Pour approcher ce sujet délicat, la réalisatrice autrichienne choisit une chronique impressionniste sans pathos et presque sans larmes. Elle zoome le lointain, s’attarde en plans fixes sur le plus proche, capte ce qui chute, aspire, entraîne. Elle inscrit son récit dans le quotidien ordinaire de personnes ordinaires, le rythme de cuts au noir et l’ouvre à l’extraordinaire : une réincarnation, un temps suspendu, un soleil arrêté à son coucher, l’astre devenu carré comme un grand pixel de jeu vidéo ou un écran posé devant nos yeux.

Ella (Birgit Minichmayr) la quarantaine, vit seule avec ses deux filles, Jessie lycéenne de 17 ans (Carla Hüttermann) et Melli la petite sœur d’une dizaine d’années (Lotte Shirin Keiling). Le film s’ouvre par un plan séquence dans le couloir d’une station de transport. Ella téléphone, gère plusieurs problèmes à la fois. Les filles se chamaillent. Melli partage sa chambre avec Jessie dans le petit appartement berlinois et voudrait plus d’espace. D’autant que Lux (Tristan López), le copain de classe de Jessie se joint souvent à elles.

Après une fête agrémentée de prise de stupéfiants, Lux et Jessie se retrouvent sur le toit d’un immeuble. Jessie en tombe. Scène quasi inaugurale, magistralement filmée. On entend la conversation des jeunes gens comme s’ils étaient près de nous alors que la caméra les saisit de loin ; puis elle parcourt au plus près la façade et plonge en travelling sur les arbres au bas. Un oiseau s’élève dans le ciel. Jessie dit : « il faut regarder le soleil ».

On ne verra rien. Un point qui chute dont on se désolidarise pour retrouver le paysage. Une ellipse. Et la vie qui reprend dans un espace domestique plus grand pour Melli. Lux, au prénom de lumière, brûlé sans doute par la culpabilité, de plus en plus présent auprès d’Ella et de Melli. Le nouveau trio part en vacances estivales aux Canaries. Un projet d’avant le drame, réactualisé. Le voyage a déjà fait avec Jessie par le passé ?

De la Baltique à l’Océan et à la piscine qui le jouxte, des immeubles de la capitale allemande à la résidence touristique de Ténérife, de l’appartement exigu à la chambre d’hôtel, nous voilà embarqué·e·s dans un drôle de voyage comme invité·e·s dans un nouvel espace-temps instable où Jessie malgré sa disparition, est omniprésente. Cette instabilité s’inscrit au cœur du film, dans sa déroutante grammaire qui souligne l’énigme de la mémoire et de la mort. Le point de vue circule entre les personnages troublant les certitudes et la rationalité. La photo dirigée par Gregory Oke et l’interprétation de Birgit Minichmayr dans le rôle de la mère, servent avec brio, un anti-mélo sensible et bouleversant.

ÉLISE PADOVANI

Everytime de Sandra Wollner
En salles le 11 novembre

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Le lendemain, à 18h30, ce sera Les Jours d’après de Stéphanie Pillonca, avec Valérie Donzelli, Jalil Lespert et François Berléand, qui raconte le retour d’une femme dans son village natal pour vider la maison familiale. Avant-première suivie d’une rencontre avec la réalisatrice.

Le 17 à 18h30, Instinct de famille de Maurice Hermet : un dîner familial dans lequel un projet de parentalité fait ressurgir tensions et non-dits. Le réalisateur sera présent pour rencontrer les spectateurs à l’issue de la projection. Et à 21h15, Mon fils président de Mathias Mlekuz, avec Philippe Rebbot, autour d’une improbable quête des 500 parrainages nécessaires à une candidature présidentielle.

Enfin le 18, lors de la soirée de clôture, projection à 19h de Beaux Seigneurs de Maxime Roy, comédie de braquage portée notamment par Anthony Bajon et Olivier Gourmet, suivie d’une rencontre avec Ella Benoit, comédienne et co-scénariste du film.

Yolande Moreau à l’honneur

La soirée du lundi 16 rendra hommage à Yolande Moreau et à son univers singulier, poétique et profondément humain, avec la projection à 18 h 30 de Je ne me laisserai plus faire de Gustave Kervern, comédie grinçante dans laquelle une septuagénaire décide de régler ses comptes avec ceux qui ont marqué douloureusement son existence. Et à 21 h, Quand la mer monte coréalisé par Yolande Moreau et Gilles Porte en 2004, dans une version restaurée en 4K, qui raconte la rencontre tendre et décalée d’une comédienne en tournée dans le Nord de la France avec un porteur de géants.

