Qu’est-ce qui se trame ici ? 

Une dizaine d’œuvres de Mehdi Moutashar sont présentées dans les deux espaces de la galerie. Il y a d’abord Ha’ – la sixième lettre de l’alphabet arabe – un carré bleu outre-mer foncé, entouré – sans l’oppresser – d’un câble élastique, tendu lui aussi en carré, mais offrant d’autres espaces et d’autres angles à l’œuvre entière. À côté, et au centre de la pièce, Quatre carrés, où bois peint et bois brut s’enlacent, s’équilibrent, et instillant dans ses angularités une poésie quasi-insaisissable.  

Dans le deuxième espace, une installation monumentale : Trente-deux carrés posés au sol en bois brulé. Au centre de chacun d’eux, du pigment de ce même bleu qui colore toute l’œuvre de l’artiste. Il y a aussi ces études pour Carré en division de sept, où l’artiste décortique encore et encore ses carrés, les démembre… l’occasion de voir ici toute  son obstination. 

Car obstiné, ou obtus, Mehdi Moutashar l’est certainement. Il a mis plusieurs décennies à lâcher son sacro-saint angle à 90°. Il s’ouvre aujourd’hui aux angles aigus, au 45° voire même au 22,5°. Et introduit de nouveaux matériaux à son travail avec parcimonie – le câble élastique vient tout juste d’apparaître dans l’œuvre de cet artiste octogénaire. 

Au-delà des carrés, des matériaux, il est assurément question de langage dans son œuvre. Il y a ces références à l’alphabet arabe, et surtout cette géométrie, autre forme de langage. La géométrie est la « mesure de la Terre », et qu’a-t-on de plus universel, de commun, que cela ? L’exposition de la galerie Zemma rend hommage à cet artiste à sa juste, et singulière, mesure. 

NICOLAS SANTUCCI

Trame(s)

Jusqu’au 7 mai
Galerie Zemma, Marseille

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19 mars
Galerie Zemma, Marseille

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Skyline

Traversant le long d’une ligne horizontale tout le grand mur de la salle principale, les photos argentiques de Caroline Weill, architecte-photographe documentent « un monde où les liens sociaux s’étiolent » ainsi qu’ «une humanité fragile mais persistante ». Une ligne d’horizon fragmentée, une skyline, constituée de photographies couleurs de différents formats, prises à différents endroits du monde (États-Unis, Vietnam, Marseille, …). Paysages naturels et urbains, panoramas et cadrages serrés, groupes de personnes, couples ou silhouettes isolées, en lien avec des espaces ou des objets architecturaux. Dans des scènes quotidiennes, touristiques, banales, parfois teintées d’humour, d’absurde ou de cruauté.

Jeux d’espaces 

En face est accroché le travail d’Émilie Fayet, rythmant l’espace d’exposition de ses toiles bicolores, combinant deux motifs géométriques, lignes et cercles, s’inspirant notamment du noren, rideau japonais traditionnel. L’artiste travaille avec des teintures naturelles : ses toiles de coton sont teintes avec de la noix de galle de chêne et ses motifs sont peints à l’argile ferrugineuse. Des toiles proposant, avec ces deux teintes et ces deux motifs, des jeux d’espaces et d’équilibres entre vides et pleins, positifs et négatifs.

Courbes

Enfin, dans la salle en contrebas, Léa Bigot, qui se définit comme artiste-designer, revendiquant son attachement à la nature et à ses origines réunionnaises, propose une installation où l’on trouve des pièces de bois gravé et peint, posées au sol, et des sculptures en céramique polie. Des céramiques aux formes épurées, installées sur différents socles à différentes hauteurs, certaines suspendues ou accrochées aux murs. Objets blancs et abstraits, présentant courbes douces et pointes, formes pleines et creuses. Titrée Fort intérieur, il s’en dégage, entre apaisement et tension, formes épurées et matériaux bruts, quelque chose d’intime.

