AGNÈS FRESCHEL

21 et 22 janvier
La Gare Franche (Zef)
Scène nationale de Marseille

23 janvier
Théâtre de Pertuis

28 janvier
Le Sémaphore, Port de Bouc

30 et 31 janvier
Théâtre de Fonblanche, Vitrolles

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CHLOÉ MACAIRE

28 janvier 
Le Sémaphore, Port-de-Bouc

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Laurence Cabrol. La relation des gens à la salle de spectacle n’est pas la même que celle qu’ils peuvent avoir aux spectacles qu’ils croisent dans la rue. C’est donc une manière de faire connaissance avec le public, et de faire voir la ville autrement. Ensuite, on a une petite salle, donc aller dans l’espace public permet aussi d’avoir une diversité de formats, de faire du grand. Nous avons d’autres événements dans l’espace public, mais ce temps fort est vraiment festif et familial. 

Y a-t-il des nouveautés cette année ? 

Oui. Cette année on commence avec du théâtre, alors qu’il n’y avait pas cette dimension théâtrale auparavant. Il s’agit de Tempête du collectif Le Prélude, basé sur Shakespeare. C’est très visuel, drôle et délirant, vraiment accessible à tous à partir de huit ans. Ce sera joué dans la cour de la mairie qui est à l’ombre, car on a voulu veiller à ce que le public n’ait pas trop chaud. Ensuite, les autres propositions sont plus circassiennes et musicales. Il y aussi de la danse avec la compagnie de Kader Attou. 

Vous pouvez nous en dire plus ? 

Il y a deux formes de cirque. Un solo, Bleu tenace de Chloé Moglia. Elle est tout le temps suspendue, complètement dans douceur et dans la force en même temps. C’est le moment poétique et magique de la programmation. On enchaine avec Gagarine is not dead, l’un des coups de cœur du Festival de Chalon. Ce sont quatre fous qui refont la conquête de l’espace entre théâtre et cirque. Il y a une grande machine qui monte les acrobates dans l’espace. Ça met bien en jeu la prise de risque.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR CHLOÉ MACAIRE 

Sem’Art Rue
14 septembre
Port-de-Bouc

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Cette Odyssée a toute la qualité des tendances dramatiques contemporaines : un attachement aux récits, une place centrale donnée aux acteurs, une adresse directe aux spectateurs alternant avec des passages dialogués, des costumes qui sont des vêtements de ville, un décor qui n’est que matière et couleurs. Et, surtout, cinq comédiens, trois femmes et deux hommes, qui jouent tous les personnages sans s’attacher à leur genre, passent d’un rôle à l’autre  avec brio et fluidité, ajoutant chacun une touche à Ulysse ou Pénélope, incarnant l’héroïsme  de la nourrice ou du porcher, avec la même noblesse que les rois et les dieux. Et cette incroyable affirmation, répétée tout au long de l’Odyssée, du devoir qu’ont les peuples autochtones d’accueillir et protéger les étrangers en détresse.

Seul Télémaque est incarné par le même acteur. Il ouvre et ferme la pièce comme il introduit et conclut l’épopée homérique, héros en devenir, enfant encore, cherchant son père, puis combattant à ses côtés, devenant héros à son tour, sauvant ses parents des prétendants et des mythes, incarné. Il est, au sens littéral, Télé-maque, le combat déplacé. L’ailleurs, une nouvelle voix s’accomplissant, comme le théâtre de Pauline Bayle : paritaire, dégenré, jeune, collectif, ancré dans l’histoire, revendiquant la solidarité humaine au présent.

AGNES FRESCHEL

Odyssée a été joué les 15 et 16 mai au ZEF, scène nationale à Marseille et au Sémaphore, Port de Bouc, dans le cadre du Train bleu

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Parité et styles audacieux

Saluons particulièrement le point d’honneur mis par le collectif Lartmada, organisateur du festival, à inviter autant d’hommes que de femmes, de jeunes talents que d’artistes confirmés, qui prennent le temps de s’imprégner de la ville avant d’y apposer leur empreinte. Remy Uno, membre de la direction artistique, se réjouit que les habitants aient désormais l’habitude de voir leurs façades habillées. « Cela nous permet cette année de proposer des artistes aux styles plus radicaux, plus proche du post-graffiti. » Ainsi de Bims, au style explosif, intensément coloré, entre cubisme et abstraction. Ou de Rosy One, dont le travail reste ancré dans les années 1980, quand naissait le hip-hop. Il devrait aussi être fort intéressant de voir œuvrer en direct Aphe, Clara Langelez et Xoana Almar, aux inspirations plus figuratives. Le premier pour son approche méditative de l’art, la deuxième pour ses thèmes reliés à la nature, la troisième, venue de l’anthropologie sociale, pour son humanisme.

