Quelle est selon vous la particularité de sa pensée ?
C’est une pensée impossible à enfermer. McKay a traversé différents courants sans jamais s’y fixer. Il a été proche des milieux communistes, il a séjourné en URSS, mais il s’en est très vite détaché. À la fin de sa vie, il devient catholique. C’est quelqu’un de profondément libre, qui refuse les étiquettes. Il est toujours en marge, en décalage. Et cela se retrouve aussi dans ses trajectoires : il fréquente à la fois les milieux populaires – les marins, les dockers, les vagabonds – et les cercles intellectuels ou bourgeois. Il peut être sur les quais de Marseille, puis se retrouver sur la Côte d’Azur avec des figures comme Fitzgerald. Cette position de déplacement permanent lui donne un regard singulier. Il est à la fois jamaïcain, américain, européen par moments. Et puis queer, à une époque où le mot émerge à peine ! Cette multiplicité nourrit une pensée très riche, très mobile, et finalement très contemporaine dans sa manière de refuser les catégories fixes.

Marseille célèbre aujourd’hui son œuvre. Qu’en est-il ailleurs, notamment aux États-Unis ?
Il reste globalement méconnu. Aux États-Unis, il est surtout étudié dans les milieux universitaires liés à la Harlem Renaissance ou à la littérature noire. Mais dans le grand public, il est peu identifié. On connaît parfois certains textes, comme le poème If We Must Die, sans forcément savoir qu’il en est l’auteur. Aujourd’hui, il y a une forme de redécouverte, et elle passe en partie par Marseille. Depuis quelques années, plusieurs livres sont réédités, des textes ressortent, des projets artistiques se développent. Le film participe à ce mouvement. Il y a aussi une dynamique collective : spectacles, lectures, ateliers dans les universités… Tout cela contribue à remettre McKay en circulation. C’est assez récent, et cela correspond aussi à un moment où ses thèmes – les migrations, les rapports de domination, les identités – résonnent fortement avec notre époque. Finalement, c’est un auteur qui revient parce qu’il parle très directement au présent.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR SUZANNE CANESSA

Claude McKay, errances d’un poète révolté sera projeté à l’Artplexe le 3 avril dans le cadre du festival Music & Cinema.

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À l’affiche

Dans La Confrontation de Marie Abbenanti et Sandy Pujol-Latour, Maxime, 17 ans, va devoir affronter, au sein d’un commissariat, sa plus grande peur : se confronter à son parrain qui l’a violée lorsqu’elle était enfant.

Le documentaire de Julie Perreard, Tu n’es pas seule, qui a obtenu le prix du documentaire au dernier Arte Mare, nous fait suivre six filles du collectif Collages Féminicides Corse.

Dans Camera Obscura, Yolaine Lacolonge questionne la puissance des images et le rôle du cinéma à travers le regard de trois réalisateurs corses : Thierry de Peretti, Julien Colonna et Frédéric Farrucci.

Les ambassadrices jeunes du cinéma d’Arte Mare, qui font partie du programme permettant de renforcer la cinéphilie des jeunes générations, rencontreront leurs alter ego marseillais et réaliseront un podcast pour l’occasion. 

ANNIE GAVA

Arte Mare
31 janvier
L’Alhambra, Marseille

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Qu’est ce qui vous a donné envie de devenir Cheffe Déco ? Quelles études avez-vous suivies ?

 C’est arrivé un peu par hasard. J’avais entamé des études d’archi et on m’a proposé de faire un TPE (Travaux de Fin d’Etudes) à la FEMIS. J’ai adoré car ça correspondait à ma personnalité. J’ai arrête les études d’archi et j’ai travaillé dans la déco. Au départ sur des courts, puis des longs en tant que cheffe déco. J’avais fait une école d’arts appliqués, je dessinais beaucoup, faisais des chantiers. Les décors c’est la rencontre de milieux artistiques avec des choses très manuelles. Il y a le regard artistique et aussi un gros aspect technique auquel je tiens beaucoup

Vous avez commencé par le court métrage Massacre de Maité Sonnet, nous semble t-il  en 2019. Et depuis des longs dont Saint Omer et Le Ravissement. Comment abordez-vous une nouvelle proposition ? Par le scénario, les échanges avec les cinéastes ?

