M.V.

11 avril

La Criée, Théâtre national de Marseille

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Le 3 avril à 19 h, les jeunes amateurs de L’Échappée Belle – Théâtre-École proposent, sur La Mezzanine du théâtre, un Préambule à ce spectacle. Durant environ quarante minutes, Jade Bouchoucha, Fares Dali-Youcef, Nil Marc-Aydin, Olive Bernard, accompagnés par Florence Gayraud Blayo et Alexis Moati font résonner, entre transmission, appropriation et création, les thématiques du spectacle avec leur propre expérience.

M.V.

3 avril

La Criée, Théâtre national de Marseille

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Clara Hédouin. Ça a été un très long processus, un des plus difficiles auxquels je me suis attaqué. Avec Romain de Becdelièvre, mon dramaturge, on est passé par plein de phases dans l’écriture. Et on a finalement pris le chemin qui trahissait peut-être le plus le livre, à certains égards, qui est un chemin plus poétique et même surréaliste. Il y a quand même une narration, six personnages qui vont aller enquêter sur le loup, mais on décolle assez vite du réalisme absolu, puisque ces six personnages ne sont pas juste six habitants, mais sont des facultés. Un peu comme dans le dessin animé de Pixar, Vice-versa, où on est dans la tête d’une petite fille. Là, on est dans la tête d’un philosophe. Les personnages qui s’animent sous nos yeux sont des instances de la pensée. Il y a raisonnement, imagination, doute, attention, poésie et enfin amour.

Comment les mettez-vous en scène ?

Ils disent juste comment ils s’appellent et, à partir de là, on va partir avec eux mener l’enquête, se retrouver dans la neige, dans le Vercors, voir les premières traces de loup. Et surtout ce qui va leur arriver, c’est ce qui arrive au philosophe du livre : il entend un hurlement de loup. Moi ce sont mes six personnages-facultés qui entendent le chant et qui vont tenter de répondre à la meute. Et ça devient vertigineux. Ils rentrent dans tout un tas de de réflexions. C’est de cette façon qu’on a réussi à dramatiser un peu le parcours de pensée de Morizot, en le rendant polyphonique, et en rendant conflictuelle aussi l’éclosion des idées dans la tête du philosophe.

Sur les formes de vie non humaines, qui sont très importantes dans le travail de de Baptiste Morizot, comment avez-vous travaillé leur présence ?

Il a fallu créer un environnement mystérieux, énigmatique. À un moment donné, on voulait qu’il y ait un chien sur le plateau, un peu comme dans Scoubidou, les six enquêteurs avec un chien. Mais finalement, on ne l’a pas fait. Car j’aime aussi faire confiance dans les pouvoirs du verbe, dans les pouvoirs de l’imagination du spectateur. Donc c’est le texte, le jeu des acteurs, leur manière de faire exister, par l’espèce de vigilance que je leur demande d’avoir au plateau, des êtres qui ne sont pas là, mais qui, dans notre imagination, sont présents. Et aussi par la vidéo. À un moment donné, les six personnages vont être munis d’une caméra thermique. Elle filme en noir et blanc les paysages la nuit, et tout ce qui dégage de la chaleur se découpe en blanc dans l’image. Les loups vont leur apparaître de cette façon-là, comme des fantômes, comme des spectres qui se déplacent dans un paysage obscur. Ça a influencé toute l’esthétique du spectacle.

Qu’aimeriez-vous transmettre au public à travers cette pièce ?

L’envie de plonger dans cette philosophie qui est porteuse de beaucoup d’espoir. Ça ouvre quelque chose de très vaste. Et c’est aussi, quelque part, nous rendre nos millions d’années, à nous, êtres humains. Nos corps sont plus vieux que l’âge qu’on leur donne. On a une mémoire présente dans notre corps qui est celle de toutes les lignées vivantes qui ont fait apparaître l’espèce humaine. On porte en nous nos ancêtres préhumains, comme des fantômes. C’est un peu cela que j’aimerais rendre aux spectateurs, leurs millions d’années.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR MARC VOIRY

Manières d’être vivant

Du 25 au 28 mars

 La Criée, Théâtre National de Marseille

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Mais si le public suit à l’écran deux histoires différents, la bande son est la même ! L’aspirateur de Natacha y devient le sèche-cheveu de Max, l’émission radio de l’une est diffusée sur l’autoradio de l’autre, et chez les deux des souris couinent, des valises s’ouvrent simultanément… La coordination des comédiens et de leurs bruitages est époustouflante, comme la musique, jouée en direct par Timothée Jolly et Mathieu Ogier. Elle les guide et règle leur tempo, inventive, puissante et lyrique.