MARC VOIRY

L’étincelle de l’aube
Jusqu’au 20 décembre
Galerie Zemma, Marseille

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Marc Ragouilliaux, fondateur du lieu, aime mélanger les genres. Il a demandé à Alexandra Pitz, qu’il accueille jusqu’au 19 juin dans son exposition Ligne de Crête, ce qu’elle aimerait entendre. « Du baroque », répond-elle car elle crée en écoutant les grands noms du genre. Le concert devient un écho vivant aux œuvres exposées. 

Les pièces choisies par la pianiste dialoguent avec les celles d’Alexandra : des têtes sans yeux ni bouches mais ô combien humaines, des ciels éperdus. « J’ai toujours cherché à créer des ponts entre les arts. Je travaille avec des danseurs des comédiens. Mais j’ai moins l’occasion de partager avec des plasticiens. Pourtant nos regards se répondent », explique la pianiste.

Au centre de son programme, la musique raffinée de François Couperin, maître du clavecin français du XVIII^e siècle. Sa suite, Les Dominos (costume emblématique des bals masqués à Versailles) est une métaphore des passions humaines. Elle associe à une couleur, un caractère : la Langueur en violet, la Frénésie en noir, la Coquetterie sous différents dominos.À travers ces pièces courtes expressives, Couperin peint les visages de l’âme comme ceux des têtes cabossées d’Alexandra. D’autres pièces, telles que Les Lis naissants, Les rozeaux ou le très rythmique Tic-toc-choc, prolongent cette découverte des miniatures poétiques.

Exhumer les oubliés

Couperin vient dialoguer avec des compositeurs et compositrices du XIX^e et XX^e siècles peu connus, un « programme de grand écart » comme elle les aime. On découvre le Britannique Samuel Coleridge-Taylor, d’origine africaine et antillaise, il était surnommé le « Mahler noir » et était engagé dans la lutte pour les droits civiques. Injustement oublié depuis, Amandine Habib interprète ses Sometimes I Feel Like a Motherless Child et Papillon. Passent aussi l’Américaine Amy Beach, Margaret Bonds, un des premiers grands noms féminins afro-américains de la musique classique et Meredith Monk, pionnière de la performance musicaleexpérimentale.

Amandine touche par sa simplicité et son goût du partage. Elle joue, échange comme lors d’un dîner entre amis. D’ailleurs, elle s’est mise pieds-nus pour mieux sentir le contact avec les pédales. Si on devait choisir pour elle un Domino, ce serait le vert, la couleur chez Couperin de l’Espérance.  

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 12 juin à la galerie Zemma, Marseille. 

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La plasticienne allemande est exposée à la galerie Zemma (Marseille) jusqu’au 19 juin.

Alexandra Pitz compose ses œuvres dans les paysages entre la montagne Sainte-Victoire et les monts Auréliens. Elle y puise les matériaux, « trouvailles » qui les composent : vieux bois meurtris, fragments de ferraille abandonnés, pierres chauffées au soleil. Ce ne sont pas de simples accessoires, mais une matière qui vit et qui exprime la Provence et les paysages secs et puissants.

Plasticienne, scénographe et costumière d’origine berlinoise Alexandra ne cherche ni à représenter ni à expliquer. D’ailleurs elle ne donne aucun titre à ses créations « laissant le spectateur faire son propre chemin, poser son propre regard ».

Dans sa dernière exposition intitulée Ligne de crête, présentée à l’atelier-galerie Zemma, rue Sainte à Marseille, Alexandra Pitz transforme l’espace en matière brute. Elle utilise le métal, la pierre, des clous, le latex pour façonner des têtes, sur des socles à chapeau sans yeux, sans bouche mais « que l’on peut toucher ».

Fières, désespérées, amoureuses ou lascives, elles possèdent chacune l’expressivité due au travail du latex qui continue à modeler à leur insu « dans un processus qui m’échappe », même lorsque Alexandra n’intervient plus. Elles semblent avoir chacune leur vie propre même si toutes fonctionnent ensemble, pièces poétiques d’une même famille de figures cabossées.

