Marina Gomez. Nidāl en arabe signifie « lutte ». Cette pièce est co-chorégraphiée avec Elias Ardoin, qui est danseur et cascadeur. Dès le départ, on voulait parler de combat, de violence, mais aussi de manière plus spirituelle, la quête de la paix intérieure. Et finalement l’opportunité de travailler avec des détenus dans une prison est apparue. Pendant trois mois, deux à trois fois par semaine, nous sommes rentrés en création avec eux. Les détenus étaient principalement en fin de peine, ce qui était nécessaire car nous avons pensé le projet sur la durée. Notre pièce, et c’est très important, est une création, pas une médiation d’atelier. Sur scène, les anciens détenus sont accompagnés par des danseurs professionnels. Le public ne peut pas les distinguer, c’est très important pour mettre tout le monde au même niveau.

Comment avez-vous pensé la chorégraphie ?

La pièce parle de la violence physique, extérieure, mais aussi de la violence en soi. La première partie, ce sont de vraies scènes de bagarres. On a travaillé avec Elias de la même manière que des cascadeurs. Nous sommes très inspirés par le cinéma, tout comme Arsène Magnard, qui signe toutes les musiques de mes spectacles et qui compose pour des films. Lorsque je chorégraphie une pièce, je pense en plan, en séquence, comme une scène de film. Et c’est particulièrement le cas dans Nidāl. La seconde partie de la pièce parle du collectif comme moyen de trouver l’apaisement.

Cette pièce témoigne, comme dans tout votre travail, d’un engagement fort de votre part.

Mon engagement, c’est la lutte contre la déshumanisation. Que l’on vienne des quartiers, que l’on soit détenu, on a des choses à raconter. Quand on donne un espace de confiance, de prendre soin, on grandit ensemble. Ce qu’on défend dans cette pièce, c’est que le champ des possibles est beaucoup plus immense que celui qu’on imagine. Cette création est dans la continuité de mon travail, et je la rapprocherais presque davantage de ma prochaine pièce, qui s’intitule Plutôt le feu que les larmes, pensée pour douze femmes danseuses,qui parle de lutte. Elle est prévue pour janvier 2027.

Vous allez présenter un documentaire sur le processus de création de Nidāl, pouvez-vous nous en dire plus ?

En effet, la représentation sera suivie d’un documentaire de quinze minutes, réalisé par Camille Tonnerre, qui nous a suivis durant la création en centre de détention. Il donne la parole à certains des détenus qui ne pourront pas être avec nous.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR MONA LOBERT

Nidāl[dedans-dehors]28 et 29 juin

Klap - Maison pour la danse, Marseille

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9 juin

Klap - Maison pour la danse,Marseille

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Dans Kafka – Fragments, Clara Freschel entre dans Kafka par éclats. Des bribes de journal, des mots en allemand, des inflexions yiddish, des motifs qui reviennent, se heurtent, bifurquent. La pièce avance ainsi, par fragments, au plus près d’un imaginaire de l’angoisse, du ressassement et d’une folie qui affleure. La guitare et l’électronique de Jean-Marc Montera travaillent le mouvement, le déplacent, le mettent en tension. Quelque chose insiste, se défait, repart. Puis la pièce se ferme sur un autre régime de présence : le témoignage filmé de Ruth, tante de l’interprète, rescapée d’Auschwitz, racontant sa séparation d’avec son père, puis d’avec sa mère, au moment de la déportation. Après les éclats, cette parole arrive comme un seuil. Elle ne résout rien ; elle laisse au contraire la pièce au bord de ce qui, enfin dit, n’en demeure pas moins irréparable.

Faire face

Avec Kata, Anna Chirescu part d’un autre héritage : celui d’un père qui a fui la dictature de Ceausescu. Ce qui se transmet ici passe par le corps, par une pratique – les arts martiaux –pensée comme un mode de défense. Le mouvement s’organise à partir de gestes appris, répétés, tenus, dans une logique de préparation et de réponse. Mais la pièce ne s’y limite pas. Elle laisse apparaître autre chose : la volonté de réintroduire de la danse – la hora – dans cet ensemble contraint. Pas comme une forme installée, plutôt comme une tentative, une direction possible, qui reste en tension avec ce qui précède. Une image interviendra ici aussi : des hommes enchaînant des poses de karaté sur une plage de Bucarest.

