Pour commencer, le  26 mars à 18h, État limite de Nicolas Peduzzi (https://journalzebuline.fr/lhopital-en-burn-out/), Prix spécial du public et Prix du public, Filmer le travail 2024. Et à 21h, ce sera Adieu sauvage ·de Sergio Guataquira Sarmiento : le cinéaste retourne en Colombie pour réaliser un film sur une épidémie de suicides dans les communautés amérindiennes, l’occasion de renouer avec ses racines oubliées.

 Le lendemain à 18h, Julie Talon, nous parlera de Laetitia, consacré à l’ex-championne du monde de boxe thaï. Et à 21h, Nicos Argillet et Stéphane Correah présenteront Varado : au bord du fleuve, une poignée d’orpailleurs sont venus dans l’espoir d’arracher leur subsistance aux boues aurifères d’Amazonie.

Le 28 mars à 17h30, Alexander Markov accompagnera Un bonheur hydroélectrique, inspiré d’une histoire vraie : un ingénieur soviétique participe à la construction du barrage d’Assouan…

 En clôture, ce sera DJ Mehdi – Made in France de Thibaut de Longeville, une série en en 6 épisodes qui dessine le portrait de Mehdi Faveris-Essadi, aka DJ Mehdi : à seulement 12 ans, il s’est lancé dans une carrière qui a bouleversé le monde du rap et la culture électro. Thibaut de Longeville parlera après le 2^e épisode de cette série multi récompensée : Victoire Création audiovisuelle, Victoires de la Musique 2025 · Meilleure Série Documentaire, Cannes séries 2024 · Prix spécial du jury Sacem 2024 · Étoile de la Scam 2025.

Annie Gava

Photo : Adieu sauvage de Sergio Guataquira Sarmiento 

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 « Autrefois, à Montréal, c’était facile de trouver des restaurants où on pouvait trouver des œufs et du bacon. Maintenant, c’est des cafés avec des croissants et des muffins », constate Denise Laroche, qui déplore le côté « hautain » de ces cafés. Car dans les retaurants, on se sent bien. On y mange, on parle, on picore dans l’assiette de son voisin de table, on se confie : regret de tout ce qu’on n’a pas fait dans sa vie, aller camper, partir en road trip avec quelqu’un. On joue aux mots fléchés. On est là pour essayer de s’échapper du trou de l’isolement. Langage des yeux, langage des signes, visages qui sourient, visages tristes, entrevus dans les reflets, filmés parfois de l’extérieur où la neige amortit tous les bruits, enveloppant ces lieux de vie tels des cocons. Portraits esquissés, comme des fragments de vie qui nous parlent de solitude  mais aussi de chaleur humaine. Des fragments que Jean-Baptiste Mees a su capter avec sa caméra Super 8 avec beaucoup de douceur et d’amour.

ANNIE GAVA

Jean-Baptiste Mees est venu présenter jeudi 24 avril au cinéma La Baleine son film documentaire La journée qui s’en vient est flambant neuve. Entretien

Zébuline. D’où vous est venue cette idée de film ? 
Jean-Baptiste Mees. L’idée vient de ma rencontre avec le restaurant ; j’y suis entré un jour d’hiver. Je venais d’arriver à Montréal, j étais un peu perdu. Il neigeait et ce resto m’a appelé, ce genre de resto qu’on voit souvent dans le cinéma américain. J’y suis allé régulièrement le matin et j’ai eu envie de filmer ce que j’y voyais. C’était lié aussi à la lecture de poésie québécoise contemporaine. Comme de la poésie directe. J’expérimentais en film Super 8 et 16. J’ai eu envie de créer des récits du matin avec la contrainte du Super 8 dans cet espace-là.

Il y a deux lieux ; les deux restaurants Le Corvette express et le New Canada Hotdog à 49 minutes à pied l’un de l’autre. Pourquoi ce choix ?
Absolument. Je me suis rendu dans plusieurs restaurants et très vite j’ai fait des prises de son. Quand je sortais le micro, les gens venaient vers moi. Des gens qui avaient le désir d’une rencontre et qui ont pris le micro. Très vite, j’ai eu des rencontres importantes dans ces deux resto qui ont quelque chose en commun : des restaurants -déjeuners qui ont une tradition d’hospitalité mais tendent à disparaitre dans cette ville qui se gentrifie beaucoup. Je n’ai pas eu envie de choisir entre les deux. De plus, j’ai rencontré Denise, la dame mal entendante, qui fréquentait les deux. Cela m’a conforté dans l’idée dans mon désir de filmer les deux lieux.

Tourner en super8 a été un choix dès le début ? Filmer en pellicule veut dire une économie de plans à l’inverse du numérique. Comment avez-vous géré cela ?
Avant je tournais en numérique et j’ai eu envie de briser cela. Avant d’arriver à Montréal, j’avais expérimenté le Super 8 et le 16 dans une société de production, Main Films. J’ai très vite compris qu’avec la contrainte de la durée du film – une bobine, c’est 2 minutes 30 – j’allais toucher à une écriture plus fragmentée, plus poétique et que ça m’emmenait ailleurs. Tourner en numérique n’aurait pas donné le même film. On a une succession de rencontres avec des gens qui reviennent. Il y a une empreinte très forte de ces moments-là. 

