Une volonté que Danièle Marcovici, fondatrice de la Villa et curatrice de l’exposition, affiche dès les premières lignes de son édito : « Longtemps ignorées et privées de reconnaissance, les femmes artistes ont été dominées par des sociétés patriarcales et éclipsées de l’histoire de l’art ». Si le constat est connu et n’a rien de révolutionnaire, la Villa joint la parole aux actes, et met en symphonie une centaine d’œuvres qui interrogent, avec joie ou colère, les démons d’une société patriarcale et capitaliste. 

Femmes objets et femmes au foyer

L’exposition débute en extérieur, avec une série d’œuvres qui pourrait facilement passer inaperçue. Car si l’œil est d’abord attiré vers un immense et magnifique escarpin construit en ustensiles de cuisine (casseroles, couvercles…), derrière se cachent les statues plus discrètes de Céline Cléron. Ce sont des cariatides, finement sculptées, qui ne portent pas un entablement sur la tête, mais une belle dose de charge mentale : un immense cabas pour les courses, une pile de bouquins, une petite maison de bois. Intitulé Ce qui pèse, l’ambiance est donnée pour le reste de la visite. 

À l’intérieur, chaque espace répond à une problématique que pose la société capitalo-patriarcale : et pour tous les accueillir, la Villa n’est heureusement pas un modeste T2… Ainsi les pièces s’intéressent à l’oppression des femmes, de la planète, la représentation du corps féminin… et accueillent les visiteurs avec un « tract » imprimé, où l’on peut lire notamment : Femmes objets, Femmes au foyer, Soumises/Opprimées, Hystériques/Rebelles. 

Fil barbelé 

À l’image de la scène artistique contemporaine, l’art textile est présent dans de nombreuses œuvres présentées. La scénographie offre d’ailleurs un hommage à l’une des révolutionnaires de cette technique, la Polonaise Magdalena Abakanowicz, qui fut la première à sculpter le textile, rompant ainsi la tradition, cassant le passé, après les horreurs de la Seconde Guerre mondiale. Son Ange noir, présenté à la Villa, est une immense sculpture de sisal tissé en trois dimensions, qui demande que l’on s’arrête quelques minutes, pour en admirer toutes les circonvolutions, et le travail vertigineux de l’artiste.   

Du fil toujours, avec Ghada Amer et son tableau Three Lines for Shirpa. L’artiste égyptienne – dont on a pu admirer le travail au Mucem – vient broder au fil une toile tendue, et y dessine des femmes nues, aux positions suggestives, inspirées de magazines pornographiques ou de tableaux classiques ( !). Elle dénonce ainsi le « regard historiquement porté sur les femmes dans l’art et dans la société tout en célébrant la sexualité et le plaisir féminin. »

À l’étage, le fil devient social et politique avec Suzanne Husky. Dans Euro War Rug, elle tisse un immense tapis qui vient conter, telle la Tapisserie de Bayeux, les affrontements entre les forces de l’ordre et les occupants de la Zad du Testet, qui luttaient contre la construction du barrage de Sivens. Les CRS se mêlent aux tractopelles, aux arbres, aux militants arrêtés. Autour, des armes brodées, une référence directe aux artisans afghans qui ajoutaient des motifs d’armes de guerre à leurs tapis pendant l’invasion soviétique de leur pays. 

64 artistes engagées 

Mais ce qui fait la force de cette exposition, derrière son propos politique, c’est aussi la profusion d’œuvres exposées. Et on dirait volontiers que l’on en a pour son argent si ce n’était pas gratuit. 

Aussi on sourit devant les grands panneaux siglés « Annie Warhol » et « Marcelle Duchamp » d’Agnès Thurnauer ; on regarde inquiets les bâtons de dynamite au timer défaillant de Pilar Albarracin ; et on est petits devant le travail d’Anila Rubika, qui est allée à la rencontre des femmes emprisonnées pour s’être défendues de leurs maris tortionnaires. L’entreprise de l’artiste, et la parole qu’elle a donnée à ces femmes, a eu un effet notoire dans son pays, et a permis à plusieurs d’entre elles d’être graciées par le gouvernement albanais. Un bel exemple du pouvoir performatif de l’art dans la société… et de se rappeler que le rôle d’une Villa Datris – comme tant d’autres acteurs culturels – est loin d’être anodin sur un territoire gagné par des forces obscurantistes.  

