I.L.

22 mai

Cité de la Musique, Marseille

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Aggelos Aggelou est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Pour cette nouvelle création en quintette, le Trio Nóta – Cati Delolme, Gabrielle Varbetian et Mélissa Zantman aux voix et percussions – a invité la violoncelliste et compositrice Claire Menguy et le multi-instrumentiste Colin Heller, au violon baryton et à la nyckelharpa (curieuse cithare suédoise dotée de touches et de cordes dont le timbre évoque à la fois le violon et l’orgue). Ensemble, ils ont bâti un programme peuplé d’êtres métamorphosés, d’hybrides, de créatures magiques et de chimères tirés des contes et légendes du passé.

Le répertoire mêle ballades traditionnelles françaises et britanniques revisitées et compositions originales. Parmi les pièces anciennes on peut entendre La Complainte de la Blanche Biche, chant du XVI^e siècle où une jeune fille maudite vit sous forme humaine le jour, et devient biche la nuit, jusqu’au moment où elle est chassée et tuée par son propre frère.

Passé et contemporain

Dans There Were Three Ravens, harmonisée par Thomas Ravenscroft en 1611, une autre mystérieuse biche – métaphore de la bien-aimée – vient recueillir le corps d’un chevalier mort ; The Great Silkie of Sule Skerry, chant des Orcades, collecté en 1938 raconte, lui, l’histoire d’un être capable de se transformer de phoque en homme. Tam Lin, chanson des Scottish Borders narre les aventures d’une jeune femme qui arrache son amant aux griffes de la Reine des elfes en le tenant serré tandis qu’il se transforme tour à tour en serpent, en bête de feu et en braises vives. On remonte encore dans le temps avec Phyton le merveilleux serpent de Guillaume de Machaut (1300-1377), partition la plus ancienne du programme.

À ces œuvres du passé répondent des pépites originales signées Francis Coulaud, Mélissa Zantman, Cati Delolme ou encore Colin Heller, dont les textes entrent en résonance avec les pièces anciennes. Les voix alternent solos et polyphonies, parfois rejointes par les musiciens. La frontière entre les mondes est poreuse, mouvante. Car c’est là le cœur du projet : la métamorphose révèle un univers composé de présences multiples, établit une continuité entre les formes du vivant. Elle interroge notre rapport au sauvage, à l’animal, à l’altérité, à la mort. Elle parle aussi de la figure féminine telle que façonnée à la fin du Moyen Âge. Capable de donner la vie, la femme a cristallisé à la fois le désir, la fascination mais aussi la terreur justifiant bien des violences, des viols et des dominations.

Ce programme de haut niveau, poétique et ambitieux porté par l’association Le Chant des voisins, n’existerait pas sans la confiance partagée de ses coproducteurs : la Cité de la Musique de Marseille, l’Espace Culturel de Chaillol, avec le soutien du PIC-Ensemble Télémaque, de Musicatreize et de l’Abbaye Médiévale de Lagrasse, centre culturel les Arts de lire.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 30 avril à la Cité de la musique, Marseille.

Retrouvez nos articles On y était ici

L’article Cité de la musique : la nouvelle création du Trio Nóta est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Le târ iranien qu’elle déploie, le qanun syrien de Rimonda Naanaa et la viole de gambe de Marie-Suzanne de Loye engagent un dialogue que rien ne prédestinait à résonner ensemble. Déracinement, nostalgie, sont parmi les thèmes de leur album Les Vents Brûlants, sorti il y a un an « les vents brûlants, ce sont nos souvenirs, notre vécu, les absences, les silences, les familles dispersées, les cœurs déchirés, mais aussi l’élan, l’espoir et le renouveau ».

Entre Bach et Al-Farabi

Le premier morceau, Didor (« rencontre ») plonge le spectateur dans un voyage entre Orient et Occident. Puis un solo de viole de gambe d’une gravité sombre s’élève comme composé par un Bach qui, au-delà des siècles, aurait croisé Al-Farabi. Les trois voix se rejoignent ensuite et la soirée se construit en tableaux ; trios entrecoupés de solos qui laissent apprécier toute la virtuosité des artistes. Rimonda Naanaa, au qanun, s’y révèle stupéfiante. Issue d’une famille de musiciens de Damas, elle joue depuis le plus jeune âge cet instrument à cordes pincées dont l’histoire remonte à plus de mille ans. L’élégance fine est sans doute le terme qui caractérise le mieux ces trois musiciennes.

