27 mars
Théâtre de l’Œuvre, Marseille

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19 mars
Galerie Zemma, Marseille

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L.S.
17 février 
Friche La Belle de Mai, Marseille

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A.-M.T.
16 et 17 février
La Criée, Théâtre national de Marseille

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La voix frappe. Elle a évolué. Le timbre autrefois quasi lyrique s’est creusé, sombré, chargé d’un léger sanglot. Une voix désormais entre fièvre flamenco et vigueur rock, nourrie de lyrisme, de tensions, de soupirs. Les écarts de quart de ton, maîtrisés, donnent au chant une vibration groove instable, presque douloureuse.

Sur scène, tout dialogue. Les styles, les cultures, les âges de la vie. Star pop, diva rock, icône cinématographique, chanteuse de l’intime : tout cohabite sans jamais se contredire. La tenue noire des débuts laisse place, au cours du concert, à une robe rouge éclatante, comme une mue finale, et un hommage au cinéma d’Almodovar qui l’a révélée – boa autour du cou à l’appui.

Divas en miroir

L’un des autres moments les plus applaudis de la soirée reste l’hommage à Dalida. Luz Casal y met une tendresse grave, une admiration sans distance. À un poignant Fini la comédie succède un incarné Il venait d’avoir dix-huit ans entre espagnol et français, conclu sur une touche de nostalgie et d’humour. Sur ses doigts, la diva compte : elle n’a désormais plus deux fois, mais bien trois fois dix-huit ans. L’émotion affleure, sans pathos. Cette musique-là, marquée par la Méditerranée voyage sans peine entre les rives et les langues. Dans Historia de un amor, chanson espagnole passée par Dalida, la voix était déjà pop et tendre : drama queen, oui, mais sans ironie, avec une infinie délicatesse.

Autour d’elle, cinq musiciens forment un écrin solide et attentif – « sa famille », dit-elle. Les guitares électro-acoustiques et espagnoles de Borka Fernandez, Serrano Montenegro et Jorge Fernandez Ojea, la basse de Pedro Pablo Oto Aguilar et les claviers et piano de Jose Maria Baldoma Monesma. Luz s’adresse au public dans un français appliqué, soucieuse d’être comprise, de maintenir ce fil fragile entre la scène et la salle. Dans ce dialogue, quelque chose brûle encore – et ce longtemps après la dernière note.

SUZANNE CANESSA

Le concert a été joué le 31 janvier au Grand Théâtre de Provence

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Et sur le plan musical, au début de Bloombat, en 2020, j’étais concentré sur le côté production musicale. Comment on agence les instruments. C’était l’époque du Covid, donc ce qui comptait le plus, c’était de créer un morceau qui sonne bien, faire des bonnes orchestrations, apprendre sur mon ordi en home-studio. Aujourd’hui, je suis très content d’avoir sorti ce premier album. Et justement, mon focus, c’est le live pour deux raisons. D’une part, personnelle parce j’ai fait un album, j’ai passé un an et demi enfermé. Je suis très content de reprendre le live pour ce côté humain – la musique à la base, je pense que c’est pour célébrer, communier ensemble. 

Vous êtes multi-instrumentiste, et vous jouez notamment de la clarinette.
L’anecdote est qu’il y a 10 ans lors d’un voyage en Australie, j’avais une tendinite à la main. Je venais d’arriver chez quelqu’un qui chantait et jouait aussi de la musique, Serena, qui a d’ailleurs collaboré sur plusieurs titres de l’album. On jouait dans la rue pour gagner des sous. Et j’avais trop mal aux mains pour l’accompagner à la guitare, et j’ai trouvé une clarinette et pendant deux semaines j’ai essayé. En plus de la guitare, je joue aussi de la basse, et du ukulele. Depuis deux ans je joue aussi saxophone. 

Vous aimez partagé votre musique à travers des collaboration.
Oui j’ai invité des rappeurs comme Joe Bruce ou TrueMendous. Mais j’ai aussi collaboré avec des athlètes de parkour, comme dans le clip de Reach Out. C’est à mi-chemin entre la danse et le parkour. Et ça m’a marqué pour ma pratique, j’ai envie d’essayer des mouvements plus expressifs. Il y a aussi  le clip de Wildcat Chili Soup, où on fait du skate dans les marches de Longchamp. On descend sur des panneaux de signalisation ou des valises. C’était vraiment un rêve d’ado. 

