Pour ce récital, Fujita avait conçu un programme d’une belle cohérence : une traversée de 120 ans de musique germanique, des premiers élans du romantisme à ses ultimes embrasements. De la Sonate n° 1 de Beethoven (op. 2), austère et foudroyante, aux Douze Variations de Berg, jusqu’aux Variations sérieuses de Mendelssohn, en passant par une courte pièce de Wagner, le pianiste a déroulé son fil conducteur avec rigueur et expressivité. La seconde partie, dominée par la monumentale Sonate n° 1 de Brahms, fut un sommet. Fujita y a déployé une puissance maîtrisée, un sens du phrasé qui laissent sans voix. L’Isoldes Liebestod de Wagner-Liszt, en conclusion a achevé de subjuguer la salle. Et comme pour prolonger l’enchantement, un bis tout en douceur : la Mélodie n° 1 de Rachmaninov, jouée avec une tendresse infinie.

Chamayou, l’élégance incarnée
Liszt et Wagner – beau-père et gendre, liés par l’admiration mutuelle autant que par la famille – étaient également au programme de cette seconde soirée. L’orchestre Les Siècles, dirigé par Jakob Lehmann, a ouvert les festivités avec Wagner : le Prélude et la Mort d’Isolde de Tristan, puis les pages de Parsifal : Prélude, Musique de transformation et Enchantement du Vendredi Saint. Lehmann conduit avec énergie, efficacité et rigueur, parfois au détriment de la nuance. Mais l’immense machinerie de l’orchestre Les Siècles est une formation solide et l’ensemble fait son effet.

Puis Bertrand Chamayou a pris place au piano pour les deux concertos de Liszt. Sa marque : la légèreté, l’élégance, l’efficacité, trois qualités qui épousent à merveille l’esprit lisztien. Le Concerto n° 1 en mi bémol majeur est une œuvre de combat, théâtrale dans ses contrastes. Chamayou y a tenu le rôle du héros virtuose avec une aisance souveraine. Le Concerto n° 2 en la majeur, plus introspectif et moins connu, est d’une tout autre nature : moins une joute entre soliste et orchestre qu’une longue conversation à bâtons rompus. Liszt y distribue généreusement les thèmes aux différents pupitres, et le piano tantôt chante, tantôt accompagne, tantôt commente. Le dialogue entre Chamayou et Robin Michael, violoncelle solo de l’orchestre Les Siècles, en est l’expression la plus poignante, presque un lied sans paroles. Une réussite ovationnée.

Passionnante « Passion »
La Passion selon saint Jean de Bach peut intimider par la densité de ses récitatifs. Sous la direction de Camille Delaforge, avec l’ensemble Il Caravaggio et le chœur Accentus, elle s’est révélée une expérience musicale captivante. Composée peu après l’installation de Bach à Leipzig, la Passion selon saint Jean est d’une immense force dramatique. Encore faut-il des interprètes capables d’en restituer l’élan et la profondeur. C’est pleinement le cas ici. La cheffe Camille Delaforge impose d’emblée une direction à la fois énergique et nuancée, épousant le discours narratif avec intelligence et enthousiasme. L’Évangéliste, incarné par le ténor Cyrille Dubois, est tout simplement remarquable : il confère au texte une musicalité, une douceur et une clarté qui tiennent l’auditeur en haleine d’un bout à l’autre. Les autres solistes sont à l’avenant. Marie Lys (soprano) et Marie-Nicole Lemieux (contralto) apportent chacune une belle couleur vocale. Les barytons Guilhem Worms (Jésus) et Mathieu Gourlet (Pilate) complètent un plateau de haute tenue. Le chœur Accentus, celui de Laurence Equilbey, illumine le célébrissime chœur d’ouverture Herr unser Herrscher, véritable torrent sonore qui lance l’œuvre avec une puissance et une pulsation irrésistible, avant de conclure dans le recueillement apaisant de Ruht wohl. Bach dans toute sa splendeur.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

 Les concerts se sont déroulés les 3, 5 et 7 avril au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence.