J’ai commencé avant par des courts moins connus, très jeune. D’abord, je tiens beaucoup au scénario. J’aime lire le scenario et voir ce que le réalisateur a fait avant. C‘est comme cela qu’on se projette dans une mise en scène, qu’on imagine les choses et il y a la confrontation avec le réel. C’est assez rare que ce qu’on imagine corresponde au désir du réal. Parfois ce sont nos deux idées qui vont se rencontrer, parfois je me laisse emporter par la vision du réal quand je la trouve incroyable. Parfois c’est l’inverse : il faut alors l’accompagner par des références, de films ou des dessins

Y a t-il eu des propositions que vous avez refusées (Sans citer des noms bien sûr) et dans ce cas pourquoi ?

Pas tant que ça ! Je suis jeune ! Ce sont souvent des questions politiques. Je suis plutôt de gauche et il y a des films que je ne pourrai pas faire car la représentation des personnes dans le film serait trop compliquée : ça me bloquerait pour me projeter. C’est dur quand on n’aime pas un scénario d’aller chercher du désir. Le cinéma demande tellement d’énergie, une implication totale. C’est tellement chronophage ! Sans ce désir-là c’est terrible ! Autant faire autre chose !

Pouvez-vous nous préciser comment vous travaillez : repérages de lieux, dessins, maquettes, tableaux… ?

Il faut parler de quelque chose de très important : le budget d’un film et celui de la déco qui est un très gros budget. Tout se passe dans les pré-repérages, les dessins et beaucoup de références. J’adore les chercher et je travaille beaucoup avec ça. Après on dessine une trame avec le chef opérateur.

Comment avez-vous travaillé avec Louise Hémon pour L’Engloutie ?

Il y a une petite exception pour L’Engloutie. Louise avait une iconographie délirante, vraiment beaucoup de livres sur l’époque. Elle m’avait conseillé la Cinémathèque des montagnes, une base de données incroyable. L’Engloutie est un film à base de nombreuses images documentaires, des images de films comme Les Portes du Paradis, Heureux comme Lazare. Le Cimino pour quelque chose du western. Des peintres du clair-obscur aussi avec ce choix de la lumière du feu. Avec le chef op, on fait beaucoup de réunions. On s’échange des références en dehors du réal. C’est important car on parle de pure image, de pure lumière. J’aime aborder aussi la question des couleurs.

 Pour L’Engloutie, il a fallu fabriquer la cheminée, créer un conduit pour évacuer la fumée. Pas toujours efficace ! Il fallait beaucoup de grands feux pour avoir le maximum de lumière. On a repeint tous les murs, et dans les patines du bois, on mettait beaucoup de blanc, pour que la lumière  rebondisse. Dans cet espace tout était noir. Des noirs qu’on a vernis pour qu’ils prennent le plus possible la lumière. Dans les lampes à pétrole, pour les extérieurs, on a caché des torches remplies de paraffine pour que dans les plans de loin, on ait assez de lumière.

Combien de temps a duré la construction du décor et combien de personnes y ont participé ?

La construction a pris beaucoup de temps. On a eu un mois sur place mais la neige est tombée très tôt, en novembre,  et on s’est retrouvé avec des véhicules improbables pour transporter du bois à 2000 mètres d’altitude. On a mis presque 6 mois, ce qui est très long pour ce type de film. On était une vingtaine. Parfois pour certains films, l’équipe monte jusqu’à 200 personnes. C’est le premier assistant qui gère le budget pour les embauches. La période de négociations avec la production est très compliquée. Un budget où il y a les matériaux et les embauches « chargées » , c’est souvent 5 à 10% du budget d’un film.