Clara Freschel dansait le surgissement du souvenir, l’angoisse, la paranoïa précurseuse de Kafka, le ressassement. Chirescu place ces états dans une autre écriture : plus cadrée, plus retenue, mais traversée par la même inquiétude et une belle inventivité – mention spéciale à l’histoire introductive d’une rencontre amoureuse narrée par… un coing. Et déroulé par un corps lui aussi mûri et doré par une vie qui point et bombe son – joli – ventre.

SUZANNE CANESSA

Kafka – Fragments et Kata ont été dansés le 2 avril à Klap – Maison pour la Danse, Marseille.

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S.CA.
26 mars
Klap - Maison pour la danse, Marseille

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Grands nombres

Au début de MOTOR UNIT, Sati Veruynes est assise dans un coin à l’avant de la scène, laisse s’installer le public, puis commence un décompte à rebours, unité par unité, à partir de « nine hundred ninety nine thousand nine hundred ninety nine ». Un compte à rebours qu’elle n’arrêtera jamais, même si, à certains moments, ça devient d’évidence difficile de continuer à danser, tout en ne perdant pas le fil de ce décompte. Un décompte qu’elle semble parfois contrôler, qui semble la plupart du temps la posséder, auquel elle consent à s’abandonner à certains moments, et à d’autres qu’elle semble vouloir expulser, en vain. Difficultés dont elle ne cache rien, qu’elle laisse advenir, qu’elle surmonte dans différents états de lassitude, épuisement, rage…

En parcourant d’abord le plateau, aérienne ou écroulée au sol, chancelante, se relevant et rechutant, rampant, jusqu’à investir les gradins du public, grognant, hurlant, à pleins poumons ou à bout de souffle, murmurant en quittant la salle.

Après un intermède de quelques minutes, pendant lequel la lumière changeante des projecteurs module le temps et l’espace vide du plateau, Sati Veruynes réapparait de là où elle était sortie pour un solo tout aussi intense. Elle semble là possédée par un chaos à l’intérieur de son corps, des soulèvements, des emballements, des relâchements, qui la font parfois éructer des sons sauvages. Des ruptures de rythmes abruptes, des contorsions violentes, des chutes soudaines, des moulinets de bras à toute vitesse. À travers lesquels elle semble vouloir expulser là-aussi, en vain, jusqu’à l’épuisement, quelque chose de son corps.

MARC VOIRY

 Panaches de Pau Simon était présenté le 18 mars et MOTOR UNIT de Sati Veruynes les 20 et 21mars à Klap - Maison pour la danse, Marseille.

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Abysses et transformations

Dans Panaches (le 18 à 19 h), le chorégraphe et interprète Pau Simon plonge dans l’imaginaire des abysses et s’inspire des créatures marines et de leurs métamorphoses, pour interroger les formes contemporaines de la famille. Une pièce qui s’appuie sur une création sonore de Clément Vercelletto et un dispositif scénique fait d’objets et de matières évoquant un univers sous-marin.

La proposition de Thibaut Eiferman se présente elle comme une soirée composée de deux pièces complémentaires (le 18 à 20 h). La première, TERRE 1, est un solo dans lequel le danseur dialogue avec trois toiles conçues par l’artiste plasticienne Alice Vasseur, en ouvrant une réflexion sur la gravité, la chute et l’élévation. La seconde, HHH (pour Hand, Heart, Head) met en scène trois interprètes et un mannequin, symbole de la norme corporelle : une pièce qui interroge les pressions sociales liées au corps idéal et explore les tensions entre conformité et transformation.

Transmission et passage du temps

Artiste installée à Marseille, formée à la Salzburg Experimental Academy of Dance, Sati Veyrunes place, dans son premier projet personnel, MOTOR UNIT (les 20 et 21 à 19 h) l’interprète au centre. Deux chorégraphes, l’Islandaise Erna Ómarsdóttir et la Hongroise Adrienn Hód, ont transmis à l’interprète, c’est-à-dire Sati Veyrunes, des fragments de leur répertoire. En rejouant ces écritures à travers son propre corps, la danseuse interroge la mémoire du geste, et la manière dont une œuvre chorégraphique se transforme au fil des transmissions.

Le passage du temps est également à l’œuvre dans Danses vagabondes de Louise Lecavalier (les 20 et 21 à 21h). L’ex-interprète emblématique de la compagnie canadienne La La La Human Steps a choisi de revisiter les gestes accumulés au fil de sa carrière, en mêlant souvenirs chorégraphiques et nouveaux élans. Un parcours à travers le temps où le corps devient un « archive vivante », et où mémoire et mouvement se rencontrent.

