« Petites filles, méfiez vous des loups » Perrault

Mais Joël Pommerat, lorsqu’il s’adresse aux enfants, sait aussi ménager leur attention et leurs émotions. Il éteint la lumière pour que l’horreur ne laisse pas d’image, permet au récit de raccommoder les corps dévorés dans le noir, invente une ombre rassurante, une généalogie, un après où filles et mères s’aiment encore.

Et cette pudeur, ce soin, lui permet d’évoquer tout ce qui fait mal à l’enfance. La solitude, l’ennui, la mère qui effraye et rassure, qui n’a pas le temps, dont les talons font clic clac tic tac sur le sol comme des secondes sèches qui s’égrènent. La grand mère si seule et si vieille qui n’a plus de désir de vivre. Et la petite fille, surtout, qui joue avec ses propres peurs, plonge dans les yeux du loup, parle aux fourmis et à son ombre, et désire tant rencontrer quelqu’un qu’elle ira jusqu’au lit du loup alors que sa voix, ses poils, son insistance, tout lui dit qu’il n’est pas sa grand-mère…

« Quand ma maman me l’interdit » Grimm

Comme toujours chez Pommerat, surtout lorsqu’il s’adresse à l’enfance, l’apparente simplicité formelle n’a d’égale que l’échelle de nuances des sons, musique et voix ; des lumières aux découpes précises et aux pénombres déclinées ; aux déplacements qui structurent la scène comme le récit, avançant, traversant, tournant en rond, perdant le fil. Une merveille d’intelligence que le temps n’affecte pas, même si le temps est au ceour de son propos.

AGNÈS FRESCHEL

 Le Petit Chaperon Rouge, écrit et mis en scène par Joël Pommerat, est passé par La Garance, Cavaillon, en décembre, par La Passerelle à Gap, en février, et par La Criée, Marseille, du 12 au 15 mars.

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Les jeux de lumières et inventions sonores viennent soutenir l’évocation du bois et de son imaginaire, tandis que sur scène, trois interprètes incarnent les personnages et leurs interactions : le Petit Chaperon rouge, la mère, et le loup.

M.V.

Du 12 au 15 mars

La Criée, Théâtre national de Marseille

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A.F.
Du 10 au 12 décembre
La Garance, Scène nationale de Cavaillon

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Joël Pommerat. Modernes pas modèles. Les petites filles modernes. C’est un titre provisoire pour moi.

J’ai dit « modèles »? 

Je crois [l’enregistrement lui donne raison, ndlr]. Cela prouve que l’ambiguïté fonctionne,j’espère simplement qu’elle ne va pas trop bien marcher !

Est-ce pour cela que c’est un titre provisoire ? 

Pour le moment [l’entretien s’est déroulé deux semaines avant la création, ndlr], ce n’est pas encore clair pour moi. Je n’ai pas de recul. Nous créons à Châteauvallon, mais le spectacle ne tournera que la saison prochaine. À la différence d’autres spectacles écrits pour les enfants,pour celui-ci je me suis laissé la possibilité de dévier. Je ne sais pas encore si je pourrai y inviter des enfants, et à partir de quel âge. Je ne veux pas qu’ils y risquent le traumatisme, l’angoisse, ou l’ennui.

Pourquoi redoutez-vous pour eux, précisément, ces trois maux, le traumatisme, l’angoisse, l’ennui ? 

C’est une question d’âge, de maturité. S’adresser à des enfants au théâtre c’est s’interroger sur les sujets mais surtout la façon dont on les met en scène. Plus « comment on dit » que de quoi on parle. À ce stade je ne sais pas si la forme sera totalement adaptée à de jeunes enfants. Unecertaine violence subsiste pour l’instant, mais je redoute surtout l’ennui, si ma façon n’est pas assez lisible, assez claire pour des enfants. À partir de quel âge ils pourront suivre et ne pas s’ennuyer.

Que raconte ce spectacle?  