Un entretien réalisé par Elise Padovani et Annie Gava  le 8 octobre à l’occasion de l’avant-première du film de Louise Hémon, L’Engloutie

Anna Le Mouël © A.G.

Lire ICI la critique du film et ICI l’interview de Louise Hémon

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C’est Fifi, qui mène une double vie : étudiante libre de son corps et de ses relations devenant au foyer la fille sage, docile et pudique, promise à un mariage conventionnel. C’est Walid, le médecin amoureux de Fifi qui renoncera à cet amour parce que Fifi n’est pas « un bonbon encore dans son emballage. » C’est Rami, son frère, qui refuse que la femme qu’il aime,Shirley, hôtesse de l’air juive, garde le bébé qu’elle porte. Un bébé inenvisageable pour leurs parents, comme pour les organisations israéliennes qui œuvrent par la violence et l’intimidation à briser toute possibilité de mixité. Les non-dits, les dissimulations, les mensonges, le croisement des points de vue tisonnent le malaise dans un crescendo savamment orchestré, en quatre mouvements.

Oppression perpétuelle 

Arabes et hébreux s’entendent dans le film. Haïfa est une ville cosmopolite réputée pour la coexistence apaisée entre eux. Le film, en filigrane, montre que c’est illusoire. Une séquence saisissante dans une classe primaire où Fifi fait un stage montre comment on conditionne les enfants dès leur plus jeune âge à respecter Dieu et les soldats qui protègent l’unité du peuple élu. Les grandes fêtes juives rythment le calendrier s’imposant à tous les citoyens, dans une suprématie de fait.

Le titre arabe du film, Yinad Aleykou peut se traduire par : « Que cela se répète pour toi ». Une formule de vœux pour un avenir plus heureux qui prend ici un sens littéral avec le retour à la séquence du début pour Fifi, suggérant selon le réalisateur, un cycle vicieux d’oppression perpétuel.

Mon film, dit-il, « souligne le fait que la liberté est une question collective. Personne n’est libre si tout le monde ne s’est pas émancipé des formes d’oppression, qu’elles soient politiques, sociales ou culturelles. Le film vise à nous rappeler que nos luttes pour la liberté et l’égalité sont profondément liées. » Tourné en 2020, avant la pandémie, Chroniques d’Haïfa a pu concourir à la Mostra de Venise en 2024 où il a remporté le prix du meilleur scénario section Orizzonti.  

ÉLISE PADOVANI

Chroniques d’Haïfa, histoires palestiniennes de Scandar Copti
En salles le 3 septembre

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Si l’organisation garde les mêmes ingrédients, elle se permet quelques nouveautés. Un before du festival se tiendra dès 16 mai avec un « parcours itinérant entre musique et cinéma dans plusieurs de Marseille », où l’on verra notamment le premier volet de l’excellente « trilogie marseillaise » signée Benoît Sabatier et Marcia Romano. 

NICOLAS SANTUCCI 

La Plaine du Rock
18 mai
Place Jean-Jaurès

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Les femmes, le patriarcat et le capitalisme

Lors du lancement de la 15^e édition, le 10 décembre au cinéma La Baleine, cela se prêtait particulièrement bien au thème de la soirée, l’émancipation féminine. Deux documentaires étaient au programme, avec pour point commun un usage convainquant du dessin. Un procédé qui, n’étant pas directement arrimé au réel, décuple le pouvoir évocateur du cinéma, en renforçant l’impact de la matière sonore, et réciproquement. Les filles c’est fait pour faire l’amour, court-métrage de 15 minutes, a pour matière première trois entretiens réalisés par la sociologue Emmanuelle Santelli. Ses « enquêtées » ont accepté que leurs voix soient utilisées. Et le résultat est remarquable : loin d’un travail académique, le film condense l’expérience du patriarcat auquel toutes sont confrontées, pour montrer ce que les trajectoires individuelles ont de générique. À quel niveau d’intériorisation de ses exigences faut-il en être pour se dire « je dois être une bonne partenaire sexuelle, de sorte que mon compagnon puisse s’en vanter auprès de ses copains » ? La prise de conscience et le récit de leur émancipation est très émouvant.

