C’est dans ce cadre qu’en cet hiver 2024 le musée met en avant deux artistes, dont l’œuvre vient dialoguer avec les collections du musée : Pierre Buraglio et Dominique De Beir, cette dernière ayant fait uneimportante donation, composée de 14 pièces, à la Métropole de Montpellier en 2023.

Cadres et fenêtres

Né en 1939, Pierre Buraglio vit et travaille en région parisienne. Compagnon de route du mouvement Supports-Surfaces, il a axé sa démarche artistique sur l’exploration des supports et des matériaux de la peinture, s’intéressant particulièrement au rebut et aux techniques de construction et d’assemblage par la récupération (agrafages, assemblages de chutes de toile ou de matériaux trouvés, de paquets de cigarettes aplanis par exemple). Sa réflexion autour du cadre et son prolongement métaphorique, la fenêtre, l’a amené à réaliser (notamment dans les années 1970-1980) toute une série d’œuvres avec des fenêtres ramassées sur les chantiers de démolition, exposées selon leur état, ou ragréées. Un travail qu’il nourrit d’une réflexion plastique s’inspirant des maîtres. L’exposition présentée au sein de trois salles au musée Fabre rend justement compte de cette approche. Réinterprétant, après plusieurs séjours à Montpellier entre 2023 et 2024, certains chefs-d’œuvre des collections (Bazille, Courbet, Leenhardt…), dans une démarche de distanciation progressive :…d’après…autour…avec…selon. Ses réalisations sont confrontées aux œuvres sources, et sont mêlées au fonds d’œuvres plus anciennes de l’artiste, que le musée conserve.

Frapper, trouer, inciser

Dominique De Beir est plasticienne et peintre, née en 1964 en Picardie, formée à l’École des Beaux-Arts de Paris (où elle a été l’élève de Pierre Buraglio). Elle s’intéresse aux accidents et à la fragilité des supports, qu’elle explore avec des outils de sa confection, en les trouant, incisant, frappant, etc.. Ainsi, on l’a vu perforer et peindre sur du papier braille ou impacter du carton imprimé, des feuilles de comptabilité. Une pratique qui découle en grande partie de son apprentissage du braille, dans les années 1990, alors que son père était en train de perdre la vue. Ses matériaux sont pauvres ou communs, polystyrène ou carton, ses outils vont du Bic à l’encre. L’exposition est à découvrir dans cinq salles du musée, dernière d’un cycle intitulé « Accroc & caractère », débuté en 2022 et qui s’est tenu dans six lieux à travers la France. Les grands thèmes qui traversent son œuvre transparaissent à travers ce cycle : la couleur, le rapport épidermique à la surface, la série, le livre. Le fonds dont elle a fait donation au musée l’année dernière est mis en résonance avec des sculptures, dessins et peintures du musée, que l’artiste a choisis(notamment Simon Hantaï, Judit Reigl, Michel Parmentier).

MARC VOIRY

Accroc & caractère" - Dominique De Beir
...d'après...autour...avec...selon - Pierre Buraglio
Jusqu’au 2 mars 2025
Musée Fabre, Montpellier

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Donation de 24 dessins

À l’étage, quatre salles en enfilade nous laissent le temps de nous imprégner d’une quête presque alchimique où l’incandescence joue un rôle central. On y découvre la fascination de Jaccard pour l’empreinte, qui laisse une trace indélébile d’un objet devenu absent, ainsi que le goût du polyptyque, dans une démarche proche du rituel. La mèche lente laisse parfois place à la combustion du gel thermique, comme pour la flamboyante peinture Tondo BRN 04, d’une perfection toute en rondeur inspirée par l’impétueux Vésuve. L’exposition présente également de nombreuses sculptures issues d’un « concept supranodal » inventé par l’artiste, lequel recouvre des objets du quotidien (pinceaux, brouette, outils de jardinage) sous une accumulation de nœuds. L’accent est volontairement mis sur le travail sur papier de l’artiste, le fruit d’une donation de 24 dessins réalisés entre 1970 et 2017 par celui qui travaille entre Paris et Saint-Jean-du Gard. Cela illustre au mieux la façon dont le peintre expérimente son art de la combustion par la mèche lente sur toutes sortes de texture : papier Japon, papier d’Arches, vélin de Rives, papier offset, papier Bristol, papier Canson… Certaines feuilles sont tellement calcinées que l’on se demande comment elles peuvent être encore intactes. D’autres sont juste balafrées, presque transcendées par la magie de l’aléatoire. Jouer avec le feu s’apparente alors à une déclaration d’amour aux mystères du vivant.

ALICE ROLLAND

Christian Jaccard, une collection 
Jusqu’au 21 avril 
Musée Fabre, Montpellier 

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Étudiant à l’école des Beaux-arts de Saint-Étienne dans les années 1980, Djamel Tatah s’y confronte aux classiques de l’histoire de l’art tout en découvrant la richesse de la peinture figurative. Porté par une envie de dessin, il admire tout particulièrement Jean-Michel Basquiat – dont il apprécie autant le travail graphique que le militantisme anti-raciste –, il se questionne sur son art et n’hésite pas à interroger le support. Après quelques voyages en Algérie, en quête de culture autant que de racines familiales, il décide de travailler sur une grande toile posée sur d’imposantes planches de bois qui lui rappellent les palissades que l’on peut voir dans la rue. Une technique qu’il va utiliser pendant une dizaine d’années.