La scénographie de l’exposition, petit « cabinet de curiosités » a été minutieusement pensée par Alexandra qui a même réalisé en amont une maquette au 1/20 e des deux salles d’expositions avec chaque mini œuvre installée à la bonne place. Elle ne forme pas un simple décor mais devient personnage, déambulation qui semble puiser dans des heures sombres. On y ressent du désarroi mais aussi une immense douceur et de la fluidité. Et même les « têtes » les plus surprenantes, celles accablées par des pansements, « dans mon purgatoire » sont pleines d’humanités.

Anne-Marie Thomazeau

Galerie Zemma : 40 rue sainte : jusqu’au 19 juin

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Par exemple : pas de mélange sur une palette, mais un travail en couches de couleurs successives, directement sur la toile. Laurent Galland créé également ses propres pigments iridescents (qui ont la propriété de changer de couleur selon l’angle de vue ou d’illumination)qu’il applique sur fond noir, lui permettant de moduler des effets de densités, de transparences et de moirages.

Trames superposées

Aléatoire, répétitive, diffraction, dissymétrique, cathodique, sont les titres génériques que Laurent Galland donne à ses peintures, dont une trentaine sont exposées depuis le 13 mars dans les deux salles de la galerie Zemma, accompagnées de deux ensembles de dessins. Utilisant souvent un format entre carré et rectangle (150 x 165 cm), généralement présentées en dyptiques, triptyques, leurs surfaces lisses présentent des trames de lignes parallèles plus ou moins serrées, qui se superposent, progressant en horizontales, courbes, ellipses, rectangles, demi-cercles. 

Bien que peintes à la main, à l’aide de rubans adhésifs, elles ne laissent rien voir des gestes du peintre : l’enjeu étant pour l’artiste de faire disparaître le corps du peintre, pour ne laisser apparaître que le corps de la peinture. Un corps tout en ondes colorées, vibrations, pulsations. Un espace-temps modulant ses profondeurs, en expansion douce, multidirectionnelle, invitant à la méditation. 

MARC VOIRY

Laurent Galland. Ligne médium et médiatrice
Jusqu’au 19 avril
Galerie Zemma, Marseille

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L’exposition Réalité(s) s’attache au quotidien des personnes atteintes de schizophrénie, et de leurs « proches aidants ». Visages superposés pour n’en former qu’un, corps découpés qui s’étirent en bandes, fantômes métalliques, questions posées qui s’effacent, plaques de plomb qui s’impriment, textos infinis qui harcèlent en période de crise, la douleur déchire les visages, se cache dans des boîtes, demande des pauses. 

Agnès Mellon, proche aidante, pose des questions essentielles : pourquoi dit-on « il est schizophrène », réduisant les malades à leur maladie quand on peut dire, comme lorsqu’on a un cancer ou une rougeole : il a une schizophrénie ? La fiction sonore de Chrystèle Bazin évoque également le délaissement social, la difficulté du suivi médical, la peur systémique des altérations mentales, le manque d’accompagnement des proches aidants.

Le travail plastique et sonore superpose les techniques et les matières dans une fluidité qui restitue le sentiment d’unité des consciences fragmentées. Et c’est en approchant les visages, en ouvrant les boites, en écoutant les objets que l’on comprend la portée thérapeutique de cette exposition : les fantômes n’existent pas, les voix intérieures sont une illusion, seuls les déchirements qu’ils provoquent dans les êtres sont réels.

AGNÈS FRESCHEL

Réalité(s)
Jusqu’au 27 juillet
Galerie Zemma, Marseille
06 74 89 02 54
galeriezemma.fr

Tables rondes tous les jeudis à 19h avec des psychiatres, des psychologues, des proches aidants, des artistes, autour des dispositifs innovants en santé mentale, de l’accompagnement des pairs, de la notion de « rétablissement » plutôt que de guérison.

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