L’événement, qui s’étale maintenant sur trois soirées, entend rendre leur place aux personnes sexisées dans l’espace public. « Dans l’idéal, on aimerait que le festival se prolonge vraiment dans la nuit, qui est le moment le plus problématique pour les personnes sexisée dans l’espace urbain » explique Roxane à propos du titre. Mais cela n’est pas possible. « On doit composer avec les règles de l’espace urbain, et c’est tout à fait normal » précise la chargée de production Marie Roche Pinault. Elles ne manquent cependant pas de relever une certaine ironie du calendrier.  « Cette semaine il y a la féria de Nîmes, qui va continuer très tardivement dans des conditions que l’on connait, mais c’est un événement traditionnel alors ça ne pose pas problème… »

Au programme 

Comme chaque année, la programmation est élaborée par les artistes-membres du collectif. Plusieurs spectacles invités s’en prennent frontalement aux pressions qui pèsent sur les femmes et leurs corps, de manière assez figurative : dans le solo de danse Parfaite, de la Cie Ek, une femme se débat avec un lourd sac à dos, et la Cie L’Effervescente propose un spectacle clownesque dans lequel une circassienne demande de l’aide au public pour savoir comment agir dans l’espace public. Ce spectacle, intitulé Seule en Roue, se donnera en présence d’une interprète en Langue des signes française. 

La Cie Chaos Canem présente un spectacle artistico-culinaire, Les assiettes de Mamie Vette, qui aborde les questions d’héritages culturel et familial, et la joie du partage. Avec Furtives, la Cie La Baleine Cargo s’empare du centre-ville de Nîmes pour une déambulation pluridisciplinaire, militante et poétique. 

Le dernier soir, le collectif occupera Le Prolé avec une exposition d’Amandine Lamoulie, Coupé-Collé. Cette cinquième édition se terminera en musique, avec Mme Raid, un one-woman-show musical de Mélodie Gonzalès, et un concert mêlant eurodance et punk du duo queer Grace et Volupté Van Van. 

CHLOÉ MACAIRE 

Les Nuits Occupé·es
Du 23 au 25 septembre 
Divers lieux publics, Nîmes 

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À la tête de cette production, Stéphane Fuget, claveciniste, organiste et chef, dirige l’ensemble Les Épopées, qu’il a fondé en 2018. Il partage cette soirée avec le Chœur de chambre de Namur, ensemble vocal spécialisé dans l’interprétation historiquement informée. Dans le rôle-titre, la contralto québécoise Marie-Nicole Lemieux, révélée en 2000 par le premier prix du Concours Reine Élisabeth, fait ses débuts dans le rôle de Médée. Sa voix grave et incisive s’accorde à la violence dramatique du personnage. Face à elle, le ténor tchèque Petr Nekoranec, lui aussi dans une prise de rôle, incarne Jason. La mezzo-soprano Juliette Mey interprète Créuse et la basse Frédéric Caton, Créon. La soprano Camille Poul, habituée des productions de Stéphane Fuget, complète la distribution en Nérine et L’Amour.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Médée
22 septembre
Opéra Comédie, Montpellier 

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Jamie Barton entre alors dans les Rückert-Lieder de Mahler avec une voix ample, sombre, expressive. L’Orchestre national Montpellier Occitanie l’entoure sans jamais l’étouffer. Les textures se renouvellent autour d’elle, parfois caressantes, parfois rugueuses. Dans Um Mitternacht, les cordes se taisent ; les cuivres et les bois creusent la nuit, rencontrent les graves de la mezzo-soprano et leur donnent une profondeur presque tellurique. Barton, que l’on avait entendue en Brangäne à Aix en 2021 et dont le timbre incarne à lui seul ce post-romantisme-là, connaît intimement cette manière de faire de la voix le lieu même du drame. Avec Ich bin der Welt abhanden gekommen, le retrait du monde devient une paix étrange, suspendue. 

