Pour son premier long métrage, le jeune réalisateur Yaonan LIU de 39 ans, a fait appel à des acteurs non professionnels castés dans les villages urbains du district du Grand Phuket au sud de la Chine. Une zone restructurée par le plan de reconstruction gouvernemental. Des barres d’immeubles, des ilots de maisons villageoises au confort sommaire, un lycée tout neuf, des terrains vagues, des champs de ruines d’habitations récemment détruites, un plan d’eau pollué : un chaos dans lequel Li Xing un adolescent de 14 ans, cherche ses marques. Conflits avec sa mère et son beau-père, des gens du peuple « sans instruction et peu entreprenants » comme ils se définissent eux-mêmes et qui refusent l’expropriation. Incidents à l’école où Li Ying dort en cours, introduit des portables interdits et se bagarre avec les « caïds » du campus.

Li Xing a l’âge des émois amoureux : son cœur bat pour la brillante jeune fille qui anime la radio du lycée. Li a l’âge ingrat et la peau acnéique. Li est un effronté. Lointain cousin du Doisnel des 400 coups dans lesquels il entraîne son ami Song Yang, plus timoré, issu d’un milieu « bourgeois » et dont la mère suscite ses fantasmes érotiques.

Li et Song ont trouvé l’entrée d’un tunnel où ils se réfugient souvent. Là, les pierres ont enregistré les sons du passé et le souterrain conduit à une usine désaffectée interdite au public. Song y frôlera la mort et Li, miné par la culpabilité et la détresse verra cet abri s’écrouler au sens propre et figuré. Le quartier en voie de destruction, va de pair avec Li, comme lui en devenir et à reconstruire. Et le boyau où il s’enterre, archéologie d’un passé industriel récent, renvoie à l’idée de digestion et de gestation.

Le film volontairement elliptique, juxtapose scènes réalistes et scènes oniriques. Rêves ou cauchemars se traduisent en images d’animation sans rupture avec le prosaïsme documentaire. Parfois ce prosaïsme-là se fait collage surréaliste :  des poissons sèchent suspendus à un fil, au balcon de la maison paysanne, tandis que l’arrière-plan se hérisse de tours au milieu des gravats.

Le monde adolescent n’est pas rationnel, dit Yaonan LIU, il obéit aux émotions, crée ses trompe l’œil, s’entiche de ses illusions.

Comme souvent pour un premier film, Le Grand Phuket puise dans la vie de son réalisateur, dans sa nostalgie  » d’un lieu sale et désordonné « , de cette  » ville éphémère prise en étau entre deux époques « , à l’instar de toute adolescence. Il rend aussi hommage aux adultes, à leur faculté d’adaptation et à leur énergie pour reconstruire une vie sur les ruines du monde ancien.

ELISE PADOVANI

Le Grand Phuket de Yaonan LIU

En salle le 4 février

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Loin des espoirs postcoloniaux, le pays gangréné par la corruption, s’est enlisé dans la violence, l’arbitraire. Les partis avides de pouvoir, prêts à tout pour le garder, pillent pour leur seul profit, les richesses naturelles de l’Île Rouge. Le rouge de ses roches mises à nu par la déforestation, qui a valu à Madagascar cette désignation, est aussi celui du sang versé par ses enfants.

Les infos crachotées à la vieille radio de la mère disent l’instabilité sociale, les manifestations, le chômage, la colère des Jeunes, la répression. Kwame n’est pas un héros. Il ressent le désenchantement de sa génération et pense que les luttes n’ont servi à rien. Quel choix faire quand on a 20 ans et que ce n’est pas le plus bel âge de la vie ? Accepter sa condition en silence ? Se compromettre dans les trafics lucratifs comme son ami d’enfance le lui propose ?

Il veut connaître l’histoire de son père, qu’on lui a cachée. Comprendre cet inconnu, militant, musicien, à travers le témoignage de ses amis et ses enregistrements. Approché par un syndicaliste du port où il travaille comme journalier, Kwame va non seulement retrouver le lieu où ce père a été enterré mais se trouver lui-même.

Conte politique

Plans fixes, lumière vive sculptant la beauté des décors – photogénie des ports, des marchés, des rues colorées, du feuillage des grands arbres. Ou nocturne inquiétant percé par une lampe de poche, une bougie, hanté par les fantômes. Gros plans sur le protagoniste non-professionnel, Parista Sambo, que la caméra ne lâchera pas, Disco Afrika : une histoire malgache tient du documentaire, du récit d’apprentissage, du conte politique figuré par un théâtre de Guignol populaire. La musique ancrée dans la tradition du kaiamba – porte le film : elle ressuscite le père, la mémoire des ancêtres, les luttes et l’espoir de l’île.

L’histoire malgache qui nous est racontée dans ce premier long métrage modeste et touchant, est une histoire de terre. Celle boueuse qu’on tamise pour en extraire les saphirs. Celle qui dissimule le bois de rose volé. Celle, poudreuse qui vole sur les routes sans bitume. Celle confisquée par les colons d’autrefois et les puissants d’aujourd’hui. Celle qui recouvre « les âmes courageuses » et auxquelles le réalisateur rend hommage.