MARC VOIRY

Festival La Comédie Humaine
Du 14 au 18 novembre
Les Lumières, Vitrolles

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Le festival rend aussi hommage à Heiny Srour, première réalisatrice arabe sélectionnée à Cannes en1974 avec son film sur la révolte du Dhofar. En 1971, la cinéaste et son équipe traversent 800 km de désert et de montagnes sous les bombardements de la Royal Air Force, pour atteindre la ligne de front. Un document unique sur une expérience sociale laïque, démocratique et féministe en terre arabe et musulmane.

La soirée d’ouverture accueille Les Fraises de Laïla Marrakchi, présenté à Cannes dans Un Certain Regard. Deux Marocaines saisonnières dans les serres andalouses s’y révoltent contre l’exploitation. Le festival se referme avec Les Filles d’Abraham de Hanaël El Yousfi, histoire d’amitié entre une jeune musulmane et une jeune juive, après la remise des prix France 24 et Jeunes-Nouveau Regard.

Monténégro, Corse, Marseille…

Entre les deux, une programmation foisonnante. To Hold a Mountain suit une bergère monténégrine qui défend sa montagne contre un projet de terrain d’entraînement de l’Otan. Fatna, une femme nommée Rachid retrace le combat d’une ancienne détenue marocaine. Sainte Julie – La banalité du mâle interroge les violences faites aux femmes en Corse après un féminicide. Between Dreams and Hope, de l’Iranienne Farnoosh Samadi, suit un homme trans et sa compagne qui se rendent dans un village reculé pour affronter le père de celui-ci. 

Le Vol de la cigogne, Mater Insula et Outliving Shakespeare abordent la transmission, la maternité et le temps qui passe. Anna évoque Anna Magnani, tandis que Les Filles désir de Prïncia Car, remarqué à la Quinzaine des cinéastes, porte un regard marseillais sur la masculinité et que Maysoon suit une archéologue égyptienne exilée à Berlin. Des films d’écoles et des portraits de femmes complètent la sélection.

Le festival est aussi un lieu de réflexion et de formation : leçon de cinéma de la réalisatrice et scénariste Marcia Romano, table ronde sur les regards des réalisatrices et cheffes opératrices, masterclass sur le cinéma et l’IA se succèderont. Cette année, Le Zef (14^e), l’École de la 2e Chance (15^e) et le Chambord (8^e) rejoignent les salles de projection habituelles.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Films Femmes Méditerranée
Du 5 au 13 novembre
Divers lieux, Marseille

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Cette année, viennent du Maroc Brahim Fritah et Mohamed Nadif, d’Algérie Hassen Ferhani ou encore du Tchad Haroun Mahamet-Saleh. Notons qu’une seule femme cinéaste est présente cette année, avec la Tunisienne Leyla Bouzid, dont on pourra découvrir le dernier film, À voix basse – en compétition à la Berlinale 2026 [(https://journalzebuline.fr/a-voix-basse/]. On retrouvera aussi la cinéaste tunisienne pour la table ronde « féminisme, orientation sexuelle et transidentité » en compagnie de Mohamed Nadif, Tahar Chikhaoui et Antoine Bonfili Caïozzi. Et aussi un marathon vidéo, une exposition, de Brahim Fritah : autour de la fabrication du court métrage, Signature

Après le buffet d’ouverture le 6 novembre, Mahamat-Saleh Haroun présentera Soumsoum, la nuit des astres, la quête initiatique d’une jeune femme qui tente de se libérer de l’emprise du passé et des préjugés. Le lendemain à 10h 30,  il  animera une master class. Parmi tous les films proposés, il ne faut pas louper Marie Madeleine (https://journalzebuline.fr/marie-madeleine-de-gessica-geneus-la-societe-haitienne-au-prisme-de-la-foi/) de l’Haitienne Gessica Généus, un film qui confronte sans cesse Dieu au Diable, le païen au sacré, la sorcellerie à la religion… À découvrir aussi, L’Arabe de Malek Bensmail,librement adapté du roman, Meursault, contre-enquête, de Kamel Daoud, ou le premier long métrage de la Kenyane Vincho Nchogu, One Woman One Bra, qui suit la résistance d’une femme massaï.

Pour la clôture, le mardi 10 novembre, le festival présente Congo Boy de Rafiki Fariala, qui suit la success story d’un jeune réfugié congolais en Centrafrique, malgré la guerre et l’exil. Un film optimiste, de bon ton pour terminer cette parenthèse africaine dans le Luberon. 

