Vous l’aurez compris le premier long métrage de Joscha Bongard, Babystar, n’est pas un film confortable malgré ces images, lisses et brillantes. Sous ses couleurs séduisantes, ses cadres soignés, son éclat presque pop, le film met en scène quelque chose de très trouble : la fabrication des êtres par le regard des autres. Le directeur de la photographie,, Jakob Sinsel avec qui .le réalisateur avait déjà travaillé pour son documentaire Pornfluencer .et ses courts métrages,  a su par ses choix, dont le fish-eye traduire le malaise qui s’installe. Le compositeur Jonas Vogler a opté pour la voix humaine comme élément central de la bande son. Choix particulièrement intéressant ! Tout au long du film Luca cherche sa propre voix et la musique l’accompagne dans cette quête douloureuse.

La violence n’est pas toujours brutale. Elle peut être pastel, glamour, photogénique. Elle peut sourire à la caméra.et c’est ce paradoxe qui fait qu’on sort Babystar  avec un sentiment de malaise même si on est conscient du danger des réseaux sociaux  « Les réseaux sociaux sont le reflet de notre système capitaliste, et il faut qu’on en parle (…) Je pense que ce film s’adresse à tout le monde et qu’il est peut-être même plus intéressant pour des personnes qui ne sont pas beaucoup en ligne ou qui s’intéressent aux réseaux sociaux sans y être vraiment présentes. »précise Joscha Bongard qui espère ainsi alerter sur l’usage excessif des téléphones et des plateformes.  » Espérons –le !

Annie Gava

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En 1948, Salim, une dizaine d’années, vit à Jaffa, Palestine, avec sa famille dans une maison cossue où il fait bon vivre. Salim adore jouer avec son père qui lui apprend des poèmes. Mais des bombardements se rapprochent et le nord de Jaffa est évacué. Rester ou partir ? La décision est prise : la mère, Munira, (Maria Zreik ) partira avec les enfants, comme des milliers d’autres Palestiniens. Un exode massif. L’état d’Israël est fondé et Jaffa est sous contrôle du nouvel état. L’orangeraie est confisquée, le père arrêté, frappé, envoyé dans un camp de travaux forcés.

1978 : la famille vit dans un camp de réfugiés, en Cisjordanie occupée. Salim est instituteur ; son père fait des crises de somnambulisme, a des problèmes cardiaques, et son fils Noor, lui reproche d’être lâche. Car lors d’un contrôle, braqué par des soldats israéliens qui l’ont mis à terre, insulté, il n’a pas réagi, craignant qu’ils ne s’en prennent  à son fils. Une  scène d’humiliation bouleversante où Noor se rend compte  que son père, son héros, ne peut pas le protéger.

1988, on se retrouve en pleine intifada : Noor est gravement blessé…et des choix vont s’imposer à Salim et sa femme, Hanan…

C’est à travers cette saga en trois époques auxquelles s’ajoute un épilogue en 2022, que Cherien Dabis nous raconte, au-delà de l’histoire de cette famille , le drame de tout un peuple. « Je voulais faire un film qui soit une lettre d’amour à mon peuple. Pour la première fois, on voit une famille palestinienne endurer ce qui nous est arrivé depuis 1948. ».

C’est Mohammad  Bakri, acteur et cinéaste palestinien, disparu fin 2025,  qui  incarne Sharif en 1978.  son fils Adam Bakri interprète Sharif en 1948. Un autre fils, Saleh Bakri joue le rôle de Salim : quant à Cherien Dabis, elle incarne Hanan,  la mère de Noor. Un casting familial qui renforce le côté personnel et intime de ce film qui interroge aussi la relation entre le grand-père, le père et le fils. 

Dans une mise en scène classique, ce film qui évoque 70 ans d’Histoire, à travers un regard palestinien est un film nécessaire, que beaucoup devraient voir.

Annie Gava

Ce qu’il reste de nous sort en salles le 11 mars

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Tourné en noir et blanc, plus organique, le cinquième long métrage du réalisateur mexicain, Fernando Eimbcke, parle des rapports père/ fils, des difficultés de la vie, mais aussi de la force de l’enfance. Eimbcke s’attache aux détails, filmant une main qui rassure, une mouche sur un rideau, le visage d’Olga comme un paysage qui se transforme au fil du temps. La caméra de la directrice de la photo Maria Secco suit Cristian qui court dans les rues, filme en gros plan ses yeux fixés sur le jeu où il détruit les Invaders, question de vie ou de mort : c’est par ce jeu que son père lui a expliqué la prolifération des cellules cancéreuses dans le corps humain.

