Que cherche François Cervantes dans le clown depuis 30 ans, et avec ce spectacle encore, modeste, où il joue lui-même son rôle aussi naturellement que s’il nous parlait, assis à sa table qui mime celle d’un écolier, devant une carafe et deux verres Duralex qui rappellent aussi l’enfance ? Rien pourtant n’est professoral dans son ton, il nous parle de son rapport à l’art comme s’il conversait doucement avec nous dans une réunion de vieux ami·es. 

L’art est la clef

Et il avance ceci : comme un sentiment dérobé, quelque chose se cache à l’intérieur de nos propres maisons, et l’art peut ouvrir la porte de chambres intimes dont on ne soupçonne pas l’existence. Cette chose-là, cette ouverture, il l’a éprouvée en croisant le regard peint des fresques antiques, en écoutant Tom Waits, en regardant les chiens de Giacometti. Chacun·e de nous l’éprouve, un jour, lorsqu’ inopinément une œuvre bouleverse.

Le texte qu’il dit, d’une qualité d’écriture tranquille, osant l’image et l’émotion, le sentiment même, annonce l’arrivée d’Arletti, qui va tenter d’expliquer qui elle est, comment elle est née. Mais ne le dira jamais aussi bien, aussi juste, qu’en se délectant d’un verre d’eau, en faisant danser ses gants rouges, en s’attardant au moment du départ avec le public pour ne pas laisser s’enfuir la relation. 

Catherine Germain démaquillée mais jouant encore viendra ensuite raconter l’histoire avec François, depuis 30 ans. Expliquer comment un clown se construit lentement, s’impose à vous aussi, vous habite, vous change, exposant au dehors cette intimité invisible, inconsciente, qui se soulève quand l’art survient. Et comment les clowns de théâtre se construisent aussi dans la langue d’un auteur, à l’écriture. Tout en appartenant à l’invisible. Justement, comme un poème. 

AGNÈS FRESCHEL

Le clown comme poème est joué au Théâtre des Halles jusqu’au 25 juillet (19h)

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À partir de ces paroles anonymes, et de sa propre expérience du sujet, il crée Danser dans mon petit salon sans me poser de questions, seul en scène déjanté, musical, mais surtout sensible, dans lequel le salon factice, l’espace intime est propice au déploiement d’une identité affranchie du poids des normes, autre que celle du bonhomme poilu et fort. Une respiration, pendant laquelle il est possible d’être décomplexé, et d’entrer dans la danse dans le jardin du Théâtre des Halles à la nuit tombée.

C.M.

Du 4 au 25 juillet à 21h30

Relâche les mercredis

Théâtre des Halles

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La pièce s’articule autour du parcours d’une famille précaire confrontée aux réalités socio-économiques traversées par une partie de la génération X aux États-Unis. Le tout sur fond de bande sonore, également signée Joshua Imeson, conjuguant folk, rock indépendant, hip-hop et musiques électroniques.

M.V.

27 mars

Théâtre des Halles, Avignon

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Le plateau devient alors un lieu intime où se mêlent quotidien, création et remise en question permanente. À travers leurs échanges, les deux interprètes explorent les thèmes du temps qui passe, de la relation amoureuse, de la création artistique et de l’inévitable confrontation avec la mort. Une proposition où fiction et réalité se côtoient et se répondent, au sein d’un théâtre présenté comme un art de vivre et d’aimer.

M.V.

7 mars

Théâtre des Halles, Avignon

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M.V.

12 février
Théâtre des Halles, Avignon

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Un autre père presque fondateur du Off reste aux commandes : Serge Barbuscia (Théâtre du Balcon) est président des Scènes d’Avignon, et propose une édition des 20 ans qui s’attache à rendre hommage : ainsi le 27 janvier une pause déjeuner sera proposée autour d’André Benedetto, dramaturge qui créa le premier festival Off en 1966, dans un élan politique qui annonçait les jolis jours de Mai… et les frictions fécondes du In et du Off.

