L’Itinéraire bis de Julien Gosselin accompagne ce parcours avec tendresse et bienveillance au fil de cartels jaune canari. Son regard est drôle – « Même Avignon a essayé d’être cyberpunk » – mais surtout éclairant sur la manière dont l’héritage récent du Festival a nourri son théâtre dès ses jeunes années. À quoi ressemblera cette exposition dans vingt ans ? Que retiendra-t-elle de notre présent ? 

Belles heures bouillonnantes
Parmi la soixantaine de rencontres de la Maison Jean Vilar durant le Festival, les journées d’Artcena induisent un bouillonnement plus intense encore. Place y est faite aux auteurices dramatiques pour des lectures et des rencontres simultanées dans toute la Maison. Les 10 et 11 juillet, Stanislas Nordey est venu parler d’Espaces 34 [Litre notre entretien avec Stanislas Nordey ici], Actes Sud des livres audio, Léonore Confino du jeune public, Baptiste Amann de son écriture… 

On retiendra surtout la lecture de Claudine Galea, qui a dirigé le service culture de La Marseillaise dans les années 1990. Lear for real actualise l’histoire du roi fou et de sa fille : Daddy Lear perd la mémoire, devient sénile, veut sortir de la maison de retraite et appelle sa fille toutes les minutes pour dire sa douleur… Un texte bouleversant, touchant au plus juste la détresse de ceux qui se perdent et de ceux qui les regardent partir. Interprété par Laurent Ziserman et Sophie Lahayville, il devrait être créé lors du Festival 2027.

Pour toujours Novarina
La Maison Jean Vilar a rendu hommage au poète disparu avec des rencontres, le Dictionnaire Valère Novarina et une installation présentant ses œuvres plastiques, en particulier le néon bleu La lumière nuit. On y retrouve les images de ses onze spectacles donnés au Festival jusqu’en 2020. De L’Origine rouge à Personnages de la pensée, reste l’électrochoc d’une langue inimitable, qui cherche le sens dans des recoins inusités et passe par le corps et la voix. 

André Marcon, novarinien en chef, a lu – à peine, joué plutôt – la première partie du Discours aux animaux. Moment exceptionnel de maîtrise, d’invention, de restitution fine de chaque virage, chaque caillou du texte. Aussi précis, incisif, drôle, harangueur et digressif qu’il y a presque quarante ans, quand il l’a créé et laissé Avignon bouche bée… 

Feuilleton de l’été
En écho aux Clés du Festival, Mon Festival, nos festivals confie chaque matin les archives à deux voix. Jean-Louis Martinelli et Charles Berling offrent un épisode émouvant, porté par leur vieille complicité. Ils évoquent leur Avignon commun, l’édition 1998 – assez épique – et cet Œdipe le tyran mis en scène dans la Cour d’honneur, avec Berling dans le rôle-titre. Jean Eustache surgit le temps d’un joli détour, Jean Vilar reste la boussole. Derrière les souvenirs affleure leur goût du théâtre politique et du service public, jusqu’au rappel de la menace que le gouvernement Sarkozy avait fait peser sur le spectacle vivant. 

Stanislas Nordey, accompagné de Virginie Colemyn, livre un épisode à la mesure, démesurée, de son talent d’acteur. Il raconte son premier Off en 1988, dans un Marivaux qui fut d’emblée un triomphe, puis sa Cour d’honneur dans Architecture de Pascal Rambert. Il cite Peter Handke, Falk Richter, les lit, les dit, les joue, rendant chaque passage essentiel. De son père réel, Jean-Pierre Mocky, à Jacques Weber qui le représente, il va jusqu’à Munition d’amour, texte de Claudine Galea qu’il créera l’an prochain. Elle y parle de la découverte tardive de son cancer : « j’ai préféré écrire à voir ». La vie, la mort, l’amour font vibrer la calade, tandis que Virginie Colemyn lit Avignon à vie, de Pascal Rambert, et ses mythiques « Je n’ai pas vu ».

Le Off entre en scène
Le lendemain, place au Off avec Alain Timár, directeur du Théâtre des Halles, qui ne parlera pourtant que du In, interrogé par Michel Flandrin, notre collaborateur, qui l’aiguillonne et contextualise. Ce pionnier évoque les spectacles qui ont changé sa vie : Aperghis, Beckett dans la Cour avec un arbre sans feuilles – « on n’a pas besoin de remplir l’espace pour l’occuper » -, Georges Wilson, Rufus, Michel Bouquet et Fabrice Luchini enfant. Des marionnettes géantes sur roulettes traversent, incontrôlables dans le vent, le cloître des Célestins : « ce qu’on a vécu comme un psychodrame devient, par la force du souvenir, une belle histoire à vous raconter ». Et puis May B de Maguy Marin, Nelken de Pina Bausch, ces chorégraphes qui ont fait de la danse un « art total », dans l’esprit du « service public du théâtre » voulu par Jean Vilar.

