S.C.
20 mai
Klap - Maison pour la danse, Marseille
En coproduction avec le Théâtre Joliette et la Saison Méditerranée. 

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CL

12 mai

Le Klap, Marseille

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S.C.
2 avril
Klap - Maison pour la danse, Marseille

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C.L.
24 janvier
Klap – Maison pour la danse, Marseille

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Cygne à nu

Les spots jettent une lumière tamisée sur le plateau nu. Awa Joannais apparaît lentement au fond de la salle, et s’avance vers le public. Sa démarche est étrange, ses mouvements pourtant saccadés se déploient comme au ralenti et l’enveloppent d’une aura non-humaine, hybride, incertaine.

Le solo chorégraphie par Héloïse Jocqueviel sur une réécriture du Chant du Cygne de Schubert par Ulysse Zangs habille sa danseuse d’une présence bouleversante, et donne un souffle nouveau, queer, puissant au mythe chorégraphique du cygne blanc. La réécriture musicale de Zangs transforme le plateau qui se change en foret, en désert lunaire, en fond abyssal. Awa Joannais porte comme seul costume de faux ongles blancs bombés comme des serres. Comme pour un animal jaugé à travers une vitre par un spectateur intimidé, elle incite le public à une contemplation renversée, mutuelle. Le personnage repart comme il est apparu, laissant sur le plateau du Klap, le souvenir d’une hallucination collective, d’un cygne camp et profondément moderne. 

Infortuné·e

Un·Blest suit. Un bref changement de décor a permis l’apparition d’un large cocon fendu sur le plateau, devant lequel Héloïse Jocqueviel s’étend, immobile. Ce deuxième solo déploie une narration cyclique étrange, faite de répétitions altérées, d’accélération et de ralentis dans une constante évolution.

Un personnage hybride tourne autour du cocon, s’en éloigne et s’y réfugie, ses mouvements empreints de paresse ou d’angoisse semblant dictés par la musique (Inès Chérifi et Ulysse Zangs) et la transformation régulière des lumières du plateau. Son costume de voile en lambeau qu’elle anime de tout petits mouvements, flotte très prés de son corps, comme un plumage. Il est question de résilience, d’adaptation, à la fois dans l’expérience et les transformations des gestes de la danseuse, mais aussi de l’adaptation du spectateur à la métamorphose constante du procédé narratif. 

Entre réminiscences et réécritures, Sven et Un·Blest explorent les expériences sensibles et solitaires de personnages en marge de l’humanité, et invitent à la contemplation de nos propres capacités transformatrices. 

Nemo Turbant

 Sven et Un·Blest ont été dansés à Klap – Maison pour la danse le 9 janvier.

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À la fois danseur, musicien et chef d’orchestre, Jamil Attar assure un spectacle percutant rythmé par des mouvements puissants. Le live de batterie s’associe à la composition électronique, réalisée en collaboration avec le producteur Dilemma. Le tout sous un jeu de lumière et dans une ambiance fantasmagorique élaborée par le scénographe Samson Milcent. La suite du programme, c’est au Zef que ça se passe. 

MÉLYNE HOFFMAN BRIENZA

6 mai
Klap – Maison pour la danse, Marseille

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À 20h30 Pauline Brun présente Tapies, une pièce sur les stratégies de détournement fondé sur le Chindogu, cet art japonais de l’objet inutile. Comme sa casquette rose avec des trous pour les yeux ; difficile à porter, certes, mais inutile ? Le 25 avril Coline danse deux créations : les danseurs de la formation professionnelle créent Printemps concocté pour eux par Michel Kéléménis sur le mythique Köln concert de Keith Jarret. Une pièce suivie de Inked de Arno Schuitemaker écrite Encrée, avec les 16 interprètes. 

AGNÈS FRESCHEL

23 et 25 avril
Klap – Maison pour la danse, Marseille

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Avec en filigrane la présence d’Oxun « divinité régnant sur les eaux douces, associée à la richesse spirituelle, matérielle et à l’émancipation des femmes ». Une création qui mêle à la danse une scénographie faite de toiles et d’amulettes suspendues, et d’images projetées. 

NICOLAS SANTUCCI

1er avril
Klap – Maison pour la danse, Marseille

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Émilie Robert. 50 pays sont représentés ! Nous sortons du prisme européen. La question des droits culturels de l’enfant, dont l’Assitej [voir encadré] se préoccupe autant que des questions artistiques, est extrêmement bien partagée à travers la planète. Même s’ils se défendent de manière différente selon les pays. Nous en avons été témoins l’an dernier à Cuba, lors du congrès mondial. Là-bas, l’accès à la culture est incroyablement bien intégré ; c’est plus fragile sur les questions de liberté d’expression. En France, il n’y a pas de censure politique directe, mais si l’on comparait les deux situations, c’est comme si l’EAC [Éducation artistique et culturelle, dispositif mis en place progressivement par le gouvernement français depuis 2022, ndlr] était généralisée depuis des décennies.