Apparaissent une vingtaine de personnes dont certaines deviennent Personnages Quel pacte documentaire avez-vous passé avec eux ?
Je me suis rendu compte que je filmais les gens qui m’avaient interpellé. J’ai tourné pendant deux ans et ceux qui sont au cœur du film sont venus à moi. J’ai fait du son seul, je venais régulièrement prendre mon petit déjeuner. Je filmais peu. Je me suis présenté aux gens qui se sont habitués à ma présence et c’était comme si j’avais rendez vous avec eux.  Ce restaurant est un espace de solitudes : seul ensemble, seul à plusieurs .Parfois une petite brèche s’ouvre. J’aime ce moment où Louise m’interpelle, me plaçant comme une personne dans le film. J’ai l’impression d’avoir fait partie de ce lieu avec ma caméra, de faire partie d’une ville.

Le film commence par l’éclipse solaire : celle d’avril 2024 ? Un autre repère temporel est les incendies de 2023 ou 2024 ?
Les incendies ont tendance à se reproduire de façon véhémente chaque année au Québec. La scène de l’éclipse précède le générique et a une nature un peu spéciale, symbolique. C’est un moment de communion, la promesse d’une journée flambant neuve. Le film est fait de petites histoires humaines mais il y a aussi le Monde qui entre dans le restaurant…

Le titre est aussi celui d’une chanson de l’album Astronomie du groupe Avec Pas D’Casque.
J’avais parlé de l’idée balbutiante du film à mes colocs et l’une d’entre elles m’a fait écouter cette chanson ; le titre plus que la chanson m’a marqué et a été une direction pour la fabrication du film. Je filmais tôt le matin et ce à quoi je tends, c’est la possibilité d’une journée flambant neuve : un moment entre la nuit et le jour qui n’a pas encore commencé. Un moment où on puise de l’énergie, où on se réajuste.

Vous pouvez nous parler du choix de la musique composée par Abéle Kildir et Cassandre Henry ?
Cassandre est une amie d’une de mes colocs. C’était super de travailler avec ces deux musiciennes. J’avais le désir d’une musique organique qui vienne raconter qu’autour de la nourriture, qu’autour de ces regards il se passait quelque chose de beau. Une sorte d’épiphanie dans la journée.

L’impression que j’ai ressentie en voyant ce film est à la fois une grande solitude et une grande chaleur humaine : c’est cela que vous ressentiez vous même ?
J’arrivais dans une ville que je ne connaissais pas, un moment de changement important dans ma vie. J’ai eu l’impression de trouver une sorte d’assise. Je me suis assis dans ce restaurant, j’ai fait un film en le fréquentant. Des sentiments que je reconnaissais et que j’ai eu envie d’explorer.

ENTRETIEN REALISE PAR A.G.

La journée qui s’en vient est flambant neuve, produit par le réalisateur et producteur Régis Sauder de la société de production marseillaise 529 Dragons a été sélectionné à Visions du réel et au Festival de Cinéma de Brive.

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Ça commence le 17 avril à la Baleine, avec les Mauvaises filles, en présence de sa réalisatrice Émérance Dubas. Une enquête sur ces filles mises au ban de la société derrière les hauts murs de la congrégation du Bon Pasteur des années 1950 à 70. Le même jour, le festival présente Les Odyssées de Sami de Robin Dimet – également présent sur place. Un film-portrait sur cet Éthiopien qui a passé les 19 dernières années à traduire une anthologie des mythes grecs et romains en amharique pour faire connaître à ses concitoyens la sagesse antique.

Le 18 au Vidéodrome2, The Wild One nous fait découvrir la vision d’un homme dont la vie entière fut tournée vers l’idée que la création artistique est un acte de survie ; en présence de la réalisatrice Tessa Louise-Salomé et du compositeur Gaël Rakotondrabe. Et la soirée se poursuit à la Baleine avec Les Sentinelles de l’oubli, de Jérôme Prieur, consacré aux monuments aux morts présents depuis un siècle dans la moindre commune française, et qui fixent dans la pierre le souvenir d’hommes tombés sur les champs de bataille. Un film signé Jérôme Prieur, qui aura la veille assuré une masterclass sur le campus Saint-Charles d’Aix-Marseille Université.

Le festival se termine le 19 avril. Dès 10h30 avec une table ronde consacrée à la place de l’écriture dans le documentaire à la Baleine. Toujours au cours Julien, le rendez-vous accueille ensuite Barbara Bascou, monteuse du film Le plus grand lavomatic du monde, et enfin au Gyptis avec Jean-Pierre Bloc, qui présentera Par la fenêtre ou par la porte, soit l’histoire d’un long combat syndical, inventif et ouvert sur la société.

