In Search of… Incredible de Julianknxx mêle poésie, image et performance autour des questions de mémoire et de transmission. 100 ans de Cahiers d’Art célèbre un siècle d’archives et de pensée critique. Enfin, le sixième chapitre des Archives Hans Ulrich Obrist est consacré à l’architecte Zaha Hadid. Un article plus complet sera à lire très rapidement sur Zébuline.

M.V.

Overpainted Photographs - In Search of… Incredible

Jusqu’au 10 janvier 2027

Delta - In the Veins - 100 ans de Cahiers d’Art - Archives Hans Ulrich Obrist

Jusqu’au 21 mars 2027

 Luma, Arles

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L’exposition VIVA L’ITALIA, visible au Museon Arlaten, est née grâce à la collection Ramo. Une collection caractérisée par son intérêt pour le dessin, sous toutes ses formes. Des œuvres de maîtres du XVII^e siècle aux bandes-dessinées de Guido Crepax, en passant par le futurisme avec Umberto Boccioni, cette exposition retrace l’héritage de l’Italie. Un héritage lexical également, puisque dessiner vient de l’italien designo, la représentation graphique. 

On retrouvera aussi une sélection d’artistes contemporains italiens, comme Chiara Gaggiotti et ses gravures toute en finesse, ou internationaux, comme Rosa Maria Unda Souki et ses intérieurs colorés. 

La jeunesse crayonne

La « jeune garde » sera mise à l’honneur dans la chapelle du Méjan. Une exposition qui accueille chaque année les futurs talents du dessin. Pour cette édition, des étudiants de l’académie des Beaux Arts de Florence et d’Athènes y seront exposés, aux côtés des talents de l’école des Arts-décoratifs de Paris. Une sélection qui se démarque tant par le choix des sujets que par les styles graphiques. 

À Croisière, on pourra admirer plusieurs expositions collectives : des œuvres naïves et colorées, une sélection plus politique, voire philosophique, avec en tête d’affiche des originaux du chanteur-fantasque Philippe Katerine. Il donnera d’ailleurs une lecture accompagné de son acolyte Philippe Eveno au Théâtre d’Arles, suivi d’un concert, le 15 mai. Pas moins fantastique, la chanteuse Catherine Ringer (des Rita Mitsouko) sera également présente sur la scène du Théâtre d’Arles, et parlera de son père, le dessinateur Sam Ringer. 

Nouveauté cette année, un plan permettra de se repérer dans la ville parmi les nombreuses expositions. Notons aussi que des cours de dessin pour tous les âges seront donnés par des artistes locaux, sur inscription, à l’espace Van Gogh. De quoi se mettre en pratique après tant d’inspirations ! 

MONA LOBERT

Festival du Dessin
Du 18 avril au 17 mai 

Divers lieux, Arles

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De la déesse antique aux luttes actuelles pour les droits reproductifs, Bonnes Mères met en tension les représentations idéalisées et les expériences vécues, dans un parcours où dialoguent œuvres patrimoniales, créations contemporaines et perspectives civilisationnelles. Fidèle à la signature du musée, l’exposition mêle ici avec une justesse rare et précieuse l’artistique, le culturel et le politique – sans jamais chercher à lisser son propos.

Sublimer la mère, fabriquer un mythe

Dès les premières salles, l’exposition donne à voir la puissance des images qui ont façonné la maternité. Figures antiques, Vierges, archétypes nourriciers : tout un pan de l’histoire visuelle construit une mère idéale, féconde, protectrice, sacrée. La spectaculaire Artémis d’Éphèse, avec ses multiples attributs de fertilité, incarne cette abondance mythifiée.

En regard, Nature Study (1984) de Louise Bourgeois déplace cette image vers une maternité plus organique, presque troublante, où le corps maternel se fait sphinge, gardant férocement son intégrité. Ce dialogue est l’un des plus justes de l’exposition : il ne contredit pas le mythe, il le fissure.

Plus loin, la Vénus (Alimata) (2024) de Prune Nourry prolonge le travail déjà puissant qui est devenu un des plus visités du Château La Coste – Mater Earth. La figure demeure sacrée mais s’hybride également dans l’œuvre de Fatima Mazmouz (SuperOum Zelij – Mères culturelles, 2022). La réflexion s’y prolonge en inscrivant la maternité dans des récits contemporains, diasporiques, politiques.