Bastian Escobar qui incarne Cristian est « craquant » de sincérité. Il dit s’être bien amusé sur le tournage. Eimbcke, lui, précise avoir été inspiré par Le Voleur de bicyclette et Le Kid et avoir travaillé sur ce film comme un documentaire : le casting a été fait dans la cité où il a tourné. « J’aime le mélodrame où se mêle l’humour. » confie-t-il.

Moscas qui doit son titre aux mouches, motif récurrent et symbolique, est un film très réussi dont on sort les larmes aux yeux.

Annie Gava

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 Une chronique de la vie quotidienne, au fil des saisons dans les paysages grandioses du littoral islandais. Celle d’une famille dont on partage des moments qui semblent heureux, des repas, des jeux, la toilette du chien, Panda, le coucher des jumeaux. La mère, Anna (Saga Garðarsdóttir), une artiste plasticienne crée des toiles, les exposant aux vents marins sous des pochoirs métalliques qui y imprègnent des motifs de rouille. Toiles qu’elle a du mal à exposer et vendre. La séquence avec un galeriste suédois (Anders Mossling ) venu lui rendre visite est des plus cocasses.  Anna gère le quotidien, son mari, Magnus (Sverrir Gudnason), marin -pêcheur, est souvent en mer et lorsqu’il rentre, ça grince. Hauts et bas d’un couple qui bat de l’aile. D’ailleurs pour Anna, cela semble clair. Ils sont séparés.

Paysages intimes

 Magnus, lui, vit très mal cette rupture ; il est à la fois en colère et profondément triste. Pourtant la famille partage encore des moments sans tensions : promenades dans la nature, cueillette de fruits rouges dont on fait des confitures, films qu’on regarde ensemble, un pique-nique étrange où soudain, la jupe d’Anna, déployée au- dessus de Markus allongé, laisse entrevoir sa petite culotte. Comme une apparition. Ce ne sera pas la seule du film. Un coq, tué par Magnus à la demande d’Anna, revient l’attaquer, aussi grand qu’un dinosaure. Un rêve ?  Et motif récurrent, une sorte de pantin-épouvantail construit par les enfants et leur mère, cible pour le tir à l’arc, prend vie comme une chevalière coiffée d’un heaume. Un peu comme si le réel se mettait à dysfonctionner tel le couple qui se défait.

 Si L’Amour qu’il nous reste traite un sujet vu et revu au cinéma, une séparation, il nous parle aussi de la fuite du temps, des souvenirs qui restent. Il nous capte par la mise en scène et les choix du cinéaste. « Sur tous les plans, je voulais faire simple et aller droit au but, pour saisir l’énergie particulière du film et obtenir un équilibre entre l’absurde et le comique, la beauté et la laideur, la famille et la nature, les enfants et les parents »

Qu’on soit en mer avec Magnus ou sur terre avec Anna, Hlynur Pálmason, filme en plans fixes, avec beaucoup de précision et de sensualité les gestes du travail, les outils, les corps et les visages.  Il nous donne à voir la beauté de la mer et les paysages sublimes de cette côte, auxquels la musique de h hunt, Playing Piano for Dad ajoute une touche mélancolique.

Annie Gava

L’Amour qu’il nous reste est en salles le 17 décembre. Il représentera l’Islande aux Oscars

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 C’est la vie au cours de cette semaine de fête que nous conte Sara Fantova dans ce premier film Jone Sometimes, ce moment  où Jone entre dans sa vie d’adulte , entre ombre et lumière, entre allégresse et tristesse, entre élan vital et maladie. Le récit est ponctué par des images du passé, des photos de l’enfance et les carnets intimes du père qui, peu à peu,  perd ses repères et son autonomie. Sara Fantova  filme le quotidien, les repas, la teinture en rose des cheveux de Marta, les courses dans un magasin de bricolage. Se dessine ainsi le portrait d’une jeune femme : sa relation avec son père, la complicité avec sa sœur et son envie de vivre. . Olaia Aguayo incarne avec intensité cette jeune femme au moment de ce passage à l’âge adulte qui lui est imposé par la vie. Sur un sujet assez classique, Sara Fantova offre un film habile et prometteur que le Jury de Malaga 2025 a récompensé d’une mention spéciale.