ANNIE GAVA

Vrai de Vrai
Du 17 au 19 avril
La Baleine, Vidéodrome2, Gyptis
Marseille

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Les femmes, le patriarcat et le capitalisme

Lors du lancement de la 15^e édition, le 10 décembre au cinéma La Baleine, cela se prêtait particulièrement bien au thème de la soirée, l’émancipation féminine. Deux documentaires étaient au programme, avec pour point commun un usage convainquant du dessin. Un procédé qui, n’étant pas directement arrimé au réel, décuple le pouvoir évocateur du cinéma, en renforçant l’impact de la matière sonore, et réciproquement. Les filles c’est fait pour faire l’amour, court-métrage de 15 minutes, a pour matière première trois entretiens réalisés par la sociologue Emmanuelle Santelli. Ses « enquêtées » ont accepté que leurs voix soient utilisées. Et le résultat est remarquable : loin d’un travail académique, le film condense l’expérience du patriarcat auquel toutes sont confrontées, pour montrer ce que les trajectoires individuelles ont de générique. À quel niveau d’intériorisation de ses exigences faut-il en être pour se dire « je dois être une bonne partenaire sexuelle, de sorte que mon compagnon puisse s’en vanter auprès de ses copains » ? La prise de conscience et le récit de leur émancipation est très émouvant.

C’est le cas aussi du long format de Daniela de Felice, 66 minutes aussi brûlantes que son titre, Ardenza. Elle y décrit, à la première personne, vie sentimentale et engagement politique, entremêlés dans l’Italie des années 1990, alors que l’orage social gronde face au capitalisme et aux résurgences fascistes. Ses dessins à la plume, ses aquarelles (la réalisatrice a étudié la narration visuelle à Bruxelles) apportent une grande intensité à ce regard féminin sur cette période effervescente. La qualité littéraire de son texte y est aussi pour beaucoup. N.B. : pour ceux qui ont raté la projection, les deux œuvres sont accessibles en ligne.

GAËLLE CLOAREC

Le festival Risc s'est déroulé du 10 au 14 décembre, dans plusieurs salles de Marseille

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Pourtant, après un article du Monde publié en novembre 2023, l’opprobre avait été jeté sur les modalités d’accompagnement des Artistes en exil. Probablement liée au succès et à la visibilité de l’association, la crise interne a eu le mérite d’orienter les missions vers un accompagnement temporaire qui vise à amorcer une carrière: l’enjeu est bien de favoriser l’égalité des chances, non du résultat, et les artistes en exil sont désormais intégrés au conseil d’administration de l’association.

Volet marseillais intégré

A Marseille, la municipalité a bien compris l’importance de ces enjeux et soutient l’association via le Contrat Territorial d’Accueil et d’Intégration ainsi qu’en lui attribuant un local à Vauban.  

Pour Sarah Gorog et Nicolas Stolypine, responsables du projet à Marseille, il s’agit d’installer le festival en développant des partenariats avec les équipements culturels et les festivals. Ainsi la programmation de la 7^e édition décline de nombreuses performances avec des partenaires tels que Provence Art Contemporain, l’AMI, le Château de Servières, le Musée d’Art Contemporain de Marseille [mac], le cinéma La Baleine, la grande librairie internationale,  La Mûrisserie…

Visions d’exil Marseille propose des soirées festives, des concerts, des spectacles, des  performances, des expériences immersives, des expositions, des projections, des rencontres et des tables-rondes, des lectures et des ateliers de pratique artistique. Cette édition est marquée par l’omniprésence de la guerre et la montée en puissance des régimes autoritaires, qui  entraînent des violations des droits humains et des attaques véhémentes contre la démocratie sur lesquels les oeuvres sensibilisent. 

La thématique de la censure a inspiré ces artistes dont le parcours reste lié à l’expérience et au trauma de l’exode, à la fuite de régimes autoritaires et violents. Victimes de guerres et de discriminations raciales ou politiques, ils témoignent de parcours d’oppression et de résistance : la culture d’un peuple en péril se perpétue à travers ses artistes et dans les contextes d’exil, l’artiste doit pouvoir continuer à créer, en tant qu’individu mais aussi en tant que dépositaire d’une culture. 

Ainsi, durant la première semaine de Visions d’exil, Censure expose des artistes originaires de Turquie, d’Ukraine, de Russie, d’Irak, d’Iran, de Syrie et de Colombie, tandis que le FID projette deux films ukrainien et palestinien, et que le Château de Servières expose des artistes birmans.  

SAMIA CHABANI

Censure, exposition collective
Jusqu’au 23 novembre
Vernissage le 7 novembre de 18h à 21h
Provence Art Contemporain, Marseille 

Voyage au bord de la guerre (Ukraine)
Quatrième étage après la Nakba (Palestine)
Le 8 novembre
Cinéma la Baleine, Marseille

Hsin Hsa
Du 13 novembre au 14 décembre
Château de Servière, Marseille

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