Réunissant des interprètes venus d’Afrique du Sud et du Brésil, la pièce ne repose pas sur une juxtaposition de styles mais sur une mise en relation de gestes situés. Le pantsula, ancré dans l’histoire des townships sud-africains, dialogue avec des pratiques urbaines brésiliennes, sans que l’un ne prenne le pas sur l’autre. Le hip-hop cher à Paulo Azevedo affleure, bien sûr, mais sans saturer l’espace ni réduire la diversité des langages.

Récits en partage

Ce qui se joue alors tient moins d’une démonstration que d’une circulation. L’ensemble privilégie l’élan, le rythme, mais aussi une précision du geste qui inscrit la pièce dans une écriture rigoureuse, presque contenue. Quelques motifs et échanges esquissent des formes de narration : une main retournée à la Beyoncé, un micro mimé « à l’américaine », une station debout bras en l’air évoquant davantage un trajet en bus qu’une manifestation collective. Ces fragments n’organisent pas un récit linéaire mais ouvrent des pistes, des situations, des manières d’habiter l’espace ensemble. On pourrait souhaiter une appropriation plus marquée du plateau ou un travail de lumière accentuant les ruptures ; la pièce trouve cependant sa cohérence dans ce choix d’une géographie à ciel ouvert.

SUZANNE CANESSA

tamUjUntU aété dansé le 28 mars au Théâtre de l’Olivier (Istres), les 31 mars et 1er avril au Théâtre Durance (Château-Arnoux-Saint-Auban), le 4 avril au Théâtre de l’Esplanade (Draguignan) et les 7 et 8 avril au Pavillon Noir (Aix-en-Provence).

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A.F.

28 mars

L’Usine, Istres

4 avril

Théâtre de l’Esplanade, Draguignan

Dans le cadre du festival L’ImpruDanse

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P.L.

3 février
Théâtre de l’Esplanade, Draguignan
4 avril
Théâtre des Carmes, Avignon

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M.V.
22 janvier
L’Usine, Istres
Dans le cadre de la Saison Vagabonde du Théâtre de l’Olivier.
23 janvier
Théâtre de L’Esplanade, Draguignan

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Très vite, les mots et les images s’entrechoquent, les objets s’animent et un lot d’imprévus surgit, mettant à rude épreuve les certitudes de Madame Train. Derrière le rire, le spectacle invite à réfléchir sur la différence, la famille, l’écologie et la mort. La Compagnie du Détour mêle théâtre d’objets et embarque petits et grands dans une relecture burlesque, poétique et politique des histoires qui ont forgé nos histoires.

C.L.

18 janvier

Théâtre de L’Esplanade, Draguignan

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L’idée est originale : exposer à la fois des œuvres de Rembrandt et le regard d’une époque, celui des collectionneurs, amateurs et artistes de la France du XVIII^e siècle, qui 50 ans après sa mort (1669), s’entichent de l’art du maître flamand, la naissance d’une passion qui ne s’éteindra plus.

Une soixantaine d’œuvres dont trois peintures de Rembrandt, dix autres qui lui étaient alors attribuées et une cinquantaine d’œuvres de peintres sous influence rembranesque sont présentées. L’exposition est conçue par Yohan Rimaud, conservateur du Musée des Beaux-Arts de Draguignan, qui n’a pas choisi Rembrandt par hasard : il s’appuie sur la collection municipale, dans laquelle figurent notamment L’Enfant à la bulle de savon et Portrait de jeune homme portant une toque rouge et une chaîne d’or, attribuées pendant plus de deux siècles au maître flamand. La première toile a même été volée à Draguignan par un de ses admirateurs un soir de juillet 1999, qui l’a restituée en 2014.

Donner le la

Dans les trois sections du parcours, un Rembrandt authentique, ou un Rembrandt de l’atelier Rembrandt, ou une œuvre anciennement attribuée au maître, donne le la à une série de peintures accrochées en regard.

Ainsi, dans la première section, « Un caractère de vie et de vérité », une Jeune fille au balai de l’Atelier Rembrandt est entourée par une Coupeuse de chou attribuée à Santerre, une Jeune fille à la fenêtre, attribuée à l’école française, et, un peu plus loin, Une cuisinière à sa fenêtre de Willem Drost. Invitant à comparer les manières de toutes ces figures à mi-corps sur fond neutre, regardant hors du plan de l’image, placées derrière une forme faisant écran – rebord de fenêtre, muret – accentuant l’effet de projection du corps vers le spectateur. Procédés plastiques donnant ce fameux « caractère de vie et de vérité » contribuant à la renommée de Rembrandt.

Dans la seconde section, « Un air de Rembrandt », c’est autour de Un homme en costume oriental de l’Atelier Rembrandt que l’on trouve les « figures de fantaisie » d’Alexis Grimou, surnommé « le Rembrandt français ». Portraits de jeunes femmes ou jeunes hommes reprenant le goût peu académique de Rembrandt pour les accessoires vieux, abîmés, telles des armures, armes, instruments, et les bijoux, turbans et vêtements orientalisants.

Enfin dans la troisième section, « À la fenêtre de l’atelier », c’est autour de La Sainte Famille avec sainte Anne prêtée par le Louvre, que sont accrochées une dizaine de peintures, la plupart de maternité (Fragonard, Oudry, Rigaud) reprenant le procédé de Rembrandt consistant à faire surgir « un coup de lumière », en l’occurrence par une fenêtre placée à gauche, lui permettant de travailler les modulations de ses célèbres clairs-obscurs.