MARC VOIRY

Panaches

18 mars à 19 h

TERRE 1 // HHH

18 mars à 20 h

MOTOR UNIT

Les 20 et 21 mars à 19 h

Danses vagabondes

Les 20 et 21 mars à 21h

Klap - Maison pour la danse, Marseille

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« À ce moment-là, j’avais imaginé un protocole qui tient à la fois de l’enquête et de la composition. Je leur ai posé des questions simples : la première fois qu’ils ont dansé, la première fois qu’ils sont montés sur scène… et je leur ai demandé d’y répondre par le mouvement », explique la chorégraphe.

Rencontres de prototypes

Plutôt que d’imposer un vocabulaire unique, Balkis Moutashar a rassemblé des danseurs aux parcours très divers : certains ont suivi des formations institutionnelles, d’autres ont appris en dehors de ces cadres, dans des pratiques variées comme le hip-hop ou la danse électro. « Je voulais un groupe presque sociologiquement représentatif des jeunes danseurs et danseuses d’aujourd’hui, avec leurs propres histoires corporelles, sociales et culturelles. »

Les douze interprètes, tous au début de leur parcours professionnel, viennent ainsi d’horizons variés : écoles supérieures, autodidaxie, danse contemporaine, classique, hip-hop ou électro. Certains ont commencé très jeunes au conservatoire, d’autres ailleurs, parfois « sur la plage ! ».

Son travail de composition s’appuie sur cette hétérogénéité : « Ce qui m’intéresse, c’est qu’ils fassent groupe et que tout le monde fasse tout. Que chacun soit, à certains endroits, extrêmement brillant, et à d’autres presque vulnérable. »

Pour la chorégraphe qui, depuis son parcours de danseuse, navigue entre les genres et les disciplines, cette création est aussi une manière d’interroger ce que signifie faire groupe sans effacer les singularités. Attachée de longue date aux questions de diversité sociale, culturelle et stylistique, Balkis Moutashar inscrit cette création dans une réflexion plus large sur la rencontre. « Ce spectacle parle de rencontre. Ce sont des rencontres d’histoires les unes avec les autres. »

SUZANNE CANESSA

ChoreograpHER au Pavillon Noir

Cette semaine, deux chorégraphes sont également invitées au Pavillon Noir, dans le cadre de son cycle ChoreograpHER. La chorégraphe chilienne Marcela Santander Corvalán propose le 23 janvier une plongée dans l’élément aquatique avec Agwuas. Inspirée par des rituels et instruments liés à l’eau, la pièce explore les notions de flux, de mémoire et de résonance, dans une relation étroite entre geste, voix et matière sonore.

Solène Wachter présente quant à elle le 26 janvier une soirée en deux volets, For you / not for you et Logbook, qui interrogent la place du regard et la fabrication du spectacle. Jeux de points de vue, écriture fragmentée, adresses directes au public : deux pièces qui brouillent les cadres habituels de la représentation et revendiquent une danse proche de la performance, consciente de ses propres dispositifs. S.CA.

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L’ambition était de faire dialoguer les époques et les esthétiques, « tisser une architecture vivante où les matières sonores, les rythmes, les chants et les gestes se répondent ». Sur le papier, l’idée était louable. Le mélange des genres – baroque, flamenco, sacré, profane – aurait pu constituer une immense réussite. Sur scène, la réalité s’avère contrastée.

Le spectacle débute pourtant sous les meilleurs auspices. Les trois danseuses, le chanteur et le guitariste forment un cercle devant un point de lumière, entonnant un Stabat Mater tout à fait convaincant. Le texte – réécrit en français puis chanté en espagnol –, la musique qui convoque à la fois Pergolèse et Purcell, témoignent du cosmopolitisme baroque européen. On découvre avec bonheur que les danseuses possèdent de magnifiques voix, capables de se fondre en polyphonie. C’est beau. Les danseuses sortent alors de cet espace liturgique en frappant du talon, scandant le temps qui passe comme des battements de cœur ou des taureaux dans l’arène qui s’apprêtent à charger. Le flamenco entre en scène. C’est encore captivant.

Et puis quelque chose se délite. Le spectacle bascule dans une succession de solos de bravoure, sans qu’on ne parvienne à en saisir la cohérence narrative. Il est bien sûr question de violence, de colère, de souffrance jusqu’à l’épuisement, de folie… De femmes rebelles, résistantes, debout. Certains tableaux sont magnifiques. Ana Pérez, en grande prêtresse, est divine. Sa présence magnétique, sa maîtrise technique, son rapport charnel à la danse écrase le plateau. Mais cette superbe isole les autres interprètes. Miranda Alfonso, pourtant puissante, semble empruntée, Marina Paje,gracieuse, ne parvient pas davantage à s’imposer. Pourtant, lorsque les trois danseuses dansent ensemble et qu’elles sont connectées, que leurs pieds et leurs regards se répondent, c’est sublime. Ces rares moments de communion révèlent l’intensité que la soirée aurait pu atteindre.