Les jeunes femmes multiplient les références littéraires. Elles rendent hommage aux femmes du monde entier qui « rougissent comme l’aurore qui déchire la nuit » et qui se battent tous les jours pour leurs droits, « debout dans l’ombre comme face à la lumière ». Aux mères aussi, avec une berceuse vietnamienne inspirée de l’Américain Ocean Vuong dans son roman Un bref instant de splendeur. Puis vient Le Chameau ivre, pièce imaginée à la lecture du roman L’Absence de Soluch de l’Iranien Mahmoud Doulatabadi. L’auteur y suit la marche d’un chameau dans le désert : traînante, solennelle. Le chamelier s’impatiente, sort son bâton, et le roman bascule. Il devient noir, cruel. Le chameau, ivre de colère, se retourne contre son maître.

Chakâm traduit cette tension qui monte et explose : les changements de rythme épousent la démarche de la bête, les accélérations en restituent la révolte. La démarche de l’animal devient partition, et la rébellion, musique.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 27 mars, à la Cité de la Musique, Marseille.

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Chakâm et ses vents brûlants est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Avant le morceau suivant, Aïda Nosrat évoque la genèse du projet : « Il a débuté quand les problèmes en Iran se sont intensifiés, puis le mouvement Femme, Vie, Liberté s’est développé. Nous avons enregistré durant la guerre de douze jours entre l’Iran et Israël. L’album sort… et l’Iran est au bord de la guerre. C’est déchirant. Je vis le cœur à moitié ici, en France, l’autre là-bas. » Le public retient son souffle. Partie en 2016, Aïda incarne le drame d’une diaspora. « L’album parle de nos racines humaines communes : l’amour, la compassion, la justice, la liberté. Ces idées ont voyagé grâce aux arts, seul langage capable de nous relier. »

Danser sur les tombes

Le concert devient voyage. Nomad ouvre la route, suivi par Les Filles de Cirus, ancien chant de lutte pour la liberté, repris aujourd’hui encore et qu’elle dédie « à toutes les femmes iraniennes qui ne cèdent ni à la tyrannie ni à la violence ». Vient un poème mis en musique d’Azerbaïdjan, son pays d’origine : grâce, feu intérieur, ornementations ciselées. Le bouzouki puis l’accordéon rayonnent. Une berceuse kurde, en hommage « aux mères d’Iran qui ont perdu leur enfant », suspend encore la salle.

Elle interprète ensuite en mode jazzy – là aussi elle excelle – une chanson de Noa, l’artiste israélienne engagée pour la paix : « Nos histoires se ressemblent… ce n’est pas nous le problème, mais les politiciens. » Antoine Girard et Marius Kikteff enchaînent ensuite une composition du premier, Gypsy Roots, ronde entraînante aux airs de fête villageoise. Puis Kojâyie (« Où es-tu ? »), chant d’amour traditionnel iranien réarrangé, offre l’un des sommets du concert : la voix d’Aïda se déploie, lyrique et bouleversante. La salle est pétrifiée. Le public réclame un rappel. Revenue seule sur scène, elle évoque ces Iraniens qui dansent sur les tombes, transformant le deuil en défi. Elle entonne une incantation a cappella, martelant le sol ; celui des cimetières et celui de l’exil. Les mains frappent, les youyous montent, la transe affleure. On en sort comme frappé, transformé.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 13 février à la Cité de la musique, Marseille.

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Aïda Nosrat : incantation à la liberté est apparu en premier sur Journal Zebuline.

A.-M.T.
24 janvier
Cité de la musique, Marseille

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Rêvons c’est l’heure est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Formé aux répertoires classiques des maîtres Abdelkrim Dali, Redouane Bensari, et guidé par des Cheikhs tels que Brixi ou Ahmed Malti, Fouad Didi est un virtuose du violon et incarne la transmission orale des traditions tlemcéniennes.

L’école de Tlemcen et ses noubas

L’univers araboandalou repose sur le concept de nouba, suite modale structurée en plusieurs mouvements rythmiques (mîzān) de lents aux rapides. Tlemcen conserve 11 noubas majeures, réputées pour leurs ornementations subtiles, leur voix solistes puissantes et un violon lyrique porté vers l’expressivité.

Entre musique sacrée et musique savante, le répertoire arabo-andalou est sauvegardé durant la colonisation et constitue une notabilité puissante et ancienne en Afrique du Nord, avec une esthétique codifiée, influençant depuis des répertoires plus populaires comme le chaâbi. 