Puis vient la Symphonie n°6 de Tchaïkovski, et avec elle l’un de ces concerts dont on sort changé. Roderick Cox obtient de l’orchestre une plénitude extraordinaire : chaque pupitre existe, chaque motif revient chargé de ce qui l’a précédé, et l’émotion n’abolit jamais la construction. Le troisième mouvement emporte tout dans sa marche éclatante. Il possède l’énergie, l’évidence et la puissance conclusive d’un finale. Le public applaudit ; nous aussi.

Mais non. Tchaïkovski nous a laissé croire à la victoire pour mieux nous la reprendre. L’Adagio lamentoso commence et défait lentement ce qui semblait acquis. Le célèbre motif revient, obsédant, terrassant ; les cordes s’enfoncent, la vie se retire. Créée sous la direction du compositeur en octobre 1893, quelques jours avant sa mort, la Pathétique a souvent été lue comme un requiem prémonitoire. Elle est surtout, ici, une expérience physique de l’effondrement. On quitte l’auditorium la boule encore vive au ventre, reconnaissant d’avoir entendu un orchestre et un chef capables de conduire si loin. 

Isolde, enfin

Le lendemain, cinq heures de Tristan et Isolde passent comme un seul souffle. On goûte généralement peu les versions de concert, qui peuvent réduire l’opéra à une succession d’airs debout devant des pupitres. Celle-ci rappelle au contraire que toute la scène est déjà dans la partition de Wagner. Un solo, une inflexion, un appel hors champ : tout agit, tout vibre, tout signifie ; tout désire.

Sous la direction de Jaap van Zweden, le prélude déborde sans jamais perdre son assise. Tout est en place, mais rien n’est figé. Dès le premier acte, Anja Kampe impose une Isolde souveraine. Maîtrise absolue de l’instrument, timbre limpide, projection franche, intelligence de chaque inflexion : cet acte est le sien. Comment peut-on encore parler du « Tristan », comme si l’héroïne n’était que le terme du voyage masculin ? Sa colère, sa mémoire et son désir organisent toute la traversée.

Face à elle, la Brangäne de Tanja Ariane Baumgartner offre un timbre sombre, presque celui d’un alto, d’une mélancolie profonde. Au deuxième acte, la complémentarité des deux voix devient dramaturgie : l’une veille dans la nuit, l’autre conserve une lumière juvénile. Le duo s’écoule sans rupture, porté par un Orchestre Philharmonique de Radio France rompu à l’exercice wagnérien. Les heures disparaissent. Les soli sont d’une beauté inouïe, notamment celui du violoncelle ; les appels hors scène du cor anglais ouvrent soudain un autre espace dans la salle, comme la trompette d’Ives la veille.

Le troisième acte appartient davantage à Tristan. Stuart Skelton semble né pour le rôle. Sa puissance terrienne, presque pataude, se fend d’une fragilité juvénile ; on entend les sanglots dans le timbre sans que la ligne cède jamais. Iain Paterson lui offre un Kurwenal d’une fidélité ardente, Kwangchul Youn un roi Marke noble et profondément humain. Mais Isolde revient, et Anja Kampe reprend jusqu’au dernier souffle son inoubliable Liebestod.

Les voix portent l’expérience d’artistes mûrs, tandis que les personnages conservent quelque chose d’absolu, de presque adolescent. Ce contraste ne les éloigne pas du mythe : il fait entendre dans leurs tourments à la fois la démesure puérile du désir et une douleur vieille comme le monde. Au terme de ces deux soirées, une même évidence demeure : celle d’une musique incandescente devenue pure émotion, lorsque l’interprétation atteint ce degré d’engagement.

