« Je me fais violence pour conserver, malgré mon humeur, ma voix d’encre », écrivait René Char depuis son maquis. Hend Jouda dit « Je ne veux pas être poète en temps de guerre ». Et l’est pourtant, malgré elle. Réfugiée en Égypte avec ses enfants, « en sécurité en temps de guerre » elle ne sait pas comment s’excuser d’être en vie, de boire un café, de « la possibilité d’une douche », face à des « oiseaux sans nid », des « enfants pâles après la mort », des « mères tristes / ou tuées ».

Son esprit, son corps, son écriture, n’ont pas quitté ces « rues pulvérisées » et ses voisins morts, par dizaines, par centaines, par milliers. Ni sa tente, piètre refuge sous les missiles qui sifflent, où le sable s’immisce et persiste, inarrêtable.

Les poètes témoignent

Hend Jouda parle, ajuste son foulard entre chaque poème, fait sonner son sourire et sa langue au-delà, au travers de la douleur. Elle fait sentir furtivement, douloureusement, la douceur du pied d’un enfant mort, la mer qui continue de sourire, contre la mort.

« Le désespoir est un pêcheur obstiné /je suis son poisson convoité. »

Ce verset ponctue le spectacle, sépare les poèmes, qui disent les plaies de Gaza mais aussi le souffle de vie, d’amour, de joie, qui résiste. La bande son, discrète, permet de courtes respirations, aussi métaphorique que les mots : la chanson de Solveig, attente sans espoir d’une femme seule, des ressacs, et le bourdonnement obstiné des missiles.

Peut-être la langue sublime des poètes pourra-t-elle enfin s’entendre, et agir dans les consciences comme le poème d’Éluard en temps de guerre ?

Et par le pouvoir d’un mot / je recommence ma vie

Je suis né pour te connaitre / pour te nommer

Liberté.

Nommer Gaza, et connaitre à nouveau la joie.

AGNÈS FRESCHEL

Gaza ô ma joie a été joué les 18 et 19 mai au Théâtre Liberté, Scène nationale de Toulon.

 Le texte est publié aux éditions suisses Héros-Limites

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C’est Charles Berling qui ouvre le bal, doucement. L’acteur campe un metteur en scène vieillissant qui reçoit une jeune actrice, venu l’interrompre Après la répétition au prétexte d’un bijou oublié. Un jeu de séduction s’installe, comme inévitable, entre celle qui veut réussir et plaire, et celui qui aime ses actrices au point de les désirer. Banalité triste, si ce n’est qu’Henri Vogler a aimé la mère d’Anna, Rachel, morte à présent, mais qui revient comme un fantôme, alcoolique, psychotique, détruite par ce qu’elle a offert sur scène, et dans son lit. La pièce, étroite, grise, est un champ d’affrontement et de fantasme, où les niveaux de fiction s’entrelacent. Celui où la mère (Emmanuelle Bercot) survient et frappe sa fille, celui où Vogler raconte ce que serait une relation avec Anna. Elle est peut-être sa fille, et l’effroi d’un inceste possible redouble quand il comprend qu’elle a avorté pour le rôle. Est-ce cela le théâtre, le jeu, renoncer à la vie, confondre l’incarnation et le réel, ne pas savoir ce qu’on éprouve, ne pas savoir aimer ? 

Retrouver les clefs

Persona déploie les mêmes questions, du côté de l’actrice cette fois. Emmanuelle Bercot incarne Elisabeth, qui pourrait être Rachel et s’appelle d’ailleurs Vogler. Internée, mutique, nue, elle s’est arrêtée de jouer et de vivre. Même si sa docteure (Elizabeth Mazef) suppose qu’elle ne joue là qu’un rôle de plus, elle aura besoin de l’infirmière Alma pour renouer avec le réel et ce qu’elle éprouve. Juliette Bachelet, aussi troublante, vivante et rugueuse en Anna qu’en Alma, saura ouvrir toutes les portes, comme la chambre grise d’hôpital qui se transforme en île, la pluie qui les lave, la musique de Charles Ives qui surgit comme la clef des émotions réelles détruites par le théâtre, ou par le jeu social qui bannit le fantasme. Le sexe, la jouissance, le désir, la maternité enfin, permettront de retrouver l’accès à ce quelles éprouvent.

