Les expositions temporaires, accrochages d’art moderne et d’art contemporain qui font écho aux collections du musée, prennent place dans un espace de 520 m². Celle qui s’est ouverte le 19 avril dernier, Rendre visible, est la dernière exposition signée par Ivonne Papin-Drastyk, directrice du musée, qui part à la retraite avant l’été. Elle a souhaité y mettre en lumière, auprès de fossiles présentés sous un angle esthétique, la complicité artistique de deux artistes du début du XX^e siècle Paul Klee (1879 -1940) et Hans Reichel (1892-1958), en y associant les vidéos, sculptures et installations de deux artistes contemporains : Anne-Charlotte Finel et Julien Discrit.

Voisins d’atelier

Rendre visible est une citation empruntée à Paul Klee, qui fut professeur au Bauhaus, et a écrit dans son livre La Théorie de l’art moderne que « l’art ne reproduit pas le visible, il rend visible ». Six de ses œuvres sont exposées en compagnie d’une soixantaine de Reichel (huiles, aquarelles, gouaches), beaucoup moins connu que Klee, qui fut son voisin d’atelier dans un manoir près de Munich en 1919. Deux artistes qui se sont fréquentés et appréciés, et dont les travaux présentent de multiples points communs thématiques et formels : le petit format, la sensation d’un monde flottant, des paysages aux contours incertains, où se meuvent poissons, oiseaux, plantes stylisées, entre apparition et effacement. Tout comme les fossiles, témoins matériels d’un contexte et d’un temps disparus, voire même de moments fugaces, qu’ils rendent visibles : l’un des fossiles exposés porte les traces d’impacts de gouttes de pluie il y a 285 millions d’années…

Entre chien et loup

Julien Discrit et Anne-Charlotte Finel travaillent tous deux sur cette question du « rendre visible » avec des démarches plastiques très différentes. Les œuvres du premier, peintures et sculptures, sont à considérer « comme autant d’empreintes qui convoquent une mémoire à la fois collective et personnelle, une expérience du temps et d’un monde qui sans cesse se métamorphose ». Une trentaine de ses œuvres sont présentées, issues de quatre séries, notamment des acryliques de la série Aftertouch, et des sculptures de pierres reconstituées de la série Pierres.

Quant à Anne-Charlotte Finel, vidéaste, deux de ses vidéos de 2016 et 2017 sont présentées, La Crue et Jardins (de la série Jardins). Une artiste qui travaille à la frontière du voir et du non voir, en filmant souvent à la tombée du jour, entre chien et loup, pour faire émerger une autre perception. Elle filme des espaces sauvages et espaces anthropisés, animal et végétal, humain et non-humain, vivant et machine, tel le sous-sol du métro parisien, devenant poétique et mystérieux, dans sa vidéo Jardins.

MARC VOIRY

Rendre visible
Jusqu’au 31 août
Musée de Lodève

Retrouvez nos articles Arts Visuels ici

L’article Art et mémoire du vivant à Lodève est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Coup de vent
Pour mieux comprendre le voyage artistique que nous propose le musée de Lodève, reprenons les mots de Louis Leroy, qui dans sa longue diatribe écrit : « Ah ! Corot, Corot, que de crimes on commet en ton nom ! C’es toi qui as mis à la mode cette facture lâchée, ces éclaboussures, devant lesquels l’amateur s’est cabré pendant trente ans ». C’est justement par une grande salle dédiée à Camille Corot que s’ouvre l’exposition. Le musée des Beaux-Arts de Reims, actuellement fermé pour travaux, possède la plus riche collection européenne d’œuvres du peintre après celle du musée du Louvre à Paris. Corot aime arpenter la nature et y faire quelques croquis, dessiner les arbres, les rivières. Même si ses toiles réalisées en atelier sont de facture assez classique, il semble déterminé à dépasser l’intérêt assez secondaire porté aux paysages, jusque-là essentiellement utilisés pour valoriser des scènes historiques, religieuses ou mythologiques. Les compositions sont équilibrées, le dessin précis, on sent même apparaître quelque chose de nouveau, notamment dans Le coup de vent. Soudain, le ciel prend plus de place, la composition est décalée, le tracé moins précis. 