SUZANNE CANESSA

Les deux concerts, donnés les 10 et 11 juillet au Corum de Montpellier, ont été diffusés sur France Musique : Symphonie pathétique en direct le 10 juillet à 20h ; Tristan et Isolde le 19 juillet à 20h. 
Ils sont disponibles à la réécoute sur le site de France Musique et l’application Radio France

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Dans la sélection générale dans laquelle se croisent questionnements sur la famille (Fratrie de Juliette Cazanave, L’Amazone d’Émilie Maréchal et Camille Meynard), et une réflexion sur la manière de se représenter, en particulier sur les réseaux sociaux (Make it look real de Danial Shah, Feu feu feu de Pauline Jeanbourquin), ainsi qu’une mise en avant des réseaux d’aide et de solidarité (Un pays de papier de Marion Boé, Petit rempart d’Ève Chemin). Et tout cela en présence des réalisateur·ices !

Ce regard à la fois critique et bienveillant porte au-delà de la sélection générale : on retrouve également un focus sur le documentaire québécois, des avant-premières de films étrangers, comme Collapse, (voir p IV) et deux films consacrés à Notre-Dame des Landes, Forêt rouge de Laurie Lassalle, qui documente la vie de la ZAD, et Retour vers nos futures de Despina Matsakis en questionne l’héritage. 

Rétrospective 

Le festival invite Denis Gheerbrant à l’occasion d’une rétrospective qui lui est consacrée. Où qu’il filme, le réalisateur s’intéresse aux gens, à ce qu’ils vivent, à ce que cela dit d’une société donnée. C’est le cas quand il filme La République (2009) à Marseille, où il va à la rencontre des habitant·es de la rue de la République, alors en pleine spéculation immobilière comme quand il va à la rencontre des travailleur·es d’une décharge du Kirghizistan pour La Colline (2022), son film le plus récent co-réalisé avec Lina Tsrimova.

CHLOÉ MACAIRE 

Jusqu’au 16 mai
Divers lieux, Lasalle-en-Cévennes 

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L’eau, origine du vivant

Au Muséum d’histoire naturelle Eau, l’expo ! s’organise autour de trois grands chapitres : « Eau & Vie », consacré aux origines de la Terre et du vivant ; « Eau & Hommes », qui interroge les usages et les représentations symboliques de l’eau ; et « Eau & Sociétés », centré sur les enjeux contemporains de préservation et de partage de la ressource.

Présenté dans la galerie Courbet, Aqua-Muséum met en valeur les collections naturalistes de l’établissement, notamment des poissons, tout en s’intéressant aux équilibres fragiles de la Méditerranée et aux défis écologiques auxquels le milieu marin est confronté aujourd’hui.

Fascinations picturales 

Au Musée des Beaux-Arts, Lumières et ténèbres : la fascination de l’eau réunit des œuvres allant du XVII^e siècle à l’époque contemporaine autour des thèmes du reflet, des tempêtes, du sublime ou encore des créatures marines. L’exposition s’intéresse autant aux dimensions symboliques et mythologiques qu’aux recherches esthétiques des artistes, fascinés par les transparences, les mouvements et les reflets aquatiques.

Résurgences

Le Musée du Vieux Nîmes accueille pour sa part Résurgences, l’eau à Nîmes qui revient sur la manière dont la présence, l’absence ou l’acheminement de l’eau ont structuré le développement de la ville depuis l’Antiquité. Une exposition qui s’intéresse aux réseaux d’approvisionnement, aux usages domestiques, aux fontaines, aux crues et aux transformations urbaines induites par la gestion de l’eau, tout en abordant les défis contemporains liés aux pénuries, aux excès climatiques et aux nouveaux équilibres environnementaux.

Mutations camarguaises

Présentée au Musée des Cultures Taurines Claude et Henriette Viallat, Camargue, terre d’eaux invite à plonger, à travers des tableaux, photographies, films et objets, dans l’histoire et les mutations contemporaines de cette région singulière, qui apparaît souvent comme une nature sauvage et immuable, alors qu’elle est le résultat d’une relation ancienne entre l’homme et l’eau. 

À noter enfin qu’au-delà des expositions, « Eau, source d’inspirations » multiplie les formats pendant toute la saison : visites guidées, ateliers familiaux, dégustations, conférences et parcours urbains. 

