Cette scène qui ouvre le film ne sera ni commentée, ni racontée par la victime, Sara. Le crime reste entre elle et nous. On partage ainsi sa lancinante douleur et bientôt son terrible secret, caché sous ses vêtements trop amples. Une tension qui monte crescendo sur les quelques jours que dure l’action.

Autour de la jeune fille, de plus en plus absente, le monde continue de tourner. Sa famille- on ne peut plus « normale », met sa boulimie, son humeur changeante, mélancolique et taciturne, son état de zombie, sur le compte de l’adolescence. Au lycée, ses camarades de classe – dont ses violeurs, sont odieux. Bêtes et méchants. Entre eux. Et avec leurs enseignants, largement débordés. Une meute sauvage qu’un voyage scolaire de fin d’année, de Macédoine en Grèce, révèle dans toute son horreur. Personnages à peine croyables dans leur méchanceté : Filip (Dame Joveski), un des agresseurs, manipulateur et menaçant. Ou Nina (Eva Stojchevska) la bimbo populaire harceleuse et méprisante.

Sobre et éprouvant

Sara n’est plus avec eux. Regard distancé sur les jeux de prédation des plus forts sur les plus fragiles. Isolée sur des arrière-plans floutés. Récalcitrante aux approches d’un des rares garçons de la classe n’affichant pas une virilité toxique, ou à celles de la timide Lina (Martina Danilovska), en quête d’intégration. Lina subit ce que Sara a subi avant elle, dans une scène sidérante, où tandis qu’elle est agressée, les autres continuent à boire, fumer et jouer aux jeux vidéo. Comme si rien ne se passait, ou pire, comme si c’était normal.

Sara et Lina se rapprocheront alors, unies par l’omerta.

La caméra à l’épaule se colle à Sara. Son visage aux traits encore enfantins occupe tout l’écran. Pour faire lire à livre ouvert l’intériorité du personnage qu’elle incarne, la jeune actrice Eva Kostić livre ici une performance des plus convaincantes.

17 est un film sobre, efficace, parfois éprouvant. Un film choc qui hurle en silence comme sa protagoniste, cette lycéenne macédonienne de 17 ans, appartenant à la classe moyenne, bien intégrée, aimée de ses parents, qui n’aurait jamais dû figurer dans un fait divers.

ELISE PADOVANI

17 de Kosara Mitić/ Prochainement en salle

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Dédiè à Elizabeth, Les Immortelles, baigné de chansons, celles des Rita Mitsouko et de musique, celle de Calypso Valois,  est né d’une amitié. « Le point de départ, c’est le souvenir d’une amitié adolescente très forte et de la disparition de cette grande amie à 17 ans. Le film vient de là, du désir de lui rendre hommage et de rendre hommage à notre amitié. » précise Caroline Deruas Peano.  Léna Garrel et Louiza Aura interprètent avec conviction et talent ces deux adolescentes qui se sentent immortelles.

Annie Gava

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Pour son premier long métrage, le jeune réalisateur Yaonan LIU de 39 ans, a fait appel à des acteurs non professionnels castés dans les villages urbains du district du Grand Phuket au sud de la Chine. Une zone restructurée par le plan de reconstruction gouvernemental. Des barres d’immeubles, des ilots de maisons villageoises au confort sommaire, un lycée tout neuf, des terrains vagues, des champs de ruines d’habitations récemment détruites, un plan d’eau pollué : un chaos dans lequel Li Xing un adolescent de 14 ans, cherche ses marques. Conflits avec sa mère et son beau-père, des gens du peuple « sans instruction et peu entreprenants » comme ils se définissent eux-mêmes et qui refusent l’expropriation. Incidents à l’école où Li Ying dort en cours, introduit des portables interdits et se bagarre avec les « caïds » du campus.

Li Xing a l’âge des émois amoureux : son cœur bat pour la brillante jeune fille qui anime la radio du lycée. Li a l’âge ingrat et la peau acnéique. Li est un effronté. Lointain cousin du Doisnel des 400 coups dans lesquels il entraîne son ami Song Yang, plus timoré, issu d’un milieu « bourgeois » et dont la mère suscite ses fantasmes érotiques.