Il reste beaucoup à faire pour que la Convention des Nations unies relative aux droits de l’enfant soit respectée, c’est une bonne chose que les acteurs du spectacle vivant s’en emparent !

Cet axe s’est beaucoup développé depuis la pandémie. En 2020, l’Assitej a publié un Manifeste qui interpelle les décideurs politiques, institutions artistiques, médias, parents, etc., sur les endroits où il est de leur responsabilité d’agir pour garantir l’accès à la culture des mineurs, « même et surtout en temps de crise ». Des projets de recherche se sont aussi mis en place pour imaginer comment  inclure les enfants dans la gouvernance des structures culturelles.

Il n’y a pas d’équivalent d’une telle collaboration à cette échelle internationale dans le spectacle vivant « adulte », pourquoi ?

En effet, dans ce secteur les collaborations se font plutôt à l’échelle européenne. Cela vient d’une culture très militante des structures jeunesse. Il ne s’agit pas seulement de rassembler des gens qui font le même métier : elles sont engagées pour leur public. Cela actionne tout de suite de la curiosité, une exigence d’équité, des préoccupations éthiques. Œuvrer pour ne laisser aucun enfant sur le bord du chemin, cela élargit naturellement la démarche, on tend à inclure bien plus, on fait en sorte que tout le monde profite de ce que l’on invente, qu’il s’agisse d’inspiration mutuelle, d’appui, d’hybridation entre projets…

Pourquoi Marseille a-t-elle été choisie ?

Pour la place qu’occupe sa jeunesse, la densité de cette part de la population dans cette ville. Et son ouverture sur la Méditerranée, le monde, bien-sûr. Par ailleurs, l’idée était de ne pas centrer l’événement sur Paris, où la scène destinée au jeune public a relativement peu de moyens. À part la programmation jeunesse du Théâtre de la Ville, et quelques autres initiatives, il n’y a pas dans la capitale, comme à Marseille, de réelle vitalité des propositions. Qui s’appuie, ici, sur une capacité à travailler en collectif, avec plusieurs acteurs du territoire, à l’occasion du festival En Ribambelles ! par exemple.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR GAËLLE CLOAREC 

Bright Generations - Générations Lumineuses
Du 23 au 29 mars
Marseille, divers lieux

Qu'est-ce que l'Assitej?
L'Association internationale du théâtre pour l'enfance et de la jeunesse réunit des théâtres, des organisations et des artistes du monde entier autour des arts du spectacle pour les enfants. Elle est née à Paris en 1965, avec la conviction que pour mieux défendre leur accès à la culture, il fallait dialoguer. Y compris entre l'Est et l'Ouest, en pleine guerre froide, un message d'espoir qui gagne à être connu et repris aujourd'hui, alors que les tensions géopolitiques s'aggravent de toutes parts... La rencontre Bright Generations - Générations Lumineuses est l'occasion de célébrer le soixantième anniversaire de cette ONG. Sa branche française, Scènes d’enfance – ASSITEJ France, créée quant à elle en 2015, co-porte l'événement avec le Théâtre Massalia, scène conventionnée d’intérêt national « Art, Enfance, Jeunesse » de la Friche la Belle de Mai. Marseille accueille ainsi, non seulement la crème artistique de la création mondiale destinée aux jeunes générations, mais aussi l'élan et les attentes qui leur sont propres. G.C.

A l’occasion de Bright générations, les théâtres de Marseille se mettent en six pour accueillir dix-neuf spectacles. Tour d’horizon

Six au Massalia 

Dans Filles et soie Séverine Coulon s’attaque aux stéréotypes féminins de Blanche Neige, La Petite Sirène et Peau d’âne. Un diktat de l’apparence qui enferme les filles dans un cocon de soie qui les étouffe… Un spectacle adapté des Trois Contes de Louise Duneton, et joué parallèlement en français et  en langue des signes (LSF).
The Way Back, spectacle de marionnettes taïwanais, explore les dégâts de la guerre et de la séparation à travers l’allégorie d’une main droite en quête de son corps, et de sa main gauche. L’histoire de Taïwan ? 
Dans Penguin Hamzeh Al Hussien raconte son voyage depuis les montagnes syriennes jusqu’en Angleterre, en passant par un camp de réfugiés jordanien. Avec, partout, le sentiment de sa propre étrangeté, comme un pingouin décalé mais fier ! 
La fabuleuse histoire de BasarKus, duo entre Basile danseur et Markus, circassien, est un trait d’union qui affirme l’existence d’une forme hybride née du rapprochement de la danse contact et des portés acrobatiques… tandis que Up and Away s’adresse aux plus de trois mois qui ne marchent pas mais  partagent des moments de lumières et de sons, de contact et de douceur avec Amy et Hannah.
Qant à ceux qui marchent, ils pourront aller voir Scoooootch ! dès 2 ans : un spectacle de rock féministe qui a pour vedette le fameux ruban adhésif. Ou Keep it safe, dès 6 ans, en espace public, où des danseur·euse·s vêtu·e·s de gilets jaunes organisent un inutile chaos, et nous y entraînent… . 