MARC VOIRY

L’eau, sources d’inspiration
Jusqu’au 22 novembre
Muséum d'histoire naturelle, Musée des Beaux-Arts, Musée du Vieux Nîmes, Musée des Cultures Taurines Claude et Henriette Viallat, Nîmes

Rudy Ricciotti revisite l’esprit des Ferias
C’est la « starchitecte » Rudy Ricciotti qui a été choisie cette année par la Ville de Nîmes pour concevoir l’affiche officielle de la Feria. Ses esquisses et recherches graphiques sont exposées du 19 mai au 14 juin sur les « Murs Foster » du hall du Carré d’Art.
L’exposition est accompagnée d’une rencontre-dédicace organisée à la librairie du Carré d’Art le 23 mai, autour de la sérigraphie de l’affiche et des ouvrages de l’artiste. M.V.

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Les acteurs culturels du territoire se sont aussitôt mobilisés et ont lancé une pétition qui a recueilli en 3 jours des centaines de signatures, et a été relayée par Libération. La maison d’édition Au Diable Vauvert est particulièrement active dans cette mobilisation, et craint elle-même pour son avenir. 

Entretien avec Lucas Galian, un des salarié·es de la petite maison indépendante, très active, et précieuse pour l’édition militante. 

Zébuline. Quelle est cette exposition qui est annulée, et pourquoi la défendez-vous ?

Lucas  Galian. Chroniques vauverdoises, une exposition commandée par la mairie, dont le financement et l’organisation ont été votés, a été annulée par un simple post du maire, quelques jours après son élection. Il n’a pas retiré le post depuis… 

Le motif est explicite et politique. Pourtant l’exposition de photographies en noir et blanc, de scènes de fêtes, de marché, de repas, du quotidiens vauverdois, qui est un de ses sujets depuis des années, n’a rien de politique. Sylvain Brino a été professeur aux Beaux-Arts, il est un artiste reconnu pour son regard de photographe humaniste. Mais il est aussi, par ailleurs, une personnalité de gauche à Vauvert. Nicolas Meizonnet le décrit comme « un militant LFI » et le censure à ce titre. 

Le festival Jazz à Vauvert est également menacé. Il n’y a rien d’officiel mais la déléguée à la culture aurait déjà menacé, en off, d’annuler le festival.

Et votre maison d’édition ? 

Si le maire annule une exposition photographie apolitique, on imagine ce qu’il fera avec nous ! Nous sommes une maison d’édition clairement queer, féministe et décolonisée, très politique, nous avons édité Che Guevara, Octavia Butler, Angela Davis, le livre de campagne de Vincent Bouget, le nouveau maire communiste de Nimes… nous nous faisons peu d’illusions !

Est-ce que vous dépendez de la mairie ? 

Notre association, Les avocats du Diable, reçoit une subvention de la Ville, de l’ordre de 2000 euros. Ce n’est pas notre financement principal, qui vient de la région Occitanie, du département du Gard et des financements du livre. Mais notre activité se déroule dans un bâtiment de la ville, en particulier les résidences d’écriture, deux appartements où nous recevons des auteurs importants. Virginie Despentes y a écrit une partie de Vernon Subutex, nous avons mené, avec les auteurices, des actions dans les écoles, au pied des immeubles, dans les prisons, sur tout le territoire, pour démocratiser la lecture. Nous tenons aussi des événements…Nous ne pourrons pas continuer cette activité de résistance culturelle, d’indépendance de la pensée, de visibilisation des invisibilisé.es, avec une mairie aussi radicalement hostile.

Votre pétition précise que « le totalitarisme commence toujours par tenter de contrôler la culture ». Pensez-vous qu’il est nécessaire de mobiliser sur ce sujet ? 

Oui, la menace RN est en marche, le monde va mal, nous devons réagir, Vauvert n’est qu’un exemple, qu’il faut transformer, pour nous, en combat, et en victoire. 

