Une anomalie dans le parcours pourtant. Toujours pas d’album au compteur, malgré presque 7 ans d’exercice, et des centaines de concerts. On avait quand même pu écouter leurs pièces couchées sur bande avec deux premiers EP (en 2019 et 2023), mais les voici enfin avec un premier album, Layers. Un dix-titres qui confirme le virage pop du groupe – même si cette pop avait toujours été là, bien cachée derrière les décibels de la jeunesse. 

Exits, par ici l’entrée

L’opus commence par Exits, une première flèche qui donnera le ton du reste de l’écoute. La voix de Rémi Bernard (également à la guitare), droite et cristalline, transperce la rythmique engagée et les nappes de guitares, d’une mélodie accrocheuse, comme ce sera le cas sur tout le reste du sillon. On se perdra d’ailleurs à déceler dans certaines lignes de chant quelques cousinages avec Brian Wilson des Beach Boys. 

Derrière la voix, le reste de la formation s’exécute comme la machine parfaitement huilée qu’est devenu Avee Mana. Emmenée par Sylvain Brémont (batterie), Francky Jones (basse) et Julien Amiel (guitare), les titres s’enchaînent avec une impression de puissance et de fluidité. La rugosité rythmique et sonore s’alliant parfaitement avec les notes de légèreté du chant, ou des parties guitares. Avee Mana marque avec ce disque ce qui fait manifestement sa force et son originalité : un son de fer, un rendu de velours. 

NICOLAS SANTUCCI

Layers, de Avee Mana
Howlin Banana Records
Album disponible en disque vinyle, CD ou en version digitale.

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N.S.

23 janvier
Lollipop music store, Marseille 

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Du goût dans le frigo

À l’écoute du disque – dont chacune des pochettes faites main est unique – quelque chose saute immédiatement à l’oreille. La formation ne compte pas de guitare : batterie, claviers, basse, chant. Si ce n’est pas inédit – on se souvient des Grenoblois de Taulard, dont on retrouve ici quelques cousinages musicaux – ce n’est pas commun pour autant, dans une musique qui place bien souvent la guitare au-dessus de tout. 

Cette première originalité n’est certainement pas la dernière. Il y a dans ce disque des airs de Niagara, des Rita Mitsouko, ou des Calamités pour les chansons les plus pop. On se rapprochera du punk-rock à d’autres endroits du sillon. Il y a aussi la voix de la chanteuse, Magalie Bernard, également comédienne. Une qualité qui s’entend largement à l’écoute, puisqu’elle ne se contente pas de chanter, mais interprète ses titres, ajoutant sourires, rires ou larmes à ses voix.

L’album, aux contours artisanaux, offre aussi de la joie dans les mélodies, de l’humour dans des paroles, des textes engagés, des parties claviers qui scintillent. Il y a également cet aparté en plein air, dans un duo guitare-voix avec Kael – membre de nombreuses autres formations marseillaises (Kael & les remords ou Flathead) – qui permet d’entrevoir les conditions dans lesquelles l’album a été enregistré : une maison dans le Sud de la France, sous le soleil estival. 

Le disque se termine par le très drôle Frigo dont la principale ritournelle dit : « Tout ce qui a du goût dans le frigo donne du goût à ce qui n’a pas de goût dans le frigo ». Le disque, lui, ne manque pas de saveurs. 

NICOLAS SANTUCCI

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Un virus qui s’attrape 

Ils sont donc quinze à se partager les pistes du vinyle : Crache, Technopolice, 52 hertz, Flathead, Avee Mana, Glitch, Tessina, Seven Levels, Sovox, Kaël, Parade, Cheap Entertainment, Lodi Gunz, Avenoir et Abstract Puppet. Autant de groupes qui représentent ce que cette scène a de plus actif, vibrant et surtout collectif. Car il ne faut pas voir là-dedans une simple « compilation » de groupes alignés les uns à la suite des autres, mais bien une photographie de l’ambiance qui règne autour de la place Jean Jaurès depuis quelques années. Ici les groupes se rencontrent, les projets naissent… les disques, les tournées, les amitiés aussi.

