MARC VOIRY

Du 25 au 28 septembre
Musée Cantini, Marseille

L’article Clôture artistique de l’exposition Giacometti est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Dès la première salle le vide règne, les statues en plâtre se mêlent à la pâleur des murs. Pâle comme cette Femme-Cuillère (1927), une comédienne seule sur scène, seulement mise en valeur par une estrade bleue pétrole. Plus loin, l’absence toujours, avec L’Objet invisible (1934), où une femme, toujours seule, tient entre ses mains – et avec attention – rien d’autre que le vide. Sinon cette Boule suspendue (1931), présentée à quelques mètres de-là. 

À l’échelle 

Dans la troisième salle, la scènographie s’amuse des différentes échelles des œuvres de Giacometti. Il y a par exemple cette Femme au Chariot (1943-1945), sculpture à taille humaine, mais disposée sur un socle miniature. Et à ses côtés, la Toute petite figurine (1937-1939), de cinq centimètres de haut seulement, mais installée sur un socle bien trop grand pour elle. 

La visite se conclut sur une salle dédiée aux inspirations de Giacometti. Les commissaires présentent des œuvres qui ont certainement inspirées l’artiste. Des statues, des sculptures et des masques, à la provenance diverses, et d’ouvrir avec eux des nouvelles lectures de son œuvre. 

MÉLYNE HOFFMANN-BRIENZA

Alberto Giacometti - Sculpter le vide
jusqu’au 28 septembre 2025
Musée Cantini, Marseille

Retrouvez nos articles Arts visuels ici

L’article Alberto Giacometti et l’art du vide est apparu en premier sur Journal Zebuline.

En prolongeant encore la liste par ces points suspensifs où pourraient se nicher bien des replis en soi, bien des suicides. Bien des renoncements au collectif et au commun.
En avons-nous le droit ? Devons-nous, comme après Auschwitz, opposer le silence ? Patrick Chamoiseau l’affirme, Littérature (sans article, comme une matière globale précédant le Verbe), Musique, Art, Théâtre, peuvent (même quand ils ne peuvent). Ils sont nos repères éblouissants, ceux que nous ne devons pas perdre, ceux qui donnent la force de résister, parce qu’ils maintiennent en nous le désir de vivre et la compréhension intime de l’autre en nous.  

Résister aux identitaires 

Ainsi, ici, pour alourdir les attaques multiples et concertées que vivent les artistes et les écrivains, dans un contexte d’OPA sur l’édition Hachetée par Bolloré, sur la diffusion de presse Relayée par Bolloré, sur la télévision Canalisée par Bolloré, se profile l’hallucinant projet PERICLES. L’enquête de L’Humanité sur les agissements de Pierre-Edouard Stérin, milliardaire exilé fiscal en Belgique, démontre sa volonté explicite : l’extrême droite veut, comme aux États-Unis, s’emparer du pouvoir en modelant les esprits, en fabriquant les opinions et en occupant le terrain universitaire et culturel. 
Car PERICLES ne désigne pas l’orateur grec inventeur de la démocratie radicale. Comme souvent l’extrême droite dévoie et récupère le sens des mots : PERICLES, projet qui veut faire basculer aux prochaines municipales un minimum de 1000 mairies françaises dans le giron du RN ou de Renaissance (au choix), est un acronyme revendiqué par le milliardaire 
Patriote, Enraciné, Résistant (sic), Identitaire, Libéral, Chrétien, Européen, Souverainiste
Tout un programme, qui place la bataille culturelle au cœur des enjeux de notre temps. 

Littérature peut

Patrick Chamoiseau oppose à l’Enracinement le rhizome, à la Patrie la nation, au souverainisme la Relation, à la Chrétienté blanche la mémoire de la traite négrière. 
La Ville de Marseille accueille Baya et ses céramiques au musée Cantini, L’Ecailler publie l’autobiographie de Jack Johnson, écrite il y a 100 ans, La Friche expose les victimes racisées des violences policières, La Compagnie accueille la submersion, Les Pas Perdus cultivent l’art de recevoir. Et tous les syndicats de la culture se mobilisent pour lutter contre les coupes budgétaires et les attaques idéologiques sans précédent. 
À leurs côtés, refusons l’inconcevable, défendons la culture publique, les droits culturels de tous et toutes. Cultivons et protégeons ensemble nos repères éblouissants. 

