L’une des réponses est d’inviter des artistes contemporains de toutes disciplines à porter leur regard sur cette collection, pour choisir des objets et imaginer divers projets : spectacles, performances, expositions. Du côté des artistes plasticiens, des invitations ont fait date : l’artiste chinois Ai Wei Wei en 2018, l’américain Jeff Koons en 2021. Aujourd’hui, une autre star de l’art contemporain a été sollicitée : le Sétois Hervé Di Rosa (lire ici) 

Une invitation qui tombe sous le sens : le co-fondateur du mouvement de la Figuration Libre dans les années 1980, du Musée International des Arts Modestes à Sète en 2000, membre de l’Académie des Beaux-Arts depuis 2022, par ailleurs grand collectionneur d’images et d’objets « de peu », s’intéresse depuis toujours aux productions plastiques sociétales, sans se préoccuper du « bon goût » officiel. 

Hommages

C’est dans un all-over d’aplats ondulants bleu, vert, jaune, rouge, rose, orange, qui recouvre entièrement les socles, cimaises, et estrades de la Galerie de la Méditerranée qu’est scénographiée l’exposition. Signalée au-dessus de la porte d’entrée par un fronton en bas-relief coloré, présentant une foule serrée de visages à la façon Di Rosa – cartoonesque – aux yeux grands ouverts, titré Les Visiteurs. 

On retrouve, dans le même style, d’autres visages d’une diversité célébrée en foule compacte, sur une série titrée Marseille, trois toiles grand format peintes à l’acrylique, à l’intérieur de la salle. Un hommage au peuple marseillais, doublé d’un autre à l’architecte Rudy Riciotti, dont Di Rosa admire la résille de béton qui entoure le J4 : trois grandes feuilles verticales de métal découpées, telles de très grands pochoirs, aux dessins « di rosaesques ».

17 îlots

L’exposition se décline en 17 îlots thématiques (Sous l’eau, À table ! Armoires, Motos…), aux allusions locales nombreuses (pêche, amphores, jeux de boules…) associant à chaque fois un ou des objets de la collection du Mucem avec des objets ou des œuvres de l’artiste. Notons parmi ceux-ci, à l’entrée, une armoire d’ébéniste, d’où sort une foule spectaculaire de figurines, monstres, super-héros… appartenant à l’artiste. 

L’espace central de la galerie est occupé par la sculpture d’une vache grandeur nature, peinte, coupée longitudinalement en deux, surplombée par une cascade descendante d’une quinzaine de jougs de cornes. Plus loin, une canardière, fusil de chasseurs d’oiseaux, au canon de près de 3 m de long, surplombe deux vitrines exposant des leurres peints et sculptés par le père de Di Rosa, Marius. Une machine à laver de 1910 est mise en relation avec trois robots-totems en bois garnis de perles, de métal, peinture, etc… 

Une maquette monumentale d’une mine du Nord, l’art brut d’un mineur, Louis Garde, associée à une armoire ouverte peinte par Di Rosa et son frère Richard représentant La vie des pauvres. Et une confrontation à l’histoire de l’Art avec un grand A, par un ensemble de tableaux guerriers aux bestioles mono-œil aux lèvres pulpeuses, réalisés à partir de la fameuse Bataille de San Romano de Paolo Uccello, face à une estrade où des pupi, marionnettes siciliennes, rangées en ordre de bataille, sont prêtes à en découdre. 

MARC VOIRY

Un air de famille
Jusqu’au 1er septembre
Mucem, Marseille

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Dans l’ombre de l’histoire 

Les cimaises du Miam accueillent donc des images encadrées d’enfants qui pleurent, des Poulbots aux joues rouges, des clowns de Bernard Buffet, des pin-up, des vahinés, des paysages exotiques, images essentiellement véhiculées par les institutions de la société de consommation : supermarché, espaces touristiques, médias de masse, etc. L’exposition est organisée en deux parties, chacune divisée en sections : dans la partie historique (commissariat Hervé di Rosa et Jean-Baptiste Carobolante) : le peintre star, les représentations d’enfants, les représentations féminines, les paysages exotiques, la peinture fantastique. Réalisées par « des artistes au succès jamais démenti, pourtant relégués dans l’ombre de l’histoire » selon les commissaires, une vingtaine exposé·e·s, dont Vladimir Tretchikoff (premier artiste à exposer et vendre ses peintures dans les supermarchés), Bernard Buffet, Margaret Keane (Tim Burton lui a consacré un film : Big Eyes), Michel Thomas ( peintre des « Petits Poulbots »). Dans la partie contemporaine au 1^er étage (commissaires associées : Nina Childress et Colette Barbier), les sections sont : « le peintre ce héros », « s’approprier la peinture au couteau », « Peindre coûte que c(r)oûte », « Leurre du Kitsch ». Là aussi une vingtaine d’artistes, parmi lesquels on trouve Pierre Ardouvin, Nina Childress, Gérard Gasiorowski, Philippe Katerine, Pierre & Gilles.  