C’est le cas aussi du long format de Daniela de Felice, 66 minutes aussi brûlantes que son titre, Ardenza. Elle y décrit, à la première personne, vie sentimentale et engagement politique, entremêlés dans l’Italie des années 1990, alors que l’orage social gronde face au capitalisme et aux résurgences fascistes. Ses dessins à la plume, ses aquarelles (la réalisatrice a étudié la narration visuelle à Bruxelles) apportent une grande intensité à ce regard féminin sur cette période effervescente. La qualité littéraire de son texte y est aussi pour beaucoup. N.B. : pour ceux qui ont raté la projection, les deux œuvres sont accessibles en ligne.

GAËLLE CLOAREC

Le festival Risc s'est déroulé du 10 au 14 décembre, dans plusieurs salles de Marseille

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Une carte blanche, Nahala ou la ville qui sombre, drame de Farouk Beloufa, et deux documentaires – Erased Ascent of the invisible de Ghassan Halwani, et  After the End of the World de Nadim Mishlawi – compléteront ce portrait sensible, en actes et en perspectives de la « ville qui ne meurt pas ».

On change de ville 

Acte II : Marseille du 17 au 20 octobre. Des événements cinéma avec l’avant-première au Gyptis du film de Nicolas Burlaud – Les Fils qui se touchent, produit en Région Sud. Et un focus Yannick Bellon, en partenariat avec Films Femmes Méditerranée, à l’occasion du centenaire de sa naissance, pour parcourir avec elle, Los Angeles, Paris et Venise. 

Des rencontres aussi, animées par Thierry Paquot,résolument constructives et tournées vers l’avenir, le faire-ensemble, les solutions. On va aussi découvrir Les Paysages de l’Anthropocène avec Agnès Sinaï et se demander comment et où vivre dans les nouvelles conditions climatiques de la planète. Inventer de nouveaux savoir-faire avec Simon Teyssou qui dialoguera avec les jeunes étudiants en architecture. Voir le film en chantier de Christian Barani sur 24 agences françaises d’architecture, partager les espoirs des jeunes générations. Faire territoire avec le même Simon Teyssou en tenant compte en urbanisme du « déjà-là », de l’échelle humaine pour ré-enchanter les lieux. 

Les Rencontres proposent aussi un«état des lieux », autour de la question : « Filmer l’Architecture, où en est le cinéma ? » Pour répondre, deux tables rondes et pas moins d’une dizaine de films.Notons parmi ceux-là, la première française de Skin of glass de Denise Zmekhol qui nous emmène dans le célèbre gratte-ciel moderniste de São Paulo squatté par les sans abri, et les avant-premières de E.1027 – Eileen Gray et la maison en bord de mer (Béatrice Minger et Christophe Schaub) ainsi que Architecton de Victor Kossakovski. La clôture se fera à la Baleine le 20 octobre à 21 h sur la fable de science-fiction qu’on promet « envoûtante et sublime » de l’Islandais Jóhann Jóhannsson : Last and first men, portée par la voix qu’on sait envoûtante et sublime de Tilda Swinton.

