Des spectacles courts, mettent en lumière la création musicale au cœur de l’immense foisonnement artistique que représente Avignon. L’occasion de découvrir des productions venues de toute la France, du baroque au plus contemporain, sous forme de petits concerts . 11 en tout, dans les très belles salles de la Collection Lambert puis de l’Archivolte

qui reçoivent deux programmes de concerts qui se succèdent chaque jour. Les ensembles de la région seront bien représentés avec les Voix animées et C Barré dirigé par Sébastien Boin.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

du 8 au 12 juillet de 10h à 18h

Collection Lambert

du 13 au 17 juillet de 10hà 17h30

Archivolte, Chapelle du miracle

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Que manque-t-il à la musique de création pour qu’elle puisse trouver sa place sur les scènes pluridisciplinaires ? La question a réuni autour d’une table ronde dans le cadre splendide de la Collection Lambert, artistes, programmateurs, représentants du ministère de la Culture, de l’Ircam, de l’Onda… Dans les témoignages, les expériences de terrain, les intuitions partagées, les mêmes constats émergent : tout n’est pas qu’affaire de budget ou de fiche technique mais plutôt de méconnaissance, de récits inadaptés au public.

Stop aux clichés

« La création musicale est jugée aride, abstraite. Comment changer cette perception ? » s’interroge Estelle Lowry, directrice de la Maison de la musique contemporaine. Elle rappelle qu’un travail collectif est initié depuis quatre ans avec « Méridiens » porté par le ministère de la Culture et l’Ircam. Celui-ci a identifié plusieurs leviers : œuvrer à faire sortir ces musiques des clichés qui la présente comme élitiste, à mieux comprendre les publics – en particulier le sentiment d’illégitimité qui les habite face à la création, leur peur de s’ennuyer à un spectacle « barbant » –, à travailler envers des programmateurs qui méconnaissent ces esthétiques.

L’utopie de création

Élise Dabrowski, chanteuse lyrique, compositrice et directrice artistique de Trepak, structure porteuse de projets de créations, croit à la « puissance des œuvres » qui touche les publics. « Il faut arrêter de s’excuser d’être complexe. On doit rester centré sur ce que l’on a à dire. » Elle évoque Tomber sans bruit, création musicale hybride à partir d’archives sonores et visuelles, narrant la chute industrielle et sociale du groupe Vivarte (La Halle, André…) et la liquidation des 30 derniers salariés, fresque qui a suscité « l’envie » chez un large public. 

« Il y a nécessité à créer des œuvres qui font société. Chacune doit être singulière, non reproductible, à rebours des injonctions productivistes. Pas de recette : seul compte le lien entre une œuvre, un lieu, un public. » Elle plaide pour un renouvellement des formats, le temps long, l’utopie de la création dans des résidences faites de rencontres et de cocréations sur un territoire.

À Marseille, l’ensemble C Barré mise aussi sur ce travail en profondeur, au plus près duterrain et en direction des jeunes générations avec des orchestres amateurs dans les écoles et les quartiers. Depuis 2024, l’ensemble a intégré la scène nationale du Zef : « Au départ, la directrice du Zef [Francesca Poloniato] avait peur d’accueillir un ensemble comme le nôtre. Elle ne savait pas bien comment ça fonctionnait. On a travaillé ensemble, appris à se connaître », explique Sylvain Monier, son administrateur.

Car il s’agit de cela : faire tomber les craintes, accompagner les lieux dans leurs initiatives de médiation. Un public n’est pas figé, statique. Il se gagne, s’apprivoise, s’éduque, en particulier lorsqu’il pratique lui-même la musique et s’empare de la création, comme le propose C Barré aux enfants des quartiers Nord de Marseille.

ANNE-MARIE THOMAZEAU.

La rencontre s’est déroulée le 11 juillet à la Collection Lambert, Avignon.

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La première journée se tenait au théâtre Liberté dont le directeur, Charles Berling, « hôte de la session » donnait le ton : « Une scène nationale et pluridisciplinaire existe pour que l’on y défende des formes hybrides. On ne spécialise pas les endroits mais on suscite l’envie de ces programmations hybrides. Sans aucun doute la musique n’y tient pas une place suffisante ». Virginie Hornus Pin, adjointe au maire de Toulon et vice-Présidente de la Région Sud, en charge de l’Art de vivre en Provence-Alpes-Côte d’Azur, du patrimoine et des traditions, soulignait l’importance des ensembles musicaux indépendants et rappelait les contributions de la Région Sud, la sanctuarisation de son budget culture et l’action de l’agence Arsud (émanation de la Région) tandis que l’Amiral Yann Tainguy, adjoint à la Culture de la ville de Toulon souriait à propos de la « navigation de haute mer » que représente la culture pour la ville de Toulon et que Bénédicte Lefeuvre, directrice régionale des Affaires culturelles de la Région Provence-Alpes-Côte d’Azur saluait la dynamique de la Halle aux musiciens, titre du colloque, au cœur d’un contexte d’urgence alors que la diffusion et son patient travail auprès des publics est au centre des débats : « toute politique territoriale doit avoir un volet culturel, l’État sera toujours aux côtés des artistes, afin d’inventer de nouveaux dispositifs ». L’ancien ministre de la Culture et Président de la Fevis, Jacques Toubon, insista pour sa part sur la « réalité un peu méconnue pour la musique » qui s’articule autour de « trois piliers, les « maisons » (opéras, conservatoires…), les orchestres constitués en formations permanentes et les ensembles indépendants représentés par la Fevis depuis 1999. Ces derniers sont d’une grande diversité et cet « arc-en-ciel » exerce un rôle tout à fait essentiel, cinq mille concerts par an, deux millions de spectateurs, cinq à sept mille actions d’éducation, trois mille disques… Ces ensembles indépendants ne font appel aux fonds publics que pour un tiers de leurs ressources alors qu’il est de plus en plus difficile d’avoir recours au mécénat. La Fevis, au-delà de son importance dans la politique culturelle (les indépendants sont plus présents à l’international que les autres), met en évidence combien il est difficile de faire place à la musique dite savante dans les salles pluridisciplinaires. Nous essayons d’étudier quelle offre et quelle démarche sont à mettre en œuvre pour accompagner cette diffusion. Il faut rappeler que l’on n’est pas là pour ceux qui font de la musique mais pour ceux qui l’écoutent… »

