Des galeries

Sur les seize galeries choisies, six sont présentes pour la première fois à cette 11^e édition : la bruxelloise Husk Gallery, fondée et dirigée par l’historienne de l’art Ingrid Van Hecke, orientée sur la peinture et le dessin. Les parisiennes Ingert, spécialisée en art d’après-guerre et contemporain, Florence Loewy, galerie et librairie, spécialiste des éditions d’artistes, et Suzanne Tarasieve, dont l’excentrique fondatrice, décédée en 2022, s’est employée à mettre en avant la scène picturale française pointue et celle des pays de l’Est. Nouvelle venue également la messine galerie PJ, fondée par Pierre et Jisun, jeune couple franco-coréen passionné d’art. Et la Stella Rouskova Gallery qui a ouvert ses portes en septembre 2022 dans le cœur historique de la ville de Gênes. Du côté des galeries « piliers » du salon, on retrouve Laurent Godin, Bernard Jordan, 8+4, Nadja Vilenne, Analix Forever, Éric Dupont et Dilecta. Enfin, trois autres galeries, déjà sélectionnées par le passé, font leur retour cette année : 22,48m², Alain Gutharc et Modulab.

Des artistEs

Les dessins d’une cinquantaine d’artistEs, aux techniques variées, vont être présentés par l’ensemble de ces seize galeries lors du salon. On y trouve, sur papier, aussi bien de la gouache, de l’aquarelle, des crayons de couleur, du stylo-bille, des feutres et du rotring, de la gravure, du collage, que de la sérigraphie à la tempera, des traces de poussières sur de la poudre de graphite, ou encore des impressions de peau de poulpe sur papier. Pour des travaux autour notamment du burn-out (Sandrine Morgante), de l’addiction et de l’aliénation (Jeanne Susplugas), du capitalisme (Olivier Garraud), du paysage (Charles-Elie Delprat), de l’histoire et des mythes (Jean Bedez, Peter Depelchin, Claire Vaudier), de l’intimité (Romain Bobichon, Edi Debien), du post-colonialisme (Les sœurs Chavalme), de l’inconscient féminin (Amélie Barnathan), de l’organique (Cécile Beau). À noter également l’apparition d’une section Second Rayon, où l’ensemble des galeries se retrouvent autour d’une thématique commune. Cette année : le dessin érotique.

Des associé·e·s

Parmi les projets associés, des travaux d’artistEs installé·e·s à Marseille et dans la région sont présentés, en particulier Madely Schott en artiste invitée, une sélection de dessins d’étudiant·e·s et/ou jeunes diplômé·e·s issus du Réseau des écoles supérieures d’art Provence-Alpes-Côte d’Azur et Monaco, et une carte blanche offerte à La Compagnie, qui expose des dessins de Grégory Le Lay et Dalila Mahdjoub. Par ailleurs, Paréidolie sera de nouveau le point de départ d’une nouvelle Saison du dessin qui essaimera jusqu’à fin décembre dans une trentaine de lieux, le long de la Méditerranée, de Montpellier à Monaco.

MARC VOIRY

Paréidolie
Du 30 août au 1er septembre
Château de Servières, Marseille

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De près, de loin

Le parcours proposé est donc orienté vers le ressenti, voire le poétique : la circulation dans l’exposition est inspirée par des poèmes visuels, commandés par les Musées de Marseille à l’artiste Juliette Green. Se présentant sous forme de diagrammes dessinés directement sur les murs du Mac, leurs titres mis bout à bout forment la phrase : Voir/Dans le paysage/Des corps/ Et deviner/Les âmes. Phrase dont le découpage thématise les différents espaces de l’exposition. Ainsi Voir est introduit par un dessin La longue vue de Puvis de Chavannes, un espace où l’on découvre, par exemple, des petits formats en papier chiffon, papier que l’artiste américain Joël Fisher fabrique lui-même, où il inscrit au stylo feutre les lettres de l’alphabet. 