Li et Song ont trouvé l’entrée d’un tunnel où ils se réfugient souvent. Là, les pierres ont enregistré les sons du passé et le souterrain conduit à une usine désaffectée interdite au public. Song y frôlera la mort et Li, miné par la culpabilité et la détresse verra cet abri s’écrouler au sens propre et figuré. Le quartier en voie de destruction, va de pair avec Li, comme lui en devenir et à reconstruire. Et le boyau où il s’enterre, archéologie d’un passé industriel récent, renvoie à l’idée de digestion et de gestation.

Le film volontairement elliptique, juxtapose scènes réalistes et scènes oniriques. Rêves ou cauchemars se traduisent en images d’animation sans rupture avec le prosaïsme documentaire. Parfois ce prosaïsme-là se fait collage surréaliste :  des poissons sèchent suspendus à un fil, au balcon de la maison paysanne, tandis que l’arrière-plan se hérisse de tours au milieu des gravats.

Le monde adolescent n’est pas rationnel, dit Yaonan LIU, il obéit aux émotions, crée ses trompe l’œil, s’entiche de ses illusions.

Comme souvent pour un premier film, Le Grand Phuket puise dans la vie de son réalisateur, dans sa nostalgie  » d’un lieu sale et désordonné « , de cette  » ville éphémère prise en étau entre deux époques « , à l’instar de toute adolescence. Il rend aussi hommage aux adultes, à leur faculté d’adaptation et à leur énergie pour reconstruire une vie sur les ruines du monde ancien.

ELISE PADOVANI

Le Grand Phuket de Yaonan LIU

En salle le 4 février

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 Les plans de son voyage à travers des contrées désertiques sont superbes tout comme son visage filmé comme un paysage.  Les séquences de pêches, telles des plans documentaires sont annoncées dès le début du film par un étonnant tableau vu du ciel : une baleine morte sur la plage autour de laquelle des hommes s’affairent. Pour son premier long métrage, Philip Yuryev a choisi de travailler avec deux jeunes acteurs non professionnels, repérés dans un orphelinat de la région de Tchoukotka, qui ont su rendre sensibles les interrogations de ces adolescents. « L’adolescence est un moment où l’on traverse des sentiments comme la solitude ou la tristesse, où l’on cherche sa place. Le thème du premier amour nous permet de nous identifier au personnage, car il est universel. À mon sens, ce n’est pas un film sur la région de Tchoukotka, ce n’est même pas un film « russe » : c’est avant tout un film sur l’adolescence, que tout le monde peut comprendre.

Un premier long métrage prometteur qui nous invite  à décaler un peu notre regard.

Annie Gava

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Un garçon étrange

C’est le trajet de ce garçon étrange, tiraillé entre ses pulsions et son désir de pureté que nous fait suivre George Sikharulidze. Un jeune homme fragile qui se sent lâché par sa mère, puis par son père qui quitte la maison pour le monastère. Un jeune homme à qui son père a dit « Dieu te voit, il est partout », obligé donc de vivre honteusement ses pulsions et ses désirs. Regardant une vidéo qui l’excite, il retourne l’icône de Jésus ornant le mur de l’autel de l’appartement pour se masturber. Un jeune homme suivi de près par la caméra du chef opérateur roumain Oleg Mutu qui ne le lâche pas, nous donnant à voir le monde par ses yeux. Data Chachua dont c’est le premier rôle au cinéma a su rendre avec talent l’évolution de ce garçon dont on va découvrir peu à peu les failles et la force.

Panopticon interroge, à travers ses personnages, la Géorgie d’aujourd’hui : les stéréotypes masculins et féminins -la Vierge, la Mère et la Putain-les pères défaillants. Il pointe  la mainmise de la religion, la tentation pour certains jeunes de rejoindre les nationalistes d’extrême- droite qui voudraient chasser tous les immigrés en particulier les Arabes.

Un premier film, inspiré en partie à George Sikharulidze par sa propre adolescence, un moment où il se cherchait, un moment décisif pour chacun. Tout comme Les 400 coups pour François Truffaut dont on voit le générique, un clin d’œil du cinéaste géorgien à un film français qu’il a vu à 20 ans et qui l’a beaucoup marqué.

Panopticon est un film âpre, fort, dont les images, en particulier le visage de ce jeune homme particulier, reste longtemps en mémoire.