Du street art mais pas que

Notez par ailleurs que la semaine sera rythmée par des événements associés : de la rando-croquis à la performance de parkour, en passant par deux spectacles de danse, l’un inspiré par la gestuelle des travailleurs de la mer – marins, dockers, ouvrier de chantiers navals – (compagnie Regard d’Orphée), l’autre sous la forme d’un carnaval déambulatoire mené par la chorégraphe Nathalie Pernette, en partenariat avec le Sémaphore, théâtre de Port-de-Bouc. Un DJ set conclura les festivités, le 3 juin au soir.

GAËLLE CLOAREC

Les Nouveaux Ateliers
Du 29 mai au 3 juin
Divers lieux à Port-de-Bouc
lartmada.com

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Le premier ogre c’est elle, cette mère interprétée avec sensibilité par un homme, Gilbert Traina, un acteur étonnant, qui assume sa cruauté mais rend aussi humain ce dégoût qu’elle éprouve pour ce fils qu’elle ne comprend pas, qu’elle ne veut pas, qu’elle n’aime pas. 

Comment grandir face à un tel monstre ? Cette première partie, dans le cadre d’une famille sans amour, est suivie d’une (trop ?) longue errance, sans mots, dans une forêt onirique. 

Terrifiante humanité
L’enfant lui-même s’y révèle un ogre en devenir, qui tue et mange les oiseaux, se repait du vivant, s’enduit de sang, se couvre de fourrure. Sophie Warmant l’incarne avec sauvagerie et douleur, et le promène dans de beaux jeux d’ombres, de faisceaux de lumière et de fumées qui dessinent des ombres effrayantes (scénographie Aude Amédéo), sur la musique franchement terrifiante de Josef Amerveil.

Puis apparaît la véritable terreur, l’autre ogre, celui du conte, celui de la forêt profonde, qui veut manger l’enfant… Gilbert Traina, qui jouait la mère, lui donne la même ambiguïté toute inhumaine, d’une terrifiante humanité. Comme s’il était lui-même un Petit Poucet devenu adulte dans la solitude cruelle de la forêt. Parce que nos monstres, lorsqu’ils existent, sont justement des hommes.

Le suspense, la tension entre l’enfant et l’adulte se noue et se dénoue pour finalement sortir du conte, et permettre à l’enfant maltraité de revenir parmi les vivants, résilient, débarrassé de ses ogres. De ses terreurs ?

AGNÈS FRESCHEL

Les Ogres a été donné le 10 janvier au Théâtre de l’Esplanade (Draguignan), le 13 au Zef (Marseille) et les 16 et 17 au Carré Sainte-Maxime.

À venir
Du 28 février au 1er Mars, Théâtre Massalia, Marseille

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Sur le plateau, la scénographie montagneuse scandée par de hauts troncs dressés comme les colonnes d’un temple antique abandonné, s’orchestre en deux lieux. Côté jardin, il y a les ruches de l’apiculteur François dont les parents, scientifiques, ont contribué à l’élaboration du disque d’or à Cap Canaveral. Ils ont utilisé la voix de leur enfant pour la salutation en français parmi les cinquante-cinq saluts donnés en toutes les langues aux destinataires de ces messages terriens. Côté cour, parsemé de détritus, est situé le cimetière de Blanchette où un homme secondé par son fils recherche en vain la tombe de Willie Johnson. 

Catapultage des chronologies
Le temps humain se transcrit par l’avancée de la navette, les milliards de kilomètres correspondent aux années terrestres. La fragilité de l’existence – François est atteint de la maladie de Charcot et voit disparaître peu à peu ses chères abeilles –, la fugacité des traces – il est impossible de retrouver le corps de Billie Johnson – posent la question de notre humanité, de ce que nous laissons, et par-là même de nos actions. Comment apparaissons-nous avec des yeux d’extraterrestre ? 

Le texte de la pièce est amorcé avec humour et tendresse par des images projetées sur l’ample dessin coloré du rideau de scène : voici Pac-Man, qui n’existe pas encore lorsque la chanson de Marie-Myriam gagne l’Eurovision en 1977, l’enregistrement saluant les extraterrestres, les rires d’une humanité dont les échos résonnent encore en un catapultage des chronologies. Stéphane Balmino, François Cottrelle, Jean Erns, Marie-Louise, Nicolas Moumbounou et Patricia Pekmezian portent avec intelligence et naturel le texte de Meirieu, ourlé d’un chant sans paroles et hypnotique. Laissant sourdre des mots l’aveuglement des hommes, leurs côtés sublimes et leurs parts d’ombres, dessinant un tombeau (au sens du genre musical qui a fleuri durant la période baroque, pièce monumentale et méditative composée en hommage à un grand personnage) dédié à notre Terre. Bouleversant d’émotion et de justesse ! 

MARYVONNE COLOMBANI

Dark was the night a été donné dans plusieurs lieux de la région dont le Théâtre Durance, Château-Arnoux-Saint-Auban (15 novembre), le Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence (17, 18 et 19), le Théâtre de l’Olivier, Istres (22) et les 24 et 25 novembre à Châteauvallon, Ollioules puis le 29 novembre au Sémaphore, Port-de-Bouc

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