Deux Américains à Marseille

À l’entrée, il y a d’abord les paysages de Joshua Dudley Greer. Ils sont urbains, minéraux, laiteux, un ensemble de photographies prises du Nord au Sud de Marseille, avec la mer souvent dans le dos, ou qui tape l’incruste dans le cadre. S’il présente des photos de paysages, qui dessinent ensemble un portrait de la ville, il n’oublie pas pour autant les Marseillais. Un groupe d’écoliers qui fait face à un amas de déchets, des badauds à la plage. Ils sont statiques, captés dans leur rien avec une définition à peine croyable.

Le travail de la photographe Nydia Blas est tout autre. Elle a décidé de suivre des adolescent·es de la Belle de Mai, membres de la Coopérative Jeunesse de Service, portée par la ligne de l’Enseignement, Inter-made et la Friche. Il en sort un travail aux tons chauds, et obscurs, où surgit de l’ombre les regards de cette jeunesse, sa solidarité, sa sororité. Les tirages, qui semblent être couchés sur de la soie, savent s’arrêter sur les gestes, et la matière – marine, végétale ou calcaire – et frappent par une poésie qui irrigue tout son accrochage.

Deux Marseillais à Atlanta

Après les Américains à Marseille, voici les Marseillais à Atlanta. Yohanne Lamoulère a choisi de s’intégrer à trois fanfares de lycées d’Atlanta. Une série qui présente des portraits d’une jeunesse pleine d’assurance, voire de défiance, captée en format carré avec un Rolleiflex. Puis des photos qui prennent plus de recul, et de hauteur, qui offre un autre point de vue sur cette jeunesse qui semble habitée d’esprit de corps, et de fierté.

Quant à Geoffroy Mathieu, il a choisi de découvrir cette grande ville américaine à pieds, ce qui n’est pas chose aisée. Dans sa série, on y voit tous les obstacles qui se dressent devant lui. Les panneaux de circulation omniprésents, le bitume fracassé, et le soleil qui tape contre lui. Un autre point commun avec Marseille ?

NICOLAS SANTUCCI

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De la déesse antique aux luttes actuelles pour les droits reproductifs, Bonnes Mères met en tension les représentations idéalisées et les expériences vécues, dans un parcours où dialoguent œuvres patrimoniales, créations contemporaines et perspectives civilisationnelles. Fidèle à la signature du musée, l’exposition mêle ici avec une justesse rare et précieuse l’artistique, le culturel et le politique – sans jamais chercher à lisser son propos.

Sublimer la mère, fabriquer un mythe

Dès les premières salles, l’exposition donne à voir la puissance des images qui ont façonné la maternité. Figures antiques, Vierges, archétypes nourriciers : tout un pan de l’histoire visuelle construit une mère idéale, féconde, protectrice, sacrée. La spectaculaire Artémis d’Éphèse, avec ses multiples attributs de fertilité, incarne cette abondance mythifiée.

En regard, Nature Study (1984) de Louise Bourgeois déplace cette image vers une maternité plus organique, presque troublante, où le corps maternel se fait sphinge, gardant férocement son intégrité. Ce dialogue est l’un des plus justes de l’exposition : il ne contredit pas le mythe, il le fissure.

Plus loin, la Vénus (Alimata) (2024) de Prune Nourry prolonge le travail déjà puissant qui est devenu un des plus visités du Château La Coste – Mater Earth. La figure demeure sacrée mais s’hybride également dans l’œuvre de Fatima Mazmouz (SuperOum Zelij – Mères culturelles, 2022). La réflexion s’y prolonge en inscrivant la maternité dans des récits contemporains, diasporiques, politiques.

Même la Niobé (2013) sculptée par Laurent Perbos – figure mythologique condamnée à pleurer éternellement la mort de ses enfants pour avoir défié les dieux – rappelle que la maternité n’a jamais été univoque : elle est aussi traversée par la perte, la faute, la douleur. Les larmes y deviennent une matière artistique à part entière, avec tout ce que la représentation relève de questions autour de l’exploitation.