AGNES FRESCHEL

Retrouvez nos articles Société ici

L’article Contre l’inconcevable, l’éblouissement est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Diasporik :  Quel est le contexte de ce dépôt d’une cinquantaine d’œuvres –sculptures,  dessins, gouaches-  de Baya ? 

Cet important dépôt a pu se réaliser grâce à la confiance instaurée lors de l’exposition de 2023 (voir encadré) entre les musées de Marseille et la personne déposante – qui souhaite garder l’anonymat. Elle avait déjà contribué par des prêts importants au succès de l’exposition, en particulier en nous confiant alors des sculptures. Ce contexte favorable est le fruit de liens tissés alors, du soin apporté par le commissariat à mieux documenter l’œuvre sculpté de Baya qui souffrait jusqu’à présent d’une sorte de double peine : faible visibilité dans les expositions et quasi absence d’analyse. Comme si seule la peinture comptait, laissant la céramique en situation subsidiaire. 

De ce point de vue l’exposition de Marseille avait consacré deux salles aux sculptures de Baya, l’une autour de Baya à Vallauris, l’autre autour de la réflexion suivante : peinture et sculptures sont-elles deux polarités de l’œuvre de Baya ou bien faut-il associer, comparer les deux pratiques artistiques comme deux faces complémentaires de sa création, se nourrissant l’une l’autre ? Tout nous porte à refuser les dissociations artificielles ou idéologiques opposant un art majeur à un autre considéré comme mineur car trop proche de l’artisanat ou des arts populaires. 

Il s’agit donc de valoriser l’art majeur d’une artiste majeure, tous les deux minorés…

Effectivement. Dans un esprit de réhabilitation de cette part délaissée, les musées de Marseille avaient contribué à la restauration de sculptures qui avaient appartenu à la mère adoptive de Baya mais qui n’avaient jamais été remontrées depuis l’exposition de 1947 ou depuis leur réalisation à Vallauris en 1948. Elles avaient été abîmées au cours du temps, il s’agit de pièces particulièrement fragiles. Un travail de restauration curative leur a redonné leur superbe et un travail scientifique patient a permis de les associer formellement ou thématiquement aux gouaches de Baya réalisées à la même période. Augmentée de peintures de différentes périodes, dont certaines parmi les premiers grands formats de Baya bien antérieurs à l’exposition de 1947,  ce dépôt de sculptures restaurées offre un panorama significatif de la création de Baya et de l’importance qu’elle accorde au travail de la terre, son art premier pourrait-on dire, qui la connecte par le geste à la culture arabo-berbère dont elle se réclamait.

Ce dépôt est un véritable événement et place le musée Cantini, déjà dépositaire de trois grands formats remarquables des années 1970, dans une position forte, du point de vue d’éventuelles recherches qui pourraient se développer à partir de ce corpus. La monstration actuelle d’une partie de ce dépôt et des œuvres emblématiques de Baya déjà présentes au musée Cantini depuis les années 1980, ouverte au public depuis le 11 février, dans les salons du musée, donne un aperçu de ce riche dépôt et établit d’ores et déjà, grâce à la mise en espace judicieuse réalisée par la conservatrice Louise Maldinier, des correspondances fécondes entre sculptures et peintures, attestant aussi de la dimension symbiotique du travail de Baya.

Depuis l’exposition L’Orient des Provençaux qui a marqué Marseille en 1982, y a-t-il eu un changement de paradigme dans le lien entre cette ville et les artistes algériens ?

De mon point de vue, le nouveau contexte ne s’inscrit pas seulement dans la continuité de l’exposition Baya qui a eu lieu à Cantini en 1982-1983, au cours de la saison intitulée « l’Orient des Provençaux », terminologie qui nous interpelle évidemment aujourd’hui pour son caractère exotisant. La période écoulée depuis, plus de 40 ans après la première initiative, montre que cette belle exposition d’alors n’a pas été la condition suffisante pour faire bouger les lignes, par exemple en faisant entrer d’autres œuvres d’autres artistes algériens ou plus largement maghrébins dans les collections marseillaises. Ces artistes y sont toujours sous-représentés par rapport à l’ouverture sur l’autre rive de la Méditerranée qui fait l’identité de Marseille. 

Pourquoi, à votre avis ?