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Festival de Pâques : trois soirs d’exception est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Alors que nombre de programmations font précéder le Requiem de pages chorales de Brahms telles que Le Chant du destin ou Nänie, Laurence Equilbey opte pour un choix plus audacieux : insérer au cœur même du Requiem des pièces qui n’en sont pas issues. Ce sera le cas plus tard avec Magdalena, extrait des Marienlieder, composé par Brahms à 26 ans. De même, après la dernière note du Requiem, le baryton interprétera O Welt, ich muss dich lassen, choral du XVIᵉ siècle mis en musique aussi bien par Bach que par Brahms, refermant la boucle ouverte par le choral initial. Si cette proposition a pu déstabiliser les afficionados de l’œuvre, elle en révèle la cohérence : explorer le Requiem non comme une pièce isolée, mais comme l’aboutissement d’une tradition protestante traversant les siècles.

Ferveur collective

L’œuvre s’ouvre sur Selig sind, die da Leid tragen, austère et empreint d’humilité. Le manque de réverbération de la salle, s’il met parfois les sopranos à l’épreuve dans les passages les plus éthérés, devient paradoxalement un atout dans les fugues, où chaque ligne polyphonique se détache avec une netteté remarquable. Fidèle à sa rigueur, Equilbey dirige avec une précision minutieuse. Le cadre qu’elle impose à l’Ensemble Accentus et à Insula orchestra nourrit la densité du discours. L’intensité dramatique monte progressivement jusqu’à Denn alles Fleisch ist wie Gras, marche funèbre portée par un chœur de 36 chanteurs, chantant sans partition. Ce travail « par cœur », rare dans ce répertoire, témoigne d’une appropriation profonde de l’œuvre et renforce le lien visuel avec les interprètes. Les ténors, très engagés, s’y distinguent tout particulièrement.

Le solo du baryton sur Herr, lehre doch mich développe la méditation sur la fragilité humaine, reprise ensuite par le chœur avec une ferveur collective impressionnante. La fugue qui suit, lancée par les sopranos puis rejointe par les autres voix, est magistralement menée. Le contraste est total avec Wie lieblich sind deine Wohnungen, moment suspendu de grâce. L’insertion du Marienlieder a cappella libère alors les voix de l’emprise orchestrale, avant le retour au Requiem avec Ihr habt nun Traurigkeit, seul solo de soprano. L’Australienne Eleanor Lyons l’aborde dans une veine plus lyrique que sacrée, presque opératique, mais qui sert l’expression de la souffrance au cœur de l’œuvre.

Le second solo du baryton, Denn wir haben hier keine bleibende Statt, annonce la fugue jubilatoire Herr, du bist würdig. Le Requiem s’achève sur Selig sind die Toten, miroir du chœur initial, où Brahms déploie une écriture particulièrement riche pour les altos. Enfin, le dernier choral a cappella referme le concert dans une profonde sérénité.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 22 janvier au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence.

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Brahms réinventé est apparu en premier sur Journal Zebuline.

A.-M.T.
21 janvier 
Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Un Requiem pour les vivants est apparu en premier sur Journal Zebuline.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

22 mars
Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

L’article Beethoven Wars est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Au programme, deux œuvres permettaient de goûter la palette subtile du chœur et de l’orchestre menés par la battue précise et intelligente de leur cheffe. Le rarement donné Oratorio Saint François d’Assises de Charles Gounod, redécouvert un siècle après sa composition (la partition de 1891, que l’on croyait perdue, fut exhumée des archives des Sœurs de la Charité de Saint-Louis), ouvrait le spectacle, sublime de sobriété dans l’épaisseur de son écriture lyrique. La voix du ténor Amitaï Pati épouse avec élégance la partition qui demande des passages délicats entre les registres de poitrine et de tête, de même que celle ample et mélodieuse du baryton Samuel Hasselhorn. Les accents du chœur répondent aux solistes, bouleversants d’expressivité. Le dialogue entre le saint et le Christ en croix prend une dimension spirituelle tandis que les anges en chœur rompent avec le caractère tragique du propos dans une réconciliation lente et apaisée. Cette union de l’être et du monde trouve son accomplissement dans le Requiem de Fauré qui est enchaîné sans pause avec l’oratorio, prolongement poétique qui maintient le public en apesanteur.