C’est une histoire épique [un temps]. Je déteste raconter mes histoires [un temps]. Celle-ci est très accessible en termes de narration. Facile à suivre, mais avec des gouffres, des trous d’air [un temps]. Bon. Si on la prend par un bout c’est l’histoire de deux très jeunes filles. 10, 12, 13 ans au maximum qui découvrent qu’elles s’aiment d’amitié passionnelle. Et qui sont empêchées dans cet amour, et doivent s’affronter à des obstacles. 

Avec trois acteurs ? 

Oui deux comédiennes et un comédien.

Vous présentez ces Petites filles modernes comme du « théâtre roman »…

Oui, ça m’est revenu en travaillant, là. J’écris beaucoup de mes pièces avec une part narrative et descriptive. Pas toutes, La Fin de Louis ou Contes et légendes sont nettement dramatiques mais tous mes spectacles pour enfants, Cendrillon, Pinocchio et Le Petit Chaperon Rougepartent du narratif, d’une forme non théâtrale qui commence par quelque chose comme « il était une fois », avec des narrateurs incarnés qui deviennent des personnages et font des allers et retours entre les deux. Avec des degrés, dans Au Monde c’est plus conventionnel, dans Les Marchands les personnages ne disent que trois phrases et la narratrice occupe l’espace de la parole… Je ne fais pas ça systématiquement, partir du narratif, mais quand même j’ai fait ça souvent ! Pour ce spectacle j’ai procédé comme les autres fois mais avec une spécificité inattendue : j’ai beaucoup écrit. Si j’avais laissé aller davantage ça aurait pu être un roman. Puis le théâtre est venu demander sa place. 

C’est à dire ? Le dialogue ? 

La scène, les corps, les voix. J’aurais pu raconter simplement avec les mots, dialogue ou narration et description… mais il y avait des choses que je ne pouvais pas seulement raconterou faire dire. Qu’il faut faire voir ou deviner. La forme romanesque fige aussi, elle met les corps dans une sorte de retenue et de raideur. Ce n’était pas envisageable de porter ce narratif/descriptif sur scène seul, je ne pouvais pas tout faire de cette manière. Donc j’ai beaucoup coupé, et je continue de beaucoup couper… 

Comment cela se présente-t-il sur scène ? À votre manière, avec des cuts et un traitement intimiste du son ?

C’est à nouveau une forme très découpée oui, très construite sur des transitions, des noirs, des coupures, des ellipses. Cette manière de mettre sur scène a à voir, pour moi, avec la forme narrative, ou avec des pièces séquencées comme La réunification des deux Corées. Mais cette fois-ci la lumière est prise en charge par la vidéo. Des images qui permettent de construire et déconstruire des espaces. C’est une écriture de la lumière spécifique à cette pièce. 

AGNÈS FRESCHEL

Les petites filles modernes (titre provisoire)
Du 24 au 29 avril
Châteauvallon, scène nationale d’Ollioules

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Désarrois de l’amour

Les 20 tableaux sont des scènes de genre, inspirées d’un théâtre de boulevard où les excès ne seraient plus ceux des quiproquos absurdes et des infidélités cachées comme chez Labiche ou  Ruquier, mais des crimes et des désespoirs banals, communs comme des faits divers. Joël Pommerat nous demande, à 20 reprises, pourquoi nous cherchons à nous unir, nous réunir, nous désunir, avec tant d’insistance. Jusqu’où nous acceptons d’aimer l’autre et ce que signifie sa perte.

Les scènes les plus drôles – celle où une femme est sur le point d’épouser un homme quand elle apprend qu’il a aimé, avant elle, toutes ses soeurs (4!), celle ou un mari et une femme, voisins, attendent leurs époux respectifs, qui visiblement couchent ensemble – laissent apparaître, au-delà de leurs invraisemblances cumulatives, des désarrois que le boulevard ne connaît pas.