Quant aux deux films, synchrones, que les deux parties du public voient dans un ordre inverse, ils ont l’esthétique d’un thriller social, ruelles humides, bars interlopes et mobil-home… Le troisième film, Phèdre, diffusé simultanément aux deux publics, comble les trous de l’histoire, et conclut par un magnifique moment de théâtre, hymne à la rencontre et à la vie.

Dévoiler les écrans

Le plaisir pris à ce spectacle, qui est à la fois une projection, une pièce de théâtre et un concert, est un peu celui qu’on éprouve face à des prestidigitateurs surdoués, des danseurs mirobolants, des pianistes supersoniques. Lorsqu’on comprend la complexité du dispositif, les synchronisations entre les bruitages exécutés par les comédiens, les paroles prononcées avec des voix diverses, l’absence totale de décalage entre les lèvres des acteurs muets à l’écran, et les voix qui les doublent sur scène, l’effet woaw est garanti. On ne comprend cela qu’au deuxième film, lorsqu’on se souvient que les sons qu’on entend bruitaient dans l’autre une image différente… Mais l’intérêt de cette Affaire ne s’arrête pas à cet exploit.

Metilde Weyergans est là, devant nous, à jouer Phèdre, avec une intensité émotionnelle et une précision musicale rares. Pourtant c’est son visage muet sur l’écran que le public regarde, capté par un virtuel dont on lui montre, pourtant qu’il n’est qu’une illusion de retransmission du réel, au son interchangeable. Alors que le théâtre traverse les siècles, fait surgir les émotions les plus profondes, les plus interdites. Celles qui préservent du suicide, du meurtre, et permettent, par les vertus de la tragédie, d’impossibles rencontres. Cathartiques, pluvieuses, intemporelles, comme Phèdre qui meurt chaque soir mais survit depuis des millénaires.

AGNES FRESCHEL

 L’Affaire L.ex.pi.Re a été joué à La Criée du 18 au 21 mars par le collectif La Cordonnerie.

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En 2019, une classe de CM2 vient observer le fonctionnement d’une institution démocratique au conseil régional de Bourgogne-Franche-Comté dans le cadre d’une opération civique organisée par une maison de quartier de Belfort. Lors de ce conseil municipal, le conseiller régional, Julien Odoul, demande « au nom de nos principes laïcs »à une maman accompagnatrice « de bien vouloir retirer son voile islamique ».

À partir de cette actualité mais aussi en convoquant son histoire personnelle, Issam Rachyq-Ahrad témoigne de l’amour pour sa mère. Ma République et moi parle des identités par ricochet, mais surtout de liberté, brouillant les pistes entre fiction et réalité. Dans cette création, le comédien et metteur en scène ouvre les portes de chez sa mère, une cuisinière passionnée fan de Dalida, convoque les souvenirs – le foot, le théâtre, la France, le Maroc – et dresse un portrait intime rempli d’amour de leur quotidien, offrant un joli hommage à celles qui ont trop souvent dû se taire face aux humiliations.

CARLA LORANG

Ma République et moi
26, 27 mars
La Garance, Scène nationale de Cavaillon
1er au 8 avril
La Criée, Théâtre national de Marseille

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« Petites filles, méfiez vous des loups » Perrault

Mais Joël Pommerat, lorsqu’il s’adresse aux enfants, sait aussi ménager leur attention et leurs émotions. Il éteint la lumière pour que l’horreur ne laisse pas d’image, permet au récit de raccommoder les corps dévorés dans le noir, invente une ombre rassurante, une généalogie, un après où filles et mères s’aiment encore.