 Annie Gava

Le film sort en salles le 17 décembre

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C’est donc à une véritable exploration que se livre la cinéaste, fouillant avec patience et passion : témoignages sur le travail de Chris Marker , celui qui aimait les chouettes et les chats, carnets de notes où l’on découvre que c’est le 23 septembre 1962 qu’a débuté le photo-roman, appareils photo argentiques dont le « Pentax » qu’utilisait Marker. Dans une séquence assez drôle, l’oncle Paul fait le calcul des probabilités pour que la famille de Jean – Henri se soit trouvée là, à Orly, au moment où Marker prenait ses photos. 1 chance sur 4520 ! L’aéroport d’Orly, c’est là où la famille Cabrera a débarqué  et où elle se promenait tous les dimanches pour voir arriver les pieds-noirs venus comme elle d’Algérie en 1962. La mère de la cinéaste, Monique, ne reconnait personne sur la photo mais est au bord des larmes en regardant l’album  où elle revoit son défunt mari dont elle évoque le petit studio de photos qu’il avait monté là-bas.  L’histoire familiale rejoint l’Histoire, évoquée par Chris Marker dans Le joli Mai dont la cinéaste nous montre quelques séquences. Autre coïncidence : n’y a -t-il pas une ressemblance entre Jean –Henri et Davos Hanich, le peintre et sculpteur qui interprète le rôle principal de La Jetée, né à Saint Denis du Sig dans la même région que toute la famille… Tout cela donne le vertige.  Vertigo le film qui a inspiré Sans Soleil comme l’a précisé Marker. Et Dominique de conclure : «  Tu as inscrit notre famille dans le vortex de ton film »   Conclusion d’une enquête passionnante qui nous a fait voyager dans le temps, l’espace et le cinéma.

Annie Gava

Le 5^e plan de La Jetée sort en salles le 5 novembre 2025

©  Les Alchimistes

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En 2023, Sophie Letourneur avait réalisé Voyages en Italie : on y suit un couple, elle-même et Philippe Katerine, qui tente d’échapper à la routine en Sicile. Premier volet d’une trilogie, inspirée par le cinéma italien. Deuxième chapitre, bientôt sur les écrans, L’Aventura, où nous retrouvons Sophie Letourneur et Philippe Katerine, incarnant Sophie et Jean-Philippe, souvent appelé Jean-Phi, accompagnés de leurs enfants, Claudine (Béatrice Vernet), 11 ans, née d’un premier mariage et Raoul, trois ans ( Esteban Melero). La famille part en vacances, en Sardaigne Et dès le début du road trip, le dispositif même du film est affiché : Claudine , enregistreur à la main, veut absolument documenter tous ces moments, dans l’idée d’en faire un film avec sa mère. Trajets en train, en ferry, en voiture, à pied : on suit cette famille en vacances, inspiré par un voyage que la réalisatrice a fait en 2016 en compagnie de son compagnon Jean-Philippe et de leurs enfants, durant lequel elle a réalisé des enregistrements audios, sur le vif. Ce sera la matière même de son film. Une sorte de mise en abyme où passé et présent s’enchevêtrent, où réel et fiction se mélangent dans un chaos sonore et visuel. « On est la famille la plus bruyante de la plage ! » On partage le quotidien de ce couple qui se fait aspirer par les enfants; par la jeune ado, qui pose sans arrêt des questions pour son film, parfois jalouse de son petit frère ; il faut dire qu’il prend beaucoup de place, il crie, met les pieds sur la table, fait caca partout – le caca de Raoul, motif récurrent du film !- « Raoul ça va mal se terminer ! » entend -on souvent.  On est content de le voir enfermé quelques minutes dans une salle de bain !  Baignades, jeux, arrivées dans les locations de vacances, accrochages familiaux, tensions.  Sophie est épuisée. Jean-Phi la laisse tout gérer. Elle se confie à son hôte, Francesco et regarde les étoiles filantes avec lui, qui ne les voit jamais. Tout est filmé, raconté, revisité. Où et quand se demande-t-on. Il ne se passe rien ? Pour Sophie il se passe tout ! Il se passe la vie. De ce présent et de ce temps de la narration, nait parfois une certaine mélancolie. Le long et beau travelling où l’on suit Jean- Phi, solitaire le long du quai de Carloforte sur l’île de San Pietro, accompagné par la Sonate pour flûte de Bach de Zoltan Jeney, Paul Angerer et Johann Klika, semble révéler les fêlures du couple et la disparition du désir.

L’Aventura est un beau travail de cinéma. Néanmoins, il peut susciter un peu d’irritation chez les spectateurs qui s’y reconnaissent trop ou qui, au contraire se sentent très éloignés de ces personnages en vacances sur ces routes de Sardaigne.