ELISE PADOVANI

Disco Afrika de Luck Razanajoana

En salles le 24 septembre

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Comme ses copains, Elias a une petite amie mais ce sentiment amoureux dont on parle tant ne le lui sera révélé qu’avec l’arrivée d’Alexander (Marius De Saeger), son nouveau voisin venu avec son père et sa petite sœur de Bruxelles. Alexander est beau, libre. Il intègre la classe d’Elias, son groupe d’amis, et bouleverse la vie du jeune garçon qui ne comprend pas ce qui lui arrive. C’est à cette initiation sentimentale que s’intéresse le réalisateur et au vain combat d’Elias pour lutter contre son désir irrépressible « d’être avec Alexander ». Car, bien que ne vivant pas dans un milieu homophobe, bien que l’insulte de « tafiole » ne soit proférée que par quelques rares crétins du village, bien qu’entouré de gens aimants et bienveillants, Elias s’interdit cet amour qui n’est pas dans la « norme » et dont il a honte.

Il passe de l’ivresse des moments partagés avec Alexander qui connaît et accepte son orientation sexuelle, à la douleur du refus, du repli, du déni. Elias porte en lui un jeune cœur trop gros pour sa poitrine, prêt à imploser ou exploser. Tension intime, portée par l’interprétation remarquable de Lou Goossens, et que le réalisateur parvient à faire éprouver au spectateur quelque soit son âge.

Un film qui s’assume

Young Hearts est un mélo efficace, un film sincère, solaire, jalonné des passages obligés d’une love story : premiers regards, cristallisation et esquives, échappées belles en bicyclette dans une nature luxuriante, généreuse et complice, « baisers volés », « cheveux au vent », baignades joyeuses en rivière, découverte d’un lieu secret – ici une maison abandonnée semblable au domaine mystérieux du Grand Meaulnes, et même une sorte de voyage de noces dans le fief bruxellois d’Alexander. L’issue en sera forcément heureuse : le coming of age passant par un coming out.

Présenté à la Berlinale 2024, cette romance queer tous publics, musicale et colorée, est sensible sans être totalement mièvre. Mais comme le disait Truffaut à propos des chansons d’amour qu’il adorait : « plus elles sont bêtes, plus elles sont vraies ». Ce film,plus subtil qu’il n’y paraît, assume.

ÉLISE PADOVANI

Young Hearts, de Anthony Shatteman

En salles le 19 février

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Amour censuré

Cette histoire romantique, traitée souvent avec humour, superbement interprétée, est éminemment politique avec cette femme de 70 ans qui ne porte pas de hijab, reçoit un homme chez elle, et n’est évidemment pas du goût du gouvernement iranien. Maryam Moghaddam et Behtash Sanaeeha, les réalisateurs de My Favourite Cake (Keyke mahboobe man) ont été empêchés par les autorités iraniennes de se rendre à la Berlinale où le film était en compétition. Dans un communiqué, le festival précise qu’ils se sont vus « confisqués leurs passeports » et sont « poursuivis par la justice pour leur travail d’artistes et de cinéastes ». Le film « franchit tellement de lignes rouges (sur des choses) qui sont interdites en Iran depuis 45 ans », explique Maryam Moghaddam. « C’est l’histoire d’une femme qui vit sa vie, qui veut avoir une vie normale, ce qui est interdit pour les femmes en Iran. »

ANNIE GAVA
À Berlin

My Favourite Cake, de Maryam Moghaddam et Behtash Sanaeeha
En salles le 5 février 2025

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On est au cœur de l’Himalaya tibétain sur des plateaux arides, pierreux, photographiés dans leur superbe monochromie, et, d’emblée, on sait que le temps se perçoit autrement ici. Les déplacements se font au rythme de la marche des yaks ou du trot des chevaux. Les mots se pèsent, l’essentiel se grave sur les pierres. Les rituels sont immuables. Les fanions colorés en guirlandes faseyent sur le gris brun des montagnes ou sur la blancheur des neiges. Chant et cordes accompagnent un quotidien agreste et frugal, les gestes s’accomplissent lentement, sans pression. On est en terre bouddhiste : les vies suivent leur cycle de réincarnation. On lit à livre ouvert dans le ciel étoilé. Les rêves en sépia sont au présent, au passé ou au futur.

