En effet, il ne s’agit pas d’une énième reconstitution de l’intrigue orientaliste originale, où une bayadère nommée Nikiya meurt empoisonnée avant de retrouver son amant Solor au Royaume des ombres. Maillot abandonne l’Inde fantasmée de Petipa pour plonger le spectateur dans les coulisses d’une compagnie de danse contemporaine.

Une mise en abyme

Les tensions et rivalités qui animaient la cour d’un raja indien sont transposées dans le microcosme d’un studio de répétition. Les danseurs succèdent aux costumes exotiques, et les dynamiques hiérarchiques de la compagnie se substituent aux intrigues de palais. Le personnage de Niki – jeune danseuse fraîchement intégrée à la compagnie et qui cristallise les rivalités –, magnétiquement interprétée par Juliette Klein, incarne cette fragilité du corps dansant, cette tension permanente entre virtuosité et vulnérabilité. Elle est particulièrement émouvante dans les deux solos qui lui sont consacrées dans le premier tableau de l’acte I.

Ils constituent les moments les plus poignants du spectacle. Sa grande sensualité quand elle évolue à la barre dans le premier se meut en tristesse absolue dans le second lorsqu’elle rate volontairement ses variations. À ses côtés, Ige Cornelis incarne Solo, le danseur étoile virtuose et Romina Contreras – à la vélocité technique impressionnante –, Gamza, l’étoile installée dans son statut, qui refuse de se voir détrôner par la jeune Niki.

On apprécie particulièrement les prestations de Michele Esposito, en Brahma, le maître de ballet trouble et malicieux à l’énergie souple et féline, et Jaat Benoot en Rajah, chorégraphe autoritaire sombre et glaçant, aux allures d’immense oiseau de proie. Au-delà des solistes, c’est toute la troupe des Ballets de Monte-Carlo qui impressionne par sa qualité exceptionnelle. La dimension théâtrale et la dramaturgie, particulièrement accentuées par Maillot, rendent l’évolution captivante.

L’acte II est envoûtant. Il délaisse l’ambiance brouillonne et conflictuelle du studio de répétition pour le Royaume des ombres dans lequel Solo s’est réfugié après le décès tragique de Niki. Dans ce monde idéal, dépouillé et éthéré – servi par un décor futuriste d’iceberg – dans lequel tous les protagonistes en blanc et pastel cohabitent en harmonie.

L’exotisme de la version originale n’est pas pour autant totalement absent. Il surgit lors d’une séquence de mise en abyme saisissante, où l’on voit la troupe répéter en costumes traditionnels sur la scène d’un opéra – avec des partitions de bravoure ovationnées –, tandis que les coulisses révèlent le reste des danseurs qui patientent. Ce clin d’œil permet à Maillot de pointer du doigt le caractère suranné de l’ancienne version tout en lui rendant hommage.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

 Le spectacle a été joué le 3 janvier au Forum Grimaldi, Monaco.

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Les Ballets de Monte-Carlo ont ouvert la soirée avec une œuvre de William Forsythe. Créé en 1992 pour le New York City Ballet, Herman Schmerman est un manifeste chorégraphique iconoclaste.Le titre est déjà une déclaration d’intentions : « c’est un titre charmant qui ne signifie rien. Le ballet ne signifie rien non plus. Ce sont juste cinq danseurs talentueux qui dansent », déclarait Forsythe à la création. Derrière cette apparente désinvolture se cache une révolution esthétique qui a bouleversé le paysage chorégraphique néoclassique.

La première partie est un quintette pour trois femmes et deux hommes. Les danseurs, vêtus de justaucorps noirs évoluent sur un espace scénique épuré concentrant les regards sur le mouvement. Forsythe y déploie son langage de déconstruction de l’académisme en se réappropriant les figures classiques. La musique électronique de Thom Willemsimpose une rythmique instable, martelée, qui génère une tension permanente.