Mais cette édition de Fest’hiver ouvre aussi largement les portes de la capitale du théâtre à de nouvelles formes, de nouveaux lieux, et des talents qui vivent hors des remparts et de la ville. Ainsi le 23 janvier les ateliers collectifs de la Cie Sortie 23 invitent le public aux Bains Pommer, magnifique lieu patrimonial récemment restauré. La soirée des 20 ans se tiendra à LaScierie, dans l’esprit de ce tiers lieu industriel, avec DJ, rencontres et guinguette bio.

Du théâtre des femmes

Mais l’essentiel à Avignon restera toujours le théâtre ! L’Entrepôt (Cie Mise en scènes) et le Festival d’Avignon sont partenaires des Scènes d’Avignon*, et chacun propose un ou plusieurs spectacles, qui souvent entrent en résonance avec leur dernière ou leur future programmation d’été.

Ainsi le Festival d’Avignon programme La Lettre de Milo Rau à la Fabrica ; Judith Desse, à l’Entrepôt propose Colette au pays du Soleil levant un émouvant quintet écrit dans une maison de retraite, où les danseurs ont les corps recouverts d’argile, qui deviendra poussière.

Les femmes sont aussi beaucoup plus présentes sur les plateaux des Scènes d’Avignon, qui restent majoritairement, mais plus uniquement, dirigées par des hommes. Et les metteuses en scène proviennent de toute la région : ainsi Wilma Levy (Cie marseillaise Des Passages), après Héroïnes, travaille avec Charlie Radix sur la sororité, et le lien de la politique et de l’intime. Eloïse Mercier (Cie toulonnaise Microscopique) joue Les Meutes avec Gauthier Bauxebelt, un duo dans l’air du conte à la prose ciselée, avec Lou, les loups et leurs meutes plus ou moins sauvages. Marie Provence (Cie marseillaise 7^e Ciel) reprend La Stupéfaction, où un trio d’êtres cabossés se confronte et s’entraide. Enfin la Cie marseillaise Le Vaisseau propose sa deuxième création, écrite et mise en scène par Nina Ayachi et Clara Chrétien : Le Cabaret des Oiseaux, une lutte conte les portes fermées et la mort, dans un registre pourtant burlesque, aussi…

Agnès Freschel

Fest’hiver
Du 23 janvier au 1er février
 Divers lieux, Avignon
*Théâtre des Halles, du Balcon, de Chêne noir, du Chien qui fume, des Carmes et Transversal

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Est-ce la proximité d’un tribunal où s’est jugée l’affaire Pélicot ? Le sujet de la domination masculiniste, du viol et de la violence verbale et symbolique des hommes prend une profondeur particulière dans la ville : le Théâtre des Halles, où le spectacle était programmé par la Scène nationale de Cavaillon, affichait complet à chacune de ses représentations. 

Les deux actrices autrices jonglent avec drôlerie et intelligence entre le film et leur propre fiction : ces deux femmes qui portent leurs prénoms, Anna et Nolwenn, veulent revivre aujourd’hui le parcours de Thelma et Louise, leur film culte, qu’elles résument et analysent en quelques images puis quelques scènes. Pour ce faire, la brune et la blonde, drôles, fortes et émouvantes, alternent avec intelligence les moments d’adresse au public et les scènes du film, et incarnent aussi les personnages masculins avec une belle lourdeur comique. Elles installent ainsi une complicité immédiate avec des spectateurices qui riront souvent, mais seront aussi sensiblement ému·es. 

Progrès féministe ? 

Car les scènes des deux fictions emboîtées révèlent, par leurs similitudes et leurs différences, l’évolution du rapport homme-femme en 35 ans : le viol n’est plus infamant pour la victime, la sororité s’est affirmée, les flics protègent et ne tuent pas, et plus personne n’accuserait Thelma et Louise d’être un film anti-hommes. Vraiment ? 

Ce sont aussi ces similitudes qu’elles relèvent : si le film de Ridley Scott, écrit par une femme, Callie Khouri, a été violemment critiqué en 1991 comme il ne pourrait plus l’être aujourd’hui, les masculinistes sont toujours là. Mais on peut choisir, comme Nolwenn et Anna de se battre contre eux, voire de les convaincre, plutôt que de faire exploser les camions citernes et de se jeter du haut du grand canyon…  On peut choisir de se retrouver dans le canyon provençal, décor d’un film qui clôt le spectacle, où des femmes s’avancent vers le sublime précipice, pour seulement le contempler. 