En face, des grands formats (2m x 1m) du mexicain Gabriel Orozco, couverts de bas en haut d’une sorte de trame alvéolée. Trois exemplaires de la série des frottages réalisés par l’artiste, ses assistants, et des passants volontaires, sur les murs de la station de métro parisienne Havre Caumartin en 1999. D’emblée sont introduits les rapports du dessin à l’espace, à la matière, au temps, au geste, au corps, à l’écriture, au rythme. Que l’on retrouve dans Des paysages avec notamment l’installation spectaculaire de plus d’un millier de petits formats, tramant du sol au plafond deux murs en angle, réalisés par Marc Couturier pour L’infini sur terre dans un espace donné. Chaque petit format (des cartes de correspondance japonaises) vu de près présente un gribouillage, et lorsqu’on s’en éloigne évoque un paysage. Petit clin d’œil à la longue vue de l’entrée, rappelant ce jeu entre le macro et le micro, déjà à l’œuvre dans les frottages d’Orozco, tout comme le rapport à l’écriture. Placée en face de l’installation de Marc Couturier, une feuille de tâches d’encre d’Henri Michaux.

Vous les hommes

Les jeux d’associations (clins d’œil, rebonds, correspondances…) sont nombreux dans l’exposition. L’une des associations des plus frontales est celle proposée dans l’espace Des corps avec Mes Enluminures d’Annette Messager – l’une des rares femmes artistes exposées. De la joie, de la rage et de l’application dans l’insulte enluminée à destination de l’homme, sous forme d’une grande ligne installée à l’horizontale, de A à Z : A comme Âne, B comme Brute, H comme Hypocrite, N comme Nul, U comme Ultra-con, S comme Salaud etc. Au-dessus et en dessous de cette ligne, sont exposés des nus masculins (du XVI^e au XIX^e siècle) – que l’on regarde d’une autre façon, du coup – signés notamment Nicolas Lagneau, Puvis de Chavannes, François Boucher, Le Guerchin, Carl Van Loo, et d’anonymes. Auraient-ils approuvé cette mise en scène de leurs dessins ? Ils ne sont plus là pour le dire. Sur le mur d’en face se trouvent trois diptyques de Mathieu Kleyebe Abonnenc Paysage de traite. Des grands formats en noir et blanc sur lesquels s’enroulent des trames de lignes noires, autour d’espaces vides, blancs, vertigineux. L’artiste, d’origine guyanaise, a redessiné une série de gravures coloniales du XIX^e siècle, en les expurgeant des traces de la présence coloniale, laissant à la place ces espaces vidés, disponibles pour d’autres imaginaires.

MARC VOIRY

Le sentiment du dessin
Mac, Marseille
Jusqu’au 19 novembre
04 13 94 83 49/54
musees.marseille.fr

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Depuis 2016, La Friche de l’Escalette, en partenariat avec la Galerie54/Eric Touchaleaume, s’ouvre l’été et tous les week-ends de septembre et octobre au public. Une exposition de sculptures et d’installations « sélectionnées pour leur sensibilité relationnelle avec l’architecture, la nature ou le site ». Certaines vont demeurer et constituer au fil des années, un parcours permanent.

Dans cette ancienne usine de plomb, nichée à l’orée du parc national des Calanques, s’affirme la volonté de conserver la dimension poétique du lieu, de ne pas reconstruire, de respecter les prétentions fougueuses de la végétation, d’entretenir une certaine philosophie du cabanon, sous les figures tutélaires du Corbusier et de Prouvé. Nomadisme, écologie, impact symbolique… à l’horizon se profile un concours international, ouvert aux artistes, architectes, designers, sur le thème de la cabane. Chaque exposition est une étape dans ce processus alchimique, qui symboliquement change le plomb ancien en or nouveau.