La vie culturelle est aussi redevable du politique et des pesanteurs idéologiques qui, concernant les relations à l’Algérie, sont restées importantes. En tant que chercheuse attentive aux faits culturels, je peux dire que les prémices d’un changement de paradigme sont déjà à l’œuvre avec certaines réalisations héritées de Marseille Provence 2013, l’émulation avec le Mucem, les nombreuses résidences d’artistes du Maghreb grâce à des dispositifs dédiés. Dernièrement, les moyens matériels et scientifiques mis en œuvre pour réussir l’exposition Baya signe évidemment une nouvelle dynamique qui est aussi le fruit de l’action d’une nouvelle génération de conservateur-es du patrimoine qui souhaitent inscrire l’art moderne et contemporain dans des expressions plurielles, loin de toutes hiérarchie européocentrée.

Compléments et relations

2022-2023, l’Institut du monde arabe à Paris et les musées de la Ville de Marseille s’associent pour présenter l’itinérance d’une exposition sur l’artiste algérienne Baya. L’exposition intitulée Baya, femmes en leur jardin à Paris, se déploie et s’amplifie à Marseille sous le titre Baya, une héroïne algérienne de l'art moderne du 13 mai au mois de novembre 2023. En complétant les œuvres avec des fonds d’archives privées et les archives nationales d’Outre-Mer, l’historienne Anissa Bouayed, commissaire de l’exposition avec Nicolas Misery, a permis de nouer des relations privilégiées avec des prêteurs publics et privés. Ces documents garantissent- l’authenticité des œuvres présentées, et étoffer le parcours chrono-thématique en inscrivant l’oeuvre dans son contexte politique et historique. 

SAMIA CHABANI

Retrouvez nos articles Société ici

L’article Baya, une suite heureuse ! est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Partis-pris 

Une première salle évoque ce moment fondateur de 1968 à Marseille à travers divers documents présentés en vitrine (catalogue de l’exposition, article du Provençal, photographies, correspondance…) surmontée de la projection du film Marseille, Vieux-Port de 1929 de László Moholy-Nagy. Un montage cut et muet de séquences courtes tournées sur le Vieux-Port, enchainant scènes de la vie quotidienne, détails urbains, vues d’architecture, portraits. 

L’ensemble des photographies présentées ensuite dans l’exposition le sont sans indications chronologiques, et sans cartels de présentation des photographes exposés, favorisant une expérience purement visuelle pour celles et ceux qui le souhaitent. Par contre, un livret est disponible à l’entrée (il faut le restituer à la fin) où toutes ses informations sont disponibles. Et si le tout début du parcours est homogène chronologiquement avec des photographies des années 1920 et 1930, notamment de l’architecture métallique du pont transbordeur par Germaine Krull, Eugen Batz, François Kollar, Emeric Feher, la suite du parcours mixe allègrement chronologies, tout comme artistes connu·e·s ou plus confidentiel·le·s. L’attention pour les artistes femmes étant récent, ce panorama des collections photographiques de la Ville est largement masculin, une quarantaine d’hommes pour une quinzaine de femmes. Parmi lesquelles on trouve Marie Bovo, Suzanne Lafont, Nan Goldin, Haruno Utsumi, Valérie Jouve, Martine Franck, Françoise Huguier. 

Déclinaisons

L’Œil objectif est divisé en trois thématiques, accompagné de déclinaisons. Ainsi, à l’entrée « Un nouveau langage », référence aux années 1920, période intense d’expérimentations photographiques est décliné en « Jeux de perspectives », avec notamment les photographies du pont transbordeur citées plus haut. En « À l’épreuve du cadre », avec des cadrages magnifiant des paysages de plages et de salines chez Lucien Clergue, des formes végétales chez Jean Dieuzaide ou Denis Brihat. Et en « Abstraction de l’optique », où l’on trouve notamment des photomontages de Raoul Haussman, Metalopolis III de Jean-Claude Gontrand, donnant un aspect d’abstraction géométrique à des vues de chantier du périphérique parisien, dans un noir et blanc très contrasté.

La section « Donner corps » s’intéresse au pouvoir de la photographie de « donner corps » aux sujets présents devant l’objectif. Elle se décline en « Portraits modelés, Corps en scène, Objets singuliers ». On y rencontre un fessier féminin somptueux émergeant de la mer, photographié par Lucien Clergue, des larmes tels des bijoux disposés sur le visage de Lydia par Man Ray, ou bien le torse masculin cadré serré, apparaissant dans toute son étrangeté charnelle et poilue, de John Coplans. Plus loin, les mises en scène oniriques et figées de Bernard Faucon ou les Séquences d’Haruno Utsumi, prenant les poses stéréotypées des mangas des années 1970. Les images-tableaux de Caniveau avec chiffons verts et rouges d’Alain Fleisher ou abstraites-charnelles de Jean Dieuzaide, poires blettes, ensemble de tiroirs ou encore une poêlée de moules. 