Pour clore le feuilleton, Justine Heynemann, accompagnée de Rachel Arditi, apporte une vision plus récente du Off, qu’elle fréquentait dès l’adolescence, toujours à la recherche d’un théâtre féministe. Marivaux pour ses premières armes, puis ses propres textes : Les Petites Reines, PUNK.E.S, Culottées et Olympe(s) rappellent, dans un festival dont l’histoire reste dominée par les hommes, que le théâtre ne s’écrira plus sans les femmes. 

Les figurants au premier plan
Lors d’une rencontre menée avec finesse par le journaliste et écrivain Matthieu Mével, Delphine de Vigan est revenue sur l’adaptation, qui permet parfois de découvrir une part intime, personnelle, insoupçonnée de son propre texte. Les Figurants est pourtant sa première pièce directement écrite pour la scène, mise en scène par Valérie Donzelli, venue du cinéma. 

Cécile, Orso, Bruno, Joyce et Nora attendent sur un tournage. Invisibles mais indispensables, ils sont, selon Cécile, la vieille dame jouée par Béatrice de Staël, les « prolétaires du cinéma ». La pièce leur offre enfin le cadre et la parole. Les comédien·nes jouent avec naturel, solidement ancré·es dans le théâtre, tandis que la mise en scène convoque surtout le cinéma : voix hors champ, attente, ordres donnés par ceux que l’on ne voit pas. Une jolie ode aux oubliés des plateaux. Le texte, évocateur et attentif aux êtres, demeure pourtant plus littéraire que véritablement dramaturgique : les confidences dessinent les personnages sans toujours produire la tension que réclame la scène. Comme quoi écrire pour le théâtre n’abolit pas le mystérieux travail de l’adaptation.

SUZANNE CANESSA

Les Clés du Festival, exposition permanente ouverte toute l’année, 
Maison Jean Vilar, Avignon

Itinéraire bis — Le Festival vu par Julien Gosselin et Viva Novarina !
Jusqu'au 25 juillet

Les Belles Heures 
Les 10 et 11 juillet 

Mon Festival, nos festivals
Du 12 au 17 juillet  

Du livre à la scène
Les 13 et 14 juillet
Maison Jean Vilar

Les Figurants, de Delphine de Vigan, mis en scène par Valérie Donzelli, 
Jusqu'au 25 juillet à 19h, La Scala Provence. 

Rencontres, conférences et lectures sont enregistrées par L’Écho des planches et disponibles gratuitement sur maisonjeanvilar.org. 

Retrouvez nos articles Scènes et On y était ici

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Après un dîner-conférence de gala, Jacques Weber retrouve sa chambre d’hôtel aseptisée de Hong Kong. Tout est blanc, fait de plastique, et la télévision paraît plus grande que les fenêtres. Une fois son masque chirurgical enlevé et la lumière allumée, il s’adresse à sa femme, matérialisée par un portrait posé sur une table. On apprend rapidement qu’elle est morte il y a un an. Il lui raconte la soirée dans ses moindres détails, et ponctue le récit de souvenirs communs. Et il boit, beaucoup, prend des médicaments et se drogue aussi. Il n’a plus le goût de rien, sinon de se détruire, une bonne fois pour toute. 

Un néon-événement ?

Pendant 1h30, le public assiste à un monologue souvent poignant, parfaitement exécuté par un Jacques Weber encore et toujours au sommet de son art. Il est puissant, subtil, convoque tour à tour tristesse, joie, angoisse ou euphorie. La mise en scène est aussi au rendez-vous. La lumière produite par la centaine de néons accrochés à cette chambre austère offre une harmonie judicieusement malaisante à l’ensemble. On ne saurait pourtant être parfaitement emballé par ce que propose Pascal Rambert – contrairement à Mon Absente qui avait davantage convaincu. La faute à un propos trop monotone, qui confine par moments à l’ennui. Le seul Jacques Weber, malgré tout son talent, ne peut éviter. 

NICOLAS SANTUCCI 

Ranger, de Pascal Rambert est donné jusqu’au 24 février au Théâtre des Bernardines, Marseille

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Un cercueil sur un lit de roses blanches, et onze personnages venus dire leur amour à la défunte, ou au contraire régler leurs comptes avec elle. Autour de la scène, des rideaux noirs translucides derrières lesquels apparaissent parfois les silhouettes des acteurs qui se meuvent tels des fantômes. C’est une famille hantée que Pascal Rambert réunit sur scène dans Mon Absente. Hantée par la mère, par les souvenirs et par les conflits qui en déchirent les membres.