Cette esthétique « pleine de tarab » (extase) est à la fois précise dans son architecture et émotive dans sa transmission, un équilibre que Fouad Didi incarne pleinement.

Pédagogue et passeur 

Installé à Marseille depuis 1996, Fouad Didi, titulaire du Diplôme d’État et du Certificat d’Aptitude pour les musiques traditionnelles, enseigne à la Cité de la musique de Marseille, au Conservatoire de Toulon et à l’Institut des Musiques du Monde d’Aubagne, tout en dirigeant l’Orchestre Tarab, formé de musiciens issus des écoles de Tlemcen et d’Alger. Il y propose ateliers, masterclasses et formations, autour des formes classiques (nouba, hawzi) et populaires (chaâbi, melhoun), montrant ainsi la richesse évolutive du répertoire.

Passeur depuis plus de 30 ans, il contribue à l’émergence et la professionnalisation de nouveaux artistes, tels que Nadir Ben dont le premier album Maturity, Al Roshd paraît à l’automne prochain, suite à une série de concerts en France et en Algérie.

SAMIA CHABANI

Fouad Didi et son orchestre
les 24 et 25 juin
Cité de la musique de Marseille

Retrouvez nos articles Musiques ici

Nos articles Diasporik, conçus en collaboration avec l’association Ancrages sont également disponible en intégralité sur leur site

L’article Diasporik : D’El Andalus à Marseille est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Les 28 février et 1^er  mars [voir ici], la programmation mettait à l’honneur les musiques du Maghreb et du Machrek, inaugurant ainsi les veillées artistiques du Ramadan. Marseille, ville-monde par excellence, a toujours été un creuset de recomposition des identités culturelles : la Cité de la Musique incarne cet héritage en favorisant la création autour des répertoires arabes, arabo-amazighes et méditerranéens.

Un contexte sous tension

Pourtant, au niveau national, ces répertoires musicaux restent rares sur les scènes artistiques. Est-ce l’effet des tensions renouvelées entre les rives de la Méditerranée ? À voir le palmarès des Césars 2025, on pourrait croire ces interrogations caduques. L’Histoire de Souleymane, sacré à quatre reprises, ainsi que les consécrations de Hafsia Herzi et Karim Leklou en tant que meilleurs actrice et acteur, semblent témoigner d’une reconnaissance du pluralisme culturel, malgré les tensions économiques, diplomatiques et sécuritaires. Même si le film Ni chaînes ni maîtres, premier long-métrage français traitant de l’esclavage et du marronnage à l’île Maurice au XVIII^e siècle, réalisé par Simon Moutaïrou, est absent du palmarès.

À Marseille, la question ne se pose pas de la même manière qu’aux Césars : la cité phocéenne, loin de se plier aux exclusions, a su retourner le stigmate de la diversité en une force. La programmation du Pôle des musiques du monde en est la preuve éclatante : qu’ils soient initiés ou simples curieux, les spectateurs affluent, séduits par ces scènes intemporelles et contemporaines du monde arabe et du Maghreb.

Marseille, capitale du raï ?

Le 28 février, à l’invitation du musicien Mehdi Laifaoui, en résidence d’artiste, un quartet s’est formé, rassemblant Mehdi Askeur, Jamel Reffes et Sofiane Saïdi, figures incontournables du raï. Ces artistes, combinant carrières solos et collaborations éphémères, insufflent une nouvelle dynamique à ce genre emblématique. Les classiques du raï s’enchaînent, réarrangés avec une modernité audacieuse. Mehdi Askeur sublime ce répertoire en interprétant Fais comme tu veux (Diri ki tebghi) et Cette vie est absurde (Had denia melha), avant de conclure avec l’incontournable Ya Mimouna Dhyaf Rabbi, une ode à l’amant éconduit.

Tradition en mouvement

Issu d’une transmission orale et familiale, le raï révèle un héritage culturel puissant, notamment à travers le matrimoine des Medahates, ces groupes féminins qui, de génération en génération, initient les plus jeunes à une musique oscillant entre complaintes, autodérision et célébration de la vie. Du raï trab traditionnel au pop raï, le genre a évolué avec l’introduction d’instruments comme la trompette à pistons et l’accordéon, en complément du bendir et des krakibs (crotales). 

