olivier, sa compagne à partir de 1905, raconte qu’il l’enfermait à clé dans son atelier quand il s’en allait. La photographe Dora Maar, sa compagne dans les années 1930, était battue jusqu’à perdre connaissance. Son épouse, Olga Khokhlova, s’est retrouvée plusieurs fois traînée par les cheveux chez eux. Les violences conjugales qu’il a fait subir sont établies, et ces violences irriguent directement sa production artistique.

Là où force masculine rime avec séduction, les pouvoirs de domination sexiste persistent. Dans Minotaure regardant une femme endormie, le minotaure, figure masculine et bestiale, est accroupie sur une femme et a son visage penché sur le sien. Endormie, la femme est en position de vulnérabilité. Les métaphores animales ne camouflent pas la brutalité : elles la traduisent.

Un seul tableau semble offrir une respiration : celui d’une torera signée J.G Domergue. Geste de dérision ou tentative de rééquilibrage ? Difficile à dire. Mais il vient, comme un murmure tardif, rappeler que d’autres récits sont possibles. 

MANON BRUNEL

Exposition donnée au Musée Estrine, à Saint-Rémy-de-Provence.

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L’événement s’ouvre avec Gagarine is not dead, des compagnies locales Les Sanglés et En corps En l’air, un spectacle gratuit très attendu. Parmi les temps forts : Les Trois Mousquetaires, création en trois épisodes portée en coopération avec la Scène nationale de Cavaillon, dont l’épisode 2 sera présenté à Valréas le 20 juillet par le collectif 49 701 ; Andromak, réinterprété par la compagnie parisienne Kourtrajmé ; et Jules et Marcel, une correspondance théâtralisée entre Pagnol et Rémy.

Une démarche engagée

Pour la deuxième année, le festival accueille une résidence de création pendant l’événement, avec la compagnie de cirque contemporaine Guirlande installée sous chapiteau à Valréas. Ateliers, visites et rencontres rythmeront les trois semaines de présence avant la première du spectacle le 26 juillet.

Soucieux de démocratiser l’accès à la culture, le festival maintient une politique tarifaire douce et des actions comme l’analyse chorale, gratuite, qui invite le public à discuter les œuvres vues, à exercer son regard et son esprit critique.

À cela s’ajoute une initiative solidaire originale : des sacs confectionnés à partir de bâches recyclées sont vendus au profit de billets offerts aux publics précaires. Une façon concrète de prolonger l’héritage humaniste de Jauneau tout en intégrant des bénévoles à la vie du festival.

Entre mémoire et renouvellement, Les Nuits de l’Enclave affirment cette année encore son identité : un festival de territoire, populaire et profondément vivant.

MANON BRUNEL

Les Nuits de l’enclave 
Du 18 au 27 juillet
À Valréas, Grillon, Visan et Richerenches

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Côté concerts payants, le Festival Musique en Vacances célèbre ses 30 ans le 24 juillet avec le spectacle Movies & Live du groupe Utah, suivi le 27 juillet du récital du ténor Vincent Niclo. Le lendemain Moussu T e lei Jovents et Wallace joueront au profit de la SNSM, une association dont la principale mission est de secourir bénévolement et gratuitement les vies humaines en danger, en mer comme sur les côtes. Le 5 août, place à l’humour avec le festival stand-up Tarpin Drôle et une brochette de talents de la région tels que Malik Fares ou encore Sandra Miso. Enfin, le Jazz sur la Baie prendra le relais du 11 au 13 août, avec notamment Edith Darasse Quartet, Gérard Murphy et Claudie Meyer.

À portée d’oreilles

Côté gratuit, la saison s’ouvre le 14 juillet avec One night of Elton John par Eltonology. Le 16 juillet, aura lieu un ciné-concert autour des musiques de films et séries par le quatuor Bowstroopers. Puis, quatre projections en plein air rendent hommage aux 130 ans de Gaumont avec Aline, Le Sens de la fête ou encore Les Tontons flingueurs.

En août, le Fest’in Port promet trois soirées festives avec, entre autres, Black-Out et Marteen & The Soultunes. Les arts vivants seront aussi à l’honneur : Faites vos jeux avec le Cabaret Lumière le 7 août avec Partouche, danse avec la Vergari Ballett Compagnie le 9 août, concours de chant les 10 et 17 août, et enfin une soirée 100 % humour le 21 août avec Titoff, Philippe Roche ou encore Julien Mameli. Le Théâtre de la Mer promet ainsi un été plein de découvertes et de partage, entre rire, musique et émotion, les pieds dans l’eau.