Le dernier chapitre, « Esthétique du document », explorant les écarts plus ou moins importants entre fidélité au réel et démarche esthétique, se décline en « Docufiction/documenteur », « Visions du reportage », et « Trouble de l’ordinaire ». Ici se trouvent notamment la série hilarante de Joachim Mogarra, photographies d’un arte très povera réalisées avec des petits objets du quotidien pour figurer quelques lieux marseillais (le labo clandestin, la maison du fada, le Vieux-Port, la rue Tubano [sic] en 1930). La série Psychogéographie d’Antoine d’Agata autour des mutations du quartier de la Joliette à l’aube des années 2000, ou encore des paysages aux textures et coïncidences étranges, rêveuses et vaguement inquiétantes de Bernard Descamps ou Bruno Réquillard.

Échos contemporains

L’œil objectif se termine vraiment avec « Vues partagées », écho contemporain par huit photographes marseillais·e·s d’aujourd’hui à ce long travelling historique. Il faut retourner dans la salle de l’entrée, des photographies allant des rivages méditerranéens aux rues marseillaises, des reines du ring mexicaines aux corps féminins se liant à la nature. Le tout sous le regard sévère et l’objectif bricolé du Photographe de Louis Pons, assemblage photographie-bois au contraste plein d’humour. 

MARC VOIRY

L’œil objectif
Jusqu’au 3 novembre
Musée Cantini, Marseille

L’article Art et photographie : des alliés objectifs  est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Histoire d’une collection

En ce qui concerne L’œil objectif, l’exposition reprend mot pour mot le titre de la première exposition de photographie organisée en 1968 au Musée Cantini, qui faisait la part belle à quatre photographes français : Robert Doisneau, Denis Brihat, Lucien Clergue et Jean-Pierre Sudre. Et qui inaugurait la création d’une collection, constituée au fil des sensibilités de l’époque, consacrant la photographie comme pratique artistique à part entière. Une collection de la Ville qui s’est régulièrement enrichie d’acquisitions, auxquelles sont venues s’ajouter des ensembles importants : photographies de la Nouvelle Vision au moment de l’exposition Le Pont transbordeur en 1992, photographies de Man Ray à l’occasion de l’exposition Man Ray et la mode en 2020, photographie de Youssef Nabil en 2022, présentée au [mac] musée d’art contemporain de Marseille à sa réouverture au public, au printemps 2023.

Objectif subjectif

L’œil objectif, version 2024, propose une visite en quatre sections : « Un nouveau langage », référence aux années 1920, période intense d’expérimentations photographiques (jeux de cadrages et d’angles de vue, flous et surexpositions, surimpressions et altérations chimiques). Des photographes tels que Moholy-Nagy et Raoul Hausmann vont, par leurs explorations, revendiquer l’existence d’un vocabulaire propre à leur pratique et confirmer la possibilité d’un art photographique. « Donner corps », autour du pouvoir de la photographie de donner corps aux sujets présents devant l’objectif. Et se jouer, à travers le portrait, la mise en scène et la nature morte, des rapports entre nature et artifice, entre vivant et inerte (Man Ray, Szulc-Kryzanowski, Jean Dieuzaide). La section « Esthétique du document » s’articule autour de la « photographie documentaire », en équilibre entre fidélité au réel et démarche esthétique, nature du réel et véracité des images (Martine Franck, Louis Brauquier, Valérie Jouve). Enfin « Vues partagées » expose en écho des travaux de photographes de la scène contemporaine marseillaise : Juliet Airs, Laura Verburgge, Lucas Guidi, Laure Mélone, Jérémy Toussies, Jonathan Rigard-Cerison, Manon Delaune, Théo Saffroy.