Et puis il y a ces correspondances sensibles, notamment entre le pendentif portugais « cœur de Viana » et le monumental Cœur indépendant rouge (2008) de Joana Vasconcelos : cette même iconographie, entre tradition populaire et monumentalité contemporaine, où l’amour maternel oscille entre tradition intime et geste spectaculaire.

Corps maternels : expériences, douleurs, réalités

L’exposition nous plonge alors dans les réalités concrètes des corps. Les broderies d’Édith Laplace évoquent ainsi avec une pudeur saisissante l’endométriose et l’adénomyose, rappelant combien ces douleurs féminines, et leur impact sur la santé physique et psychique de femmes à la fertilité gravement atteinte, restent invisibilisées. À proximité, la présentation d’objets liés à l’avortement clandestin vient brutalement inscrire la maternité dans l’histoire des contraintes, des interdits et des luttes.

Ce dialogue entre art et documentation culmine avec une œuvre de Vincent Aitzegagh qui revisite la Vierge à la chaise de Raphaël : couleurs altérées, fragment manquant comme à un puzzle – une métaphore bien sentie des parcours de PMA (2018). Placée face à une carte du bassin méditerranéen détaillant l’accès à l’avortement et à la procréation médicalement assistée, elle adosse une dimension géopolitique à celle de l’intime. Rappelant combien l’un demeure inséparable de l’autre.

Entre fiction et vérité

L’un des grands mérites de l’exposition est d’assumer pleinement l’artificialité des images sans jamais les disqualifier. La célèbre photographie de Pierre et Gilles mettant en scène Hafsia Herzi, son fils assis sur ses genoux, en Bonne Mère marseillaise, en est un exemple éclatant : stylisée, presque irréelle, elle touche pourtant à une vérité émotionnelle immédiate.

Ce principe irrigue aussi la vidéo introductive Keening de Ruth Patir, où des Vénus callipyges générées par l’intelligence artificielle semblent reprendre le pouvoir sur un (hyper)réel. Déstabilisante, l’œuvre dit quelque chose d’essentiel : la maternité est un récit en constante réécriture, aujourd’hui traversé par les technologies autant que par les héritages.

Le parcours s’autorise aussi des respirations plus légères – mais jamais anodines. Une citation de Jul, la photographie tendre et décalée de Denis Dailleux montrant un bodybuilder égyptien aux côtés de sa mère, ou encore les œuvres de Niki de Saint Phalle et Baya rappellent que les liens maternels échappent aux modèles : absents, débordants, ambivalents, parfois conflictuels.

À l’image du travail en forme de vitrail de Clara Rivault, réactivant une forme de sacré sans dogme, où le féminin se redéfinit sans tabou ni artifice. Une spiritualité recomposée, à hauteur d’expérience.

SUZANNE CANESSA

 Bonnes Mères
Jusqu’au 31 août
Mucem, Marseille

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Au Mucem, la première partie de leur parcours expose ainsi le mythe de la mère, sa portée symbolique et ses déclinaisons relevant du sacré : des icônes de la Vierge à la mère surpuissante de Louise Bourgeois, les représentations sont nombreuses et toujours passionnantes.

À cette première section succèdera une seconde, dédiée non pas à l’édification mais à la déconstruction du mythe : le biologique et le médical y seront des clés de lecture, gravitant autour, notamment, des menstruations, de l’accouchement, de l’avortement et de la PMA. Les Mater Dolorosa y côtoieront, entre autres, les Mères Méditerranée. Avant que la question de la filiation et de la transmission ne conclue une exposition célébrant une certaine idée du matriarcat. S.C.