Leçon de cinéma, Persona superposait les images mentales et les visages pour dire le trouble psychotique. Sur scène, nu, Ivo van Hove plonge dans l’incarnation, pour dire les limites fragiles du moi, que le théâtre peut détruire. Bouleversant.

AGNÈS FRESCHEL

Après la répétition/Persona
Du 16 au 18 octobre
La Criée, scène nationale de Marseille
Dans le cadre de la programmation du Théâtre du Gymnase 

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Lieux communs reprend les mêmes recettes, plus quelques autres : une bande d’acteurs jeunes à la virtuosité hors du commun ; un verbe puissant, abondant, poétique et concret, qui s’affirme dans des tirades fleuves et des dialogues incisifs ; une analyse historique et politique nourrie des questionnements actuels des sciences sociales, que certains nomment wokisme, et qui remettent en cause les dominations patriarcales. 

Points de vue pluriels

Dans Lieux communs ils sont assortis d’une réflexion nouvelle sur l’art et la représentation, et d’une intrigue dont le conflit nous traverse tous·tes : Issa Comparé, un jeune homme noir a, peut-être, sans doute, roué de coups jusqu’à la tuer une jeune femme. Lui-même victime d’un interrogatoire qui frôle la torture, enfant violemment battu par son père, il est rapidement objet de la vindicte publique, sans examen véritable de sa responsabilité, la jeune femme tuée étant la fille d’un leader d’extrême droite… 

La scène de violence, évoquée lors des interrogatoires, n’est jamais jouée. On en parle dans les coulisses d’un théâtre, les loges d’une émission télé, on retrace le contexte dans le récit de la sœur d’Issa, et la violence de leur père, celui du frère de la victime, qui a fui sa famille « facho ». 

On la traque aussi au détour d’une œuvre d’art censurée parce que le regard d’un tsar infanticide exprime trop d’humanité. Comme la culpabilité d’Issa reste indécise, les faits résistent au regard, se représentent de dos, se racontent sans se montrer. Les couches contradictoires qui se superposent pour former des vérités nouvelles, comme les bosons de Higgs, au-delà des murs noirs de Soulages évoqués lors d’une scène hilarante. Une convergence des luttes, ou du moins un apaisement, s’avérera possible ente le frère et la sœur, ou la jeune tiktokeuse qui refuse de mettre en doute la culpabilité d’un violenteur de femmes, et la réalisatrice lesbienne qui défend l’idée qu’il est possiblement aussi une victime, du virilisme et du patriarcat. 

« Que peut la langue, sinon relever ceux qui sont à terre ? » demande la réalisatrice dans son ultime tirade. Dans le contexte politique, la phrase est une bouée jetée à la mer, vers les victimes. 

AGNÈS FRESCHEL

Lieux Communs 
Les 16 et 17 octobre 
Le Zef, scène nationale de Marseille 

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400 artistes sont en effet réunis sur la grande scène du Dôme : jeunes chanteurs issus du casting Musical Talents, chœurs de scolaires, et plusieurs ensembles instrumentaux, comme l’Orchestre OSAMU dirigé par Sébastien Boin et l’Orchestre de l’Académie de Mandoline de Vincent Beer Demander. Les costumes et les décors de la mise en scène de Valery Rodriguez proviennent également du travail de lycéens professionnels.

Chansons et extraits instrumentaux sont inspirés de l’œuvre de Beethoven (laissant à entendre une 5^e Symphonie très présente et un final sur l’Hymne à la Joie), avec Emmanuelle Cosso à l’écriture du livret. Hélas, comme souvent, la sonorisation inégale et un peu écrasante du Dôme noie le son des orchestres jouant pourtant en direct, et empêche parfois de comprendre les paroles de chansons non surtitrées. Dommage car l’on aurait aimé mieux entendre les championnes évoquer l’histoire sexiste des Jeux, dans l’un des trop rares moments subversifs de ce spectacle au propos un peu lisse. Sous prétexte de déplorer la futilité de la compétition et l’ego des champions, Entrez dans la légende semble toutefois mesurer la valeur de ceux-ci à leur nombre de médailles, et prend bien trop au sérieux cette célébration un peu artificielle de dispendieux Jeux olympiques à venir.