Agnès freschel

Thelma, Louise et moi a été joué au Théâtre des halles, Avignon, dans le cadre de la programmation de la Scène nationale de Cavaillon

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L.S.
13 décembre
Théâtre des Halles, Avignon

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C.L.
4 décembre
Théâtre des Halles, Avignon

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il!el aiment aussi le cinéma, celui qui a marqué la mémoire d’une génération, en particulier celle des autrices qu’il!el théâtralisent : leur série A et S font leur cinéma –autour des récits inattendus et si familiers sur  Alien, Bambi ou Les Parapluies de Cherbourg d’Olivia Rosenthal- éclaire étonnamment ce que les films font à nos émotions et à nos mémoires.

Autre point, pas sans rapport : il!el, au-delà de leur compagnie, organisent des « Mariages arrangés ». L’alliance de l’un d’entre eux, il ou el, avec un artiste « nouvel arrivant » en Europe. Depuis 2020 il!el partagent un atelier  à Marseille, le boa, avec des artistes en exil, et forment des projets communs, qu’ils réalisent sur scène. A ce stade de la nuit en est un brûlant exemple.

Sempiternels naufrages

C’est avec le peintre kurde Mahmood Peshawa que Sophie Cattani dit, en une petite heure, d’un débit rapide et étonnamment clair, le texte intégral de Maylis de Kérangal. Un récit écrit en 2013 en quelques jours, juste après le naufrage du 3 novembre au large de Lampedusa. 366 morts, 155 rescapés ; des Erythréens et Soudanais pour la plupart, qui n’avaient jamais vu la mer, et dont on apprendra quelques jours plus tard qu’ils ont été, pour au moins 130 d’entre eux, enlevés, torturés et violés dans des camps Libyens, puis forcés au départ.  L’État italien leur refusera le deuil national, et placera en détention pour entrée illégale dans le territoire les 155 rescapés.

Une tragédie, dont on apprendra en 2017 qu’elle aurait dû être évitée, les autorités italiennes ayant été averties que le cargo prenait l’eau 5 heures avant qu’il ne sombre, mais refusant qu’un navire militaire italien, pourtant à proximité, leur porte secours.

Ces faits, l’ampleur du naufrage, sont au cœur du récit de Maylis de Kérangal, mais elle s’y laisse aller, par des associations d’idées, vers un sens plus général, historique, du naufrage européen. Car Di Lampedusa, c’est aussi le nom de l’auteur du Guépard, du visage de Burt Lancaster qui pleure la fin de son monde, d’une aristocratie décadente qui souffre de laisser la place à une bourgeoisie vulgaire, qui rétablira les mêmes systèmes d’oppression sur le peuple.

Un naufrage, qui en précédera un autre, celui de l’Europe qui n’en finit pas de sombrer parce qu’elle oublie ce qui l’a fondée : l’hospitalité, dernier mot du récit, dernier mot du spectacle.

Naissance des images

Sur scène, Sophie Cattani est assise à une table simple, comme dans sa cuisine, des morceaux de tasse brisés au sol, une autre, intacte, posée, qui viendra les rejoindre. Sur un écran toile les images du film de Visconti s’arrêtent, se zooment, se répètent, cadrant la tristesse, le mépris de classe, la grâce inutile de Claudia Cardinale et Alain Delon, le naufrage du bal final. Sophie Cattani rappelle la phrase de Delon « Il faut que tout change pour que rien ne change », recette pour que le conservatisme se perpétue, pour que les naufrages civilisationnels se succèdent sans que l’ordre social et les dominations ne cessent.

Alors Mahmood Peshawa se lève et sur la toile écran, tandis que Sophie Cattani continue de dire son impuissance, la solidarité des citoyens de Lampedusa, le nombre effarant des noyés, il dessine à grands coups de pinceau leurs visages. Une foule de traits qui coulent comme des larmes noires, et figurent des yeux, des bouches, tordus, qui fondent.  Ceux du naufrage de 2013 et de tous ceux qui, depuis, ont disparu en mer. Lampedusa n’a rien changé.

AGNÈS FRESCHEL

A ce stade de la nuit a été joué au Théâtre des Halles, Avignon, du 6 au 26 juillet

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