Trois à la Criée

Le Centre dramatique national accueille trois spectacles pour tous les stades de l’enfance. 
Dès trois ans, Dehors, un spectacle musical et magique du duo Braz Bazar, formé des percussionnistes Jérémy Abt et Bastian Pfefferli,  mis en scène par Claire Heggen. Un spectacle visuel tout autant que musical, mais où tout naît du son des objets percutés.
Dès sept ans un spectacle plus grave, de la compagnie brésilienne Pandorga, spécialiste de l’enfance : Louise / Os Ursos de Karine Serres raconte l’histoire d’une petite fille qui voit des ours transparents qui  suivent et accompagnent les humains. Est-elle clairvoyante, est-elle défaillante, et comment réagir face à ces visions ? 
A partir de 9 ans, le spectacle d’Anne Nozière, qui sera joué deux fois dans la grande salle. Oiseau met en scène un thème peu présent dans le spectacle jeune public, et pourtant fondateur de nos contes. Comment les enfants vivent-ils la mort d’un proche, d’un parent, d’un être aimé ? Dans Oiseau, c’est toute une école élémentaire qui va rejoindre « l’autre côté » où le père de Mustafa, le chien de Pamela, ont disparu… Une quête qui va leur permettre de mettre des mots sur leur perte, et de refuser l’oubli.  

Deux  à la Joliette 

Au Théâtre Joliette les spectacles s’adressent aux ados, à leurs rêves et à leurs révoltes. Puissant·es  (Cie 3637)suit l’équipée nocturne de trois d’entre iels, Mael, Kadija et Sonik, des colleur·euse·s en colère  qui déroulent sur les murs leurs slogans :  des phrases qui dénoncent la domination des « mecs », des adultes, exercée sur leurs corps et leurs rêves. A partir de 14 ans.
Les ados un peu plus jeunes, à partir de 12 ans, pourront voir #Génération(s) de la compagnie le Cri dévot. Un spectacle écrit avec des paroles d’ados du monde entier, découvertes par un cosmonaute qui voyage dans l’espace et le temps, et restiti=uées dans un cube de lumièe qui permet des apparitions.

Deux aux Bernardines

La chapelle intime accueille deux créations françaises de théâtre d’objet. Star show, de la cie Bakélite, dans laquelle les voyages dans l’espace ne sont plus réservées à l’élite économique, mais sont enfin accessibles au commun des mortels. Un voyage bricolé avec des matériaux de récupération… mais par un technicien doué. Comment vont-ils y arriver et surtout que vont-ils y découvrir ? 
Un brocoli, une bouteille, un torchon… sont posés sur une table. Créés par Les becs verseurs avec Marina Le Guennec, les 10 objets sont les personnages principaux de l’histoire et racontent leurs aventures. 

Trois au Zef

La scène nationale accueille des performances locales et internationales. Harold : the Game, fait revivre la bataille d’Hastings avec Guillaume Le Conquérant. Au milieu du plateau, là où est l’arène, les joueurs s’affrontent dans la terre avec de grands mouvements pittoresques, dignes d’une bataille ancestrale. 
Brights Generations vise à sensibiliser les plus jeunes : ici, Pedro Saraiva initie aux questions environnementales.  Dans le conte écologique portugais O Grande Lago, il sera question d’ours polaires qui perdent leur maison à cause du réchauffement climatique, et de pollution des mers.  
La fille qui chante et la fille sur le toit, est une production camerounaise créée par Jeannette Mogoun, adaptée du texte de Luc Tartar En découdre. Entre musique, poésie et théâtre, on suit l’histoire d’une jeune fille atteinte de schizophrénie, qui use de sa force pour affronter ses démons et ceux des autres, avec la volonté de déconstruire les idées préconçues sur sa maladie. 

Deux au Klap

Les artistes nigérien·ne·s de Kininso Koncepts explorent le potentiel spectaculaire des éléments naturels. Sandscape renoue avec le bac à sable enfantin, et la magie de cette matière solide qui coule entre les doigts.  Mis en scène par Joshua Alabi, ce spectacle sans paroles mélange le sable avec de l’eau, le manie compact ou chauffé par le soleil, garde l’empreinte des pas qui s’ancrent au-dedans.  
Le petit chaperon rouge, œuvre classique édulcorée les frères Grimm, Perrault et Disney  est retravaillée par Sylvain Huc, dans sa violence sexuelle et politique. Un retour vers la tradition orale du conte, où les corps se désirent , se mangent, se trompent et se libèrent aussi, en grandissant.