PAUL CANESSA

Entrez dans la légende a été donné les 8 et 9 juin au Dôme, Marseille.

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La question préliminaire porte sur la définition du bonheur. Après les réponses « avouables », le discours parfois dérape, facétieux, orné d’un brin de rouerie, d’une once d’ironie, en un décalage digne de l’esprit des Monty Python… Marianne Suner s’avance avec son ukulélé, vite rejointe par les autres pour interpréter Il y a ta bouche des Ogres de Barback. Les yeux pétillent de malice, se délectent des textes avec une énergie communicative… On déclare son amour par le biais de Cyrano de Bergerac, soufflant depuis l’ombre à un Christian les mots à dire à une Roxane sur son balcon, avant d’enchaîner, sous forme de pied de nez, sur J’veux un mec d’Adrienne Pauly.

Le sourire grinçant de Ça ne se voit pas du tout d’Anne Sylvestre épingle les hypocrisies dominantes, puis s’indigne avec Quand la terre sera mourue de Frédéric Fromet… On retourne à La fac de lettres de Jacqueline Taieb, on se plonge dans les cocktails improbables de Juliette, Rhum Pomme, on préfère Des bisous (Philippe Katerine) aux violences gratuites et avec Agnès Bihl on choisira le Faîtes l’amour, pas la vaisselle. C’est clair avec BICEPS « il en faut peu pour être heureux » (Jean Stout et Pascal Bressy) ! Le tout est réglé avec une finesse et une éloquence revigorantes. Chanter pour vivre heureux… on en redemande !

MARYVONNE COLOMBANI

Spectacle donné le 9 au Patio (Aix-en-Provence), à l’invitation de Par les Villages dans le cadre de la Biennale d’Aix.

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La première, c’est Chantal Akerman, l’iconique réalisatrice belge « née le 6 juin 1950 et morte le 10 octobre 2015 », la seconde « c’est ma mère, Leila Tlili née le 13 juillet 1969, décédée le 6 décembre 2009. » Il y a du Xavier Dolan chez Bachir Tlili qui détaille chaque itinéraire avec une précision méticuleuse. Il évoque cette femme élancée aux cheveux noirs qui avait toujours un sac plastique contenant des Marlboro rouge, un livre de Stephen King « et un porte-monnaie même si de l’argent, elle n’en avait pas ». Le décor fait pénétrer dans l’intimité d’un appartement et dans l’intériorité d’une pensée endeuillée. À la radio, les émissions se succèdent : on y parle féminisme, César Franck… On entend aussi une voix de femme lointaine, grésillant ; celle de Chantal Akerman peut-être. 

Bachir se dirige vers la sortie du théâtre, reste un moment appuyé contre la porte entrouverte. Il tire sur sa cigarette, en regardant le ciel. Soudain, la photo figée de Habiba s’anime. Le long plan séquence s’attarde sur le visage de cette grand-mère dont on voit désormais le turban qui entoure ses cheveux, les boucles d’oreille et les bracelets. Dans son regard qui suit l’objectif, on lit la résignation, l’humilité mais aussi la sagesse de celles qui connaissent tous les drames que la vie réserve.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Akerman/Habiba a été donné dans le cadre des Rencontres à l’échelle le 6 juin à la Friche la Belle de Mai, Marseille.

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One (titre provisoire pour planète provisoire) a été vu le 23 mai lors d'une représentation scolaire au Zef, Marseille

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Comédie de l’humiliation

On est accueilli à l’entrée de la salle par des créatures masquées en costume blanc, coiffe végétale et tout un assortiment serré de cloches de pâturages accrochés dans le dos. Sur scène une voiture, des instruments de musique, un abri clos et des panneaux colorés. Ça commence en comédie musicale champêtre, deux jeunes paysannes convoitées par deux bergers, entourés d’une dizaine de moutons aux perruques bouclées, à l’esprit de troupeau et aux bêlements parfaits. Puis George va apparaître, lunettes, dégarni, l’air obtus, rencontrant Lubin, intermédiaire bavard, chevelu et étourdi, lui dévoilant l’intérêt de Clitandre, quinqua relooké jeune, pour Angélique, à la mauvaise foi déterminée.