Susciter la curiosité

Mis côte-à-côte, les tableaux permettent dans chaque section de jouer au jeu des ressemblances et des différences des techniques, touches, cadrages, poses, façon d’accrocher la lumière, de creuser des ombres… Une façon simple et accessible de susciter la curiosité alimentée également par les cartels annonçant les attributions, les désattributions, les interrogations toujours en cours, permettant à chacun·e, qu’il soit simple curieux ou amateur informé, adulte ou enfant, seul ou en compagnie, de mettre facilement son regard en mouvement. Et au-delà de Rembrandt, à enrichir son regard sur l’art, sa fabrique, son histoire.

MARC VOIRY

Le phare Rembrandt - Le mythe d’un peintre au siècle de Fragonard
Jusqu’au 15 mars 2026
Musée des Beaux-Arts de Draguignan

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Dans cette comédie satirique qui prend pour cadre la « jungle » de Calais, Alexis Michalik entend offrir un peu d’humanité à ceux que beaucoup n’osent voir, sinon à travers les discours de haine d’une certaine classe politique.

N.S.
14 octobre
Théâtre de l’Esplanade, Draguignan

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Sa compagnie doit d’ailleurs son nom au Walden de David Thoreau, ce récit d’une Vie dans les bois qui depuis le XIX^e siècle américain a posé l’idée d’un retour vers la nature. Les danseurs, avant d’aller sur scène, en lisent en confidence des extraits aux spectateurs, plaidoyer pour la simplification des besoins humains, éloge du temps pris à regarder les couleurs du lac, les formes des pierres, les liens avec la vie. 

Faire corps

L’écologie de Joanne Leighton n’est pas plus naïve que celle de Thoreau, elle est un projet de société en danse. Sur le plateau les interprètes ne cessent de faire lien, dessinant des formes avec les galets et les branches, faisant évoluer et vivre une forêt qui se déploie sur un rideau écran qu’ils tirent et qui pose un décor d’arbres, projections vibrantes des photographies de Flavie Trichet-Lespagnol. 

Les corps deviennent une entité qui bouge savamment, en silence, en produisant des sons percussifs, ou sur une musique (Peter Crosbie) qui répète ses motifs rythmiques, et les décale subtilement. Les séquences s’enchaînent, rapprochant les danseurs comme un groupe unique ou chacun danse pourtant différemment, formant des sous-groupes de quelques individus, jamais pourtant jusqu’à l’isolement, au solo. Comme les cellules fondamentales ils forment ensemble un corps qui les dépasse, dont ils ont une conscience commune. 

Un hymne à la vie, sans exploit ni performance, mais jamais minimaliste : c’est la robustesse de chacun qui s’affirme dans l’endurance, et le geste juste pour s’inscrire dans le corps commun. 

Agnès Freschel

Gathering a été créé au Zef, scène nationale de Marseille, les 18 et 19 mars, et joué au Théâtre de L’esplanade, Draguignan, en ouverture de L’ImpruDanse qui se poursuit jusqu’au 4 avril.

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Situé dans la lignée de Balanchine, le LINES ballet du chorégraphe afro-américain a permis à ses danseurs, afro-américains pour la plupart, de s’emparer d’un art où la couleur « chair » des pointes de ballerines ne se lisait, jusqu’alors, qu’en rose pâle. Il habille ses corps d’ors et de brillances, pose parfois une jupe longue sur un corps d’homme qui tourne comme un derviche, assouplit les lignes des corps et déhanche parfois. Mais il ne franchit jamais les grands interdits de la danse néoclassique : il ne va pas au sol, lutte contre le poids, ne dégenre pas les corps et préfère toujours les positions ouvertes à la liberté gestuelle de Cunningham.

Le corps est politique

Pourtant sa danse a des allures politiques, que revendique ce fils de militants anti-ségrégation. Deep river est habité par la voix de Lisa Fisher, jazz, par des kaddishs aussi, par des musiques de peuples opprimés, déplacés, pogromisés. Le titre lui-même, chanté pendant le dernier duo du spectacle, évoque le fleuve qu’il faut franchir pour échapper à l’esclavage.

La réponse, hymne à la vie et à la rencontre, à la beauté et à l’envol, peut-elle être portée par des corps si tendus vers la performance, imageant un corps idéal qui symbolise une beauté où les corps racisés ont désormais leur place, mais pour peu qu’ils soient jeunes, sveltes, athlétiques et binaires ? 

Alonzo King fait depuis presque 50 ans le pari que la danse (néo)classique, inventée par les Cours européennes, peut appartenir au peuple, en introduisant dans ses codes stricts des éléments perturbateurs. Le résultat est beau. Est-il suffisamment subversif dans l’Amérique de Trump ? Un certain nombre de feuilles de salles et d’articles de presse, qui qualifient sa danse de « féline », semblent démontrer que non.

AGNÈS FRESCHEL

Deep River a été dansé le 28 février aux Salins, scène nationale de Martigues.

À venir
15 mars
Festival L’Imprudanse
Théâtre de l’Esplanade, Draguignan

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AGNÈS FRESCHEL

28 février 
Les Salins, scène nationale de Martigues

15 mars 
Théâtre de l’Esplanade, Draguignan

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