Puis vient la rupture. Ajouté quelques mois après la création initiale, lors de la reprise par le Ballet Frankfurt, le pas de deux final forme un contraste saisissant. Après l’austérité, place à la fantaisie. Le binôme, interprété par Juliette Klein et Simone Tribuna, tous deux en jupettes jaunes, annonce le triomphe de la joie. Si la virtuosité masculine domine la première partie, le pas de deux inverse les rapports : la danseuse s’émancipe, domine même. Les rôles s’échangent et se brouillent.

See you

C’est le ballet See You du chorégraphe Paul Lightfoot qui attend le public en seconde partie. Cette création se distingue par sa forte dimension visuelle. Elle débute dans la salle : un à un ou en duo, les danseurs montent sur scène après quelques figures et se glissent derrière le lourd rideau moiré rouge et or, encore fermé. Lorsque les dix interprètes l’on tous franchi, il s’ouvre brutalement. Se révèle en fond de scène un ensemble instrumental – cordes et piano. Les danseurs, dos au public, le contemplent. 

Deux univers se superposent alors. Le premier est immuable comme ce tableau de l’orchestre statique, vers lequel les danseurs semblent par moments attirés, aimantés. Il interprète en live la musique méditative de Max Richter. Le second est une douce folie chorégraphique qui se déploie en avant-scène sur les chansons au lyrisme onirique de Kate Bush : Wuthering Heights, mais aussi Jig of Life, gigue irlandaise pop-rock. Les deux mondes se télescopent dans un va-et-vient entre agitation et apaisement. Avec son esthétisme noir et blanc, ce ballet évoque les années 1980, celles de la new wave et de ces clubs où l’on dansait côte à côte, où l’on se croisait, s’effleurait sans jamais se rencontrer intimement, unis seulement par une fraternité générationnelle aussi forte que fébrile. 

C’est finalement l’amour qui fait sortir les danseurs de scène. Une caméra filme deux couples qui s’éloignent : sur grand écran, on suit leur évolution. Ils ont rejoint la terrasse du Casino de Monte Carlo. Ils sont de dos pour nous, public. Ils regardent la Méditerranée, l’horizon. L’instant est sublime. Ils ont quitté la représentation. La vie réelle commence-t-elle là où la scène s’arrête, ou notre existence n’est-elle qu’une longue représentation ? interroge Lightfoot. Magie de la langue, See you en anglais veut aussi dire… À bientôt.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le spectacle s’est déroulé le 23 octobre, salle Garnier, Monaco.

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La première pièce est signée du grand George Balanchine sur une musique de Paul Hindemith. Installé aux USA depuis 1933, le chorégraphe demande au musicien qui vient de fuir le régime nazi s’il accepterait de composer une musique de ballet à son intention. Ce sera les Quatre tempéraments créés en 1946 à New York.

La partition s’ouvre sur un thème en trois parties (modérato, allegro très vif puis à nouveau modérato) qui réapparait dans chacune des quatre variations. Ces dernières représentent chaque tempérament : Mélancolique, Sanguin, Flegmatique et Colérique, exprimés par le mouvement et la danse.

Le ballet graphique, d’un classicisme contemporain et d’une épure minimaliste innovantepermet d’apprécier chaque geste chorégraphique. Il sied parfaitement à l’esthétique de Jean-Christophe Maillot, directeur des Ballets de Monte-Carlo et à son goût pour la réinterprétation des grands classiques.

Les femmes sont en justaucorps sobres, noirs, les  hommes – que l’œuvre met particulièrement en valeur – en blanc. Les deux danseurs solistes Ige Cornelis et Jaeyong An sont exceptionnels tout comme la jeune danseuse monégasque Juliette Klein, ovationnée dans Colérique.

Danser, c’est résister

Lorsque la guerre en Ukraine éclate le 24 février 2022, Alexei Ratmansky est en pleine répétition de son ballet l’Art de la fugue au Bolchoï. Il annule sa création, quitte la Russie et retire tous ses ballets du répertoire moscovite. Dès lors, son engagement pro-ukrainien sera total. 

Wartime Elegy, élégie en temps de guerre est sa première réponse chorégraphique à l’invasion russe. Il le construit sur la musique néoromantique, mélodique et délicate, de Valentin Silvestrov, figure majeure de l’avant-garde ukrainienne. Quatre tableaux se succèdent, allers-retours entre afflictions des huit danseurs en justaucorps noirs aux mondes colorés et chatoyants de la danse folklorique évoquant la survivance de la culture et de l’âme du pays.