Entretien réalisé par AGNÈS FRESCHEL

Pour signer la pétition
www.change.org/p/stop-à-la-censure-culturelle-par-le-rn-à-vauvert 

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En juillet 2024, les metteurs en scène, auteurs et acteurs italiens Enrico Baraldi et Nicola Borghesi, fondateurs de la compagnie Kepler-452, ont embarqué sur le navire Sea-Watch 5 afin de documenter de l’intérieur les missions de sauvetage en Méditerranée centrale. Leur immersion auprès des « humanitaires », des « migrant·es » secouru·es et des équipes d’intervention marque le point de départ de A Place of Safety – Voyage en Méditerranée centrale dans lequel les expériences vécues à bord, entre urgence, impuissance, solidarité et bureaucratie, servent de matériau brut.
Un spectacle créé au Teatro Arena del Sole de Bologne en février dernier, présenté pour la première fois en France ces 13 et 14 novembre au Théâtre des 13 vents dans le cadre de la Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée.

Un théâtre documentaire engagé
A Place of Safety se présente comme une « pièce documentaire », interprétée sur le plateau par Nicola Borghesi et par les membres de la mission eux-mêmes, refusant la posture victimaire simplificatrice, préférant mettre l’accent sur la complexité du contexte : des vies en suspens, des frontières fermées, des choix difficiles.
Le spectacle pose la mer comme frontière mobile, entre vie et mort, entre exil et refuge, entre engagement et impuissance. Transformant le plateau en un lieu de témoignage direct, grâce à un dispositif scénique qui mêle voix, fragments documentaires, langues multiples, le public est invité à ressentir la fragilité des trajectoires humaines, la tension entre l’attente et l’intervention, et l’énigme d’une mer à la fois usage, enjeu et témoin.
Un spectacle en italien, anglais, portugais surtitré en français, dont la représentation le jeudi 13 sera suivie d’une rencontre avec l’équipe artistique.

13 et 14 novembre
Théâtre des 13 vents, Montpellier

Boujloud (L’homme aux peaux)

Menant une enquête sur le consentement au Maroc pour créer un spectacle documentaire, Kenza Berrada rencontre Houria, femme marquée par une agression sexuelle subie dans l’enfance, concluant son récit par un violent et fatal : « C’était comme ça à l’époque ». Une question s’impose alors à l’artiste : mais quand finit cette époque ? 
Pour dire l’indicible, l’artiste convoque Boujloud, figure rituelle du Rif et du Haut-Atlas occidental. Couvert de peaux, moitié homme moitié bête, Boujloud surgit chaque année après l’Aïd pour incarner la force vitale du passage, de la mue. Dans son spectacle, cette figure devient le véhicule d’une mémoire enfouie : elle porte les voix tues, les blessures transmises, les colères rentrées, transmises de génération en génération.

7 et 8 novembre
Domaine d’O, Montpellier

Et tout est rentré dans le désordre

Avec Et tout est rentré dans le désordre, Julie Benegmos et Marion Coutarel, de la Compagnie Libre Cours, proposent une traversée poétique et politique des pratiques funéraires d’aujourd’hui. Leur point de départ : une enquête menée auprès de celles et ceux qui cherchent à réinventer les rites de la mort, à redonner sens et humanité à ces passages souvent confisqués par le rationalisme ou le marché.
Le spectacle oscille entre théâtre expérimental, documentaire et fiction, explorant le potentiel transformateur des rituels. Sur scène, un rituel se compose, à la fois grave et joyeux, entre documentaire et célébration symbolique. Les spectatrices et spectateurs deviennent témoins d’une tentative de réconciliation avec la mort, d’un partage sensible où le désordre devient lieu de transformation.

7 novembre
Théâtre municipal Jérôme Savary, Villeneuve-lès-Maguelone

13 novembre
Théâtre Molière, Sète

Necropolis

Le danseur, chorégraphe et artiste visuel Arkadi Zaides se penche sur les milliers de migrants disparaissant depuis une trentaine d’années aux frontières de l’Europe. Seul en scène, s’appuyant sur la liste minutieusement tenue depuis 1993 par l’organisation United, il se tient face à un ordinateur et à la projection d’une carte du continent, en faisant émerger une cartographie des vies perdues dans les flots, les déserts, les zones d’attente et les marges administratives.
Un geste, un clic, un nom : chaque point lumineux correspond à une mort. Au fil de cette conférence performée, associant investigation du territoire et enquête médico-légale, l’artiste transforme la donnée brute en un rituel d’attention, cherchant à incarner les noms de celles et ceux à qui l’on a refusé toute identification, après la mort.