La comédie de l’humiliation de George de la Dandinière commence, et va suivre son cours et ses péripéties comiques et cruelles, dans des costumes, attitudes, façons de se mouvoir sur scène, et de dire le texte semblant sortir d’un mix de carnaval belge, soirée disco, cabaret burlesque et guignol queer. Le tout se terminant en battle musicale de groupe, amour domestique contre amour libre, équilibre contre désordre, Apollon contre Bacchus. C’est ce dernier qui l’emportera, dans une bacchanale au son amplifié brouillon, puis une dernière et brève apparition de George se dandinant en chantonnant.

MARC VOIRY

Georges de Molière était présenté du 29 mai au 1er juin à La Criée par le Théâtre du Gymnase hors les murs.

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Comédie de l’humiliation

On est accueilli à l’entrée de la salle par des créatures masquées en costume blanc, coiffe végétale et tout un assortiment serré de cloches de pâturages accrochés dans le dos. Sur scène une voiture, des instruments de musique, un abri clos et des panneaux colorés. Ça commence en comédie musicale champêtre, deux jeunes paysannes convoitées par deux bergers, entourés d’une dizaine de moutons aux perruques bouclées, à l’esprit de troupeau et aux bêlements parfaits. Puis George va apparaître, lunettes, dégarni, l’air obtus, rencontrant Lubin, intermédiaire bavard, chevelu et étourdi, lui dévoilant l’intérêt de Clitandre, quinqua relooké jeune, pour Angélique, à la mauvaise foi déterminée.

La comédie de l’humiliation de George de la Dandinière commence, et va suivre son cours et ses péripéties comiques et cruelles, dans des costumes, attitudes, façons de se mouvoir sur scène, et de dire le texte semblant sortir d’un mix de carnaval belge, soirée disco, cabaret burlesque et guignol queer. Le tout se terminant en battle musicale de groupe, amour domestique contre amour libre, équilibre contre désordre, Apollon contre Bacchus. C’est ce dernier qui l’emportera, dans une bacchanale au son amplifié brouillon, puis une dernière et brève apparition de George se dandinant en chantonnant.

MARC VOIRY

Georges de Molière était présenté du 29 mai au 1er juin à La Criée par le Théâtre du Gymnase hors les murs.

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Cette Odyssée a toute la qualité des tendances dramatiques contemporaines : un attachement aux récits, une place centrale donnée aux acteurs, une adresse directe aux spectateurs alternant avec des passages dialogués, des costumes qui sont des vêtements de ville, un décor qui n’est que matière et couleurs. Et, surtout, cinq comédiens, trois femmes et deux hommes, qui jouent tous les personnages sans s’attacher à leur genre, passent d’un rôle à l’autre  avec brio et fluidité, ajoutant chacun une touche à Ulysse ou Pénélope, incarnant l’héroïsme  de la nourrice ou du porcher, avec la même noblesse que les rois et les dieux. Et cette incroyable affirmation, répétée tout au long de l’Odyssée, du devoir qu’ont les peuples autochtones d’accueillir et protéger les étrangers en détresse.

Seul Télémaque est incarné par le même acteur. Il ouvre et ferme la pièce comme il introduit et conclut l’épopée homérique, héros en devenir, enfant encore, cherchant son père, puis combattant à ses côtés, devenant héros à son tour, sauvant ses parents des prétendants et des mythes, incarné. Il est, au sens littéral, Télé-maque, le combat déplacé. L’ailleurs, une nouvelle voix s’accomplissant, comme le théâtre de Pauline Bayle : paritaire, dégenré, jeune, collectif, ancré dans l’histoire, revendiquant la solidarité humaine au présent.

AGNES FRESCHEL

Odyssée a été joué les 15 et 16 mai au ZEF, scène nationale à Marseille et au Sémaphore, Port de Bouc, dans le cadre du Train bleu

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