Et cette pudeur, ce soin, lui permet d’évoquer tout ce qui fait mal à l’enfance. La solitude, l’ennui, la mère qui effraye et rassure, qui n’a pas le temps, dont les talons font clic clac tic tac sur le sol comme des secondes sèches qui s’égrènent. La grand mère si seule et si vieille qui n’a plus de désir de vivre. Et la petite fille, surtout, qui joue avec ses propres peurs, plonge dans les yeux du loup, parle aux fourmis et à son ombre, et désire tant rencontrer quelqu’un qu’elle ira jusqu’au lit du loup alors que sa voix, ses poils, son insistance, tout lui dit qu’il n’est pas sa grand-mère…

« Quand ma maman me l’interdit » Grimm

Comme toujours chez Pommerat, surtout lorsqu’il s’adresse à l’enfance, l’apparente simplicité formelle n’a d’égale que l’échelle de nuances des sons, musique et voix ; des lumières aux découpes précises et aux pénombres déclinées ; aux déplacements qui structurent la scène comme le récit, avançant, traversant, tournant en rond, perdant le fil. Une merveille d’intelligence que le temps n’affecte pas, même si le temps est au ceour de son propos.

AGNÈS FRESCHEL

 Le Petit Chaperon Rouge, écrit et mis en scène par Joël Pommerat, est passé par La Garance, Cavaillon, en décembre, par La Passerelle à Gap, en février, et par La Criée, Marseille, du 12 au 15 mars.

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Les deux premiers sont identiques, enfin, pas tout à fait – le public, divisé en deux, assiste d’abord à une moitié de la scène, puis à l’autre. Le troisième acte, que le public découvre cette fois-ci simultanément, révèle les pièces manquantes du puzzle. Il prend place au cours d’une représentation de Phèdre : les liens entre Max et Natacha se multiplient et l’histoire se délie. Au piano, à la guitare, à l’accordéon et au cor, Timothée Jolly et Mathieu Ogier posent l’ambiance d’un Phèdre entre thriller psychologique et polar.

PAULINE LIGHTBURNE

L’Affaire L.ex.π.Re

Du 18 au 21 mars

 La Criée, Théâtre national de Marseille

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Les jeux de lumières et inventions sonores viennent soutenir l’évocation du bois et de son imaginaire, tandis que sur scène, trois interprètes incarnent les personnages et leurs interactions : le Petit Chaperon rouge, la mère, et le loup.

M.V.

Du 12 au 15 mars

La Criée, Théâtre national de Marseille

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Une reconnaissance posthume due à la fois aux qualités indéniables du style de Sapienza et de sa construction narrative haletante, mais aussi à l’affirmation, toujours aussi révolutionnaire, de l’orgasme des femmes. Elle y décrit, comme peu avant elle, la violence de l’accouchement, l’instabilité de l’amour maternel, la bisexualité naturelle des femmes, leur oppression complice qui maintient le patriarcat, et se combat par la sororité, et l’éducation libre des filles.

Esthétique excessive

La mise en scène d’Ambre Kahan colle comme un gant aux qualités hors normes de ce roman énorme. Constamment épique, saturé de musiques en direct et de hurlements amplifiés, d’architectures et de symboles, d’étages, d’alcôves et de secrets. Parfois au long de ces 5h30 de représentation la tempête se calme et un moment poétique s’installe où l’amour des mots et des caresses instaure un répit. Mais le spectacle, comme le roman, est ouvert à tous les vents, et la joie si nécessaire y est aussi tapageuse que le fascisme qui monte, et l’accouchement aussi traumatique que le viol du père – qui ouvre le spectacle par une scène insoutenable.