ANNIE GAVA

Festival des cinémas d’Afrique
Du 6 au 10 novembre
Apt et alentours 

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 « Je ne voulais pas faire un film militant ou historique sur la fermeture des écoles rurales. Ce sujet est présent, évidemment, mais ce qui m’intéressait avant tout, c’était le regard des enfants » précise Pascal Plisson qui a choisi de racontercette histoire à hauteur d’enfant. Au fil des saisons, on voit donc, les huit élèves dans la classe faire des exposés sur le métier de charpentier, sur les animaux de la ferme, sur les abeilles, les tenues traditionnelles ; à l’extérieur, visiter une ferme, entendre la professeure lire une histoire après une marche en montagne… Chacun.e est suivi.e individuellement par Sylvie Mercier selon son niveau et l’entraide entre les enfants participe aux progrès de chacun. Pas d’ordinateurs à l’écran. Réalité ou choix du cinéaste de ne pas les filmer ? On se souvient que cette question s’était posée à propos du film de Nicolas Philibert, Être et avoir.  « Ils n’ont pratiquement pas de téléphones portables, regardent très peu la télévision et vivent dehors en permanence. Résultat : ce sont des enfants qui connaissent parfaitement la montagne, les animaux, les saisons. Ils font du ski, du biathlon, passent leur temps dans la nature » précise le cinéaste ; il les a vus vivre, ayant passé six mois sur place, sans caméra, avant de commencer le tournage qui a duré environ 80 jours, réalisé à deux seulement : Simon Watel, le chef opérateur à la caméra et Pascal Plisson au son, pour devenir « invisibles »   et capter tout ce qui se passait.  C’est réussi : le plus souvent tous semblent oublier qu’ils sont filmés et on s’attache à eux, en particulier au petit Guerlain qui est « craquant » Un documentaire qui réconciliera avec l’école ceux et celles qui sont faché.e.s et donnera à tous l’envie d’y retourner.

Annie Gava

Ma toute petite école sort en salles le 4 novembre

© Jour2fête

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Malgré cette incroyable conjonction de difficultés, le public fidèle au rendez-vous a patienté dans de longues files d’attente, parfois sous les parapluies. Un public qui a ovationné l’équipe au moment de la dernière projection, en avant-première, de 7h40 ce matin-là, de Nicole Garcia. Qui a malheureusement annulé sa venue en raison du changement d’horaire et du mouvement social. Un film réussi grâce à sa mise en scène, à l’interprétation des acteur·ices, en particulier Marion Cotillard et Théodore Pellerin et à la musique d’Amine Bouhafa.

Le Jury de la compétition longs métrages a dû choisir son Antigone d’Or parmi les films d’une compétition d’une très grande qualité : il l’a attribuée à Dua ((https://journalzebuline.fr/cinemed-dua-de-blerta-basholli-une-adolescence-dans-la-guerre/), le beau film de la réalisatrice kosovare, Blerta Basholli qui suit une jeunesse en pleine tourmente dans la guerre. Chronicles from the Siege d’Abdallah Al-Khatib a obtenu le Prix de la Critique. La fiction chorale, divisée en cinq récits, est inspirée par le vécu du réalisateur dans le camp de réfugiés de Yarmouk, mais aussi par ce que vivent les Palestiniens depuis de nombreuses années. 

Jeunes et vieilles, we matter

La jeunesse qui se bat, comme un écho à notre actualité, était très présente sur les écrans. Dans I Matter. We Matter. Ne l’oubliez jamais !  de la réalisatrice rom Alina Serban, inspiré par sa propre histoire, Rebecca (Denisa Farcaș), élevée dans un foyer à Bucarest, attend avec impatience la sortie de prison de son père (Sorin Mihai). Elle a réussi le concours d’entrée dans une grande école d’art dramatique et a du mal à assumer sa condition, face à des jeunes qui ont plus de chance qu’elle dans la vie ; elle va se battre pour accepter et revendiquer fièrement son identité rom. Un film très touchant qui a remporté le Prix des Activités sociales de l’énergie.  

Inspiré aussi par ce qu’il a vécu avec sa compagne, Rami Kodeih raconte dans son film Furies, qui représentera le Liban aux Oscars 2027, le braquage audacieux d’une banque par deux sœurs dont l’une doit se faire opérer rapidement d’un cancer de l’utérus. Pour cela, il faut de l’argent, à un moment, octobre 2019, où le système bancaire gèle les comptes courants et bloque l’accès des citoyens à leurs propres économies. Un thriller de braquage, plein de rebondissements, habilement mis en scène, et superbement interprété par le duo d’actrices, Rym Mroue et Maria Nakouzi.