 Annie Gava

© Les Alchimistes

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La relation qu’entame Sandro avec la mère de son ami, ambiguë, entre amour et relation maternelle donne lieu à des shampoings et lavages de tête, érotisés, peu vus au cinéma qui nous rappellent ceux du Mari de la Coiffeuse de Patrice Leconte. On découvre que Sandro a une petite amie, Tina (Salome Gelenidze), une jeune femme d’aujourd’hui, libre qui voudrait bien faire l’amour avec lui. Mais ce jeune homme, sous le regard constant de Dieu qui voit tout, veut rester pur jusqu’au mariage. Pour lui, Tina ferait des propositions perverses…

C’est le trajet de ce garçon étrange, tiraillé entre ses pulsions et son désir de pureté que nous fait suivre George Sikharulidze.Un jeune homme fragile qui se sent lâché par sa mère, puis par son père qui quitte la maison pour le monastère. Un jeune homme à qui son père a dit « Dieu te voit, il est partout », obligé donc de vivre honteusement ses pulsions et ses désirs.

Regardant une vidéo qui l’excite, il retourne l’icône de Jésus ornant le mur de l’autel de l’appartement pour se masturber. Un jeune homme qui, entrainé par Lasha, rejoint un groupe de racistes violents. Un jeune homme suivi de près par la caméra du chef opérateur roumain Oleg Mutu qui ne le lâche pas, nous donnant à voir le monde par ses yeux. Data Chachua dont c’est le premier rôle au cinéma a su rendre avec talent l’évolution de ce garçon dont on va découvrir peu à peu les failles et la force.

Panopticon interroge, à travers ses personnages, la Géorgie d’aujourd’hui : les stéréotypes masculins et féminins – la Vierge, la Mère et la Putain – les pères défaillants. Il pointe la mainmise de la religion, la tentation pour certains jeunes de rejoindre les nationalistes d’extrême droite qui voudraient chasser tous les immigrés en particulier les Arabes.

Un premier film, inspiré en partie à George Sikharulidze par sa propre adolescence, un moment où il se cherchait, un moment décisif pour chacun. Tout comme Les 400 coups pour François Truffaut dont on voit le générique, un clin d’œil du cinéaste géorgien à un film français qu’il a vu à 20 ans et qui l’a beaucoup marqué.

Panopticon est un film âpre, fort, dont les images, en particulier le visage de ce jeune homme particulier, reste longtemps en mémoire.

ANNIE GAVA

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Carole Errante. En 2022, la Maison Antoine Vitez [Centre international de la traduction théâtrale, ndlr] m’a proposé de créer une lecture d’une deuxième pièce de Lachlan Philpott, en partenariat avec le Théâtre Joliette. Suite à cela, nous avons été invitées à nous produire dans le cadre d’Avant le Soir, un festival d’été que la mairie des 1^er et 7^e arrondissements de Marseille produit dans les parcs. Mais il fallait que le spectacle soit tous publics, alors que la pièce est assez crue, et dans une version assez courte. On a donc créé L’Aire Poids-Lourd [Voir notre critique ici, ndlr] « light », composée d’extraits et d’insert de paroles de jeunes que nous avons rencontrés dans le cadre d’une résidence au centre social Jean-Paul Coste. C’est en parlant avec ces jeunes, en me rendant compte de la manière dont le texte résonnait avec leurs interrogations et leurs difficultés, que le désir de monter la pièce dans son intégralité est né. 

C’est une pièce qui s’adresse directement aux adolescents ? 

Je voyais la nécessité d’aborder ces problématiques : l’éveil à la sexualité des jeunes à l’ère des réseaux sociaux, les représentations de plus en plus genrées qu’ils ont et la manière dont ils se construisent avec l’accès au porno. Mais la pièce confronte aussi les adultes aux choses que peuvent vivre, faire ou dire leurs enfants, et à côté desquelles ils peuvent passer. Cela peut créer un vrai choc des générations, notamment par rapport à la crudité du langage utilisé, qui choque le public plus âgé alors que les jeunes s’y retrouvent. 

« Je voyais la nécessité d’aborder ces problématiques »

Les protagonistes sont des adolescentes, et il n’y a pas de personnages masculins. C’est intéressant qu’un homme écrive une telle pièce.  