12 au 14 novembre
Théâtre de La Vignette, Montpellier

La Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée est initiée par le Théâtre des 13 vents – CDN Montpellier et un vaste réseau de partenaires

MARC VOIRY

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Deux têtes d’affiche

Pour cette première semaine gardoise, les spectacles Strano et Yongoyély sont en tête d’affiche. Deux visions du cirque différentes et singulières.

Voyageant toujours avec son chapiteau, le Cirque Trottola sillonne la France depuis maintenant près de deux décennies. Adepte de la voltige et des cascades, il offre au public gardois son nouveau spectacle, Strano. La création, où sont convoqués clowns, acrobates,  trapézistes, offre pourtant un joli moment de répit : passé le pas de leur chapiteau, le temps se distord et propose un sas de déconnexion du monde moderne. Les cinq représentations à l’Espace Chapiteau de la Verrerie seront suivies d’autres à Montpellier et dans plusieurs villes des environs. 

L’autre moment fort de cette semaine est la venue du Circus Baobab qui, après le succès de Yé en 2022, revient avec Yongoyély. La création portée par six femmes et trois hommes, guinée·enes, nous embarque avec eux arpenter les rues de Conakry, dénonce la circoncision (Lire ici) et guide les acrobaties, notamment au mât chinois et à la barre russe. Il se jouera les 8 et 9 novembre au Théâtre Éphémère à Alès, avant d’entamer une tournée jusqu’à Montpellier.

Le cirque à taille humaine

Alès reste l’épicentre du début du festival en recevant notamment des créations et et des avant-premières.

Le 8 novembre, la compagnie Le Polpesse invite le public dans une ambiance intimiste avec sa toute nouvelle création Attention à ta tête au Pôle culturel et scientifique d’Alès. Sur scène : trois jongleuses, une baignoire, onze massues et plus d’une centaine de balles. À la lisière de l’absurde, ce spectacle place l’attention non sur la réussite mais sur le chemin à parcourir. Le même soir, La Verrerie reçoit sur sa scène une drôle de curiosité; un objet géant de plus de six mètres de haut. Jonathan Guichard et Lauren Bolze tentent de s’approprier ce gigantesque agrès et proposent une réflexion autour de l’équilibre à travers Thaumazein. 

Les découvertes s’enchaînent… Les 11 et 13 novembre, le Pôle culturel et scientifique de Rochebelle accueille Un instant, une création qui traite du rapport au temps. Entre jeux d’équilibres et portés acrobatiques, les deux artistes nous embarquent dans un voyage hors du temps.

Toujours à Alès, au Théâtre Éphémère les 12 et 13 novembre Cloche est porté par l’Association des Clous.Cette création mêle les disciplines artistiques : un trio musical  accompagne le circassien Rémi Luchez dans une proposition un brin décalée… Enfin, le 12 novembre se joue Backstage. Entre spectacle et réflexion, Backstage est avant tout l’histoire de deux ami·es, deux artistes aux chaussures bien abîmées par les kilomètres parcourus, qui partagent leurs routines d’échauffement et leur générosité une heure avant l’entrée en scène de leur duo acrobatique.

À Alès, mais pas que…

Si Alès reste l’épicentre de la semaine, de nombreux spectacles animent ailleurs cette semaine gardoise. Le 12 novembre, Léo Rousselet présente en avant première son spectacle Éclipse à Nîmes. Un seul-en-scène où l’artiste évolue dans un décor minimaliste et incarne un personnage minutieux, sans cesse dérangé par une ficelle d’interrupteur. Une performance où sa balle de jonglage devient sa seule boussole. 