C’est d’ailleurs sur la Plaine, à l’Intermédiaire, que la plupart des groupes présents sur le disque joueront quelques titres sur scène à l’occasion d’une grande release party ces 13 et 14 décembre. Première occasion aussi de se procurer ce disque, que l’on veut croire collector avant même sa sortie. À noter également le before au Lollipop Music Store et le concert de Kaël pour ouvrir ces deux belles nuits. 

NICOLAS SANTUCCI 

Massilia’s Burning Vol.II
L’Intermédiaire, Lollipop Records, Fracas Records – 20 €

Au programme :
Before au Lollipop Music Store
13 décembre à 19 h
Kaël 
L’Intermédiaire
13 décembre à partir de 20 h
Abstract Puppet, Lodi Gunz, Parade, 
Cheap Entertainment, Sovox 
14 décembre à partir de 20 h
Avee Mana, Tessina, Avenoir, Glitch, 
Crache, Technopolice 

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Antonin Appaix. J’avais envie d’éviter la confusion entre la personne et l’artiste, chose que j’entretenais dans mes premiers disques en voulant me mettre à nu. Je voulais aller plus vite, faire une mixtape et mélanger des choses, des collaborations, en sortant de l’album concept. Cactus Boy, c’est un truc léger, qui fait référence au latin, au méditerrannéen. J’avais commencé à écrire des morceaux pour un film d’un réalisateur mexicain où il y avait des histoires de perruques et de cactus ; ça s’est un peu fait comme ça. Je me suis aussi souvenu qu’enfant j’étais tombé dans un massif de figuiers de barbarie. C’est un peu fourre-tout, mais c’est le concept. 

Est-ce que ce personnage vous permet d’écrire des choses différentes, d’évoquer d’autres thèmes ? 

Jusqu’à présent, j’avais toujours au fond de la tête que je devais respecter qui j’étais, je pensais à la façon dont mon entourage recevrait mes textes. Ce n’est pas inintéressant mais ça m’a fait du bien de commencer à émettre un point de vue depuis ailleurs et de me permettre quelques incursions vers le rap, que j’avais beaucoup de mal à m’autoriser avant, alors que je passe ma vie à en écouter. 

Quel est votre processus de création des morceaux ? 

Je pars souvent d’une suite d’accords, je fais ensuite la batterie. Je compose quasiment tout le temps au moment où j’écris la chanson pour la faire exister le plus vite possible, même si je n’ai que des petits bouts : j’adore ces moments de magie et d’excitation. Je fais les arrangements ensuite. 

Sur l’album, vous avez collaboré avec Waralu, artiste argentine installée à Marseille, sur le titre Bout de Verre, aux influences reggaeton. Comment est né ce morceau ? 

J’aime beaucoup faire des exercices de style. Je suis autodidacte et je viens du punk, la musique électronique vient donc pas à pas. Sur ce morceau, j’avais fait un exercice reggaeton en cherchant sur YouTube comment on place la caisse claire etc. Je me suis vraiment amusé et j’avais un morceau quasiment fini. J’avais adoré aussi un docu Arte sur les chanteuses r’n’b qu’on invitait sur des morceaux de manière revendicative, dans les années 1990. Donc je cherchais quelqu’un pour entrer de manière old school sur le titre. Jeune Lennon, avec qui je collabore sur le disque, m’a présenté Waralu ; on a essayé plein de trucs et on a bossé tous les trois dessus. 

On entend que vous aimez la poésie. Quel rapport avez-vous avec les mots, avec l’exercice de parolier ? 

Je ne me considère pas comme un poète, mais j’ai toujours un cahier ouvert dans lequel je note ce qui me passe par la tête. J’aime mélanger des choses triviales, écrites maladroitement, avec des choses plus littéraires ou des mots plus recherchés. J’ai l’impression d’avoir un pied dans un truc intello et l’autre pas du tout. Souvent, je lis en même temps que j’écris ; du Cendrars ou du Giono, par exemple… ou bien j’écoute du rap. Je pars généralement d’un mot, parfois, je vole une phrase entière… assez courte pour que ce soit accepté par ma déontologie intérieure [rires]. 

Qu’a-t-on envie de faire une fois le disque sorti ? 

Ça fait quelques mois que je prépare les clips et la promo, et maintenant il faut que j’assure les release party et les concerts. Mais paradoxalement, j’ai déjà hâte d’écrire un disque !