Sa composition peut sembler simpliste : un « avant » lumineux et heureux fait de joie et de polkas, un « présent » sombre, dramatique et la mélancolie profonde liée à la perte, aux deuils. Mais face à l’urgence, aux combats, à l’horreur de la guerre, est-il vraiment possible de faire dans la subtilité ? 

Dernier ballet et non des moindres la puissante création de Marco Goecke sur La Nuit transfigurée de Schoenberg, interprétée magistralement par l’orchestre philarmonique de Monte-Carlo.

Le chorégraphe allemand (nommé pour la saison 2025/26, directeur artistique du ballet du Théâtre de Bâle) plonge dans l’atmosphère mystérieuse et organique de la nuit dans laquelle les danseurs créent leur propre cosmos. Un cosmos délirant, halluciné, exalté dans lequel des petits bonhommes nerveux et agités, sifflant, grognant, comme des petits personnages de jeux vidéo en quête d’une mission obscure, se déploient avec des mouvements rapides, saccadés, fragmentés. C’est tout un univers fébrile qui se développe devant nous jusqu’au retour de la lune, pleine, consolante qui veille avec bienveillance et avec elle l’espoir d’un monde plus doux, d’un monde paisible.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le spectacle s’est déroulé le 24 avril au Grimaldi Forum, Monaco.

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L’année a été terrible, les inondations ont tout dévasté, les récoltes sont perdues. Malgré l’interdiction, le petit garçon part à la recherche des abeilles dans la forêt gardée par un puissant tigre. Le danseur évolue et se fond dans un décor animé onirique d’une poésie totale dans lequel on croise un éléphant, un crocodile, un serpent, des papillons. Mais le petit garçon chute. Que va-t-il se passer ? Cette quête initiatique, c’est aussi celle d’un Akram devenu adolescent qui s’entraine au kung-fu, à la boxe mais surtout à la danse. Sa décision est prise, il deviendra danseur. 

Tourbillonnant

Seul sur scène, il pirouette, s’envole, tombe parfois, empruntant à la danse classique, contemporaine, au khatak, tradition classique du nord de l’Inde, aux arts martiaux avec grâce, souplesse et énergie extrême. Son père l’exhorte à en finir avec ces rêves absurdes, à devenir adulte, à se confronter à la réalité d’un monde en guerre et puis surtout à l’écouter, lui son père, comme on respecte son père au Bangladesh « ce pays n’est pas le mien. Retournes-y si tu veux » proteste Akram qui s’engage dans une course folle mêlant colère et volonté de rompre avec ce qui l’enchaîne pour enfin vivre la vie qu’il s’est choisi. Il peut alors quitter sa chaise d’enfant et gravir celle immense de la maturité avec laquelle il improvise un duo tourbillonnant. 

Tout au long du spectacle, le danseur évolue seul mimant chorégraphiquement toutes les situations avec une précision totale. Le voilà dans une rue du Bangladesh où son baba l’emmenait l’été, tentant d’éviter les voitures, les chiens errants, les policiers sifflants, les mendiants, les infirmes et les charmeurs de serpents, jouant avec les ombres chinoises ou parodiant son père. Un spectacle virtuose, souvent drôle, accompagné par les créations musicales de Jocelyn Pook, dont l’Hallelujah, composée pour le spectacle Desh en 2011, résonne dans les cœurs bien longtemps après avoir quitté la salle.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Chotto Desh d’Akram Kahn a été donné au Grimaldi Forum Monaco dans le cadre du Monaco Dance Forum, le lundi 16 décembre

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Effondrement

Sur la scène, 23 danseurs avec des numéros sont en mouvement, en mouvement perpétuel. Fringants dans des démonstrations virtuoses de charleston, de fox-trot et de rumba sur des airs de Gershwin, Piazzola ou Scott Joplin, ils s’épuisent peu à peu. Arrive le moment redoutable du derby. Les couples doivent courir autour de la scène le plus rapidement possible. Ceux qui tombent sont éliminés sans pitié, humiliés par l’animateur et chassés sous les quolibets du public. 