Edouard Peurichard et Thomas Martin quant à eux sont guidés par une télévision. Nous on n’a rien vu venir questionne notre rapport au numérique et à nos addictions. La dystopie des paillettes du Cirque Bâtard quant à elle sonde, «la douce folie de notre indomptable envie d’être encore vivant·es». Enfin, fidèle à ses habitudes, la compagnie Stacevit propose Ocre, une performance à la croisée des disciplines artistiques où «le rythme affronte l’acrobatie et l’équilibre enlace la batterie». De ce mélange naîtront des créatures déstructurées…

Carla Lorang

Temps de cirque
Jusqu’au 10 décembre
Divers lieux, Alès, Gard, Lozère, Hérault et Aude

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À l’affiche

Après le coup d’envoi funk de la soirée d’ouverture, puis le passage de Thomas Pourquery, le 27, c’est au tour de Pink Turtle, sept musiciens qui transforment les tubes pop, en version jazz. Par la suite, la légendaire Dee Dee Bridgewater investit La Calmette le 2 octobre. En première partie Oya, quintet lauréat du prix de jury lors du Tremplin Jazz70 de 2024. Les jours qui suivent, le festival accueille le contrebassiste français, Henri Texier ainsi que la chanteuse et trompettiste canadienne Bria Skonberg avec What it means, un album à la Nouvelle Orléans. 

Afrique et Orient

Côté scène locale, le 11, c’est le duo Cam&Leo, composé de la harpiste, Camille Heim et du batteur, Léo Danais qui fusionne rythmes afro-caribéens et rock progressif. Ils seront suivis dans la soirée par Salif Keïta – chanteur légendaire, connu comme la « voix d’or de l’Afrique ». La musique traditionnelle est l’influence de l’orient seront aux rendez-vous avec Fatum Fatras qui allient au répertoire turc, grec, roumain et kurde le groove rock et funk des années 70 et 80. Quelques jours plus tard, le festival accueille le trio d’Alfredo Rodriguez – pianiste cubain virtuose de renom. Le soir de clôture (18) voit une belle programmation avec en première partie le groupe qui a remporté le prix du public du Tremplin 2024 : Vowski. Leurs compositions immergent le public dans une musique riche et texturée qui puise dans des univers visuels urbains et contemporaines. Et pour finir, venus du Chicago, une fanfare avec du punch – le Hypnotic Brass Ensemble qui fait jazzer avec du funk des années 60 et 70, jusqu’au soul en passant par le rock ou le hip hop. 

LAVINIA SCOTT

Nîmes Métropole Jazz Festival
Jusqu’au 18 octobre
Divers lieux, Nîmes 

Le OFF
Côté OFF, c’est l’association Jazz70, partenaire depuis les débuts, qui gère la programmation : concerts, stage de jazz, une soirée Jazz & Ciné au Sémaphore, une conférence sur les origines du jazz, et un pont-échange jazz avec des musiciens venus de Chicago et de la France pour le The Bridge #2.

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Pierre Martinez :  On travaille ensemble, Dominique et moi, depuis un moment ! On a élaboré pour le COJO l’Olympiade Culturelle à l’échelle nationale. Après novembre 2024, on a voulu continuer ensemble l’aventure, à Montpellier.  On a contacté Hofesh Shechter puis Jann Gallois qui ont immédiatement dit oui, et on a répondu à l’appel à projet à huit mains. On est venus tous les quatre, le 10 avril dernier, le présenter, on a été retenus le soir même.

Vous vous inscrivez dans une histoire exceptionnelle, celle d’un Centre Chorégraphique National celle du festival Montpellier Danse. Comment pensez-vous écrire la suite ? 