Bouse de recherche

Beaubadugly se présente donc comme « un panorama de la peinture commerciale, médiatique et populaire ». Une exposition issue de la première bourse de recherche du Miam, financée en intégralité par la Fondation Antoine de Galbert et encadrée par l’Inha (Institut national d’histoire de l’art) dont Jean-Baptiste Carobolante, co-commissaire de Beaubadugly a été le lauréat en 2021. Entreprenant depuis cette date une recherche sur la peinture marchande, dont cette exposition est le premier événement, avant la publication à venir d’un ouvrage.

MARC VOIRY

Beaubadugly - L’autre histoire de la peinture
Jusqu’au 9 mars 2025
Miam, Sète 

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La confrontation de ses œuvres reconnues d’art, si modeste soit-il, avec des objets chinés de puces en brocantes, mais surtout chez des antiquaires, dans des galeries et ventes aux enchères, éclaire les unes et les autres : la Figuration libre française, a puisé son énergie vitale dans les artéfacts et figurines, les imageries plus ou moins sacrées ou publicitaires des années 50 à 90, leur accordant par là même une attention et un statut nouveau qui affirmait leur intérêt et leur beauté. 

Classées par les collectionneurs, et par le musée, dans une logique de confrontation de tailles et de thèmes qui ne doit rien à la notoriété de l’auteur, ce sont d’autres œuvres qui surgissent, globales et dialoguant dans un bel esprit d’égalité et d’apologie des marges. Ainsi les toilettes des collectionneurs sont reconstituées, les murs et les tablettes recouverts de pièces majeures d’Hervé di Rosa, et de Combas, crucifix colorés et nain doré au doigt d’honneur allègre qui voisinent avec des amants anonymes et des yeux envolés… 

Un sentiment de voyage vers une incongruité familière qui s’augmente par la confrontation des œuvres et objets vernaculaires français avec des œuvres et objets vernaculaires africains. 

Inconscients macabres, parfois joyeux

Au premier étage du musée brut qui n’oublie pas sa mémoire industrielle, une autre collection. D’une tonalité différente, elle est exposée selon le même principe d’une scénographie accumulative et thématique qui crée des espaces de narration. Mais les pièces collectionnées par MB/JB sont nettement moins solaires, plongeant dans des inconscients collectifs ou individuels plus sombres : les œuvres surréalistes de Felix Labisse et Lucien Coutaud, peintures à la Dali où illustration de livres poétiques à la Cocteau, témoignent d’une période historique plus sombre, d’une figuration onirique plus figée, moins libre de saturer les pigments et d’exploser les toiles, les représentations et les cadres.  

À leurs côtés, établissant un lien entre l’Amérique latine et le surréalisme comme Buñuel devenu mexicain, la collection d’objets votifs sud-américains, marquée par un détournement carnavalesque et démoniaque, fait contrepoint par son humour et renvoie au même inconscient macabre. Mais joyeux !

Exhaustivité classifiée 

On peut conclure le voyage par un petit tour dans la collection permanente au second étage : les vitrines folles de Bernard Belluc, cofondateur du MIAM en 2000 avec Hervé di Rosa, accumulent les objets témoins dans une volonté d’exhaustivité et de conservation universelle digne des bibliothèques de Borges. Sans commentaire, elles parlent pourtant mieux qu’une thèse de notre passé, de la séparation des univers des filles et des garçons, ou de l’époque où les marques s’illustraient avec des Y’a bon Banania et biscuits Bamboula. Les Black Men d’Hervé di Rosa, vus au rez-de-chaussée, y retrouvent leur origine, et leur force critique. 

AGNES FRESCHEL

Libres ! Collectionneurs d’arts modestes
Commissariat Françoise Adamsbaum et Norbert Duffon
Jusqu’au 26 mai 
MIAM, Musée international des arts modestes, Sète

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Le rez-de-chaussée du Miam se transforme temporairement en annexe du CCE (Céramique comme expérience), le laboratoire de recherche de l’École nationale supérieur d’art (Ensa) de Limoges, fondé en 2015. Conduit par l’artiste plasticien Michel Paysant, on y découvre un travail étonnant autour du principe d’eye-tracking (l’oculométrie en français). « Des artistes sont régulièrement invités à travailler au sein du laboratoire afin d’expérimenter et produire des pièces en lien avec les étudiants », explique Noëlig Le Roux, l’un des deux commissaires. 