Son écriture n’est pas genrée, il n’est pas tendre avec les hommes, qui existent par leur absence. Mais chez Lachlan, il n’y a jamais de morale ni de condamnation. Il laisse un trouble que j’aime beaucoup mais qui peut aussi choquer, car il ne nous dit pas quoi penser de ces adolescentes de 14 ans qui revendiquent leur droit à s’autosexualiser. Cette notion de trouble est au cœur de mon travail, parce qu’elle permet d’appréhender la complexité de chacun et de sortir de représentations figées qui nous amenuisent dans notre définition d’humains. C’est à la fois un enjeu artistique et un outil.

Donc cela offre une certaine liberté ? 

Venant de la danse, j’aborde le plateau d’abord par le corps. Pour moi l’écriture de Lachlan est un bijou à travailler car ce n’est que de la rythmique, il n’y a pas de psychologie. Cela me permet vraiment de travailler à mon endroit. 

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR CHLOÉ MACAIRE 

L’Aire poids-lourds a été créé au Théâtre Vitez (Aix en Provence) les 16 et 17 janvier et au Chêne noir (Avignon)  les 24 et 25 janvier

À venir  
Du 4 au 8 février
Théâtre Joliette, Marseille
Du 1er au 3 avril
Scène nationale de Châteauvallon

Retrouvez nos articles Scènes ici

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C’est lui qui intégrera à la bande d’adolescents désœuvrés, prompts à aller bastonner une quatrième « créature », chétive et « puante » Balli (Áskell Einar Pálmason), jusqu’alors victime résignée de leur harcèlement quotidien et de leur brutalité. Balli survit, dans un taudis, quasi abandonné. Son beau-père Svenni (Ólafur Darri Ólafsso ) véritable ogre incestueux et violent est sur le point de sortir de prison. Sa mère junkie (Ísgerður Elfa Gunnarsdóttir) et sa grande sœur, la plupart du temps, s’absentent du « foyer ». Et les péripéties s’enchaîneront pour le pire et le meilleur.

Les Belles Créatures de Guðmundur Arnar Guðmundsson a quelque chose du conte,  habité des visions prémonitoires de Danni, héritier, bien malgré lui, des pouvoirs maternels de médium, au pays des sagas légendaires et guerrières. Pays-paysage autour de Reykjavik, qui,  s’il n’est pas au premier plan ici, apparaît par moments, dans la beauté âpre et chaotique de l’été islandais. C’est aussi un film social sur la déliquescence des familles, la perte des repères, et des pères absents ou toxiques, sur la représentation mortifère de la masculinité et la défaillance des services de protection. C’est encore un film d’apprentissage qui met en scène très finement les rapports de force et de faiblesse dans un groupe, la logique solidaire de la meute contre d’autres meutes, l’allégeance au plus fort, au plus fou, les prises de risque insensées propres à l’adolescence, le jeu de rôles entre les individus marqués chacun par leur trauma, et traînant leur boulet de souffrances et de peurs. Car la violence n’est pas « gratuite » : elle est rançon à payer pour d’autres violences dans un enchaînement fatal.

Mais Les Belles Créatures, c’est surtout un film qui ne nous conduit jamais vraiment où on croyait aller. Du naturalisme à l’onirisme, de la cruauté à la tendresse, de la haine à l’amitié, d’un tunnel où on se cache des loups qui guettent les tout petits Poucet à un pont qui enjambe les rives et relie les amis. Qui nous plonge, caméra à l’épaule, en immersion dans les rixes, les viols, les agressions, les orgies, les hallucinations. Qui nous renvoie en pleine poitrine, une violence oppressante, parfois à la limite du supportable. Mais capte, inattendus les gestes de tendresse, de fraternité, de fragilité. Qui nous perche avec les garçons sur les toits dans un vertige anticipant à tout moment la chute et nous happe dans le drame par une mise en scène, un casting et une direction d’acteurs impeccables.

« Le tournage était comme une danse entre le chef opérateur, les jeunes et moi, Sturla Brandth Grøvlen, notre directeur de la photographie, est génial pour sa manière de lire une scène et d’interagir avec l’acteur. Son travail est magique », dit le réalisateur.

En 123 minutes qu’on ne voit pas passer, le film Les Belles créatures redonne à un titre qui s’appréhende au premier abord comme ironique, son sens littéral.

ÉLISE PADOVANI

Les Belles Créatures, de Guðmundur Arnar Guðmundsson 

En salles le 25 septembre

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