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR LAVINIA SCOTT 

Bloombat
11 décembre
Makeda, Marseille

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L’idée de mettre en regard ces deux compositeurs, souvent associés de loin par un certain dépouillement, mais rarement rapprochés avec une telle évidence, s’est révélée lumineuse. Plus cynique, plus dandy, Satie aime jouer avec les codes, les attentes, parfois même la provocation douce des titres absurdes. Un esprit dada avant l’heure, cousin lointain de Duchamp, ou peut-être plus proche de la vivacité d’un Cocteau. Pourtant, Vanessa Wagner n’en retient pas la dérision : elle en révèle la tendresse secrète, la ligne claire, une mélancolie de l’enfance tapie sous l’épure. Les Gnossiennes prennent sous ses doigts un balancement intime, une respiration souple : elles chantent, de même que sa célébrissime première Gymnopédie que l’on a l’impression d’entendre pour la première fois.

L’art de la filiation

Face à cela, Glass aurait pu paraître plus mécanique ou trop frontal. Il n’en est rien. Vanessa Wagner en tire une matière lumineuse, d’une transparence stupéfiante : les couches se superposent comme des voiles, les nuances s’y impriment avec une minutie extrême. De ces Études, qu’elle connaît intimement, la pianiste fait entendre le chant intérieur, la vibration nouvelle qui émerge sous l’infime variation. À force de revenir, les motifs se densifient, s’épaississent, se colorent. Les boucles deviennent obsédantes, mais jamais oppressantes : elles mûrissent, muent, se déplacent dans l’espace sonore.

En bis, avec Dead Things – thème de The Hours –, la pianiste rappelle combien Glass sait superposer les temporalités, comme le film de Stephen Daldry superposait les récits autour d’un même texte. Satie, lui aussi, ne faisait peut-être que cela : ouvrir des chemins parallèles. Différence et répétition ne sont, nous rappelait Deleuze, pas antagonistes, mais solidaires, liées par un même mouvement intérieur. De l’une à l’autre, Vanessa Wagner nous convie à un voyage musical qui, par son intelligence et sa douceur tenaces, réunit deux univers dans un même paysage. 

SUZANNE CANESSA

Le concert a été joué le 30 novembre au foyer de l’Opéra de Marseille dans le cadre de la saison Marseille Concerts

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Tour de chauffe 

L’ambiance très fraiche de ce 20 novembre, et le public venu en partie pour la rencontre plutôt que pour le concert, oblige le quintet à un petit temps de chauffe nécessaire. Mais très vite, le chanteur propose d’« entrer dans la transe, d’entrer dans la danse », et de faire masse devant la scène. Dans l’alchimie musicale qu’on lui connaît, la formation guitares-basse-batterie-machine offre un savoureux mélange d’électro-rock ponctué des lignes de voix en arabe du chanteur.  

Actuellement en plein enregistrement de son prochain EP, Habibi, le groupe interprétait pour la première fois le morceau éponyme, ainsi que Be Cif, Bel Heni ou le très émouvant H’Bouba, entre autres anciens morceaux comme la très efficace reprise de Rock the Casbah. 

Le set, imaginé comme une montée en puissance, emportera le public en lui ôtant rapidement sa doudoune. Un concert pensé comme un voyage vers des contrées rock frénétiques et transcendantales, assuré par un groupe à la belle energie.  

LUCIE PONTHIEUX BERTRAM 

Concert donné le 20 novembre dans le cadre des Nouvelles Rencontres d’Averroès, à l’Espace Julien, Marseille. 

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Le public attend, tapi dans le noir, jusqu’à ce que la violoncelliste fasse entendre un bourdon et que la voix de Rosemary Standley s’élève. Évoquant un imaginaire folklorique, la musique plane, d’un ton ancestral, et l’audience est transportée dans un autre temps. Lorsque la lumière arrive, on observe une scène parsemée de feuillages d’automne et un arbre aux côtés des musiciennes. Elles demandent au public : « Si Marseille était un arbre, lequel serait-il ? »

Puis elles se lancent dans Myla et l’arbre bateau. Sans couper la musique, la violoncelliste enchaîne vers La Marelle / Amarelinha où elle déploie une juxtaposition d’effets – comme un rythme frappé sur le corps de son instrument – grâce à son looping station. Le public reprend la mélodie, et dès lors, les deux chanteuses harmonisent une contre-mélodie par-dessus. 