À partir du 18 mars
Mucem, Marseille

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Formé à l’école Boulle puis à l’école nationale des Arts décoratifs et devenu professeur de dessin à l’académie Julian, il participe à l’abstraction lyrique dans les années 1950. Progressivement, il va jeter des ponts entre pure abstraction et émergence d’un figuratif où la présence humaine s’exprime comme un « corps-masse » colorée et surtout comme un visage caché, fantomatique, défait de toute représentativité individuelle.

Le regard perturbé

Le regard est le plus souvent privé de ses deux yeux, comme aveugle. C’est plutôt une humanité, (un « tas de gens », 1966) une présence humaine souffrante, déconsidérée qui surgit. Ainsi les deux versions des Fusillés de 1982, témoignent-elles justement de ce traitement en masse. Il en va de même avec le grand format de son Harem (1969) en dominante rouge où les femmes occupent l’espace de manière totalement chaotique et dont les corps sont traités en silhouettes disloquées essentiellement.

Il y a chez Gillet à la fois un point de vue de déconstruction sarcastique (le titre de l’exposition est la grande dérision) mais aussi d’une approche sensible. Celle d’un homme qui a vu les images de la Shoah, des faméliques du monde entier (Le Tiers Monde, 1966).

Ce qui frappe dans les œuvres présentées, c’est l’unité chromatique de beaucoup de toiles, figuratives ou abstraites : les tons de brun l’emportent, traitant tout aussi bien les cieux, les visages, les corps, les fonds du tableau. Il travaille une matière particulière, dans laquelle se mêle sable et colle de peau ; il crée au couteau de l’épaisseur et ne cesse d’expérimenter.

Mais par-delà l’émergence d’un langage pictural personnel, Roger Edgar Gillet se souvient des œuvres de grands peintres de l’histoire de l’art, comme Goya, Zurbaran, Rembrandt, Manet… Ce qui compte avant tout pour lui, c’est de perturber le regard, nos regards. L’exposition est à la fois monographique mais aussi dialogue avec des œuvres de la collection permanente.

MARIE DU CREST

La grande dérision 
Jusqu’au 7 juin
Musée Estrine, Saint-Rémy-de-Provence

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À l’entrée de l’exposition ont été placées une dizaine d’œuvres de la fin du XIXᵉ siècle et du début du XX^e, signées de quelques représentants du néo-impressionnisme et du fauvisme : Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Henri Manguin, Louis Valtat, Charles Camoin ou encore Théo Van Rysselberghe lui-même, dont la Villa, qui porte son prénom, célèbre cette année le centenaire de la disparition.

Des œuvres montrant notamment comment la lumière varoise a été traduite sur la toile par des touches de couleurs pointillistes, divisionnistes. Par exemple Cross avec Retour de baignade, Van Rysselberghe avec Les anthémis en fleurs ou Valtat avec Nocturne (Effet de lune) fragmentent la touche, cherchant à restituer la vibration lumineuse propre au littoral méditerranéen.

D’autres, comme Maximilien Luce avec ses rouges, ses violets et ses verts puissants dans Coup de vent à Saint-Clair, montrent une émotion chromatique plus directe, avec des aplats francs, des contours simplifiés et une palette saturée. L’affirmation d’une subjectivité picturale, que l’on retrouve dans la plupart des œuvres contemporaines exposées dans la grande salle.

Contrastes et voisinages

La nature varoise, dans les tableaux des artistes contemporains présentés, est explorée comme un champ formel, expressif, frôlant parfois l’abstraction. Notamment chez Caroline Vicquenault avec son monumental Dans le Verdon, Solange Triger avec Lys des sables, Presqu’île de Giens ou Jean-Pierre Maltèse, avec Harmonie jaune, orange et vert : des toiles où la couleur s’émancipe du strict motif paysager, explorant les rapports entre surface, matière et lumière.