MANON BRUNEL

Théâtre de la mer
Du 14 juillet au 21 août
Scène du Théâtre de la mer, La Ciotat 

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Chaque journée a son identité propre : une première soirée sous le signe des cultures populaires italiennes au parc Longchamp – qui accueille le festival pour la première fois –avec notamment la chanteuse romaine Lavinia Mancusi et une ronda di pizzica participative. Le tout clôturé par la projection en plein air du film Les Merveilles d’Alice Rohrwacher.

Le samedi 19 juillet, direction le toit-terrasse de la Friche Belle de Mai pour une immersion dans la scène électro-jazz italienne. Maria Chiara Argiro, figure montante du jazz européen, ouvrira la voie au trio expérimentales Fuera et les sons méditerranéens de DJ Costegno.

Enfin, le dimanche 20 juillet, sur la Place des quais de la Friche la Belle de Mai, une balade historique à la découverte de la migration italienne à Marseille, ateliers culinaires et jeux pour enfants, échange de livres en italien, avant un concert de clôture très attendu par le groupe afro-funk Savana Funk.

Un festival engagé

L’événement met un point d’honneur à valoriser la parité et la diversité dans sa programmation, en soutenant à la fois des artistes émergents et des talents confirmés, souvent présents pour la première fois en France. Cette année, deux nouveaux partenaires rejoignent l’aventure : les festivals Ciné Plein air et Hip-Hop Non Stop, avec un concert à venir d’une rappeuse piémontaise prometteuse le 5 septembre.

Porté par l’association Sonica Vibes, avec le soutien de la Ville de Marseille, du Consulat Général d’Italie et de l’Institut Culturel Italien, Ciao Moka incarne l’Italie d’aujourd’hui : moderne et festive, en étant à Marseille, toujours populaire.

MANON BRUNEL 

Ciao Moka
Du 18 au 20 juillet
Divers lieux, Marseille

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Créé pour « prouver que le 04 a toute sa place sur la carte du rap en France », Cyclone est bien plus qu’un enchaînement de concerts. C’est une déclaration artistique et politique, un acte de transmission culturelle. L’ambition est claire : revaloriser la culture hip-hop, connecter les territoires et offrir un espace d’expression aux talents trop souvent invisibles.

Dans la vallée 

Cette année, le festival accueille dix artistes aux styles variés, allant du rap classique à l’afro groove. Parmi eux, Ekloz, figure féminine montante du rap marseillais, Balla Bangoura, voix du 04 entre rythmes africains et flow engagé, ou encore Baddack, Mélina, 4tmos, Deski, Nemo, Mali, sans oublier les jeunes pousses marseillaises Anan et Mehdi Miklo. Un line-up éclectique, pensé pour refléter toute la diversité du rap francophone.

Mais Cyclone, c’est aussi des ateliers gratuits ouverts à toutes et tous : breakdance, graffiti, open mic ou encore espaces ludiques pour les enfants. Une véritable immersion dans l’univers hip-hop, pensée comme un lieu de partage, de création et d’inclusion.

Pour La Marmite, qui terminera ici sa tournée régionale de 15 dates, ce festival est un aboutissement. Depuis leur victoire au tremplin Class’EuRock en 2022, les huit amis enchaînent les scènes et les collaborations. Porte-drapeaux hip-hop du 04, ils veulent faire du festival Cyclone un pont entre les départements, une scène ouverte où souffle un vent de liberté.

MANON BRUNEL

Cyclone
18 juillet
Hippodrome d’Oraison

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Avec Mehdi Kerkouche, le public n’est pas passif. Il vit l’expérience en même temps que les interprètes. Cette proximité, renforcée par les intrusions régulières des danseurs dans la foule, transforme la représentation en expérience collective. La musique de Lucie Antunes, mêlant textures électroniques et sons organiques, électrise le corps. Fumée et lumières stroboscopiques, le spectacle flirte parfois avec l’énergie d’une rave, d’une transe où l’humain se célèbre dans ce qu’il a de plus instinctif.

Vibrer ensemble

Dans cette œuvre sans narration linéaire, ce sont les émotions qui guident. Colère, euphorie, tendresse ou joie : chaque tableau est une image à ressentir. Dans une scène, deux danseurs tournent autour de la tour comme les aiguilles d’une montre. L’un marche, l’autre court. Un moment suspendu qui résonne comme la métaphore du temps qui passe, renforcée par le passage du jour à la nuit pendant la représentation. 