Le monde des « makers »
Cette expérimentation sur la céramique se fait grâce aux technologies de l’impression 3D, qui permettent aujourd’hui d’imprimer des matières plastiques comme des matières plus organiques, de la céramique comme de la porcelaine… À condition de savoir adapter la machine à ses besoins. Encore une question de savoir-faire. Car ce qui relie les artistes présentés, c’est qu’ils ont été amenés la plupart de temps à créer leur propre imprimante, leur propre processus de fabrication, leur propre code parfois, dans une pluralité des approches comme des matériaux. Comme Miguel Chevalier, dont les Fractal flowers sont à la fois desfleurs du mal virtuelles et des objets dotés d’une existence physique à l’esthétique envoûtante. Elles incarnent à la perfection les liens subtils pouvant se tisser entre algorithme et poésie, structure théorique formelle et beauté du vivant. « Depuis quarante ans, j’utilise les outils numériques pour montrer qu’on peut développer une écriture propre, créer des univers complexes, tout en donnant une matérialité tangible à l’algorithme qui devient source d’émotion », explique Miguel Chevalier. 

Quant à Jonathan Keep, autre intervenant invité au CCE, il a créé sa propre machine destinée à explorer les formes naturelles, des structures à l’essence même de la céramique, à travers les algorithmes mathématiques. Il propose aussi l’accès gratuit et en open source à ses modèles d’imprimante 3D à l’argile. « C’est le monde des “makers”, l’univers des bidouilleurs, ceux qui expérimentent à l’intérieur des “fablabs”, qui sont avant tout des lieux collaboratifs, note Marguerita Balzerani, l’autre commissaire d’exposition. L’artiste n’est pas forcément seul, c’est un cliché, il peut aussi y avoir toute une mise en partage d’expérimentations communes ».

Plantes d’urgence et cartes perforées
La jeune Camille Reidt incarne à merveille l’envie de concevoir à plusieurs tout comme celle de s’aventurer sans complexe dans le domaine scientifique. Formée à l’Ensa de Limoges, elle présente deux projets fascinants, deux récits imaginaires très personnels. Ses Plantes d’urgence sont des capsules de verre transformées en chambres de culture rétro-futuristes. Présentées comme des bijoux précieux, ses Strange Seeds sont le fruit d’un long procédé liant sciences et art, démarche structurée mais avec une grande part de hasard. Après avoir numérisé des graines issues de la grainothèque de la Faculté de sciences de Limoges, Camille Reidt les imprime et les moule pour réaliser une première coque de matière, qu’elle remplit ensuite de rebus de porcelaine, de verre et de métal, n’hésitant pas à tester les limites à travers des alliages disparates détonants. Le résultat, après cuisson et découpe précise, est fascinant de beauté et d’aléatoire, géode unique ni vraiment naturelle ni vraiment artificielle. Difficile de s’arrêter sur chaque artiste, chaque procédé créatif, tant cette exposition collective est volontairement foisonnante, jamais didactique, plutôt conçue pour nous surprendre que pour nous affirmer un propos limitant. Petit clin d’œil en passant pour le collectif Sommes et ses pièces en céramique et verre réalisées avec l’aide du fablab de la Palanquée à Sète, dans le cadre du Défi de création digitale.

Au premier étage, une grande place est laissée à la matière tissée, dans la deuxième partie de l’exposition bien nommée Le fil du code. À commencer par l’étonnante salle de bain de Philippe Schaerer et Reto Steiner réalisée grâce à un stylo 3D à filament. Les machines à tricoter de Jeanne Vicerial comme du duo Varvara & Mar s’exposent au regard, de même qu’un tapis particulier accroché au mur. Une œuvre de Faig Ahmed part des techniques traditionnelles du tapis persan, pour s’amuser des altérations du code numérique qui s’insère dans les fils comme un bug détournerait la matrice tissée pour la transformer en tout autre chose, avec ses harmonies particulières, sa logique créative détournée. L’exposition se termine par ce qui aurait pu être son commencement : les cartes perforées des métiers à tisser Jacquard qui ont révolutionné l’industrie textile au XIX^e siècle. Ces mêmes cartes qui ont grandement contribué aux recherches du mathématicien Charles Babbage sur la création d’une machine analytique… aujourd’hui considérée comme l’ancêtre de l’ordinateur. La preuve que l’art et le code sont plus intimement liés qu’on ne voudrait le croire. 

ALICE ROLLAND

Fait Machine
Jusqu’au 12 novembre 
Miam, Sète 
04 99 04 76 44
miam.org

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