Les scènes de sexe sont nombreuses, longues et impudiques, comme dans le roman, mais elles ne bénéficient pas de l’intimité de la lecture, et gagneraient sans doute à l’ellipse face à des spectateurs transformés en voyeurs involontaires. Mais Noémie Gantier habite la scène sans discontinuer avec une énergie exceptionnelle et une grâce à la fois éthérée et charnelle. Elle est Modesta, cette fille du peuple exceptionnelle née avec le XX^e siècle, le premier janvier 1900, dans la campagne sicilienne. Cette orpheline qui deviendra Princesse en se débarrassant des obstacles, tuant parfois, manipulant toujours, cherchant la voie de sa liberté et de celles des femmes. Les douze comédiens qui l’accompagnent au plateau et jouent tous les autres rôles sont aussi phénoménaux, drôles et bavards, rauques et émouvants, en particulier le comédien trisomique qui danse le Prince avec une grâce infinie.

Le spectacle, qui commence en 1910 et s’achève en 1931, s’arrête au mitan du roman, quand l’Italie et la Sicile sombrent dans le fascisme. La seconde moitié du roman, plus intérieure, livrant une Modesta moins violente, reste à monter !

Agnès Freschel

 Spectacle donné les 7 et 8 mars à La Criée, Théâtre national de Marseille.

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Maurin Ollès. C’est d’abord la rencontre avec des éducateurs et des éducatrices, et la fascination que je pouvais avoir pour ce métier. Je les sentais enrichis de leur travail, des gens avec qui ils travaillaient, qu’ils accompagnaient, dont ils s’occupaient. Et, hors de leur métier, ils continuaient à être des personnes ouvertes aux autres. C’est aussi une envie de parler des services publics, dans une démarche militante.

Après une première pièce sur la jeunesse délinquante et la justice des mineurs, puis sur la vie d’un garçon autiste de sa naissance à l’âge adulte, vous vous intéressez ici aux usagers de drogue et plus particulièrement aux usagères. Comment est né ce projet ?

J’ai donné un atelier dans une communauté thérapeutique. Ce sont des lieux où les gens viennent pour arrêter de consommer et essayer de reprendre une vie plus tranquille. J’ai été marqué par ces personnes, qui ont perdu confiance en elles, et pour qui faire du théâtre prend beaucoup de sens, il y a une vraie vertu thérapeutique. Mais c’est aussi un lieu qui me posait parfois question, par rapport à des éducateurs qui parlaient à des gens qui avaient plus de 60 ans un peu comme à des enfants. Et un lieu où il y avait beaucoup d’hommes et très peu de femmes, ce qui m’a également interrogé.

Comment avez-vous travaillé sur la mise en scène ?

J’ai très vite eu l’idée qu’il y aurait des musiciens, et que les personnages principaux seraient féminins. Et plusieurs institutions représentées : l’institution sanitaire, l’institution judiciaire et le monde de la recherche aussi, qui fait partie des rencontres qui ont été marquantes. Je suis donc arrivé avec ces envies-là, en proposant aux actrices et acteurs des personnages, des situations, et on a fait beaucoup d’improvisation. Le spectacle s’est construit à partir de là, dans les allers-retours entre les personnes concernées, les improvisations des acteurs actrices, et mes envies.

C’est un spectacle foisonnant, qui dresse le portrait de beaucoup de personnages. Il y a beaucoup de scènes qui s’enchaînent, avec des transitions assez rapides. Et trois musiciens au plateau qui jouent aussi des personnages. La musique nous permet de venir à la fois déréaliser et raconter l’histoire d’une autre manière. On fait beaucoup de reprises de chansons, qui viennent nous parler aussi des personnages, d’une autre façon.

Pourquoi ce titre « Hautes perchées » ?

Il y a « perchées » qui raconte que lorsqu’on prend des drogues, on est perché, c’est un jeu de mot avec ça, qui me permet aussi de féminiser le titre, pour signifier que c’est surtout les femmes dans le monde des drogues qui nous intéressent ici.

Et puis j’avais envie de quelque chose qui soit assez positif, assez joyeux, parce qu’on m’a beaucoup dit, au cours de mes entretiens, de ne pas trop dramatiser avec ce sujet-là. On pense à des films un peu gore, un peu tristes, quand on parle des drogues. Donc, j’avais envie de quelque chose qui tire vers le haut.

ENTRETIEN REALISE PAR MARC VOIRY

Hautes perchées

Du 10 au 14 mars

La Criée, Théâtre national de Marseille

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