Même la Niobé (2013) sculptée par Laurent Perbos – figure mythologique condamnée à pleurer éternellement la mort de ses enfants pour avoir défié les dieux – rappelle que la maternité n’a jamais été univoque : elle est aussi traversée par la perte, la faute, la douleur. Les larmes y deviennent une matière artistique à part entière, avec tout ce que la représentation relève de questions autour de l’exploitation.

Et puis il y a ces correspondances sensibles, notamment entre le pendentif portugais « cœur de Viana » et le monumental Cœur indépendant rouge (2008) de Joana Vasconcelos : cette même iconographie, entre tradition populaire et monumentalité contemporaine, où l’amour maternel oscille entre tradition intime et geste spectaculaire.

Corps maternels : expériences, douleurs, réalités

L’exposition nous plonge alors dans les réalités concrètes des corps. Les broderies d’Édith Laplace évoquent ainsi avec une pudeur saisissante l’endométriose et l’adénomyose, rappelant combien ces douleurs féminines, et leur impact sur la santé physique et psychique de femmes à la fertilité gravement atteinte, restent invisibilisées. À proximité, la présentation d’objets liés à l’avortement clandestin vient brutalement inscrire la maternité dans l’histoire des contraintes, des interdits et des luttes.

Ce dialogue entre art et documentation culmine avec une œuvre de Vincent Aitzegagh qui revisite la Vierge à la chaise de Raphaël : couleurs altérées, fragment manquant comme à un puzzle – une métaphore bien sentie des parcours de PMA (2018). Placée face à une carte du bassin méditerranéen détaillant l’accès à l’avortement et à la procréation médicalement assistée, elle adosse une dimension géopolitique à celle de l’intime. Rappelant combien l’un demeure inséparable de l’autre.

Entre fiction et vérité

L’un des grands mérites de l’exposition est d’assumer pleinement l’artificialité des images sans jamais les disqualifier. La célèbre photographie de Pierre et Gilles mettant en scène Hafsia Herzi, son fils assis sur ses genoux, en Bonne Mère marseillaise, en est un exemple éclatant : stylisée, presque irréelle, elle touche pourtant à une vérité émotionnelle immédiate.

Ce principe irrigue aussi la vidéo introductive Keening de Ruth Patir, où des Vénus callipyges générées par l’intelligence artificielle semblent reprendre le pouvoir sur un (hyper)réel. Déstabilisante, l’œuvre dit quelque chose d’essentiel : la maternité est un récit en constante réécriture, aujourd’hui traversé par les technologies autant que par les héritages.

Le parcours s’autorise aussi des respirations plus légères – mais jamais anodines. Une citation de Jul, la photographie tendre et décalée de Denis Dailleux montrant un bodybuilder égyptien aux côtés de sa mère, ou encore les œuvres de Niki de Saint Phalle et Baya rappellent que les liens maternels échappent aux modèles : absents, débordants, ambivalents, parfois conflictuels.

À l’image du travail en forme de vitrail de Clara Rivault, réactivant une forme de sacré sans dogme, où le féminin se redéfinit sans tabou ni artifice. Une spiritualité recomposée, à hauteur d’expérience.

SUZANNE CANESSA

 Bonnes Mères
Jusqu’au 31 août
Mucem, Marseille

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Karine Lacôme. Cultures du Cœur est une association nationale créée en 1998. Dans les Bouches-du-Rhône, elle existe depuis fin 2000. Notre objectif est de favoriser l’accès à l’art et à la culture pour les personnes en difficulté, quelle que soit la difficulté. 

Dès le début, nous avons mis en place des partenariats avec des structures culturelles qui offrent des invitations, que l’on met ensuite à disposition sur notre site national. Les structures sociales adhérant à l’association peuvent les consulter et les réserver pour le public. 

Cette billetterie solidaire est un peu la face émergée de l’iceberg. Mais la gratuité ne suffit pas. On s’aperçoit que même quand on surmonte la barrière financière, qui est la plus évidente, il reste toutes les barrières psychologiques, d’accès et d’information. Très rapidement, nous avons donc mené un travail de sensibilisation des professionnels du social et de la culture, et organisé des rencontres pour réfléchir ensemble à comment permettre aux publics en difficulté de mieux se saisir des offres culturelles.

Comment ce projet a-t-il évolué, ainsi que le lien avec vos partenaires, en 25 ans ?