Elles basculent ensuite vers la pop de Bronski Beat avec Smalltown Boy où un effet pluie sonne en « off » et les boucles superposées au violoncelle donnent une impression de tempête. Sur la chanson suivante, Dom La Nena emploie les techniques de musique contemporaine et crée un rythme col legno – en frappant les cordes avec le bois de l’archet. 

Voyage à travers les terres

Après Perlimpinin de Barbara, le public est transporté au XVI^e siècle avec le magnifique Hélas mon cœur, une chanson de languissement et de solitude où la mise en scène inclut des oiseaux qui volent autour, faits de papiers tenus à l’aide de perches tenus depuis l’arrière de la scène. 

Elles interprètent ensuite La Jeunesse des morts, un poème d’Anna de Noailles écrit en 1920 qu’elles ont mis en musique, et qui commence avec le bruit de cloches d’une église. La violoncelliste se tourne vers un feu qui crépite au pied de l’arbre, et une fois la chanson finie, Rosemary Standley s’y assoit. 

Dès lors, seul le feu illumine la scène, donnant un éclairage très cinématographique et teinté de nostalgie pour Wish you were here de Pink Floyd. Après cette pause nocturne, elles nous invitent à « chanter haut et fort » avec une samba brésilienne. Pour finir, et après un petit débat avec le public pour choisir, elles interprètent la chanson éponyme Birds on a Wire de Leonard Cohen puis leur mashup de People are strange et When I ride.

LAVINIA SCOTT

Le concert a été joué le 14 novembre au ZEF de Marseille

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La soirée s’ouvrait avec Fighting for Hope, concerto ample et lyrique du compositeur maltais Karl Fiorini, au style « mahlérien » et « bernsteinien » qui évoque le temps qui s’écoule inexorablement. Ici, la mandoline s’intègre à l’orchestre et ne s’affirme vraiment que dans la cadence finale, un mouvement « agitato » virtuose et rock’n’roll, après que le violoncelle a longuement tenu, dans les graves, le rôle principal. 

Le ton change avec une partition facétieuse que l’on pourrait baptiser « Pièce pour Vincent » de Luca Macchi, professeur de composition au Conservatoire de Bolzano, présent dans la salle. Dès l’ouverture, le public est plongé dans un chaos joyeux : cris des musiciens qui interpellent le mandoliniste, effets de souffle, percussions malicieuses. L’orchestre mime une bande de garnements indisciplinés, à laquelle VBD répond avec des salves de mandoline. La pièce culmine dans une cadence spectaculaire, où le soliste dialogue avec un orchestre transformé en terrain de jeu sonore. Ça crie, ça clapote, ça grince, stridule dans les aigus… Puissant et d’une vivacité absolue. Deux jeunes musiciens du Conservatoire de Bolzano, Giulia Trabacchi (harpe) et Luca Cassini (percussions), qui ont suivi l’ensemble Télémaque dans leur tournée, apportent fraîcheur et énergie à l’interprétation.

Slapping et trémolos

Puis ce sera Fractures dela compositrice Manuela Kerer, œuvre minimaliste délicate. La pièce débute autour d’une seule note, le si, que chaque instrument « fracture » dans une esthétique ciselée. 

La soirée se clôt avec un concerto signé Raoul Lay. Inspiré par ses racines italiennes, il nous transporte sur la place d’un village méditerranéen avec un thème populaire – à tirer les larmes – décliné, pour la mandoline, en variations virtuoses à la Paganini. Le premier mouvement, « Cent’anni », « que tu vives cent ans », – expression italienne pour souhaiter longue vie –, évoque l’enfance, une fête foraine avec ses manèges anciens tournoyant. 

Le deuxième, Lacrimae, fait dialoguer violon et mandoline avec une immense sensibilité ; le dernier, enfin, invite à une danse rythmique, une rumba méditerranéenne, entrecoupée d’un long solo du mandoliniste, qui donne immédiatement envie de quitter sa chaise. Entre deux partitions, VBD aime aussi raconter au public toutes les possibilités offertes par son instrument : harmoniques, suraigus, pizzicato, glissandi, tap sur le chevalet, slapping, trémolos ou arpèges… Un disque a été enregistré. Il permettra de revivre ces quatre créations exceptionnelles.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 17 novembre à Archipel 49, Marseille. 

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