Conçue au ralenti dans une vision très cinématographique, le moment est intense, le spectacle de ces corps instrumentalisés, « marchandisés », livrés en pâture, est presque insupportable. Peu à peu, les danseurs s’effondrent comme s’écroulent la société et la bourse américaine de l’époque. Des couples se disputent, en viennent aux mains, se défont, se reforment avec les « survivants », les hommes portent les femmes, les femmes, les hommes. Certains deviennent fous, hallucinent, d’autres poussent à terre les plus « faibles » et les achèvent. 

Au-delà des qualités immenses de ce ballet, Eugénie Andrin réussit la prouesse artistique et pédagogique – transmettre est une de ses grandes passions – de réunir sur scène sept danseurs professionnels et seize amateurs dont les évolutions moins académiques rajoutent au réalisme et à la dramaturgie. L’orchestre, composé de 15 élèves musiciens et chanteurs du Lycée Apollinaire de Nice est impressionnant de maturité. 

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Dance Marathon a été donné le 17 décembre au Théâtre des variétés, Monaco

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La programmation 2024 ne déroge pas à ce principe d’un appétit de danse toujours virtuose, mais de styles divers. Ainsi la programmation s’ouvre avec Diptych de Peeping Tom (le 11 décembre), deux courtes pièces de Gabriela Carrizo et Franck Chartier qui font évoluer les personnages de leur danse très théâtrale dans des univers fermés où les portes refusent de s’ouvrir. Le lendemain place à Israel Galvan et son flamenco d’orfèvre : La Edad de oro est une pièce de légende qui tourne depuis 20 ans, et que le chorégraphe danseur reprend ici avec Maria Marin au chant et Rafael Rodríguez à la guitare.

Autre légende : Last Work de Ohad Naharin, chorégraphe israélien qui a inventé un style, un mouvement fait de tension et d’abandon, et assure la grandeur de la Batsheva Company. C’est le Ballet de Hesse qui reprend cette pièce étonnante où la course immobile d’un danseur au lointain semble générer un monde tour à tour apaisé ou secoué d’angoisses.

Les 14 et 15 décembre un double programme mettra à rude épreuve les Ballets de Monaco, chez eux, qui devront enchaîner les 35 minutes de Autodance de Sharon Eyal, une succession continue de mouvements d’ensemble sur demi-pointes ; et 30 minutes de Vers un pays sage de Jean-Christophe Maillot, dont on connaît l’exigence technique. D’autant qu’il a décidé, dans cette pièce dédiée à son père de traquer les temps morts !

Jusqu’en Norvège

Autre voyage avec Akram Khan le 16 décembre : Chotto Desh, petite patrie, navigue entre Bangladesh et Angleterre, film et théâtre, danse kathak, mime et danse contemporaine, pour retrouver une enfance perdue, ou onirique, ou universelle…

Le Dance Marathon d’Eugénie Andrin réunit danseurs professionnels et une vingtaine de danseurs amateurs pour faire revivre les marathons de la danse américains, rendus célèbres par le film de Sydney Pollack, On achève bien les chevaux. Ces concours de danse duraient plusieurs semaines, durant la dépression de 29, jusqu’à épuisement des couples, pour quelques dollars au vainqueur.

La soirée de clôture partira vers la Norvège. La danse de Jo Strømgen et sa compagnie, très célèbre à Oslo, est peu diffusée hors de Norvège : très virtuoses et particulières, théâtrales, chaloupées, fondées sur des ruptures de rythmes impressionnante, Made in Oslo rassemble trois pièces de son répertoire, écrite entre 2005 et 2017.