Aujourd’hui, nous travaillons vraiment en réseau avec les structures sociales, culturelles, et aussi avec les institutions qui se sont très vite saisies de cette question-là. Actuellement nous comptons 250 structures sociales adhérentes dans les Bouches-du-Rhône et 247 structures culturelles partenaires.

Nous avons mis en place des formations professionnelles certifiantes pour les professionnels du social, qui se rendent bien compte de ce que ça apporte aux personnes qu’ils suivent, et qu’ils peuvent vraiment se saisir de projets culturels pour travailler des thématiques sociales. Mais ils ne sont pas formés à cela.

Nous avons aussi développé la pratique artistique. Aller au spectacle, c’est bien, c’est important, mais il y a des personnes qui préfèrent découvrir l’art et la culture par le biais de la pratique artistique. Dès 2007, nous avons mis en place des ateliers d’écriture, puis des ateliers théâtres avec Anne-Marie Bonnabel.

Il y a aussi les permanences culturelles, menées dans les structures sociales en binôme avec elles. C’est très important : on ne vient pas faire à la place de la structure sociale, mais avec. Ce sont des moments conviviaux où on parle avec les gens de culture, de ce qu’ils aiment faire, de ce qu’est leur quotidien. L’idée, c’est à la fois de proposer des choses qui nous semblent pertinentes, en concertation avec le travailleur social, mais aussi de répondre aux envies des gens. 

Nous essayons vraiment de mettre les publics, les personnes, au centre. Par exemple, nous avons un projet qui s’appelle Porteurs de culture, que l’on le teste dans le 3e arrondissement. Une animatrice socio-culturelle repère des personnes dans des collectifs d’habitants, dans des associations de parents d’élèves, qui peuvent être un peu portes-paroles des envies culturelles des habitants. C’est le cas de Kaya, qui figure dans l’exposition. On travaille directement avec ces collectifs, des mères souvent, sur la manière d’amener la culture différemment et de l’intégrer au quotidien. 

Comment a été pensée cette exposition anniversaire ?

Nous avions vraiment envie de mettre en avant et de remercier l’ensemble des personnes qui font que Culture du Cœur existe, c’est-à-dire à la fois des bénévoles, les bénéficiaires évidemment, et puis les partenaires sociaux et les partenaires culturels. L’idée était d’être représentatif du territoire des Bouches-du-Rhône, puisque nous sommes présents sur tout le département. Il y a 25 portraits, et une photo d’équipe. 

Et aussi la carte postale. Depuis longtemps, nous utilisons des cartes postales qui permettent aux personnes d’écrire un témoignage sur les sorties, et de partager aussi des émotions. Il n’y a pas d’obligation, mais nous en recevons quand même souvent.  C’est un outil assez utilisé dans les permanences culturelles. Pour les 25 ans, nous avons donc mis en place cette grande carte postale pour que lors de la soirée anniversaire, qui veut puisse partager ses impressions et nous faire un petit retour.

PROPOS RECUEILLIS PAR CHLOÉ MACAIRE 

25 ans en 25 portraits 
Pour ses 25 ans, l’association présente à la Cité de la musique de Marseille une exposition en forme d’« hommage à toutes les personnes qui font Cultures du Cœur ». Celle-ci est composée de 25 portraits réalisés par le photographe Emilio Guzman. 
Face à l’entrée, le sourire de Anne-Marie Bonnabel, bénévole depuis 10 ans, accueille les visiteur·euses. C’est elle qui a créé les ateliers de pratique théâtrale de l’association, ainsi que la troupe Cultures du Cœur, invitée deux fois au Festival C’est pas du luxe !. Farouk, dont le portrait est exposé un peu plus loin, en faisait partie. Son sourire répond à ceux de toutes les autres personnes photographiées : une famille aixoise s’étant rendue au Festival d’Avignon cet été, des bénévoles organisant des balades culturelles dans Marseille, une éducatrice spécialisée de Port-de-Bouc, des travailleur·euses culturels de tout le département… 
Chaque portrait s’accompagne d’un court témoignage, toujours émouvant, sur ce que représente Cultures du Cœur pour la personne représentée. C.M.