Un itinéraire sensible

Planté face à l’entrée du site, sur la large dalle au milieu des pavillons Prouvé, L’œil du chat  ou Le guetteur de Marjolaine Dégremont accueille les visiteurs : vous n’êtes pas seuls…
L’été de la forêt de François Stahly, est la première œuvre proposée par la médiation, au début d’un passage escarpé et caillouteux presque sportif. Cet ensemble de totems en bois brûlé – une provocation, une prémonition ? – initie le parcours en pleine pinède. Les coiffes de plomb (on ne parlera pas de chape), bienvenues et logiques sur le site – c’est ce qu’on y fabriquait –, protègent l’œuvre des infiltrations.
L’exposition déroule les oxymores. Les provocations s’enchaînent dès le début du parcours : après les totems que le public local peut interpréter comme des squelettes dé-branchés de pins incendiés, une cabane perchée mais enfouie de Marjolaine Dégremont se déploie vers le ciel ouvert d’une fosse aussi blanche qu’elle, sans parvenir à s’envoler, pour le plus grand plaisir des visiteurs.
Plus loin, émergeant de la pinède pommelée, des alignements de monolithes maçonnés de l’ancien complexe industriel ne soutiennent plus rien. Il faut en franchir plusieurs avant de découvrir un origami de tôles Corten sous les briques et les pierres d’une enfilade de voûtes : La Gardienne de Pierre Tual. On retrouve d’autres œuvres de cet artiste, accrochées sur une immense paroi qui fend les vagues moutonnées du paysage. Partout dans le parcours paysagé entre ruines et végétation, l’impression domine que l’installation des œuvres est plus envisagée comme un rapport de forces qu’une simple exposition au meilleur endroit, sous la meilleure lumière, pour la découverte et la lecture des œuvres : c’est une dispute plus qu’un dialogue.

Paroi ondulante

Accroché sur une autre vertigineuse et intraduisible paroi de pierre, un fragile et discret triangle de plomb, signé Vincent Scali, de la série des Fragments, aux pointes disparues, arrachées : la suspension est définitive et l’œuvre se découvre entre les ombres portées des pins qui ont gagné la bataille de la lumière.

Dans un espace muséal clos d’imposantes parois de pierres, plusieurs œuvres sont exposées. Celles des jeunes complices artistes-designers, Baptiste & Jaïna, qui travaillent la terre dans toutes ses couleurs et toutes ses phases de cuisson pour obtenir des formes molles mais des objets durs et mystérieux, dont certains ne refusent pas d’être « fonctionnels » tels un cintre-patère (Dorsale), un Tabouret assise tracteur… Résultat, la matière brute, patiemment poncée, offre une surface dont la douceur appelle la caresse. Brancusi n’est pas loin. Comme partout sur le site, mais avec plus de raffinement et de nuance, la démarche s’exprime ici par le conflit : le mou des formes et le dur mais parfois doux et lisse du toucher. Les tabourets en grès dialoguent avec la paroi ondulante et filtrante d’Héloïse Bariol, composée de claustras de terre cuite qui donnent son nom à l’œuvre (Claustra, exposition permanente).
Dans la même enveloppe de maçonnerie, les cabanes de Marjolaine Dégremont, de plâtres et de buis, sont fragiles, aléatoires, impensées, rêveuses. Quelques blocs de béton blessé déjà là, peints en blancs, structurent autant l’espace que les cabanes flottantes. Comme celle découverte plus tôt en plongée dans le parcours, les cabanes, ici en contre-plongée, semblent vouloir s’échapper. Leurs puissantes racines de buis obtiennent cependant le gain du rapport de forces (encore !), les rattachant impitoyablement au sol, empêchant leur envol ou leur dissolution. Des jardins minuscules se sont installés sans autorisation au pied des cabanes, un contrepoint vert, involontaire et bienvenu à la brique du site redéployée en cairns nains et au blanc neutralisant des cabanes. D’autres œuvres de François Stahly, Guy Bareff, Gérard Traquandi (exposition permanente) toutes aussi puissantes, minérales ou métalliques, côtoient les pièces récemment installées.
Dans le pavillon « Prouvé 6×9 », La bête endormie de Lilian Daubisse laisse peu de place au visiteur. Les milliers de brins de cartons tissés qui la hérissent s’étalent sur une composition de tables à hauteur d’auscultation.
Le parcours s’achève avec la visite d’un autre pavillon Prouvé, dit « Bungalow du Cameroun », savante recherche sur la lumière, la ventilation, le confort. Ce pavillon est la recomposition d’un prototype de 1958, assez largement modifié (adapté ?) et augmenté de modules internes et de mobilier de Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret.

MAURICE ET ÉLISE PADOVANI

La Friche de l’Escalette, Marseille
Expositions ouvertes les week-ends de septembre et d’octobre
friche-escalette.com

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