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR LUCIE PONTHIEUX BERTRAM

Cactus Boy, Antonin Appaix
Sorti le 29 novembre 

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Le diable en quatre 

Les musiques rock ont toujours aimé l’ironie et la contradiction. La Flemme en use aussi, comme dans le nom du groupe que se sont donnés ces hyperactifs du son. Une frénésie que l’on ressent dès Somnifères, le premier des quatre morceaux du disque, où guitares dopées et ruptures rythmiques secouent agréablement l’auditeur. On retrouvera la quiétude dans finesses mélodieuses du titre – que ce soit dans les lignes de chant ou dans la guitare lead aux envolées toujours bien senties. Des atours qui restent présents tout au long de l’écoute, à l’instar de Bruxisme, avec encore une fois une ligne de chant accrocheuse qui vient en contrepoint d’un instrumental plus énervé, limite high energy. On écoutera – et réécoutera – aussi le réjouissant solo de clavier sur Sculpture. La partie de quatre se termine avec La Crasse, l’atout charme du disque, une flèche réjouissante qui s’encalmine dans la tête bien longtemps après son passage. 

Avec ce premier disque qui ne souffre d’aucune faiblesse, et signé sur le reconnu label Exag’Records, La Flemme s’invite comme la nouvelle formation garage-rock à suivre ces prochains mois, et à qui l’on peut simplement souhaiter un succès plus franc qu’à ses « illustres » prédécesseurs marseillais. 

NICOLAS SANTUCCI 

La Flemme, S/T
Exag Records 

À venir
29 mars
L’Intermédiaire, Marseille

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C’est le cas par exemple avec Dans mon HLM de Renaud, qui devient Y’avait Michel sous les notes de Adolf Hibou en tout début d’écoute. Une caricature en forme de farce loufoque du chanteur parigot. Même perfidie plus loin avec Pendant que les champs brûlent de Niagara qui devient cette fois Pendant que Auchan brûle avec Les berges du ravin.  

Il y a de l’humour et de l’ironie dans ce disque certes, mais il y a aussi de fulgurants coups de fusil musicaux. Comme quand Alex Thagis & Daughters reprend Et si tu n’existais pas de Joe Dassin, avec les violons de la chanson original samplés et repris en boucle, formant une ritournelle joyeusement outrancière avec paroles lues par une voix d’enfant. On adore aussi Jean-Jéjé qui s’accapare Tourner les serviettes, l’hymne beauf par excellence signé Patrick Sébastien, pour en faire une merveilleuse ballade où l’on pourrait presque se laisser aller à l’émotion. Autre pépite avec Fais comme l’oiseau de Michel Fugain qui sous la moulinette de Noir Geezus aurait tout à fait sa place dans un DJ set d’une fin de soirée caverneuse. 

Comme d’habitude avec Cœur sur toi, frénétique label underground marseillais qui sort presque un album par mois, c’est sur cassette que les morceaux sont gravés. Et cet objet se veut déjà collector, puisqu’il n’est pressé qu’à 48 exemplaires, disponible sur commande, avec un fanzine et un « jouet » en bonus.

NICOLAS SANTUCCI 

Toute la musique que j’haine 
Cœur sur toi – 12€
coeursurtoi.bandcamp.com

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Ça accroche

Dès l’écoute du premier morceau, Step by Step (moon), on est frappé par la qualité de l’enregistrement. Le travail sur les sons de guitare, de batterie et de clavier participent à donner une couleur très chaude au morceau, le tout augmenté par la rondeur et la tonicité de la voix de la chanteuse. Le plaisir orchestral se poursuit dans Kid Memorial, avec cette fois un rythme plus engagé. On note de nouveau la richesse de la composition, qui nous balade ici dans la douceur, plus loin dans la violence, emmené ici par un pont, là-bas par un break. 

La suite de l’EP connaît la même énergie. On soulignera quand même les cordes frottées qui viennent avec justesse agrémenter Great Sorrow, la fin quasi metal de Wasting, ou la clôture du disque toute en subtilité de Sun above the Clouds. Avec cet opus, Gami propose cinq titres au fort pouvoir accrocheur, porté tantôt avec sensibilité, tantôt avec puissance. Une réussite qui l’emmènera, on l’espère, à s’imposer encore un peu plus dans le milieu musical français.   