D’autres, tels que Patrice Giorda avec La Chapelle Saint-Clair, Marie Astoin avec Retour de pêche ou Bertrand de Miollis avec Le premier bain, mettent plutôt l’accent sur la matérialité de la peinture : leurs œuvres se caractérisent par des empâtements, des superpositions et un travail du geste pouvant évoquer une certaine rugosité du territoire varois. La couleur y est parfois assombrie, parfois étouffée par la matière.

Une exposition en forme de jeux de contrastes et de voisinages entre l’historique et le contemporain, entre la mémoire locale et l’universel de la couleur.

MARC VOIRY

 Couleurs du Var

Jusqu’au 30 mai

Villa Théo, Le Lavandou

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C’est dans l’atelier parisien de Fernand Mourlot et auprès du maître imprimeur coloriste, Charles Sorlier, que l’artiste explore la technique de la lithographie et toutes ses potentialités. L’éditeur Teriade demande à Chagall d’illustrer le texte grec que Bonnard avant lui, avait déjà abordé.

La série de 42 compositions sera le triomphe de la couleur qui pour Chagall « est tout ». Jaunes éclatants, verts et rouges puissants, bleus intenses et profonds irriguent chacune des scènes aux formats de 60×40 ou 60×80, « écrivent » picturalement les épisodes de la vie et les amours des deux jeunes héros de l’œuvre livresque.

Ombre et couleurs

Le visiteur suit le récit depuis le frontispice jusqu’à sa fin. La nature, les saisons, les travaux bucoliques des bergers ou vendangeurs sont autant de décors fantasques, dans lesquels les corps, les visages semblent voler dans les airs ainsi que les bêtes qui les accompagnent. L’illustration de l’Odyssée reprend cette matière grecque, mythologique : après le monde de la terre, des arbres et des fleurs, c’est celui de la mer, de l’errance qui s’impose.

On passe ensuite à la Torah. La couleur rouge pour le personnage d’Aaron et les jaunes et verts de la ménorah dans la planche 458 (seule présentée ici), font entrer en correspondance le monde antique polythéiste et celui du judaïsme de Chagall.

À l’opposé de ce flamboiement chromatique, l’exposition dévoile un travail en noir et blanc, papier-report sur plaque de zinc, avec les planches consacrées à la Tempête de Shakespeare. On retrouve alors des personnages de la pièce : Prospero, Miranda ou encore Caliban.

On pourra seulement regretter qu’un système d’éclairage produise, de manière assez intempestive, les ombres des nombreux visiteurs sur les murs des salles et sur les œuvres. Un paradoxe dans ce monde si lumineux et poétique de Chagall.

MARIE DU CREST

Chagall tout encouleur Jusqu’au 29 mars
Espace culturel départemental, Aix-en-Provence

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Collage et décollage

La pratique picturale d’Yves Zurstrassen (né à Liège en 1956) est présentée dans une vidéo documentaire diffusée au sein de l’exposition : elle mêle de façon méthodique collage et décollage de pochoirs, appliqués sur des couches successives de peinture, aboutissant à des jeux de formes et de rythmes qui « font danser la couleur dans ses tableaux ». Des jeux de surfaces dynamiques, des modulations rythmiques entre formes et fonds, sur toute la surface de la toile, la plupart du temps de grand format, tout en restant très construites, ordonnées et équilibrées.

Rouge pictural et rouge lumineux

Pour Variations rouge, ses sept toiles ont été pensées spécifiquement pour la nef et les volumes latéraux de l’édifice, où se trouvent les cinq plus grands formats. L’accrochage répond à la verticalité des murs et à la profondeur de la nef, instaurant une relation physique et frontale avec le visiteur. Le tout dialogue avec le rouge lumineux et unique des vitraux de Nemours, qui colore l’espace de manière diffuse et constante, en proposant des rouges incarnés, liés à la matière picturale, au geste et à la surface.