Tour à tour, chacun s’adresse à l’absente. Leurs paroles et leurs expériences se contredisent, brodant subtilement un portrait en patchwork de cette femme, mère violente ou aimante, autrice brillante et alcoolique. Les modes d’expression varient, allant d’un jeu très ampoulé pour certains comédiens, à des moments où la danse fait irruption de façon impromptue. La difficile harmonie de l’ensemble ne tient qu’à la scénographie de la pièce, et notamment au brillant travail de lumière de Yves Godin qui fait apparaitre un espace hors du temps et de la réalité. 

Les ailleurs
La beauté épurée de l’espace permet de faire apparaître des ailleurs, autant par les mots que par la mise en scène. Le souvenir du continent africain est omniprésent dans le spectacle. L’absente y a passé une partie de sa vie avec ses enfants, y a eu un fils, et certains personnages y habitent. Mais leurs lieux et conditions de vie en Afrique, ainsi que les raisons de leur départ dans un sens puis dans l’autre restent flous. S’il semblerait qu’ils aient surtout résidé à Ouagadougou, d’autres villes comme Dakar sont aussi évoquées. Aucun pays n’est cité, seulement « en Afrique » ou à la rigueur « au pays ». Cela amplifie l’opposition avec l’autre lieu de vie de la famille, l’appartement du boulevard Haussmann, dont les moindres détails sont donnés. Si là est l’objectif, cela fonctionne, mais cette vision globalisante de l’Afrique a quand même de quoi laisser songeur.

CHLOÉ MACAIRE

Mon Absente était donnée du 1er au 3 février à La Criée,
Théâtre national de Marseille.

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Dans Mon Absente, Pascal Rambert rassemble onze personnages autour du cercueil d’une femme. A travers leurs mots, ils évoquent leur relation avec elle et peignent son portrait. Pourtant, cette pièce n’a pas pour sujet la mort ou le deuil…

Dans votre présentation de la pièce, vous dites ne jamais faire de « pièce à sujet ». Que cela signifie-t-il ? quel est alors l’objet de votre travail ?
Quand j’écris, je reçois quelque chose du réel et je lui donne une forme. Je ne fais pas une forme en me disant que ce sera une pièce sur le deuil. Il y a des auteurs qui veulent parler de la crise écologique, ou de la violence faite aux femmes, ou de la montée du FN, etc. Moi, je fais parler des gens. Mes personnages parlent quasiment comme dans la vie, ils passent d’une phrase à une autre, d’une idée à laquelle ils pensent à une autre complètement différente et contradictoire. Mon travail c’est la langue, pas les sujets.

Donc Mon Absente n’est pas à une pièce à propos de la disparition d’un être cher ?
Mon Absente n’aborde pas simplement le deuil, mais la façon dont on définit une personne. C’est complexe, une personne. C’est souvent très contradictoire, ça change avec le temps, et en fonction de ceux qui l’entourent. Dans Mon Absente, ils sont onze autour du cercueil, il y a ses fils, ses filles, ses petites filles, et chacun vient lui parler. Ils essaient de remonter le fil du passé, ils ont besoin de lui dire des choses qu’ils ne lui ont jamais dit, et qui sont parfois d’une rare violence. Il n’y a pas que des bons souvenirs pour eux, et je trouve ça bien que lorsque l’on s’adresse à un mort, on ne dise pas seulement « Qu’est-ce que je t’aimais », mais qu’on puisse aussi être très dur.

Et comment cela se traduit-il d’un point de vue plastique, en terme de mise en scène et de scénographie ?
Dans le fait d’être face à un cercueil, il y a un dialogue qui s’engage, même si il n’y a pas de réponse. C’est très fort visuellement d’être à l’intérieur de cet immense espace noir avec ce cercueil et ces fleurs, et la lumière qui est très basse, ce qui donne un aspect fantomatique. On a en quelque sorte l’impression que tous les acteurs sont des fantômes, et que la vraie personne est celle à l’intérieur du cercueil. Je voulais avoir cet aspect fantomatique de nos propres vies, nous les vivants. Ça me semblait être assez proche de l’état dans lequel on se retrouve parfois lorsqu’on est plongé dans des moments de grande tristesse, ou même de grande exaltation que peut procurer l’amour aussi.

ENTRETIEN REALISE PAR CHLOE MACAIRE

Mon Absente
Du 1er au 3 février
La Criée, théâtre national de Marseille / Théâtre du Gymnase – Hors-les-murs

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