Déjà, ses toiles surprennent par leur dimension tandis que ses personnages sont sobrement vêtus de couleurs foncées contrastant avec une peau translucide, prenant la pause un peu malgré eux devant un aplat de couleur d’une densité imposante. Autant d’éléments qui font la chair de ses peintures, le canevas initial à partir duquel l’artiste joue au metteur en scène d’un théâtre essentiellement pictural, entre figuratif et abstraction. 

Corps en suspens
Réalisé en 1996, Les Femmes d’Alger en est un parfait exemple. La reprise d’un premier tableau, fruit d’une commande de la Caisse des dépôts, qui lui fait s’interroger à sa manière sur le mélancolique Femmes d’Alger dans leur appartement d’Eugène Delacroix – dont le musée Fabre possède une deuxième version datée de 1849. Une façon de remettre en contexte une histoire tragique qui semble ne jamais finir, intimement liée à son histoire personnelle. Le spectateur, lui, se retrouve surtout confronté à la monumentalité de l’œuvre, à cette femme au regard impossible à capter. De sa silhouette, qui se répète une vingtaine de fois pour devenir plurielle, semble surgir de la couleur. Pas de mouvement, pas de bruit, et pourtant, on pourrait rester des heures à le regarder. 

Parfois, Djamel Tatah expérimente le mouvement. Les corps chutent, tombent, restent en suspens, s’envolent parfois aussi. L’artiste utilise un ordinateur pour les projeter sur la toile aux dimensions qu’il recherche, en redessiner les contours, comme pour prendre encore plus de distance avec son modèle qu’il a pourtant fait poser. Il explore le vide de la toile, couleur unique et vibrante aux multiples couches superposées. Parfois, les figures humaines se multiplient, troublant d’autant plus le spectateur qu’elles ne sont jamais totalement identiques, bien que la variation soit parfois infime. Le corps se fait motif, une matrice déclinable et modifiable à l’infini. Difficile de ne pas être happé par cet homme de dos, déjà presque avalé par la noirceur de la toile. Ou de rester impassible face à cette femme aux faux-airs de madone, librement inspirée de La Vierge de l’Annonciation d’Antonello de Messine, qui nous regarde intensément sans pour autant nous voir. Quelle présence !

Djamel Tatah en quelques dates 

• 1959 Naissance à Saint-Chamond (Loire) de parents algériens arrivés en 1956 de Kabylie.
• 1981 Entrée à l’école des Beaux-arts de Saint-Étienne.
• 1982 Premier voyage en Algérie.
• 1983 Rencontre avec Rachid Taha, qui deviendra un ami (dont un portrait est présenté dans l’exposition).
• 1992 Première exposition personnelle à Montbéliard. La même année, il obtient sa réintégration dans la nationalité française. 
• 2008 Il entre comme chef d’atelier à l’Ensba.
• 2013 Première grande exposition monographique accueillie au musée d’Art moderne d’Alger (Mama). 
• 2014 Le musée d’Art moderne et contemporain de Saint-Étienne lui consacre une exposition. 

Vers la lumière
Le petit théâtre d’images de Djamel Tatah est celui de la distanciation qui ne veut plus faire illusion. Naît un corps à corps entre la figure et le spectateur. En silence, toujours en silence. On y retrouve une autre influence de l’artiste : Albert Camus,dont Djamel Tatah avait représenté une stèle à son honneur vue à Tipaza dans un de ses tableaux de jeunesse, et sur laquelle on peut lire « Je comprends ici ce qu’on appelle gloire : le droit d’aimer sans mesure. »Ce même auteurpied-noirqui écrivait dans Le Mythe de Sisyphe : « L’absurde naît de cette confrontation entre l’appel humain et le silence déraisonnable du monde. » On se rend compte ainsi que ce théâtre est celui de la condition humaine.

Regarder les peintures de Tatah nous confronte à nous-mêmes. À nos doubles de peinture, nos fantômes à la peau diaphane. Les silhouettes côtoyant parfois l’abstraction, pantins sobrement esquissés enfermés dans l’espace délimité par la toile, matérialisés par de grands aplats de couleur sans aucune profondeur, comme nous pouvons l’être dans nos vies. Le réalisme pictural n’est plus nécessaire pour nous toucher, nous capter, nous fasciner. Dans la toile vibre une angoisse silencieuse et paisible, ses captifs ne semblent ni se battre ni être totalement résignés. Solitaires, empêchés, incapables de vraiment communiquer, mais jamais vraiment seuls. Peut-être sont-ils tout simplement conscients de leur propre sort. Comme libérés. La façon dont les peintures monumentales dialoguent entre elles pourrait presque montrer une forme de solidarité, de partage. Au-delà du dépouillement et de l’impossibilité de communiquer. Une humanité en devenir pour laquelle tout n’est jamais vraiment joué. Dans l’atrium Richer, une installation évanescente porte notre regard vers la lumière. Comme un espoir. 

ALICE ROLLAND

Djamel Tatah, le théâtre du silence
Jusqu’au 16 avril
Musée Fabre, Montpellier 
04 67 14 83 00
museefabre.montpellier3m.fr

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