Une couleur qu’Yves Zurstrassen décline et répète à travers des ensembles de petites formes abstraites aux contours découpés, droits ou arrondis, tramées le plus souvent par une multitude de petits trous, mais aussi grattées, griffées. Chaque toile présente ainsi une composition plus ou moins dense de formes-couleur, sorte d’engrenages construits sur un fond lisse en aplat gris, une mécanique absorbant la lumière, la fragmentant et la redistribuant par variations de textures, de couches et de réserves.

Des peintures contrastant avec la fixité de la pierre, la sobriété de l’architecture et la verticalité des volumes, tout comme avec la géométrie radicale des vitraux de Nemours.

MARC VOIRY

Variations rouges

Jusqu’au 14 décembre

Musée de Salagon, Mane

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Cette démarche porte ses fruits : en témoigne le succès depuis cinq saisons des Procès du Siècle : chaque lundi, l’auditorium Germaine Tillon déborde de visiteurs souvent jeunes, parfois critiques, mais bouillant d’envie de débattre des sujets abordés. Thème jusqu’au 16 mars : C’est par où le futur ? Bonne question, pour des générations qui peinent à trouver des perspectives réjouissantes, sur une planète polluée par le capitalisme, aux sociétés meurtries par des inégalités inouïes et des algorithmes opaques.

Mères en Méditerranée

Les expositions porteront la marque de ce foisonnant questionnement contemporain. Particulièrement Bonnes Mères (du 18 mars au 31 août), que Pierre-Olivier Costa, président du Mucem, qualifie de « solaire et militante ». Pour Anne-Cécile Mailfert, co-commissaire avec Caroline Chenu, il s’agit de mettre en pleine lumière « les injonctions contradictoires faites aux femmes, montrer la réalité matérielle de leur corps, encore tabou, ou au contraire instrumentalisé, l’idéalisation et les ambivalences des figures maternelles ». 350 œuvres ponctueront ce parcours, avec plus encore que de coutume, au côté des items issus du fonds ethnographique du musée, le travail d’artistes contemporaines en nombre.

À partir du 28 octobre, Manger les images interrogera quant à elle l’iconophagie de l’Antiquité à nos jours. Comme le formule Raphaël Bories, conservateur du pôle Croyances et religions, « submergés par un flot d’images numériques, ne sommes-nous pas en train de nous faire dévorer à notre tour ? »

Autre temps fort, d’une durée exceptionnelle de 11 mois (à partir du 18 novembre), Mayotte, Maoré, La rencontre des mondes, consacrée à la culture de l’archipel. Le MuMa, fermé suite au cyclone Chido, est ainsi soutenu par le Mucem, de belle manière.

GAËLLE CLOAREC

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Artistes au front

L’exposition se déploie à travers un affichage aux résonnances plastiques constructivistes, utilisant les couleurs bleue et jaune du drapeau ukrainien, mêlant photographies et textes, intégrant quelques vidéos et exposant quelques livres.

La première partie met principalement en perspective la « Renaissance fusillée » par le pouvoir stalinien au tournant des années 1930, pour qui « l’ukrainisation du communisme », menée par des intellectuels et artistes russes, menaçait l’unité de l’URSS, avec l’implication depuis 2022 de nombreux artistes ukrainiens dans la guerre. Avec des focus, pour la « Renaissance fusillée », sur le linguiste et lexicographe Hryhorii Holoskevych, sur Mykhailo Semenko, théoricien du « pan-futurisme », ou Les Kurbas, fondateur de la troupe de théâtre Berezil, arrêtés, déportés et tués. Et pour aujourd’hui, sur le poète Maksym Kryvtsov, tué en janvier 2024 dans la région de Kharkiv, Anastasia Shevchenko, chanteuse et médecin de combat sur le front, ou Marharyta Polovinko, artiste qui, à la fin de l’année 2024, a rejoint les forces armées ukrainiennes, tout en continuant son cycle de dessin lié à la peur et à l’effacement, commencée au crayon et à la gomme, se poursuivant aujourd’hui avec du sang.