NICOLAS SANTUCCI

Step by Step, de Gami
B-side prod

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Leurs mots se lovent au cœur des mélodies soutenues finement par des guitares aux sonorités qui flirtent avec la pop et le folk, le tout habillé de sons électro, de percussions efficaces et de chœurs (Maryline Maillot) qui offrent leurs échos. La voix de Maryline Maillot aborde les paroles avec une fine simplicité, en un phrasé sans fioritures inutiles. Les finales des chansons se plaisent parfois à des suspens abrupts qui laissent à l’auditeur la résonance des mélodies, tandis que d’autres prolongent leur magie en réitérations rêveuses…

La révolte s’arpège

La fausse innocence des cantilènes offre une distanciation ironique aux paroles parfois acides et aux passions exacerbées. « La joie de vivre » communicative de Seconde adresse suit celle, « légère », qui « scintille » et « ne veut pas choisir ». La liberté des corps et des esprits irrigue les vagues d’un « amour qu’on ne nous a pas appris ». Les personnages sont « comme le vent qui ose » même dans une Impasse Paradis, s’endorment « au cœur du volcan », « plonge(nt) et replonge(nt) dans l’autre vie » et « décide(nt) de faire (leur) chemin ». Si l’ivresse peut être recherchée dans les alcools interdits ou les choix de vie qui s’éloignent des routes communes, celles que les « braves gens » de la Mauvaise réputation de Brassens « n’aiment pas », elle rend hommage au courage d’être pleinement soi. Mauvaises filles, le titre éponyme qui clôt l’album, décline les multiples définitions de cette expression, tellement plus négative que sa version masculine, -une certaine aura en littérature entoure le « mauvais garçon » alors que la « mauvaise fille » est définitivement perdue-. Un disque pailleté où révolte et fête s’arpègent, lumineuses, comme leurs interprètes. 

MARYVONNE COLOMBANI

Mauvaise(s) fille(s)
MARILOU
label marseillais Free Monkey Records

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La  Rhapsodie sur un thème de Paganini de Rachmaninov contredit la tradition de l’opus soliste -mais n’est-ce pas le propre du caprice ?-, cette pièce concertante réunissant autour du pianiste le Sinfonia Varsovia dirigé par Aleksandar Marković. Leur dialogue nourri sait traduire l’espièglerie autant que la mélancolie qui traverse l’œuvre et rend la succession des 24 variations avec une éloquence qui semble parfois improvisée tant le ton en est juste. 

Le thème du Dies Irae que l’on retrouve dans cette pièce est sans doute une référence à la légende qui voudrait que Paganini ait vendu son âme au diable contre sa virtuosité exceptionnelle et l’amour d’une femme… 

En écho, les Variations sur un thème de Paganini opus 35, livre 1, de Brahms, éblouissantes et techniquement redoutables -Clara Schumann les qualifia de « variations de sorcier »-, dressent leurs falaises dont l’instrumentiste se joue avec aisance, laissant percevoir la fraîcheur et la légèreté d’un conte. 

Infinité d’analogies et d’hommages

Le Caprice sur le départ de son frère bien-aimé de J.S. Bach endosse un ton narratif : attristé par le départ de son frère, il composa cette œuvre en guise d’exutoire. Elle suit toutes les étapes de la préparation au voyage pour la Suède où Johann Jacob devait intégrer la garde d’honneur du roi Charles XIII en tant qu’hautboïste. Les histoires personnelles interfèrent…

Nathanaël Gouin aborde aussi des pièces de Maurice Ohana : le Caprice n° 1,  clin d’œil au legs que Jean-Claude Pennetier, maître de l’artiste, les Préludes, qu’il avait travaillées avec le compositeur. 

De même, le peu connu Charles-Valentin Alkan, qu’il qualifie de «  Liszt français »  a toujours séduit l’interprète par son « humour et sa profondeur ». 

L’« infinité d’associations » sur le thème du caprice offrait un champ large à ce poète du piano qui rend hommage au regretté Nicolas Angelich auquel l’opus est dédié, et à «  son si communicatif amour de la musique de Johannes Brahms ». 

Un disque très personnel, poétique, inspiré, profond et enjoué !

MARYVONNE COLOMBANI

Caprice, Nathanaël Gouin, 
label Mirare, 20€

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