Jusqu’au 30 septembre 
Cité de la musique, Marseille 

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Samuel Akounis rêvait de monter Antigone d’Anouilh sur la ligne verte à Beyrouth, en faisant jouer des acteurs de toutes les communautés. Tombé malade, il fait jurer à Georges (Laurent Laffite) son ami, de prendre la suite, de rassembler les acteurs et de monter la pièce. En 1982 Georges part donc au Liban. Le choc est brutal pour lui qui ne connait ni le Liban, ni la guerre. Il parcourt la ville en compagnie de Marwan (Simon Abkarian) son guide, peu convaincu par le projet : « C’est plus pour vous donner bonne conscience que pour régler nos problèmes ! »En effet, n’est-ce pas naïf, voire indécent, de penser que le temps d’une représentation théâtrale, les tensions vont s’apaiser alors que le fracas de la guerre est partout, que les gens manquent de tout.

Mais Georges a fait une promesse, il ne croit plus à la politique, il veut essayer de transformer le monde par l’art. En créant un microcosme utopique : pour lui, le théâtre se fait résistance en faisant cohabiter des acteurs des différents clans en conflit : Charbel (Pio Chahine), chiite maronite, sera Créon, Imane la sunnite (Manal Issa) sera Antigone, le jeune druze, Nakad (Tarek Yaakoub) sera son fiancé Hémon, Khadija la chiite (Kitham Al Lahham) Eurydice… Chacun doit laisser sa religion au vestiaire !

L’Antigone d’Anouilh qui avait été jouée pour la première fois en 1944 en pleine occupation et collaboration, ne représente-t-elle pas la résistance ? Néanmoins, la guerre est là, partout, et le cinéaste a décidé de nous la montrer dans toute son horreur aussi bien dans le théâtre où ils se retrouvent pour répéter que dans les camps de Sabra et Chatila : « La guerre est une chose abominable et mon objectif était de la filmer comme quelque chose de terrible, la rendre insupportable aussi bien moralement que visuellement. » La mise en scène est soignée : le travail du directeur de la photo Guillaume Deffontaines est remarquable, ainsi que le travail de l’ingénieur du son, Pierre Mertens.

Quant aux acteurs, ils sont étonnants de justesse, en particulier Laurent Laffite qui incarne Georges, ce metteur en scène, toujours entre le théâtre et le réel, entre l’illusion politique et le tragique de la guerre, qui veut y croire jusqu’au bout, malgré tout. Les scènes de répétition, plus légères, plus joyeuses, dans ce théâtre à moitié détruit pouvaient donner l’espoir que l’art pouvait changer le monde… Tout comme ce film tourné en 2022, deux ans après l’explosion du port de Beyrouth, deux ans avant le déclenchement de la guerre ! « L’art, c’est des défaites magnifiques ! » On en sort bouleversé…

ANNIE GAVA

Le Quatrième mur, de David Oelhoffen
En salles le 15 janvier

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Le rez-de-chaussée du Miam se transforme temporairement en annexe du CCE (Céramique comme expérience), le laboratoire de recherche de l’École nationale supérieur d’art (Ensa) de Limoges, fondé en 2015. Conduit par l’artiste plasticien Michel Paysant, on y découvre un travail étonnant autour du principe d’eye-tracking (l’oculométrie en français). « Des artistes sont régulièrement invités à travailler au sein du laboratoire afin d’expérimenter et produire des pièces en lien avec les étudiants », explique Noëlig Le Roux, l’un des deux commissaires. 

Le monde des « makers »
Cette expérimentation sur la céramique se fait grâce aux technologies de l’impression 3D, qui permettent aujourd’hui d’imprimer des matières plastiques comme des matières plus organiques, de la céramique comme de la porcelaine… À condition de savoir adapter la machine à ses besoins. Encore une question de savoir-faire. Car ce qui relie les artistes présentés, c’est qu’ils ont été amenés la plupart de temps à créer leur propre imprimante, leur propre processus de fabrication, leur propre code parfois, dans une pluralité des approches comme des matériaux. Comme Miguel Chevalier, dont les Fractal flowers sont à la fois desfleurs du mal virtuelles et des objets dotés d’une existence physique à l’esthétique envoûtante. Elles incarnent à la perfection les liens subtils pouvant se tisser entre algorithme et poésie, structure théorique formelle et beauté du vivant. « Depuis quarante ans, j’utilise les outils numériques pour montrer qu’on peut développer une écriture propre, créer des univers complexes, tout en donnant une matérialité tangible à l’algorithme qui devient source d’émotion », explique Miguel Chevalier. 