Abris 

Tout en parcourant cette histoire, l’exposition passe en revue une dizaine de lieux culturels très actifs. Tels que le Mystetskyi Arsenal qui accueille en ce moment l’exposition Vasyl Stus. Tant que nous sommes ici, tout ira bien dédiée à ce poète et figure de la résistance antisoviétique. La galerie The Naked Room, qui présentait dans son espace jusqu’au 8 janvier dernier The new frontiers of my body d’Elena Subach, artiste et photographe, autour de la rééducation aquatique de vétérans et de civils amputés.

Ou bien encore Izolvatsia, friche industrielle à Donetsk, devenue un lieu de référence pour l’avant-garde artistique dans le Donbass, qui en juin 2014, lors de l’occupation de la ville par des milices contrôlées par la Russie, a été saisi et transformé en un centre de détention. Aujourd’hui, la fondation Izolvatsia poursuit ses activités en exil à Kyïv et est notamment l’une des chevilles ouvrières de la saison Le Voyage en Ukraine en France.

Cœur et périphérie

On entre et on sort del’exposition devant un affichage présentant des photographies du drapeau européen, flottant sur des bâtiments officiels, à côté du drapeau ukrainien, accompagnées d’un texte L’Europe, à la recherche de son cœur signé Yevgen Satko – designer typographique contemporain, fondateur et directeur général de Rentafont, plateforme ukrainienne indépendante dédiée à la promotion des polices ukrainiennes. Il écrit que l’Ukraine n’est pas à la périphérie de L’Europe, mais au contraire « un miroir dans lequel L’Europe peut à nouveau voir son propre cœur ». 

MARC VOIRY

Le Gué – Culture sous guerre
Jusqu’au 1er mars
La Friche La Belle de Mai, Marseille

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À côté, sur Le bouclier d’Hélène de Louise Chatelain, est gravé un arbre généalogique des violences patriarcales subies par les femmes de sa famille. Puis, elle propose aux spectateurices de poser leur oreille sur la barre métallique d’un lit superposé, disposé au fond de l’espace d’exposition, pour y entendre un témoignage de violence conjugale.
Dans la petite salle adjacente à l’entrée, se trouve un dispositif d’installation qu’Emma Cambier active par la performance. Sur une table, l’artiste manipule un briquet, des coupures de journaux, des lettres, une boîte… Entre documentaire et fiction, elle tisse un récit hybride qui lie des souvenirs familiaux à l’histoire coloniale des Antilles. Au centre de la salle d’exposition, les grandes structures textiles d’Hippolyne NXNN troublent la frontière de l’intime et de l’espace public. Puis l’espace domestique déborde, la peinture de Mailys Moanda sort de la toile pour envahir les murs et les sols. Ses larges damiers colorés rappellent certaines tombes guadeloupéennes et délimitent un lieu de passage, un seuil bariolé entre deux salles blanches, ou le souvenir et le rêve s’entremêlent. En face, les pièces de Suska Bastian font écho aux déplacements de sens d’éléments glanés et transformés par l’artiste, dans des perspectives de préservation de leurs essences et leurs imaginaires : des chaînes de voitures, des feuilles de palmiers…

Dans une salle fermée par un rideau, une tour d’enceinte dans une ambiance saturée de lumière verte diffuse un mash-up de la bande son du film d’horreur Conjuring et de grondements de station d’épuration. Cette installation de Marion Genty, renverse la hiérarchie des sens, et cherche à générer le sentiment d’angoisse à travers une narration concentrée dans le spectre sonore. Enfin, le grand « bestiaire quantique » de Jaguar (Anaël Martin) se déploie dans la dernière salle. Tout ce qui existe au monde est un amas de motifs, de phrases, de dessins dans l’espace et de petites sculptures disséminés qui fabriquent ensemble une constellation de concepts, de références, d’hommages et de logiques aussi farfelues qu’indubitables.