L’inscription du raï sur la liste du patrimoine culturel immatériel de l’humanité par l’Unescoen tant que chant populaire d’Algérie et le succès planétaire de Disco Maghreb de DJ Snake attestent de sa vitalité.

Mue par une curiosité insatiable pour les musiques du monde, la Cité de la Musique s’emploie à réinventer ces répertoires raï et arabes pour le plus grand bonheur des Marseillais. Contre vents et marées, elle perpétue cette tradition d’accueil et d’échanges culturels, conjurant ainsi les méandres d’une politique arabe de la France devenue illisible et inaudible.

SAMIA CHABANI

Retrouvez nos articles Musiques ici et Société ici

Nos articles Diasporik, conçus en collaboration avec l’association Ancrages sont également disponible en intégralité sur leur site

L’article Diasporik : Fi khatar Marseille ! Hommage à Marseille ! est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Dans les chansons de Fairouz, l’amour est toujours au rendez-vous comme avec Wa habib (et mon bien-aimé), Eddaysh kan fi nass, qui parle de la solitude de ceux qui ne sont pas aimésou Shayef el Bahr qui déclame : « Mon amour pour toi est aussi grand que la mer ». Ses compositeurs, les frères Rahbani (Mansour et Assy qu’elle épousera) prenaient aussi plaisir à adapter des airs mythiques comme Les feuilles mortes ou la 40^e symphonie de Mozart. Ils reprennent aussi les mots d’immenses écrivains comme Khalil Gibran. Depuis le décès de son époux, celle que l’on surnomme aussi la 7^e colonne, en référence aux six colonnes du temple de Jupiter de Balbeck, travaille avec son fils Zyad. 

Étonnamment Hind Charaibi a des faux airs de celle qu’elle célèbre. La même prestance, le visage long et fin, et l’intense sensibilité. Le public est immédiatement transporté dans l’ambiance cosy d’un piano bar, comme ceux qui fleurissaient dans le Beyrouth d’avant-guerre proposant des morceaux jazzy qui se mélangeaient avec bonheur aux mélodies poignantes et aux rythmes orientaux. Le public tape dans les mains, des youyous résonnent. Certains connaissent ces chansons par cœur et Hind les invite à chanter, ce dont ils ne se privent pas. Des spectateurs quittent leurs fauteuils pour devenir danseurs. Les solos des quatre musiciens s’enchaînent dans une complicité totale. 

Puis c’est l’heure de la surprise. Manu Théron monte sur scène. Armé d’un tambour il se lance lui aussi dans un solo décoiffant qui met la salle en folie. L’émotion est palpable quand la chanteuse entame Libeyrouth, hommage à la capitale du Liban si meurtrie depuis ces cinquante dernières années : « À Beyrouth du fond de mon cœur, j’envoie un Salam et des baisers à ses océans, ses toits, ses rochers et à son peuple. »

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 1er mars, à la Cité de la Musique de Marseille.

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Faïrouz, la diva de l’amour est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Raoul Lay. Curieusement, cette envie vient de la Chine ! Lors de notre October lab là-bas, nous avions travaillé avec le sheng, cet orgue à bouche chinois qui date de 1100 avant notre ère. Cet instrument traditionnel très ancien est enseigné dans les conservatoires au même titre que le piano ou le violon. Les musiciens y apprennent lecture et écriture, que ce soit pour la pratique d’instruments traditionnels ou « classiques », ce qui n’existe pas en Europe : l’enseignement de la tradition et de la modernité en même temps ne se voit guère, même si à l’IMM d’Aubagne, par exemple, il y a un essai de poser les musiques « savantes » et les musiques traditionnelles dans un même apprentissage. Est intéressante la question de la relation entre musique traditionnelle et contemporaine, de l’association de musiciens traditionnels et contemporains, artistes « savants » et « non-savants », je mets des guillemets car la différence est liée aux univers musicaux et non aux connaissances ni aux techniques. J’ai souhaité alors me confronter aux traditions de la Méditerranée, puisque c’est chez nous, et voir si l’on pouvait réunir dans une même œuvre des interprètes de musique traditionnelle avec leurs instruments et une composition contemporaine, autrement dit faire vivre ensemble musique de tradition et musique d’écriture.

Comment s’est effectué le choix des musiciens et des compositeurs ?