Le dernier film autorisé par la Préfecture, le 24 octobre avant 14 h, résonnait avec la situation politique : dans Mon fils président Mathias Mlekuz suit la quête de son fils cadet, Manolo, âgé de 19 ans qui veut se présenter à l’élection présidentielle et doit donc récolter les 500 parrainages d’élus : il a raté son permis et c’est donc avec, son père, son frère Josef, l’ami de toujours Philippe Rebbot sans oublier le chien Lucky, qu’il parcourt en fourgon l’Est de la France. À la fois road movie, odyssée familiale, captation de l’atmosphère politique des petites communes, le film de Mathias Mlekuz a suscité de nombreuses questions sur la frontière entre fiction et documentaire. Notamment celles de Dominique Cabrera dont le dernier film, Des femmes comme les autres, une fiction émouvante inspirée par le réel, s’attache à rendre visibles deux vieilles dames montpelliéraines, transfigurées par Hélène Vincent et l’incroyable Yolande Moreau. 

ANNIE GAVA

Le festival Cinemed s’est tenu à Montpellier du 16 au 24 octobre

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Issu d’une série parue d’abord en bande dessinée puis en dessins animés télévisuels, le passage au long format sur grand écran est plus qu’une réussite. Il y a comme un côté myiazakien dans le récit écrit à hauteur d’enfants, le réalisme des décors de la capitale algérienne (la Casbah, Bab-El-Oued, la ville européenne) ainsi que dans le dessin des personnages, les grands yeux des enfants notamment. 

La touche singulière, avec des traits continus pour les personnages, discontinus pour les accessoires, confère au film des vibrations positives alors que les échos de la guerre d’indépendance s’amplifient. Les subtilités de l’animation, du récit et des dialogues, permettent aux autrices et au réalisateur de donner à saisir les fractures d’une société coloniale qui imprègnent jusqu’à l’innocence enfantine, mise à mal par ces dernières.

Une décolonisation des imaginaires est à l’œuvre dans ce film d’une grande tendresse, aux échos intergénérationnels, et qui donne une belle place aux militantes de l’indépendance. Un antidote puissant au nostalgérisme, qui peut éclairer les garçons et les filles marqué·es par cette histoire, longtemps censurée, qui est aussi une histoire française. 

LAURENT DUSSUTOUR

Petite Casbah
Sorti le 14 octobre

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Goia (Valéria Golino) la cinquantaine, aux tenues strictes et vieillottes, vit toujours chez ses parents, entre un père muet souffrant de la maladie d’Alzheimer et une mère, Gisella (Betti Pedrazzi) qui contrôle tout. Pour s’échapper de cette prison familiale, son travail d’enseignante de français et ses lapins. 

Dans son cours depuis un mois, un jeune homme, Alessio (Saul Nanni) qui, fuyant le cours où il s’ennuie, se blesse à la cheville. Goia le raccompagne en voiture, troublée par un geste et un regard. Elle accepte de lui donner les cours particuliers qu’il est venu lui demander débarquant chez elle. Peu à peu, ce jeune, beau comme un dieu – on pense au Tadzio de Mort à Venise – va bouleverser sa vie : il lui fait mettre du rouge à lèvres, lui avoue qu’il se travestit, lui parle de son père, la fait danser. 

Le Lingotto pour décors 

Alessio est habitué depuis l’enfance à se faire exploiter par Cosimo (Francesco Colella), l’ami de sa mère, qui le vend à des hommes aux désirs troubles. L’argent ainsi gagné sert à satisfaire les caprices de sa mère Carla (Jasmine Trinca), 38 ans qui le voit comme son « chef d’œuvre » mais n’hésite pas à le presser comme un citron. Alessio séduit et manipule, les seules choses qu’on lui a appris à faire. Goia est la première qui s’occupe de lui, l’écoute, lui fait des lectures de textes en français, lui fait prendre conscience qu’il pourrait faire autre chose. Il propose à Goia de l’emmener à Monte Carlo où il veut monter une affaire. Il lui manque 220 000 euros… et Gioia a pas mal d’économies de côté.

 « Gioia et Alessio sont deux personnages fruits de notre imagination transférée cinématographiquement, pour donner corps au sentiment de solitude, d’isolement et de vide qui caractérise le temps présent », précise Nicolangelo Gelormini. Cette fable sombre, d’où émergent des moments de lumière, des séquences surréalistes comme le baiser dans un arbre, Goia suspendue par les lèvres, nous laisse effectivement un goût amer. 