NICOLAS SANTUCCI 

Engagées 
Jusqu’au 2 novembre
Villa Datris, L’Isle-sur-la-Sorgue 

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Une exposition, deux volets

Évoquer les femmes rebelles, inventives, aventureuses, décomplexées, libres, qui font exploser les codes sociétaux en vigueur en abordant la mort, la sexualité, le désir, la vieillesse, la virilité, nécessitait bien deux expositions ! La première est une conversation haute en couleur entre l’artiste française Orlan et la sévillane Pilar Albarracín qui luttent contre l’invisibilité des femmes dans la société, et notamment dans l’art. Orlan jette aux orties les modèles normés, imposés en manipulant son corps par un travail charnel, le modifiant et l’hybridant constamment ; Pilar Albarracín traque les contradictions des traditions cultuelles et religieuses espagnoles dans des mises en scène individuelles ou collectives. Et use de métaphores autour du corps et de la tauromachie pour dénoncer « une pensée patriarcale fondée sur la domination, la violence et la mort ». Photographies, objets et films témoignent, par-delà leurs différences formelles, de leur engagement commun. Le second volet réunira 22 artistes internationales, de Ghada Amer à Joana Vasconcelos, de Alexandra Arnaud Bestieu à Jeanne Susplugas.

Entre beauté et liberté

Pour la commissaire d’exposition Catherine Soria, « ces irréductibles font de la beauté une manière d’être et de penser librement la place des femmes dans notre société ». Une place hors norme au vu des diktats patriarcaux, et c’est en cela, justement, qu’elles interpellent. Qu’elles interrogent, levées vent de bout contre le machisme, jusque dans les rangs de l’art où elles ont acquis leur notoriété.Dès les années 1960, Orlan reconsidérait le statut du corps féminin dans des happenings mémorables, des vidéos, des photos, s’opposant à toutes formes de suprématie. De domination masculine notamment. Au point de faire de son propre corps une œuvre à part entière, matière à la métamorphose : transformations, excroissances, opérations chirurgicales, mises en scène, travestissements, etc. Julie Crenn, critique d’art, souligne sa force, son humour et sa détermination à se jouer de la plasticité de son corps et de son apparence, et ce depuis son Manifeste de l’art charnel en 1975 ! Près de cinquante ans plus tard, Orlan est toujours une figure iconique de l’art contemporain qui a ouvert la voie aux artistes femmes. 

De l’individuel au collectif

Dans l’œuvre protéiforme de Pilar Albarracín, l’exposition a sélectionné une série d’autoportraits photographiques de facture classique. En apparence, seulement, car la main de l’artiste espagnole a fait son œuvre patiemment, redessinant le plastron des robes traditionnelles de flamenco de tracés anatomiques (squelette, intestins) ou poétiques (racines). Le tout sur fond de papier argenté froissé. Des représentations mi-déesses mi-madones qui donnent à voir l’extérieur et l’intérieur du corps féminin… Une autre œuvre singulière, réalisée à Istres, réunit un groupe de femmes couchées au sol, imbriquées les unes dans les autres et revêtues de la robe fétiche. Clin d’œil à une performance réalisée en 2018 au musée Picasso à Paris, intitulée En la piel del otro – dans la peau de l’autre qui évoquait les femmes assassinées en temps de guerre et les féminicides. Une autre image – forte – de la sororité.

MARIE GODFRIN-GUIDICELLI

Orlan et Pilar Albarracín
Premier volet jusqu’au 30 avril
Exposition collective
Du 6 mai au 14 juin
Le Polaris centre d’art, Istres
04 42 55 17 10

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Ghada Amer. Je n’avais pas envie d’être artiste, en fait. Quand j’étais petite, en Égypte, j’adorais les cours de dessin, on nous mettait dans un coin, avec des crayons et des couleurs, et on faisait ce qu’on voulait. C’était pour les cancres en réalité, ou quand il y avait la guerre avec Israël, c’était très calmant pour les enfants. Donc à chaque fois que j’étais angoissée, j’aimais toujours dessiner. Mais je ne savais pas que quelque chose comme « artiste » existait. En classe de terminale, à Nice, je suis tombée en très grave dépression, et la seule chose que je pouvais faire c’était dessiner. Mes parents m’ont parlé des Beaux-Arts, et c’est comme ça que j’ai découvert la Villa Arson, l’art, et qu’on pouvait s’amuser toute sa vie !

Et le féminisme, c’est arrivé comment ?

C’est arrivé tout seul [rires]. Parce qu’on peint ce qui nous entoure, ce qui nous touche, que ce soit un coucher de soleil, une situation politique. Et comme femme venant d’Égypte en France, j’ai vu que les femmes n’étaient pas traitées de la même manière que les hommes, ni ici, ni là-bas. Dans la famille, on était quatre filles, je n’avais pas de frère. Les gens se moquaient beaucoup de mon père, parce qu’il voulait nous donner une bonne éducation. Ils disaient qu’il perdait son argent en nous mettant dans des écoles françaises, chères. Plus tard, j’ai lu les livres d’histoire de l’art : aucune femme, la moitié de l’humanité absente. C’est quand même bizarre, et inquiétant ! 