Identités et refuges

À La Compagnie, les huit artistes de la Relève inscrivent leur exposition collective dans une « cosmopoétique du refuge », en écho avec la programmation actuelle du lieu de création. Ici, les récits politiques sont des sources de réinvention de soi. La fresque colorée de Clef Grémil accueille les spectateurices, une grande chenille en transition se débarrasse au fil du temps des éléments en céramique qui la compose, ses seins découpés par des ciseaux ouvragés sont dispersés au sol, vestiges de ce geste de soin et de métamorphose fabuleuse. L’humour et le détournement sont des outils de transgression dans le travail de l’artiste et évoque ses expériences du handicap, de la transidentité et celles de ses proches. Une autre de ses pièces, un paravent mou faisant office de parois poreuse et souple au fond de la salle, délimite l’espace et encourage une douce indiscrétion.
Devant la fresque, des coussins en tissus malgache invitent à s’assoir devant des vidéos mise dos à dos : l’une d’entre elles montre le visage de l’artiste, Ellvina Bimanato, l’autre les mains de sa grand-mère qui démêle ses cheveux en décrivant la maison de famille détruite lors du coup d’état d’Andry Rajoelina en 2009. L’artiste fabrique à travers des sons, des silences, des gestes, d’autres langages qui permettent l’expression et la transmission de récits perdus, de liens intergénérationnels.
Derrière ses pièces, l’autel Télomètre de Gil Lekh, invite le public à naviguer entre les symboles de son identité queer qui le constitue. À travers un rituel de deuil et de célébration, iel visibilise les violences raciste et queerphobes des enfances similaires à la sienne. Et toi, t’as mangé ? (Et toi ? Ăn cơm chưa ?), où bien « Et toi, t’as souffert ? » selon la double interprétation que la formule implique, est un poème-dialogue transgénérationnel à destination des ancêtres de l’artiste.
À côté, des vêtements confectionnés en vàng ma, un papier de bambou avec lequel sont fabriqués au Vietnam et au Cambodge, de faux vêtements destinés à être brûlés pour rejoindre l’au-delà. Près de l’autel, les Poupées fripon*nes d’Amaya Cascio observent les visiteureuses, depuis leurs chaises bariolées. Inspirées d’une coutume familiale qui consiste à recouvrir les appareils électroménagers de housses de tissus et à y ajouter des yeux et des tresses, les poupées sont activées lors de performance Volver, volver onlybass’n reverb où elles se mettent à danser et chuchotent des secrets aux spectateurices. Les peintures d’Amaya Cascio sont disséminées dans la salle, autour d’une grande table de jeu de cartes nicaraguayen, le Chalupa Nicaraguense réinterprété par l’artiste.
Le Micro-Coeur en céramique de Lila Crnogorac est suspendu au centre de la salle centrale. C’est un objet de recueil de récit lesbien et de diffusion, d’amplification de paroles intimes trop souvent tues.
Dans la dernière salle, une vidéo réalisée au simulateur de vagues de la Grande Soufflerie, résonne et lie ses instruments de verres au sol et les céramiques de Valentin Saez qui gravitent autour. Toustes évoquent une préservation et une visibilité des désirs queers. Valentin Saez disperse dans l’espace d’exposition, une série de carreau et de Bojiltos, des gargoulettes espagnoles détournées, inspirés d’esthétiques historiques traditionnelles mises au service de la communautés queer, pour fabriquer des archives de récits déviants. 

L’exposition collective de la Relève 8, présente cette année une promotion d’artistes inventeur•ices de sens, aux grandes qualités plastiques et aux engagements politiques incontestables. L’archive glisse et bascule avec justesse dans l’imaginaire, connecte les récits entre eux et empouvoire respectivement l’évocation du souvenir et la réécriture de l’identité. 

NEMO TURBANT

La Relève #8 - Exposition collective
Jusqu’au 28 mars
Galerie Château de Servières 
Le festival Parallèle se poursuit jusqu’au 7 février entre Marseille et Aix-en-Provence

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