Dominique Hervieu : On est vraiment dans un double désir d’héritage et d’innovation. Cette histoire chorégraphique et esthétique a été écrite par trois artistes majeurs, Dominique Bagouet puis Mathilde Monnier et Christian Rizzo, et un programmateur exceptionnel Jean-Paul Montanari. Paradoxalement, une telle histoire n’est pas un poids, elle permet de continuer. Et d’innover en explorant de nouvelles possibilités, en faisant un pas de côté. Les fondations si solides de cette maison ne sont pas embarrassantes…

Qu’est-ce que le rapprochement du CCN et du Festival, situés jusqu’ici dans deux ailes distinctes de l’Agora, apporte concrètement au projet ? 

DH : En fait, cela est déjà opérant. L’écosystème de l’Agora est désormais unique en Europe, avec une chaîne qui rassemble tous les maillons de la vie chorégraphique. Les liens que l’on peut tisser entre les missions de création et de diffusion du CCN et celles d’un festival de danse majeur sont infinis. Le master Exerce dispensé ici est le seul master de création chorégraphique en Europe, et le festival va permettre aux étudiants de côtoyer des chorégraphes majeurs. 

PM : Ce rapprochement est bénéfique au niveau esthétique mais aussi politique : la Métropole de Montpellier envisage la culture comme un levier de développement du territoire, un levier économique, humain et social. Cette fusion est née de cet intérêt politique pour la vie artistique, et en particulier pour la danse. Il y a une vraie volonté que Montpellier soit une capitale européenne de la création chorégraphique. Aujourd’hui cette ambition est affirmée par l’ensemble des tutelles, État, Métropole et Région. 

Y compris, dans un contexte budgétaire de restriction, au niveau de vos budgets ? 

PM : Oui, nous avons l’assurance de conserver les moyens actuels des deux structures. Pour le développement, il faudra aller chercher ! Et s’inscrire davantage dans les réseaux de diffusion.

Tout en développant une véritable saison… 

DH : Oui, qui se construit à partir de deux ADN. On va recevoir à l’année les grands formats de Montpellier Danse, et l’émergence, dont les étudiants d’Exerce, auront toute leur place durant le festival. La programmation du festival 2026 est encore en partie celle de Jean-Paul Montanari, mais nous allons avoir un plus grand pourcentage d’œuvres en création, et une diversité d’esthétiques qui ira du flamenco à l’expérimental. Autre fait nouveau : nous nous inscrivons en partenariat avec les autres institutions de la ville. Avec la Biennale Euro Africa, avec Mouvements sur la ville… Nous voulons aussi initier une offre gratuite en espace public, et faire venir les habitants dans l’Agora.

PM : Notre projet repose sur deux valeurs : ouverture et diversité des esthétiques. Il y a un désir que ce lieu soit physiquement ouvert, que l’on puisse le traverser de la rue Sainte Ursule à la rue Louis Blanc, que la cour devienne un lieu de passage et de pratique, qu’on puisse y danser. C’est important que ces portes soient désormais ouvertes…

Vous parlez de diversité d’esthétiques, mais votre codirection paritaire et votre programmation mettent en œuvre d’autres diversités… 

DH : La diversité de genre est évidemment primordiale, comme la diversité des cultures et des classes sociales. Mais les artistes ont aujourd’hui un vrai regard sur cela, ils prennent en charge dans leurs œuvres ces questions de société. 

Jann Gallois et Hofesh Shechter ont-ils le temps, concrètement, d’assumer cette codirection ? 

PM : Jann est là à plein temps, dans un schéma de codirection classique pour une artiste. Avec Hofesh nous devons inventer autre chose…

DH : Il était là cet été, la semaine dernière, et passera un mois avec sa compagnie en résidence en février. Il a deux compagnies et à Montpellier nous accueillons celle qui regroupe huit jeunes danseurs internationaux, qui reprennent ses œuvres créées avec la compagnie 1. Mais son carnet de tournée est très lourd aussi ! Hofesh est aujourd’hui un des top five mondial de la danse en termes de public touché, mais il est à un moment de sa vie où il veut que son impact esthétique et relationnel s’exerce sur un territoire et ses habitants. Un moment de maturité où il veut un point de repère, dans une ville qu’il trouve belle et qui provoque chez lui une vraie curiosité. 

Entretien réalisé par Agnès Freschel

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