360 ne raconte pas une histoire, cela raconte l’humanité – dans ses conflits (des danseurs se battent et tombent au sol), dans sa beauté (la plateforme qui tourne sous l’effet des corps), et dans sa capacité à vibrer ensemble. Chaque applaudissement devient impulsion. Chaque vibration, langage. Une œuvre sensorielle, où le chorégraphe transforme la danse en purgatoire collectif, en miroir de nos existences.

MANON BRUNEL 

Spectacle donné du 25 au 27 juin au Centre de la Vieille Charité, dans le cadre du Festival de Marseille.  

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Parmi les vingt spectacles proposés, le groupe de breakdance All Style, était bien déterminé à prouver qu’ils avaient leur place. Composé de jeunes entre 8 et 13 ans, certains étaient pour la première fois sur une scène de spectacle. « On a une demande, notre devoir c’était de l’assumer jusqu’au bout », explique Lucas Perrin, le professeur de ces danseurs. Malgré le manque d’expérience et leur jeune âge, ils présentent un show en deux temps. Une première chorégraphie exclusivement avec des danseuses et un « cypher » (formation en cercle dans la culture hip-hop), avec tous les danseurs qui improvisent tour à tour, et offrant des mouvements acrobatiques qui ont impressionné le public. « Être considéré comme des danseurs qui ont la légitimité d’être sur scène, c’est assez plaisant », souligne le professeur de All Style. Une expérience réussie, qu’ils vont renouveler prochainement à Avignon. 

Abolir les frontières

Créer le trouble entre amateur et professionnel chez le public. Avec cette volonté, La Maison Danse ramène simplement à l’essence même de ce qu’est la danse : un geste, un mouvement. Une idée présente dans certains spectacles comme Ma Boîte à Mouvement de François Lamargot. 

Danseur depuis 30 ans, il présente pour la première fois une conférence autobiographique hybride. Théâtre, danse classique, hip-hop ou encore contemporaine, il réunit tous ses talents pour présenter son parcours. Dans ce spectacle, il invite le public dans sa chambre d’enfant et amène un questionnement de beaucoup d’artistes : Quel art me correspond ? Pour lui, pas d’étiquette. Il adresse un message de mouvement sans frontières. « Professionnel, amateur, on est tous reliés par la même intention. L’homme trace des lignes. C’est quelque chose qu’il faudrait abolir le plus possible », explique-t-il. 

Une question est alors mise au centre : Qu’est-ce qu’un danseur ? Derrière ce mot est attribuée une étiquette que beaucoup ne se sentent pas légitimes d’endosser… mais qui n’a jamais hoché la tête dans sa voiture ? Le fils de François Lamargot, lui, ne se pose pas la question. À la fin du spectacle, à peine âgé de 4 ans, il prend possession de la scène au côté de son père. Mouvement naïf mais déjà coordonné pour un enfant de son âge, il s’invite comme pour dire « oui, tout le monde peut danser ». Une parenthèse improvisée qui célèbre la beauté du mouvement.

MANON BRUNEL

1km de Danse a eu lieu le 7 juin à Uzès

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La deuxième partie ouvre l’espace à une dizaine de danseurs, disposés autour de la lumière, bras ouverts, semblable à une forme de procession. Le cercle s’impose comme loi organique. Par vagues, les corps s’assoient, se relèvent, se figent, dans une gravitation constante autour de ce centre incandescent. La lumière, personnage à part entière, devient totem, guide, tension dramatique.

Chaque tableau semble relancer un cycle : répétition de scènes, réapparition de motifs, crescendo sonore où tambours, cris et silences s’enchaînent sans linéarité. Un danseur saute sur place au cœur de la lumière, comme possédé. Les autres, à genoux autour de lui, incarnent une forme de communauté aux allures mystiques. La sensation est forte : d’un rituel ancestral ou à la manifestation d’une secte spectrale.

Belaza donne à voir un monde où le geste ne raconte pas, mais invoque. Le rythme, les ellipses, les ruptures plongent le spectateur dans un état de transe mimétique. Le noir, les halos faibles, les éclats aveuglants dessinent un espace mouvant, poreux, sans repère net. Les danseurs surgissent de tous les coins de la scène, parfois seuls, parfois en attroupement, comme étant des âmes errantes parfaitement coordonnées.

Dans le final les corps entrent, sortent, tournent à l’unisson, emportés par les bruits de cris et une lumière grandissante qui finit par engloutir la salle. On ne sort pas indemne de cette traversée. La Nuée n’illustre rien, mais imprime un monde. Celui d’un collectif régi par la loi du cercle, où chaque geste semble convoquer l’invisible.

MANON BRUNEL

La Nuée était donnée les 13 et 14 juin au Ballet national de Marseille, dans le cadre du Festival de Marseille. 

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