LILLI BERTON FOUCHET et AGNÈS FRESCHEL

Bright generations – Générations lumineuses
Du 23 au 29 mars
Marseille

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Michel Kelemenis. Dans le champ où je travaille, qui est celui de la danse émergente, la question du genre a vraiment gagné en visibilité depuis 2018. Un projet sur deux que je reçois aujourd’hui porte sur les assignations genrées et comment les corps s’y débattent. On pourrait se dire qu’il n’y a plus de nécessité de maintenir ce festival. Que ce ne sont pas des questions communautaires et qu’elles peuvent être celles de tout le monde. Mais en fait ce n’est pas le cas.

Le public de + de genre est-il différent de celui de Klap en général ? 

En partie oui, c’est notre public, celui de la danse émergente, mais augmenté de la communauté LGBT+. L’intersection est grande, mais certains ne viennent que pour ce temps de programmation. Et il est évident qu’il est précieux pour eux. C’est pour cela que, malgré la généralisation de la question queer sur les scènes, malgré les progrès rapides et une législation volontariste dans la création actuelle, je crois qu’il faut maintenir ce moment. Parce que d’un autre côté cette communauté est dans un moment difficile. 

Vous parlez de la violence du monde, de la situation internationale ? 

Évidemment, mais aussi très concrètement du quartier. Le dernier cycle électoral a été absolument désastreux ici. Dans cette mosaïque de pauvretés de mon quartier [boulevard National, 3^e arrondissement, ndlr] des politiques ont tenu des discours de haine inédits, dressant les pauvres contre les pauvres. On a toujours bien vécu avec les gens, ici, et pour la première fois un danseur s’est fait insulter, traiter de « PD », pendant un spectacle. Dans un moment de vulnérabilité, sur scène. C’est extrêmement violent. 

Est-ce pour cela que vous continuez + de genre ? 

C’est pour cela que je m’interroge sur la suite à donner, les évolutions. J’ai toujours été très heureux dans cette manifestation, de sentir l’humanité qui se dégage des propositions de jeunes artistes qui travaillent à leur endroit avec justesse. Ils et elles viennent ici, avec des manières de se présenter au monde qui sont très belles et me touchent, parce qu’ils se mettent en jeu eux-mêmes… J’ai toujours veillé à ce que ces questions soient aussi fondues à des esthétiques diverses, mais chorégraphiques.

Elles ne le sont pas toujours ? 

La question de l’identité de genre et celle de la transition posent le corps au cœur des problématiques. Or, à mon sens, ce qui fait danse, ce n’est pas le corps, mais le geste, le mouvement. Et l’écriture de ce mouvement. Quelle peut être la formulation juste, et comment les jeunes artistes agissent pertinemment avec ce paradoxe, c’est cela qui intéresse + de genre. C’est un festival qui interroge aussi les esthétiques. 

Par exemple ? 

Parmi les projets, celui qui ouvre le festival, Some faggy gestures, où Andrea Givanovitchenchaîne les gestes maniérés qui sont censés caractériser les homosexuels. Il travaille sur la répétition, l’épuisement, pour dire l’enferment où cela l’assigne. On a aussi Wendy Cornu, qui est assez intellectuelle mais qui fait des choix de corps en résonnance avec son propos, ou Matteo Selda qui travaille sur la rotation et invente une danse homo-folk dans Fuck me blind. Ou Ahmed Ayed qui avec le danseur palestinien Hamza Damram, dans And Nobody else, se débarrasse des postures imposées par une société excluante… 

C’est cela qui vous intéresse ? 

Oui, c’est mon endroit, j’aime que les projets de danse ne s’arrêtent pas à mettre sur scène des corps présents. + de genre présente une variété d’esthétiques et d’écritures, visuelles, musicales, des textes aussi, des mots. Certains se disent performances, d’autres se nomment spectacles, mais j’espère que toutes dansent !

Beaucoup de créations, répétées à KLap pour certaines ? 

Oui, c’est un festival de création.

Y a-t-il des propositions drôles, joyeuses ?

Peu, en dehors du Cabaret Shit show de clôture, à l’Embobineuse. Drôles à certains égards oui, profondément joyeux non, même s’il y a des audaces joyeuses qui naissent d’unenécessité d’expression accomplie. Le temps n’est pas à la joie, et on a surtout des parcours de douleurs qui doivent se dire, aujourd’hui encore, autour de ces questions-là.  

ENTRETIEN REALISE PAR AGNÈS FRESCHEL

+ de genre
Du 11 au 22 mars
Klap, Maison pour la danse, à Marseille 

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