Un effroi qui tourne à l’horreur quand une femme réconforte son mari, tueur en série, lui assurant qu’elle aime ce qu’il y a de bon en lui ; ou quand un instituteur dévoile peu à peu son amour pour un jeune garçon qu’il a (l’a-t-il ?) abusé ; quand une femme demande à sa compagne de lui rendre son cœur, d’effacer ses traces, avant de la quitter. La scène la plus forte demeure celle d’une femme qui oublie son mari chaque jour, et le récit quotidien qu’il lui fait, de leur amour, de leurs enfants, de leur désir, avant de la perdre à nouveau.

Chacune de ces scènes s’inscrit dans des couloirs de lumières projetés au sol, des fantômes d’espaces, des motifs surannés, des perruques et des costumes grisonnants venus d’un temps disparu. Des spectres du passé surgissent parfois, qu’on étreint puis qu’on éconduit. Les voix murmurent, les cris jaillissent comme des exceptions, des tonnerres. Réunir les deux Corées, parties d’un même être irréconciliable, est décidément impossible.

AGNES FRESCHEL

La Réunification des deux Corées
26 et 27 mars
La Garance, Scène nationale de Cavaillon

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Dès la première représentation, l’univers si étouffant de la centrale – avec ses grilles successives, ses contrôles, l’étroitesse des espaces et leur gris persistant – transfigurait le message de Pagnol : le sentiment d’enfermement de Marius, son désir de s’échapper et de voir le monde y apparaissaient avec une âpreté évidente, et terriblement émouvante. Qu’allait-il en être hors des murs carcéraux, dans les limites presque imaginaires d’un théâtre ? 

Pagnol s’évade

Les anciens détenus devenus libres, et comédiens, gardent dans leur présence l’expérience sensible de la prison. Quand Marius (Michel Galera) avoue enfin à Fanny qu’il l’aime mais ne veut pas s’engager, parce qu’il veut quitter la boutique de son père, c’est de l’angoisse pure qui surgit, et fait comprendre cet impérieux désir du large. Lorsque Piquoiseau (Redwane Rajel) vient proposer en douce à Marius de s’engager, ce sont d’autres deals qui se suggèrent. Quant à César (Jean Ruimi) il est, depuis Arles, l’incarnation même d’un destin contraint, d’une perte sensible, n’osant dire ses sentiments qu’après des actes autoritaires répétés, comme un être qui aurait intériorisé jusqu’à la lie la punition. 

Cette régénération du texte de Pagnol n’est possible que par la cohérence de la compagnie autour du propos, le travail du son qui permet d’entendre les murmures intimes et la subtilité de tous les comédiens. Fanny (Elise Douyère) est une fille de notre temps qui refuse d’enfermer celui qu’elle aime même si elle en souffre. Les histoires de filles perdues et de maîtresse cachée sont judicieusement évacuées et Panisse, divorcé avare, n’est qu’un pervers qui veut se taper une jeunesse. Marius, sans les deux autres volets de la trilogie, retrouve sa dimension de tragédie antique, confrontation sans issue entre des désirs légitimes. 

AGNÈS FRESCHEL

Marius a été joué au Zef, Scène nationale de Marseille, du 8 au 11 janvier, dans le cadre de la programmation hors les murs du Théâtre du Gymnase.

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Depuis, les détenus devenus acteurs se sont mêlés à la compagnie de Joël Pommerat, et Marius est devenu une production de la Cie Louis Brouillard, qui tourne sur toutes les scènes. Le naturel du jeu des ex-détenus contamine toute la troupe, plongée dans un Marseille contemporain, toujours grande gueule, où on ne fait plus des mandarin-citron mais des kebabs. Mais Marius rêve d’un ailleurs, et partira… Ses répliques sur l’enfermement, les gestes routiniers, les murs qui retiennent, sur la vie tragique des pauvres gens, gardent le relief inattendu qu’ils avaient en prison où la façon de laisser surgir les affects, les impasses, les conflits, sonnaient avec une incroyable force et une confondante humanité.

AGNÈS FRESCHEL

Du 7 au 11 janvier
Le Zef, scène nationale de Marseille
Dans le cadre de la saison du Gymnase hors les murs

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Cendrillon est jouée du 4 au 6 avril aux Salins, scène nationale de Martigues

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