Le film s’ouvre par le mariage de Pema avec trois frères orphelins – la polyandrie étant de mise en ce pays. Tashi, agriculteur et marchand est celui qui partage sa couche, Karma le moine vit dans son monastère auprès de son maître Rinpoche, Dawa est encore un enfant dont Pema est à la fois l’épouse et la maman de substitution. Pema et Tashi sont très amoureux. Après le départ de Tashi pour le troc annuel, Pema s’aperçoit qu’elle est enceinte. Elle doit gérer les 400 coups de Dawa qui ne travaille pas à l’école et rencontre son professeur Ram Sir. Une rumeur naît selon laquelle Pema l’aurait pris comme amant et porterait son enfant. Cette rumeur parvient aux oreilles de Tashi qui, incapable d’affronter les regards de sa communauté, disparaît dans la montagne. Contre l’avis de tous, Pema décide de partir à sa recherche pour lui dire la vérité, flanquée de Karma à qui son maître a ordonné de veiller sur elle et sur l’enfant qu’elle porte. Plus endurante, plus sage, plus responsable, plus déterminée, plus courageuse que ses maris, la lumineuse Pema affronte le froid, la fatigue, les mésaventures du voyage,  jusqu’au bout de ses forces, se révélant aux autres et à elle-même. Pas de questions personnelles, disent Karma et Pema quand ils ne veulent pas répondre. Retenue des sentiments. Pudeur des chagrins profonds.

Les génériques de début et de fin affichent les illustrations stylisées d’un royaume qui selon un mythe hindou-bouddhiste, ne peut être atteint que par quelques élus : le Shambhala, désignant en sanscrit, le lieu du bonheur paisible. Pour ce deuxième long métrage, tout à la fois ethnologique, poétique, romanesque, réaliste et onirique, Min Bahadur Bham a choisi des acteurs non professionnels. Son film nous immerge dans une nature somptueuse où l’homme n’a qu’une place relative, raconte une histoire d’amour absolu et cisèle le portrait d’une femme exceptionnelle à laquelle le royaume des cieux ne peut que s’ouvrir.

ÉLISE PADOVANI

Shambhala, le Royaume des cieux, de Min Bahadur Bham
En salles le 4 décembre

Premier film népalais présenté à la Berlinale (en 2024).

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« J’ai besoin d’un pompier »

Antonella Sudasassi Furniss a recueilli la voix des femmes de la génération de sa grand-mère et a choisi de mettre en scène ces moments évoqués, tricotant ensemble scènes de jeunesse et d’âge mur, images et voix, en longs plans séquences. Des voix fortes, des voix sincères, remplies d’humour parfois, des voix de femmes qui, malgré l’oppression, sont encore vivantes. « Pour éteindre le feu qui m’habite, j’ai besoin d’un pompier », plaisante l’une d’elle. Une parole qui a donné son titre, Mémoires d’un corps brûlant, à ce film, nécessaire dans cette période où le procès de Mazan nous rappelle que, pour certains, une femme appartient à un homme. Comme le dit une des trois protagonistes « Aujourd’hui, c’est la meilleure période de ma vie, parce que je suis complètement libre. »

ANNIE GAVA

Mémoires d’un corps brûlant, d’Antonella Sudasassi Furniss
En salles le 20 novembre

Après avoir déjà obtenu le prix du public de la section Panorama à la dernière Berlinale, il représentera le Costa Rica aux Oscars 2025.

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Suivie et filmée de près par la directrice de la photo, Caroline Champetier, Christine Angot, toute de noir vêtue, s’introduit presque de force dans l’appartement de celle qui a partagé la vie de son père, Elizabeth Weber, pour la mettre face à son silence. « Qu’est-ce que je peux te dire ? » S’engage un non-dialogue d’une violence terrible. Christine Angot a beau lui rappeler les propos obscènes que lui tenait son père « je bande quand j’entends ta voix au téléphone » ou lui rappeler qu’elle était violée par lui à partir de ses 13 ans, le week-end ou pendant les vacances, sa belle-mère continue à affirmer qu’elle admirait cet homme, que c’était l’homme de sa vie. Un non dialogue brut filmé sans effets de montage. Champ, contre-champ : l’une parle, l’autre répond, et c’est terrifiant. Et quand elle va jusqu’à reprocher à Christine d’être venue chez elle se faire violer par son père, sous son propre toit, faisant qu’ainsi son mari la trompait, on est dans l’abjection la plus totale. Christine Angot va aussi essayer de comprendre le silence de sa propre mère ; elle regrette que sa fille se soit éloignée d’elle lorsque son père la violait et dit : « Je ne suis pas capable d’en parler. »

Une histoire qui appartient à tout le monde

La photo du père est là, sur une étagère. Une séquence troublante mais pas aussi glaçante que celle des images d’archives de Christine Angot face aux moqueries misogynes sur le plateau d’Ardisson en 1999 au moment de la sortie de son livre L’Inceste. Et quand elle apprend que la veuve de son père et ses deux demi-frères ont porté plainte pour violation de domicile et atteinte à sa vie privée, son avocat lui dit : « Ton histoire, d’une certaine manière, appartient à tout le monde. […] On peut faire autant de mal en ne disant rien, qu’en disant les choses. Et parfois on fait beaucoup plus de mal on ne disant rien. » L’échange,  émouvant, avec sa fille Léonore prouve qu’il a sans doute raison.

Qu’on apprécie ou non la personne et/ou l’écrivaine, le premier film de Christine Angot, présenté dans la section Encounters de la 74^e Berlinale, d’une force incroyable, ne laisse pas indifférent.

ANNIE GAVA
À Berlin

Une famille, de Christine Angot
En salles le 20 mars

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