MARC VOIRY

L’œil objectif
Jusqu’au 3 novembre
Musée Cantini, Marseille

L’article Trésors photographiques  est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Archéologie du trait
Louis Pons dessine sans relâche dès les années 1950. Un vrai travail de broderie d’encre de Chine sur papier, de la « magie – blanche et noire » d’où surgit des édifices écroulés, des volatiles coincés, des visages masqués, un enchevêtrement de corps emprisonnés, ligotés, malmenés… Un monde surnaturel mi-humain mi-animal que l’on retrouvera plus tard dans ses assemblages. Un treillis inextricable à la fois fascinant et cauchemardesque. Comme l’écrit Frédéric Valabrègue¹ dans le catalogue paru chez Silvana Éditoriale, « Il y a dans l’énergie faisant du moindre trait d’un dessin de Pons une saillie donnant naissance à mille autres traits, un instinct de mort ». Au cœur de la nature à Sillans-la-Cascade ou dans le charivari des villes, le dessin raconte son rapport au monde, ancré dans une réalité dont il se détache progressivement pour tendre vers un décor de science-fiction, vers « une hybridation du végétal et de l’animal ». Des dessins qui ont, à certains égards, leur origine dans la caricature ou le dessin humoristique qui aiment malmener les formes, construire et déconstruire les saynètes. Et désarticuler les corps…

Manipulateur d’objets
Sans jamais abandonner la légèreté de la feuille de papier et son canevas aux traits serrés, il intègre progressivement les assemblages dans sa pratique, d’abord « plus récréatifs et accidentels que les dessins », avant de s’y adonner entièrement. On y retrouve un lacis de reliefs cloués ou collés, un fouillis ordonné de reliques, de rebuts de toutes sortes (bois, métal, textiles), d’ossements humains et animaux empaquetés. Dans les Grands docks de 1998, il évoque le souvenir des rouilles portuaires et la lumière du sud comme ciment de son travail ; dans Il me regarde ou Gros jouet nocturne en 1993, il dresse un gisant. 

Toute son œuvre est peuplée de morts et de fantômes, de momies et d’esprits surnaturels. De fétiches, sans toutefois faire allusion aux arts anciens africains ou océaniens. D’ailleurs, comme l’analyse Christian Bazzoli², « dans l’histoire de l’art, la mort est partout : mausolées, gisants, crucifixions, supplices, enterrements, résurrections, etc. ». Louis Pons le sait au plus profond de lui-même qui a longtemps conservé auprès de lui la momie de Vivre vite en compagnie de momies de chats notamment. Sous-titrée La Moto et réalisée en 1973-1974, elle trône en belle place dans l’exposition, associant une mystérieuse momie péruvienne à une moto sortie du bassin de carénage de Marseille. Œuvre maitresse qui, comme le souligne Claude Miglietti, co-commissaire avec Adrien Bossard, « n’est pas sans rappeler le célèbre Cavalier de l’Apocalypse d’Honoré Fragonard ». Entrer dans le monde de Louis Pons, c’est un peu comme entrer dans sa maison, il nous y invite mais nous prévient : « Ma maison n’a pas de toit et le ciel est absent ». 

MARIE GODFRIN-GUIDICELLI

^{1 et 2} La pelote, la boîte et le tas de Frédéric Valabrègue et Hybrides débridés, hybrides abattus de Christian Bazzoli in catalogue français-anglais, 242 pages, 32 €.

J’aurai la peau des choses
Jusqu’au 3 septembre
Musée Cantini, Marseille 
musees.marseille.fr

Et aussi
Seule certitude, le doute
Dessins, gravures et assemblages
Du 20 avril au 26 mai
Galerie Béatrice Soulié, Marseille 

L’article Louis Pons, l’âme du rebut est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Après avoir commencé ses études à Lisbonne, Maria Helena Vieira da Silva a quitté le Portugal en 1928 pour Paris, où elle a poursuivi sa formation artistique à l’Académie de la Grande Chaumière, notamment chez le sculpteur Antoine Bourdelle. Bien qu’elle ait pratiquée la sculpture, elle se consacre, dès 1929, essentiellement à la peinture, donnant naissance à un style abstrait et géométrique, fortement influencé par Fernand Léger. À Cantini, ce sont 80 œuvres, dispersées jusque là dans des collections particulières et des institutions en France, qui vont être rassemblées dans un parcours chronologique et thématique, retraçant la carrière de l’artiste, de ses débuts figuratifs des années 1920 jusqu’aux peintures évanescentes des années 1980. Décliné en 6 sections : Début / Ossature / Exil / Perspective / Concept / Lumière. Une section sera largement dédiée à son voyage à Marseille en 1931 mentionné plus haut, source d’inspiration et moment clé́ dans la définition de sa pensée et de sa pratique picturale.

MARC VOIRY

Vieira da Silva, l'œil du labyrinthe 
Jusqu’au 6 novembre
Musée Cantini, Marseille
04 13 94 83 30 / musees.marseille.fr

L’article Vieira da Silva : un oeil dans la rétrospective est apparu en premier sur Journal Zebuline.