Voix séraphique
Ce « Requiem doux comme moi-même», souriait le compositeur qui affirmait ne pas avoir écrit ce monument de la littérature musicale pour une occasion particulière mais « pour le plaisir », évite la colère du Dies Irae et n’en conserve que le dernier verset, Pie Jesus, prière de conclusion, portée par la voix séraphique de Lenny Bardet, soliste soprano, enfant de la maîtrise des Bouches-du Rhône dirigée par Samuel Coquard. Le jeune chanteur, baigné par une douche de lumière, offre la pureté de sa voix à la mélodie qui semble plus angélique qu’humaine. La mort n’est pas sujet de terreur pour Fauré qui écrivait à son propos : « je la sens comme une délivrance heureuse, une aspiration au bonheur d’au-delà, plutôt que comme un passage douloureux ». L’ensemble du Requiem, conçu comme un tissage fin de prières chantées, trouve des échos fulgurants dans l’interprétation menée par Laurence Equilbey. Les vagues sonores viennent transporter les âmes, on côtoie l’indicible, baignés des effluves célestes. Les agitations et les angoisses s’apaisent. On reste suspendu dans un univers de paix et de beauté. 

Le directeur des lieux, Dominique Bluzet, saluera au terme de la représentation la présence fidèle de Laurence Equilbey et de ses ensembles dès la première année de fonctionnement du Grand Théâtre. Une fois n’est pas coutume (on ne « bisse » pas après un Requiem), la cheffe faisait reprendre le final In Paradisum, libérant toutes les tensions pour entrer dans un univers de joie célébré par la clarté radieuse des vents. 

MARYVONNE COLOMBANI

Spectacle joué le 17 février, au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

L’article Un anniversaire romantique est apparu en premier sur Journal Zebuline.

La volonté de liberté du compositeur s’exprime ici puissamment, préfigurant ses amples envols romantiques. Le jeune pianiste offrait en bis l’une de ses compositions, « une Mazurka toute fraîche, écrite dans la foulée des répétitions de ce concerto dont elle a la tonalité, si bémol majeur et dont elle reprend les notes pointées, sinon, ce n’est pas la même musique », sourit Lucas Debargue. Le public est à la fois ému de l’offrande de cette œuvre si neuve et séduit par sa variété et sa force onirique.

Un malheureux oubli ?

Encadrant ces instants dominés par le piano, l’orchestre interprétait deux œuvres de Louise Farrenc, dont Laurence Equilbey esquissa le portrait. Fille du sculpteur Jacques-Edme Dumont et de Marie-Elisabeth-Louise Curton (qui n’étaient pas mariés, chose rare à cette époque !), brillante, elle sera professeur de piano au Conservatoire de Paris et se battra pour obtenir le même salaire que ses collègues masculins. Son époux, flutiste, encouragera Louise Farrenc dans la voie de la composition. Fait non anodin, si les dictionnaires de la moitié du XIX^e la qualifiaient professeur et compositrice, ceux de la fin du XIX^e ne retenaient que le terme professeur. L’effacement commençait !

Et pourtant, les œuvres interprétées au GTP n’avaient pas à rougir au regard du concerto beethovenien. On reste étonnés de l’oubli dans lequel ont pu plonger son Ouverture n° 1 opus 24 emplie d’un bouillonnement où l’énergie et le discours s’emparent des remuements de l’âme, ou sa Symphonie n° 2 en ré majeur, opus 35, qui fait converser les instruments avec une intense poésie, mariant douceur éloquente et emportements passionnés. Les phrases orchestrales restent parfois en suspens tandis qu’un pupitre reprend le thème. La partition des bois (l’écriture témoigne de l’amour pour un mari flutiste !) est particulièrement subtile et accorde à ce pupitre une voix rarement aussi affirmée. L’ensemble tient l’auditoire en haleine, pétillant d’intelligence.

En bis, un extrait de l’Ouverture n° 1 de Louise Farrenc achevait de convaincre l’assistance du génie de la compositrice et remerciait par ses applaudissements Laurence Equilbey de remédier à son indigne effacement.

MARYVONNE COLOMBANI

Insula Orchestra était sur la scène du Grand Théâtre de Provence le 28 septembre à Aix-en-Provence.

L’article L’Insula Orchestra pointe un flagrant déni est apparu en premier sur Journal Zebuline.