Quant à Jonathan Keep, autre intervenant invité au CCE, il a créé sa propre machine destinée à explorer les formes naturelles, des structures à l’essence même de la céramique, à travers les algorithmes mathématiques. Il propose aussi l’accès gratuit et en open source à ses modèles d’imprimante 3D à l’argile. « C’est le monde des “makers”, l’univers des bidouilleurs, ceux qui expérimentent à l’intérieur des “fablabs”, qui sont avant tout des lieux collaboratifs, note Marguerita Balzerani, l’autre commissaire d’exposition. L’artiste n’est pas forcément seul, c’est un cliché, il peut aussi y avoir toute une mise en partage d’expérimentations communes ».

Plantes d’urgence et cartes perforées
La jeune Camille Reidt incarne à merveille l’envie de concevoir à plusieurs tout comme celle de s’aventurer sans complexe dans le domaine scientifique. Formée à l’Ensa de Limoges, elle présente deux projets fascinants, deux récits imaginaires très personnels. Ses Plantes d’urgence sont des capsules de verre transformées en chambres de culture rétro-futuristes. Présentées comme des bijoux précieux, ses Strange Seeds sont le fruit d’un long procédé liant sciences et art, démarche structurée mais avec une grande part de hasard. Après avoir numérisé des graines issues de la grainothèque de la Faculté de sciences de Limoges, Camille Reidt les imprime et les moule pour réaliser une première coque de matière, qu’elle remplit ensuite de rebus de porcelaine, de verre et de métal, n’hésitant pas à tester les limites à travers des alliages disparates détonants. Le résultat, après cuisson et découpe précise, est fascinant de beauté et d’aléatoire, géode unique ni vraiment naturelle ni vraiment artificielle. Difficile de s’arrêter sur chaque artiste, chaque procédé créatif, tant cette exposition collective est volontairement foisonnante, jamais didactique, plutôt conçue pour nous surprendre que pour nous affirmer un propos limitant. Petit clin d’œil en passant pour le collectif Sommes et ses pièces en céramique et verre réalisées avec l’aide du fablab de la Palanquée à Sète, dans le cadre du Défi de création digitale.

Au premier étage, une grande place est laissée à la matière tissée, dans la deuxième partie de l’exposition bien nommée Le fil du code. À commencer par l’étonnante salle de bain de Philippe Schaerer et Reto Steiner réalisée grâce à un stylo 3D à filament. Les machines à tricoter de Jeanne Vicerial comme du duo Varvara & Mar s’exposent au regard, de même qu’un tapis particulier accroché au mur. Une œuvre de Faig Ahmed part des techniques traditionnelles du tapis persan, pour s’amuser des altérations du code numérique qui s’insère dans les fils comme un bug détournerait la matrice tissée pour la transformer en tout autre chose, avec ses harmonies particulières, sa logique créative détournée. L’exposition se termine par ce qui aurait pu être son commencement : les cartes perforées des métiers à tisser Jacquard qui ont révolutionné l’industrie textile au XIX^e siècle. Ces mêmes cartes qui ont grandement contribué aux recherches du mathématicien Charles Babbage sur la création d’une machine analytique… aujourd’hui considérée comme l’ancêtre de l’ordinateur. La preuve que l’art et le code sont plus intimement liés qu’on ne voudrait le croire. 

ALICE ROLLAND

Fait Machine
Jusqu’au 12 novembre 
Miam, Sète 
04 99 04 76 44
miam.org

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On a rendez-vous avec Cahuate Milk, alias Tanguy Soulairol, photographe et plasticien bien connu du milieu culturel montpelliérain. Il fait partie de l’association Inkartad, en charge de la direction artistique de l’événement aux côtés d’Aline Riou et Olivier Scher. C’est au détour d’une collaboration de Cahuate Milk avec ce dernier, naturaliste et photographe, que l’histoire de cette galerie au bord des étangs est née, presque par hasard. En 2013, la première édition attire 500 personnes. Au fil des ans, le succès est grandissant. En 2021, en pleine crise du Covid, la neuvième édition de La Galerie éphémère ne se visite que virtuellement, pour la plus grande frustration des amateurs d’art. Comme une revanche, ils seront 4000 en trois jours à faire le déplacement l’année suivante. 