Valéria Golino interprète avec beaucoup d’intensité cette femme qui sort de son cocon, et Saul Nanni, au visage d’ange, ce jeune déjà brisé par la vie. Le directeur de la photo Gianlucca Rocco Palma filme avec talent aussi bien les visages que les fêtes débridées auxquelles Alessio participe, sans oublier les superbes vues du Lingotto de Turin.

ANNIE GAVA

La Tentazione, de Nicolangelo Gelormini
En salles le 28 octobre

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Rendre compte de l’emprise paternelle : telle est la réussite de Júlia de Paz Solvas. La mise en scène d’une violence latente, jamais vraiment explicite, permet de créer la tension et donc, l’acceptation du sujet par le spectateur qui se lie d’affection pour la jeune fille. Difficile de rester insensible au sort de Carmela (Kiara Arancibia), victime de l’indifférence ou du chantage de son père, qui connaît un essor de sa renommée et qu’il entend bien accroître. Carmela, prise en étau, face à des adultes qui ne l’écoutent pas ou qui l’écoutent seulement pour profiter de sa vulnérabilité, doit porter des responsabilités qui la dépassent. Elle cristallise les contradictions de l’aide sociale à l’enfance dont la mission oscille entre indispensable protection et nécessaire construction de l’enfant. Se pose également la question de se définir toujours socialement, au-delà de l’identification nominative, comme « la fille de… » : d’un père violent ? d’un père absent ? 

Solidarité de la jeunesse

Le film ne se résume pas à ce tableau intime, et porte un message politique. Paul Klee disait que « l’art ne reproduit pas le visible, il rend visible ». Un Cœur Fidèle s’inscrit dans cette démarche en donnant à voir une jeunesse oubliée du débat public. Abandonnée à son propre sort, l’enfant qui souffre est incapable de faire porter sa voix dans l’espace public. Si, Fjord, réalisé par Cristian Mungiu et Palme d’Or à Cannes en 2026, montre la douleur de parents roumains immigrés en Norvège dont les enfants sont retirés après des suspicions de violence, un Cœur Fidèle place l’enfant au centre du récit, soumise aux préoccupations égotiques des adultes : seule l’amitié apparait comme une voie de libération.

Le film dessine une jeunesse qui se serre les coudes pour résister à la culpabilisation et au double conditionnement imposé aux jeunes et aux femmes. Rapportée dans l’actualité, il semblerait que ce soit cette même solidarité, qui aujourd’hui, en dehors des salles de cinéma et partout en Europe, porte la mobilisation des jeunes pour l’amélioration de leurs conditions de vie !

ZAKARY PASSERON

Étudiant à Sciences Po Aix 
Cœur Fidèle, de Júlia de Paz Solvas
En salles le 23 décembre

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Rarement l’enseignement aura, lui aussi, été si bien filmé. Le plein air, la marche et la contemplation bouleversent la grammaire habituelle du champ-contrechamp et la répartition du pouvoir entre sachants et apprenants. On pense notamment à Laurent Cantet, à son attention unique aux tensions du groupe. L’écriture de Marine Atlan et Anne Brouillet fait tenir ensemble la liberté des échanges et la progression tragique. Les interprètes en révèlent chaque nuance : chez Colas Quignard, la bravade protège mal la détresse ; Suzanne Gerin la parole certes articulée peine à rencontrer celle des autres.

Promesses trahies

La promesse d’émancipation de ce lycée se heurte à la brutalité du tri de Parcoursup. Les dominations traversent aussi le groupe. James délaisse Angela – radieuse Hadya Fofana –, arguant qu’ils n’ont « pas grand-chose à se dire » : la rencontre, banale pour lui, était rare pour elle. Mitia Capellier-Audat rend glaçante la facilité avec laquelle James se dérobe. Et la distance entre le milieu d’origine du jeune garçon – aisé – et celui de la jeune fille – nettement moins – d’autant plus perceptible. 

À Naples et Pompéi, où la pulsion vie côtoie sans cesse le spectre de la mort, l’histoire collective rencontre les récits familiaux. Parti retrouver d’illustres ancêtres napolitains, Toni se heurte à la violence de non-dits qui ont façonné son mal-être. L’immigration se raconte dans cet écart entre les origines rêvées et ce qui n’a pu se transmettre. La conclusion bouleverse : quelque chose n’a pas été vu à temps. Quelque chose de cette jeunesse semble la vouer à un sacrifice certain. Reste pourtant l’espoir d’une écoute, d’un regard… et d’un cinéma capable de les prolonger.

SUZANNE CANESSA

La Gradiva, de Marine Atlan
En salles depuis le 21 octobre

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