ÉLISE PADOVANI

Les Rencontres d’Image de ville
Aix-en-Provence
Du 10 au 13 octobre
Marseille
Du 17 au 20 octobre 

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Neurones en mouvement

La journée du 19 septembre se déroulera à Aix-en-Provence, sur trois sites : le 3bisf, centre d’arts contemporains de l’hôpital psychiatrique Montperrin, l’Université, et le 6mic, salle de musiques actuelles. Relevons trois propositions dans un programme dense, notamment un autre film assorti d’une rencontre avec sa réalisatrice, la chorégraphe Balkis Moutasha. Climal (2023) évoque les relations entre humains et animaux : corps, rythmes, mouvements… « notre commun comme notre altérité ». Puis la performance du Groupe Urbain d’Intervention Dansée qui présentera le répertoire du Ballet Preljocaj. Et enfin Jouir, spectacle de Juliette Hecquet cherchant à répondre à une question impudente : « Pourquoi existe-il un écart orgasmique ? ».

Le 20 septembre, direction Marseille et le Mucem, où les enseignants d’Aix-Marseille Université apporteront des éclairages sur quelques interrogations passionnantes : comment est-ce que les bébés communiquent ? Nos fluides corporels influent-ils sur notre personnalité et notre tempérament ? Comment mieux accompagner la fin de vie ?

Quant à la fin du festival, le lendemain, elle se conjuguera avec les portes ouvertes du Centre dramatique national de Marseille, La Criée. Le public est invité à mettre la main à la pâte, lors d’ateliers variés : d’écriture, d’arts plastiques, de hula hoop, de philosophie… Et de danse : après avoir réalisé son masque d’animal imaginaire avec l’artiste Loïse Bulot, tous sur la piste pour Le grand bal, mené par Carole Errante. « Intergénérationnel, multiculturel et inclusif, réunissant professionnel·le·s et amateur·ice·s », il promet que la pesanteur ne sera plus qu’un lointain souvenir, rien que ça !

GAËLLE CLOAREC

Jeu de l'Oie
18 au 21 septembre
Aubagne, Aix-en-Provence, Marseille
festivaljeudeloie2023.univ-amu.fr

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Réparation

Si elle n’apparaît pas à l’écran, Yamina Zoutat est omniprésente. Elle a 28 ans quand s’ouvre « le procès du sang contaminé » – comme si c’était le sang qui était accusé, remarque-t-elle. Elle a insisté malgré les réticences de sa rédaction, pour couvrir l’événement comme chroniqueuse judiciaire. Une consigne lui est donnée : « tu ne montreras pas de sang ». Drôle de procès non filmé, qui ne se déroule pas au Palais de justice, où les victimes ne peuvent pas se porter parties civiles et où « les juges sont des hommes politiques déguisés en juges ». Par les photos personnelles montrées plein écran, le film convoque les jeunes martyres du Sida, avant leur maladie. La voix off raconte leur histoire tragique, celle de ce sang prélevé sur la voie publique, transfusé sans analyses, celle de ces donneurs qui se croyaient de vie et furent de mort. Yamina Zoutat répare le silence imposé à l’époque.  

Convergences

Comme une « chienne de rouge » – qui on l’apprend, est une chienne de chasse dressée à pister une bête blessée – la réalisatrice suit la trace. Dans les sous-bois sur le tapis mordoré des feuilles mortes. Dans les toilettes où gouttent les menstrues. Sur le sol où après l’attentat du Bataclan, des étudiants en médecine ensanglantés jouent le rôle de victimes. À l’hôpital où on transfuse, transplante, greffe. Dans les mariages mixtes où se mêlent les sangs. Dans le sourire édenté de sa fillette qui a perdu une dent de lait et retrouve le goût métallique de l’hémoglobine. Dans la mer écarlate où on harponne les gros poissons. Au cinéma où Nosfératu, triste vampire, plonge ses canines dans le cou d’Ellen, où indiens et cow-boys deviennent frères de sang et où l’ange Damiel des Ailes du désir éprouve par une plaie, la condition humaine. Documentaire hybride, tissant un réseau de destins, de vies au quotidien, d’événements exceptionnels, juxtaposant archives, images scientifiques, souvenirs filmiques et témoignages. Quête intime qui met les images en correspondance, en convergence.