Roi des ciels
Il faudra attendre un peu pour que le changement devienne plus flagrant, poursuivre l’exposition, admirer d’autres toiles, avant d’arriver à Barbizon. Ce petit village à la lisière de la forêt de Fontainebleau attire les peintres fuyant l’industrialisation galopante, Camille Corot en tête. Rapidement, le train rend le lieu accessible tandis que l’invention du tube de peinture en 1841 donne une nouvelle liberté aux artistes. Chacun vient y peindre sur le motif en plein air avec sa sensibilité artistique. Classique et avant-gardisme se mêlent, malgré une appellation d’École de Barbizon faisant croire à tord à un mouvement homogène. La route continue, les peintres portent un nouveau regard sur ce qui les entoure, s’intéressent au réel plus que jamais, laissant plus de place à la spontanéité et au geste. Parfois la couleur est mélangée directement sur la toile. Eugène Boudin, lui, installe son chevalet sur les plages, croque les bateaux en partance dans une forme d’urgence assez nouvelle, se contentant parfois d’en esquisser les formes. Avec une place importante accordée à des nuages dotés d’une porte personnalité, Camille Corot le surnommant «le roi des ciels ». On sent le désir de s’émanciper d’une vision du beau dénuée de modernité, de suggérer une ambiance. C’est d’ailleurs sur une plage qu’il se lie d’amitié avec le jeune Claude Monet, ce qui vaudra à ce dernier le surnom de « père de l’impressionnisme ». 

La lumière infuse les toiles
Continuons notre périple, et rencontrons certains noms d’artistes présents au salon de 1874. On y trouve Alfred Sisley, avec une magnifique vue sur la baie de Cardiff, mais aussi un arbre multicolore envoûtant de Pierre-Auguste Renoir, à quelques pas d’une vue de Paris électrisante de Maxime Maufra. Désormais, la lumière infuse les toiles avec une liberté nouvelle. On se situe entre un réel de l’instant et l’avant-gardisme de pigments qui représentent autre chose, une sensation, un sentiment, un moment éphémère peint avec audace. Le paroxysme est atteint un peu plus loin avec les paysages bretons de Claude Monet, plus particulièrement un tableau issu d’une série sur la bien-nommée Belle-Île en 1886. Le peinture va encore plus loin, dans le traitement de la couleur, dans sa façon de traiter le paysage, son obsession de la lumière sans se soucier du motif outre-mesure. Monet s’est libéré depuis longtemps des diktats esthétiques de l’académisme, nous aidant à mesurer le chemin parcouru depuis le début du XIX^e. Dans la dernière salle, des artistes de Reims montrent qu’un siècle plus tard, une certaine forme de classicisme perdure dans la peinture. Entretemps, le paysage a acquis ses lettres de noblesses, devenant un sujet comme un autre. Tandis que l’impressionnisme a conquis le monde, laissant place à de nouvelles avant-gardes, d’autres innovations sur la forme, la couleur, la lumière.  

ALICE ROLLAND

En route vers l’impressionnisme 
Jusqu’au 19 mars 2023 
Musée de Lodève
04 67 88 86 10
museedelodeve.fr

L’article La longue route vers l’impressionnisme  est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Éric Bourret développe en effet un dispositif qui rapproche ses photographies de la quête menée par le mouvement impressionniste. Il offre une durée supplémentaire à l’infime espace-temps imposé par le regard photographique : déclenchant, en direct, six à neuf prises de vue sur le même négatif, la nature bruisse dans le cadre. « J’assume l’idée du transitoire et de l’aléatoire » ; et l’œuvre du photographe respire un air qui nous parvient chargé d’une émotion tellement vivante qu’elle nous accroche, jusqu’à nous envelopper dans un ample récit.

Vision panoramique

Au musée de Lodève, l’histoire se déroule sur des centaines de millions d’années. Des empreintes de dinosaures côtoient des traces de pluie datant d’avant même leur existence. L’échelle du temps donne le vertige, et les séries photographiques de l’artiste, invité à parcourir ce territoire si riche en vestiges préhistoriques, contribuent à brouiller et enrichir le regard sur ce qu’est ce paysage. Les séries Salagou et Grands Causses déclinent la technique de surimpression, donnant au lac des allures de surface minérale, et aux troncs d’arbres un mouvement qui évoque le flux de l’eau. Les matières changent de nature, les couleurs en viennent à disparaitre, et l’immuable fait place à une impermanence déstabilisante autant qu’inspirante. L’eau devient fossile, et le bois, fluide. Larzac découle d’une autre approche. Cinquante-deux photos disposées en quatre lignes fouillent les taillis. Ce n’est plus le tremblement des éléments qui provoque le mouvement, mais la multitude. Telle une mosaïque, l’installation (signalons la qualité de l’accrochage, effectué par l’artiste et la directrice Ivonne Papin-Drastik) propose une vision panoramique de l’avancée de Bourret dans l’aridité du paysage. La chromatique, entre mousses et feuilles mortes, est presque sonore, on entend les pas du photographe qui se heurtent aux épines, les cailloux qui raclent les semelles. Et si les plans sont souvent très rapprochés, voire étouffants, c’est pour mieux faire respirer la puissance narrative des sujets ainsi juxtaposés, presque abstraits, et tellement suggestifs.

ANNA ZISMAN

Terres, d'Éric Bourret
Jusqu’au 28 août
Musée de Lodève
04 67 88 86 10 museedelodeve.fr

L’article Éric Bourret, artiste 100 bornes est apparu en premier sur Journal Zebuline.