En 2023, rien ne change. Le cadre est aussi exceptionnel qu’immuable : les Salines de Villeneuve, site protégé sous la responsabilité du Conservatoire d’espaces naturels d’Occitanie. À cheval entre les communes de Villeneuve-lès-Maguelone, Mireval et Vic-la-Gardiole, il compose un paysage lagunaire unique de près de 300 hectares. C’est la raison pour laquelle l’événement se déroule à l’occasion de la Journée mondiale des zones humides, qui célèbre la signature en 1971 de la convention de Ramsar destinée à mieux protéger ces espaces fragiles.

Déconstruire les perspectives
La résidence de création dure à peine six jours, notre venue a un avant-goût presque frustrant. La visiter, c’est comme fouiller dans les frigos d’une cuisine de restaurant en essayant de deviner à quoi ressemblera le plat une fois servi. Ici, pas d’assiette, mais une exposition à déguster pièce par pièce. À commencer par une cuisine dont les fenêtres donnent sur l’étang. À défaut de pouvoir y boire un café, on y apprécie le papier-peint réalisé avec l’illustrateur-naturaliste Cyril Girard. À l’étage, plusieurs installations sont en cours, il y a de la couleur sur les murs, des sculptures en attente d’être accrochées, une pièce où chacun peut recycler des matériaux en bon état issus des éditions précédentes. Au bout du couloir, on reconnait les formes graphiques dessinées par l’artiste Siko. 

Vient une pièce sombre, dont les murs noirs sont décorés des peintures mystérieuses de Célia Teboul, le fruit d’un travail réalisé en partenariat avec le CNRS. On poursuit la visite dans un dédale de couloirs, tandis que Cahuate Milk décrit l’ambiance sonore qui va redonner vie à l’une des pièces. Jules Hidrot est en train de coller des fragments de clichés de bâtiments architecturaux tout en déconstruisant les perspectives. Plus loin, quelques illustrations bleutées de Nadège Féron sont déjà installées. On redescend en empruntant un escalier qui garde les traces des éditions précédentes. 

En bas, la première salle est destinée à accueillir les illustrations de Rachel Weasel Fisher, mais pour l’instant seules quelques dentelles de papercut (papier finement découpé) donnent des indices sur l’univers graphique que le visiteur va être amené à traverser. L’artiste installée à Montpellier participe à sa deuxième édition, tout comme la photographe Élise Ortiou Campon, qui présente son travail photographique à la fin du parcours.

Un condensé d’art
Pas question d’en dévoiler plus, car La Galerie éphémère est avant tout une immersion pleine de surprises pour le visiteur. « C’est un condensé d’art, des univers très différents qui se côtoient au sein d’un même parcours : de l’illustration, du graffiti, de la photo, de la sculpture… On essaie de montrer le spectre le plus large possible en termes de pratiques artistiques », détaille Cahuate Milk. Avec dans l’idée de créer des passerelles lors d’un événement à la fois familial et grand public. Ici, ni censure ni thématique imposée, mais des artistes qui s’inspirent des lieux, de la nature omniprésente comme de son passé industriel. 

Cette année, ils sont une douzaine à exposer (ainsi que deux groupes de musique), essentiellement des artistes régionaux, sous la houlette de l’association Inkartad, qui leur laisse carte blanche. « Chacun fait ce qu’il veut, c’est un lieu d’expérimentation qui leur permet de sortir de leur zone de confort, précise Cahuate Milk. On laisse les artistes libres tout en leur proposant de bénéficier de notre regard artistique. Avec Inkartad, on fait de l’accompagnement d’artistes émergents et locaux tout au long de l’année. » Selon lui, la résidence fait pleinement partie du processus, permettant de « fédérer en connectant les artistes entre eux ». Depuis 2013, 150 artistes ont été exposés ici.

Pour prolonger la visite, différentes actions de sensibilisation à la nature sont proposées l’après-midi : balades natures, observation des oiseaux, ludothèque écologique… Alors que près de 80 bénévoles sont engagés dans l’événement, un groupe Facebook a été créé pour mutualiser les trajets. En partant, chacun pourra se prendre en photo devant un tableau souvenir réalisé en 3D par le duo Maj qui devrait laisser la part belle au flamant rose, mascotte malgré lui d’une Galerie éphémère 100% nature. 

ALICE ROLLAND

La Galerie éphémère
3 au 5 février  
Salines de Villeneuve
Villeneuve-lès-Maguelone
Entrée libre

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