Comme le flux sanguin, le film circule. Mohamed, un convoyeur de sang sillonne Paris de nuit pour livrer les poches du précieux liquide dans des caissons isothermes. On suit la professeure de médecine Nguyen, d’origine vietnamienne, spécialisée en greffes, jusque dans sa famille. On écoute son père qui pose les questions d’intégration, d’identité et de dissolution. On entend une greffée dont la famille a été exterminée à Auschwitz, lire sa  bouleversante lettre à un donneur allemand. Par intermittence le rouge envahit l’écran et un cœur pulse à gros battements. C’est le leur. C’est le nôtre. Et c’est notre humaine condition.

ÉLISE PADOVANI

Chienne de rouge, de Yamina Zoutat
En salles le 14 février

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Il y a des actes de courage individuel qui infléchissent l’Histoire, changent la donne, ouvrent la voie. Des actes révolutionnaires sans révolution : un refus soudain de se plier à une loi injuste, une tradition oppressive, une violence ou un oubli. C’est le « non » de Rosa Parks dans l’Alabama raciste des années 1950. C’est aussi celui de Franca Viola, la première Italienne à s’opposer, en 1965, à la pratique séculaire du mariage « réparateur », refusant d’épouser son ravisseur et violeur et le traînant, malgré les pressions sociales, devant les juges.

« Pour la première fois non seulement une jeune fille en Sicile a préféré être “déshonorée” plutôt qu’accepter la violence d’un homme, mais surtout, un père, au lieu de résoudre la question en épaulant un fusil et en se vengeant avec ses propres mains, a cru dans la force de la loi et dans celle de l’État. » écrivait La Stampa. La loi qui exonérait le violeur s’il lavait le déshonneur de sa victime en la prenant pour femme, sera abrogée en 1981. Cette histoire hante Marta Savina. En 2017, elle en fait le sujet de son court métrage Viola. En 2022, celui de son premier long, Primadonna.

Casting parfait pour ce film primé au Festival de Rome. Franca Viola devient Lia Crimi, toujours interprétée par Claudia Gusmano au visage de madonne. Lia naturellement anti-conformiste, préfère travailler aux champs avec son père que rester à la maison avec sa mère et son petit frère pour apprendre à être femme au foyer. Dario Aita est l’antipathique et archétypal Lorenzo Musicò, fils du parrain du coin, arrogant, sûr de son impunité, flanqué de sa bande de voyous. Pour lui, il y a les femmes qui restent au lit comme sa maîtresse et celles qu’on épouse comme Lia – qui a quelquefois flirté avec lui, tout en restant chaste. Fabrizio Ferracane incarne avec subtilité, le père, accablé par l’oppression de « ceux qui ne perdent jamais » et fier que sa fille les brave. Sans oublier, Francesco Colella, avocat mis sur la touche qui finira par défendre Lia.

Au grand jour
La réalisatrice reconstitue l’affaire en trois temps dans une mise en scène sobre, linéaire, un peu illustrative. D’abord une contextualisation plus stylisée que documentaire : juxtaposition de scènes, succession de gestes simples. Dans des paysages beaux à couper le souffle où tout semble immuable, se dessine un monde rural archaïque, patriarcal, sous la coupe de la mafia locale et d’un clergé complice dominant ses « brebis » à coups de processions et de sermons. Puis le basculement du rapt et du viol. Le séisme familial et intime. Les conséquences du choix de Lia : mise au ban du groupe, stigmatisation, menaces, exactions. Et enfin le procès.

Si Primadonna n’apporte pas de grandes surprises en termes d’écriture cinématographique, ni de scénario, n’évitant pas toujours l’aspect édifiant, on retiendra de fort jolies scènes. Comme cette baignade nocturne de toute la famille Crimi qui, ostracisée par la collectivité, n’a plus droit au grand jour. Un grand jour que film a le mérite de faire sur le cas Franca Viola, une femme qui a dit non.

ÉLISE PADOVANI

Primadonna, de Marta Savina 
En salles le 17 janvier

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