Mais l’ensemble reste décousu. On ne comprend pas l’accoutrement du guitariste, affublé d’une étrange jupette évoquant l’Égypte ancienne. On peine à saisir le sens de la scène surjouée où l’une des danseuses tente d’arracher son tambour au chanteur, métaphore de l’accès des femmes au pouvoir sacré, chamanique ? Le propos reste opaque. C’est surtout Alberto Garcia, le chanteur de flamenco, pourtant reconnu dans le milieu, qui déçoit en incarnant le texte en chanteur de charme, avec une théâtralité triviale qui entre en collision avec la dimension spirituelle du propos. Heureusement, la création lumière d’Arno Veyrat, du blanc virginal au rouge du sang, apporte au spectateur une trame salutaire qui aide à se repérer dans cette traversée chaotique.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

 Le spectacle a été donné le 10 janvier à Klap – Maison pour la danse, Marseille.
Une proposition du Zef, Scène nationale de Marseille.

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Vingt ans que Question de danse rend visible l’invisible : le travail en train de se faire, la pensée en mouvement, la création chorégraphique dans sa plus vive fragilité. Pour Michel Kelemenis, initiateur il y a 20 ans d’un format devenu fréquent dans les centres chorégraphiques, « la rencontre avec le public agit comme un accélérateur d’idées». Dans ces soirées de partage, les artistes livrent leurs projets en cours avant d’entrer en conversation avec la salle : un espace de création et d’écoute rare, où la parole, la danse et l’imaginaire se répondent et se confrontent.

Corps en chantier

Cette édition anniversaire s’ancre plus que jamais à Marseille, en donnant la parole à celles et ceux qui façonnent aujourd’hui la scène chorégraphique du territoire. Le 17 octobre, Michel Kelemenis présentera L’Amoureux de Madame Muscle, un nouveau volet de son répertoire jeune public. Successeur et renversement de L’Amoureuse de Monsieur Muscle, créée en 2008, cette fantaisie ludo-anatomique fait danser une bande dessinée vivante. Trois personnages — l’Amoureux sensible, la puissante « Madame Muscle » et le mystérieux maître de cérémonie Anatom’ — évoluent dans un décor de muscle, de peau et de tendon, aux costumes acidulés signés Agatha Ruiz de la Prada. Sur une bande-son pop composée par André Serré, le spectacle mêle humour, poésie et curiosité du corps pour le jeune public. Avec humour et tendresse, le chorégraphe revisite la puissance du corps féminin et invite l’enfance à se penser en action.
La soirée se poursuivra avec Ana Pérez, accompagnée du guitariste José Sanchez, pour Stabat Mater, les voix du corps. Une relecture profane et contemporaine de la douleur et de la mémoire, où flamenco réinventé, voix et guitare tissent une architecture vibrante autour de la puissance du féminin.

De chairs et de sangs

Le jeudi 23 octobre, place à Flora Détraz seule en scène dans Gorgo. Entre concert-performance et rituel incantatoire, la chorégraphe explore les figures monstrueuses du féminin par la voix, la métamorphose et la défiguration : un manifeste poétique et sauvage, entre rire et effroi. Le monstrueux y devient jeu, outrance, satire : rires, cris, toux, fantaisies vocales se mêlent dans ce solo où l’horreur flirte avec le grotesque.

Enfin, Bastien Charmette clôturera ce second temps fort avec L’Écluse, pièce pour deux danseurs et un musicien où s’entrelacent mécanique et chair. Inspiré par la symbolique du passage, il compose une partition fluide, entre eau et métal, où le geste devient traversée.

SUZANNE CANESSA
Les 17 et 23 octobre KLAP, Maison pour la Danse, Marseille
Entrée libre sur réservation

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À sa suite, Silvia Gribaudi présentera Suspended Chorus : le public y est invité à se transformer en un « chœur suspendu », fluctuant, devenant une partie essentielle de l’œuvre. Une écriture chorégraphique nourrie d’humour, de jeu et d’esprit participatif, et un spectacle qui autour des limites mais aussi des joies de son corps de plus de 50 ans, déconstruit les codes modernes de la beauté, met en lumière la mortalité du corps individuel et célèbre la force du collectif.

M.V.
8 octobre
Klap - Maison pour la danse, Marseille

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