Au début, j’ai rêvé de toutes les îles, puis, je me suis retourné vers un premier florilège – je compte bien traverser la mer et parcourir le plus grand nombre de modes de composition qui fleurissent en Méditerranée – la Corse, la plus proche, la Sardaigne, sa voisine et Malte (j’ai été directeur artistique du Malta Philharmonic Orchestra en 2019-2020). Mais d’abord, à Marseille, je me suis adressé à Vincent Beer Demander qui, avec un instrument traditionnel, la mandoline, est en même temps enseignant et lecteur, afin qu’il soit soliste du premier concerto. Ensuite, en Sardaigne, je me suis intéressé à la launeddas, une sorte de clarinette polyphonique à triples tuyaux et anche simple dont les sonorités peuvent faire penser à la cornemuse et qui est jouée principalement au cours d’instants ritualisés. J’ai donc passé commande pour ces deux instruments et ceux de l’Ensemble Télémaque de trois concertos, l’un dédié à la mandoline, auprès de Karl Fiorini (Malte), l’autre à la launeddas (soliste Michele Deiana) auprès de Jérôme Casalonga (Corse) et le dernier, double, à la mandoline et la launeddas à Maria Vincenza Cabizza (Sardaigne). À Marseille, le spectacle sera joué quatre fois, puis au printemps nous serons reçus en Corse à Pigna, en Sardaigne (Cagliari et Sassari), puis à Malte (La Valette). Il y aura neuf représentations en tout, ce qui permettra de faire vraiment vivre ces œuvres. 

Pouvez-vous nous en parler en avant-première ?

Il y aura d’abord une œuvre connue ! Aux trois créations s’ajouteront les Folk Songs pour soprano et ensemble que Luciano Berio a écrits en 1964, une manière de montrer que l’histoire des liens entre la musique populaire traditionnelle et la création contemporaine n’est pas si neuve : le compositeur italien puise dans les répertoires folkloriques des Etats-Unis, de l’Arménie, de la France, la Sicile, l’Italie, la Sardaigne, l’Azerbaïdjan et plus précis encore de l’Auvergne ! En ce qui concerne les trois créations, je ne voudrais pas tout déflorer, cependant je peux déjà évoquer les titres et les tonalités de chaque œuvre. Jérôme Casalonga, le plus tellurique, a travaillé sur les bourdons pour Nuraghe qui évoque les tours rondes en forme de cône tronqué, symboles de la culture nuragique sarde apparue entre 1900 et 730 avant J.-C.. Karl Fiorini, le plus méditerranéen et le plus lyrique, a choisi un titre anglais, c’est la langue de Malte, Fighting for Hope, une respiration dont on a plus que besoin ces temps-ci ! Maria Vincenza Cabizza, la plus contemporaine, joue sur le sens et la forme avec Il ballo delle occhiate, (« La danse des regards »). Umberto Eco disait que l’on doit pouvoir tout récupérer. L’ultra-modernité s’était transformée en nouvel académisme lorsqu’elle refusait à tout crin la tonalité avec laquelle il a fallu rompre à une époque. Avec Télémaque, en bientôt trente ans, on a pu constater l’évolution de l’idée de la création et perçu la grande peur de l’Occident de ne pas contrôler l’écriture ! Aujourd’hui en musique on est en synchronie, on a accès à tout ce que l’on veut, ce qui permet des croisements sans fin. Écrire c’est improviser, improviser puis écrire. Il y a toujours un va-et-vient entre l’inconscient et le geste musical. C’est avec ce dernier qu’il faut travailler, sinon on peut déboucher sur des partitions injouables pour tel ou tel instrument ! 

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR MARYVONNE COLOMBANI

Au programme
18 octobre Mucem Lab, rencontre colloque « Instruments traditionnels et création contemporaine : circulations, échanges et métissages en méditerranée » avec les compositeurs et solistes invités mais aussi avec l’ethnomusicologue Elisabeth Cestor, la fondatrice de l’IMM d’Aubagne, Margaret Dechenaux, le musicologie et organologue André Gabriel, le compositeur Nicoló Terrasi, le compositeur, chanteur, auteur, programmateur Manu Théron.
19 octobre Concert commenté à l’Alcazar.
20 octobre Concertos des trois rives à la Cité de la Musique de Marseille.
21 octobre Concertos des trois rives à l’Espace Tino Rossi, Les Pennes-Mirabeau.
22 octobre Concertos des trois rives au PIC Marseille.

October Lab
04 91 43 10 46 
ensemble-telemaque.com

L’article Rêver une musique sans frontières est apparu en premier sur Journal Zebuline.