AgnÈs Freschel

Monaco Dance Forum
Du 11 au 18 décembre
Grimaldi Forum, Monaco

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« Quelque chose de très grave »

Parmi eux, Afine (Zakaria Bouti), un escort de 17 ans qui se retrouve seul quand ses colocataires partent à Dubaï. Et c’est lui que l’on va suivre, accompagnant une quinquagénaire que ses enfants délaissent, dans les boutiques de luxe, portant ses achats, partageant son Noël. Deux solitudes. Il va ensuite se rendre dans une villa, où il tient compagnie à une jeune baby-sitter serbe, Vesna (Mina Gajovic), qui s’occupe d’une pauvre petite fille riche, délaissée par des parents trop occupés à construire une île pour les super privilégies. Une préadolescente de 11 ans, Julia (Victoire Kong) qui vit dans un pensionnat très huppé auquel elle a déjà mis le feu. Trois solitudes qui peu à peu se rapprochent. Vesna a pour but d’ouvrir un salon d’énergéticienne à Nice et pose sur le corps des pierres « qui nettoient toutes les taches noires du cerveau. » Julia confie un secret à Amine : « L’an prochain, il va se passer quelque chose de très grave. Il n’y aura presque pas de survivants… » Une nuit passée à parler, à rêver jusqu’à l’épuisement. Pour Afine, rien ne sera plus pareil.

Ce film, envoûtant, nous emmène dans le monde du conte, grâce à la magie des éclairages, à la voix de la jeune adolescente. Un film poétique qui nous fait réfléchir sur ce monde où chacun est renvoyé à sa solitude, où tout risque de s’écrouler. Les images du chantier de l’extension de Monaco filmé la nuit quasiment apocalyptiques rappellent le réel, comme un écho à la solitude d’Afine. 

ANNIE GAVA

Cent mille milliards, de Virgil Vernier
En salles le 4 décembre

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50 danseurs, 90 musiciens, 100 choristes

Clou de la soirée, créé en 1925 à l’Opéra de Monte-Carlo, L’Enfant et les Sortilèges, composé par Maurice Ravel sur un livret de Colette dont on fête cette année les 150 ans de la naissance, est une fantaisie lyrique qui met en scène un enfant de sept ans qui n’a guère envie de faire ses devoirs de vacances. Sa mère le gronde. Pris d’un accès de colère, l’enfant fait pis que pendre, détruit les objets, martyrise les animaux : « je suis libre, libre, méchant et libre ! ». Épuisé, il s’effondre dans le vieux fauteuil qui se recule. Les objets s’animent, les animaux se mettent à parler et s’apprêtent à se venger des maux que leur a infligés le capricieux… La scène intimiste connaîtra cette année un développement fantastique grâce à la nouvelle interprétation, taillée sur mesure pour les danseurs d’exception que sont ceux de la troupe internationale monégasque par leur directeur, le chorégraphe Jean-Christophe Maillot qui met 240 artistes sur scène : les Ballets de Monte-Carlo, l’Orchestre Philharmonique et les Chœurs de l’Opéra de Monte-Carlo, une Académie de jeunes chanteurs créée spécialement par Cecilia Bartoli, et le Chœur d’enfants de l’Académie Rainier III. Bref, les grandes institutions artistiques monégasques se fédèrent autour du projet. Quel panache !

MARYVONNE COLOMBANI

La Valse 
L’Enfant et les Sortilèges 
20 au 23 décembre
Grimaldi Forum, Monte-Carlo
balletsdemontecarlo.com

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La nouvelle création d’Hervé Koubi, Sol Invictus, « célèbre les liens qui nous unissent, ceux de la vie, enchevêtrés au cycle des saisons » afin de « renaître et retrouver alors l’enfance, (et) redevenir cet enfant émerveillé par la découverte du monde et du mystère de la Vie » explique le chorégraphe qui conjugue avec virtuosité les grammaires hip-hop, contemporaines et classique. Il y est question d’élan, de dépassement, d’amour inconditionnel pour la danse. Le mouvement est autant le lieu que l’expression de la vie. Les musiques arrangées par Guillaume Gabriel naviguent entre Mikael Karlsson, Maxime Bodson, Steve Reich et  Beethoven. Le programme des fêtes se poursuivra avec la création de Jean-Christophe Maillot le 20 décembre. 

MARYVONNE COLOMBANI

C’est Beau !
14 décembre

Sol Invictus
15 et 16 décembre
Grimaldi Forum, Monaco 
balletsdemontecarlo.com

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