« Encourager la musique dans les territoires et lieux disciplinaires »

L’intitulé de la seule table ronde du colloque qui privilégia un travail en ateliers afin que les divers acteurs se rencontrent, échangent, élaborent, dans une mise en commun stimulante d’intelligence collective, prenait en compte la situation laissée par la crise sanitaire, les modifications des habitudes et la remise en question de ce qui semblait acquis. Nicolas Dambre, journaliste à La Lettre du Spectacle et modérateur de la table ronde évoquait la programmation de la musique dans les scènes nationales pluridisciplinaires : 30% en moyenne, tous genres confondus avec en tête, le jazz et les musiques du monde. « La danse et la musique ne sont pas suffisamment représentées dans les scènes nationales, reprend Francesca Poloniato, vice-présidente de l’Association des Scènes nationales, ce sont des revendications que l’on entend beaucoup, il faudrait une étude précise des programmes pour voir la réelle proportion et formuler un vrai questionnement. Il ne faut pas faire de « fixette » sur une discipline. Si le label « pluridisciplinaire » est attribué, c’est parce qu’il faut croiser les disciplines, d’autre part il est des lieux où il est préférable d’insister sur telle ou telle forme de spectacle… Il faudrait décloisonner les disciplines puisque nous gérons plusieurs labels. Une manière de faire pénétrer la musique dans un lieu est d’en réunir toutes les composantes, au Zef (dont Francesca Poloniato est la directrice) le musicien Loïc Guenin inclut l’équipe des trente personnes du théâtre pour présenter les programmes musicaux, chacun s’en trouve investi !»

Igor Boïko, directeur Culture de la Région Provence-Alpes-Côte d’Azur, après avoir repris l’énumération des diverses structures qui aident la culture et sa diffusion (contrats de filières, Arsud, subventions sanctuarisées, Opéra au Sud…), salue la base de travail posée qui met les gens en réseau et insiste sur la nécessité de sortir de la logique de « silo » et de s’appuyer sur le terrain. Dominique Muller, délégué musique au Ministère de la Culture, formule le souhait de réinterroger les pratiques et de mettre en œuvre un travail au long cours avec les professionnels en posant un questionnement précis sur les conditions de l’accompagnement de la musique, de son accueil, des actions de coopération en s’appuyant sur les lieux de création et en s’adaptant aux scènes et aux territoires dont les spécificités sont multiples.

Un accueil des spectacles musicaux serait trop compliqué ? Absolument pas, sourit Francesca Poloniato, la musique, si l’on exclut les musiques actuelles, n’est pas très chère à programmer…

Des directeurs de salles dans le public témoignent à leur tour. Michael Dian, directeur de l’Espace Culturel de Chaillol sourit sur le terme de localisme qui ne doit en aucun cas être enfermé dans l’idée préconçue que sa portée serait moins longue : travailler sur un territoire défini, en osmose avec les populations, autorise une dimension supplémentaire à un simple concert, le « concert sec » ne fonctionne plus pour les publics, si ce n’est lorsqu’il s’agit de noms internationaux. Élodie Presles, directrice du théâtre Durance, revient sur la notion de décloisonnement : « lorsque je fais ma programmation, j’écris un récit destiné à une population. Le geste d’aller vers d’autres formes musicales que celles diffusées par les télés et les radios se travaille, par la question du son, du rythme… »

Les chiffres, sans appel étaient fournis par l’énorme travail effectué par Marthe Lemut du bureau Or Not, mission portée par l’association des scènes nationales (et consultable sur leur site) : les musiques classiques et contemporaines représentent 6,6% des programmations des scènes nationales pluridisciplinaires, alors que l’offre globale musicale sur ces mêmes scènes est de 32%. Si 18% des musiciens ont été artistes associés entre 2019 et 2020, toutes disciplines confondues, seulement 4,7% d’entre eux étaient des musiciens classiques…

Pourtant, malgré les difficultés, les concerts proposés ne cherchaient pas à racoler le public. L’exigence, la profondeur, la qualité du propos, sans concession étaient de mise. L’art ne ment pas, c’est son courage et sa force.

MARYVONNE COLOMBANI

_{Le colloque national de la Fevis s’est tenu les 31 janvier et 1^er février, à Toulon.}

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