Annie Gava

L’Aventura sort en salles le 2 juillet

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Philémon (Mathias Legout Hammond) a grandi : il a 17 ans. Sa mère Laurence (Élodie Bouchez), son père Georges (Jean-Charles Clichet) et sa petite sœur Lucie (Aly Mercier) s’installent dans une maison meublée, d’une petite bourgade pavillonnaire tout près d’une forêt. Ils sont heureux de commencer une nouvelle vie. « Tant que tu fais comme tout le monde, tu es tranquille ! » Car dans cette banlieue calme des années 1990, on s’invite à des barbecues et on interroge ceux qui viennent d’ailleurs. « Il faut absolument qu’on ait l’air le plus normal possible », rappelle Georges.

Frère de sang

La famille Féral vit avec les rideaux tirés et cache un secret : Philémon qui a sa chambre plein nord et évite le soleil, n’est pas un adolescent comme les autres, c’est un vampire. Laurence, qui lui fournit son propre sang, a trouvé un travail dans un centre de don du sang, ce qui lui permet de détourner des poches de ce précieux liquide pour son fils. « On n’est pas sérieux, quand on a 17 ans. » L’adolescent a envie de vivre comme les autres, de s’intégrer au groupe de jeunes du coin et quand il rencontre Camilla (Céleste Brunnquell), tout se complique. Désir et danger, violence et sensualité, ombre et lumière, amour et solitude. Le regard de Philémon sur le monde interroge notre propre regard.

Car ce film de vampire est avant tout un film sur la différence, l’éveil à la sexualité, les conventions sociales, la solitude. Philémon signifie « aimer et seul ». « Avec ce film, j’ai voulu raconter ce qui m’obsède depuis toujours : un monde conventionnel qui se fissure, des personnages qui dérangent, le malaise qui en découle » précise Céline Rouzet. Le scenario lui a été inspiré par l’histoire et la mort de son frère : « Je me suis rappelée que cette figure avait énormément hanté mon frère quand il était petit, lui qui est né différent et qui a beaucoup souffert du rejet des autres. Enfant, il voyait des vampires venir jusque dans sa chambre pour lui parler.»

Ceux qui s’attendraient à un film de vampires risquent d’être déçus. Les scènes où Philémon, comme la plupart des vampires depuis Nosferatu s’abreuve de sang humain, ne sont pas les plus réussies. Mais Céline Rouzet su créer une tension grandissante au fil du film et nous faire partager les efforts jusqu’à l’épuisement d’une famille qui se bat. En attendant la nuit a obtenu le Prix du Jury au Festival International de Films Fantastiques de Gérardmer.

ANNIE GAVA

En attendant la nuit, de Céline Rouzet
En salles le 5 juin

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Voyage intérieur

« On a le droit de décider ce qu’on veut faire de notre corps ! »s’indigne-t-elle. Elle est épuisée de devoir se débrouiller toute seule. « Je ne peux apaiser ma souffrance quand la vie me maltraite. » Comment garder la tête hors de l’eau, nous suggère un plan serré, fixe, long, intense, où elle nous regarde. Peut-être en quittant le bateau, un moment, pour aller voir sa sœur et faire connaissance avec la petite Inaya, celle qui va briser ce cycle infernal pour avoir de nouvelles références. En profiter aussi pour faire le point sur sa propre existence : « Je fais pas ma vie, je m’occupe des autres ! » lance-t-elle à sa sœur cadette. Comment chasser ses démons, vaincre sa peur de ne jamais être aimée ? Comment se reconstituer après cette enfance où on n’a pas reçu cet amour de base ? « Inaya est aimée et c’est le plus important », conclue-t-elle.

Dans Polaris, ce documentaire tourné pendant deux années, Ainara Vera trace le portait de deux femmes qui, chacune à sa manière, tracent leur voie. Elle filme les gestes expérimentés de la navigatrice dont le bateau semble glisser sur la mer et frôler les icebergs, ceux, plus tâtonnants de sa sœur qui apprend pas à pas les gestes d’une mère. « Hayat est une capitaine de navire qui cherche sans relâche sa place dans le monde », commente la cinéaste qui a su trouver la bonne distance pour nous donner à voir et entendre ces deux femmes blessées par la vie, nous faire partager leur voyage intérieur afin de se reconstruire. La musique d’Amine Bouhafa accompagne superbement ce voyage glaciaire travers des paysages à la beauté âpre et austère.

ANNIE GAVA

Polaris, de Ainara Vera

En salles le 21 juin

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