Beaucoup de vos œuvres sont tramées d’écriture, que ce soit en arabe, anglais ou français. Qu’est-ce que l’écriture représente pour vous ?

Je suis née dans la calligraphie, c’est une forme d’art, un truc d’abstraction. J’ai connu tout ce qui est art figuratif bien après avoir connu l’art calligraphique. Donc pour moi, l’écriture c’est l’art. C’est comme les femmes que je dessine : d’un côté c’est dessiné, de l’autre écrit, mais je ne vois pas de différences.

Vous dîtes, à propos de votre travail le plus récent, les sculptures, que vous présentez à la Vieille Charité, que ça vous a permis de vous débarrasser de vos propos politiques pour passer à autre chose. Vous êtes passée à quoi ?

À la joie ! J’aime le processus créatif, c’est pour ça que je change beaucoup : il y a l’écriture, après il y a les femmes, les broderies, les jardins, la céramique, les dessins et la vidéo. Un médium après l’autre, j’aime me sentir toujours dans la création. Je veux toujours explorer, être créative, libre. 

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR MARC VOIRY

Lire aussi notre article La voix de la femme est Révolution 

Ghada Amer, Orient-Occident
Jusqu'au 16 avril
Mucem, Marseille
04 84 35 13 13 
mucem.org

Ghada Amer, Sculpteure
Jusqu'au 16 avril
Vieille Charité, Marseille
04 91 14 58 80 
musees.marseille.fr

Ghada Amer, Witches and Bitches
Jusqu'au 26 février
Frac Paca, Marseille
04 91 91 27 55 
fracpaca.org

À lire :
A woman's voice is Revolution, 35 €
Catalogue de la rétrospective, Éditions Dilecta (Mucem)

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Trois parcours marseillais
Prévoyez une demi-journée pour découvrir le travail de Ghada Amer : si chacun des lieux accueillant ses œuvres peut parfaitement se visiter seul, le triple parcours permet d’en aborder les différentes facettes. 

Mucem
Au Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée, l’accent a été mis par les deux commissaires, Hélia Paukner et Philippe Dagen, sur son attention au dialogue entre les aires culturelles. Un orteil sur chaque continent, même si elle vit et travaille à New York, l’artiste « se trouve très occidentale au Caire, et très orientale à Paris ». Recouvrant une série de 54 cartons, elle a brodé les passages sur la jouissance féminine d’une Encyclopédie du plaisir, anciens traités érotiques compilés à la fin du X^e siècle, à Bagdad, par le savant Abul Hasan Ali ibn Nasr al-Katib. « À l’époque, en Europe, l’intolérance religieuse faisait rage. Une culture sauve l’autre ! » Un peu plus loin, un voile facial de soie noire porte la définition du mot « peur » en arabe. Dentelle de Bayeux et perles de jais : Ghada Amer met en scène, dans une même aversion au contrôle du corps féminin, les deux faces du puritanisme : obsession religieuse vs érotisation aliénante.

Frac
Au Frac Paca, l’exposition Witches and Bitches précise son engagement féministe. Cette référence aux sorcières et putains s’attaque aux stéréotypes qui collent aux basques des femmes. Elle-même (lire entretien ci-après) s’est heurtée aux préjugés du milieu artistique : entre 1984 et 1989, étudiante à la Villa Arson de Nice, elle s’est vu refuser l’accès au cours de peinture, en raison « des faibles chances qu’auraient les femmes de mener avec succès une carrière de peintre ». En réaction Ghada Amer porte, selon les mots de Hélia Paukner, « une colère persistante et créatrice ». Son rapport ambivalent aux artistes hommes qu’elle admire, mais dont elle conteste la domination systémique, éclate sur les murs du Frac. Revisitant l’histoire de l’art au féminin, elle dialogue avec les Nymphéas de Claude Monet, en grand format. Sur ses toiles, les fils colorés de la broderie, forme d’expression longtemps considérée comme mineure car reliée à l’artisanat pratiqué par les femmes, tissent un autre récit.

Vieille Charité
Le troisième volet de la rétrospective, en accès libre dans la chapelle du Centre de la Vieille Charité, expose les développements les plus récents de son œuvre sculptée. Aux formes aléatoires de ses « Pensées mexicaines », répondent de grands visages de femmes sur des cartons… coulés en bronze. Les premières, improvisations évoquant le courant surréaliste, ont été conçues avec les résidus de terre de ses cours de céramique au Greenwich House Pottery (New York), où Ghada Amer s’est formée pour intégrer le monde très masculin de la sculpture. « J’ai découvert en sculptant que j’avais une main gauche », sourit l’artiste, droitière. Les seconds immortalisent, dans un matériau exceptionnellement robuste, ce qui fait le lot de cette nomade invétérée : d’innombrables déménagements !

GAËLLE CLOAREC

Lire aussi notre l’entretien avec Ghada Amer

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