Damiaan de Schrijver : Pour nous c’est un des plus grands maîtres de la dérision envers les gens de pouvoir. Molière donne beaucoup d’exemples où les valets sont plus malins et les servantes plus malignes que leurs maîtres. Les patrons, les grandes figures, les rois, sont des gens qui font beaucoup de fautes. Molière a trouvé comment le dire avec sa plume : c’est politique.

Il était avant tout un comédien et un écrivain, qui était avec ses compères, et jouait lui-même les pièces avec eux. C’est pour nous un grand exemple : cette personne qui écrit, qui joue et qui dirige la compagnie, c’est un comédien.

À propos des textes, ça ne doit pas être facile de choisir des passages de Molière, d’en écarter d’autres. Comment avez-vous travaillé là-dessus ?

Le processus est collectif : les comédiens se sont mis autour de la table et ont fait leur choix. Les pièces qu’on va jouer, c’est Le Mariage forcé, L’Avare, Le Malade imaginaire, Le Médecin malgré lui, Les Égotistes, un montage des Femmes savantes, des Précieuses ridicules. Et deux textes, un que Molière a écrit pour expliquer au frère du roi pourquoi il divertit les gens, et l’autre, une lettre pour dire que monsieur Molière est mort après avoir joué Le Malade Imaginaire.

Et nous serons là avec des matraques. On va se frapper. On l’a toujours fait, on se frappe jusqu’à ce qu’on reçoive une conscience. Attaquer avec des mots, montrer que la vie est amusante, mais aussi très dure et très cruelle.

Quel va être le dispositif scénique à la carrière Boulbon ?

Il y aura des tréteaux avec des escaliers en bois et on sera en tri-frontal. On va jouer de trois côtés. Il y a un grand rideau. Et pour le reste, on va se débrouiller avec quelques chaises, quelques fauteuils, des matraques. Voilà, c’est tout. Un rideau. Tout dépend de la joie de jouer ensemble, de s’attaquer, et qu’il ne fasse pas trop chaud, qu’on puisse bien réfléchir

Quels costumes allez-vous utiliser ?

On ne va pas jouer dans des costumes du 17^e siècle, mais ce sont des costumes qui reflètent cette période-là. Nous avons invité des stylistes à réfléchir avec nous. Ça fait penser aux costumes de l’époque, mais en même temps, avec un peu d’audace, on pourrait les mettre aujourd’hui. Des pantalons, des grandes chemises, des robes magnifiques, que des enfants auraient trouvés en ouvrant des coffres dans un grenier.

Est-ce qu’il va y avoir de la musique ?

Il y a de la musique pour marquer les nouvelles pièces. Il y a beaucoup de musique de Heinrich Ignaz Franz Von Biber, un autrichien, une musique très remarquable.

Et de la musique pendant l’entracte, parce qu’on a demandé à l’organisation d’Avignon que le public puisse sortir et venir quand il veut. J’espère que les gens seront assez audacieux pour le faire. Il y a des bars qui seront ouverts, on vient quand on veut et on part quand on veut. C’est un peu comme quand on est dans la rue, sur des places, lorsqu’on joue dehors. Ça doit être décontracté parce qu’on va jouer 4h, on va avoir des entractes, on va s’arrêter, on va recommencer. Il faut que ça bouge dans la salle.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR MARC VOIRY

1, 2, 3 Poquelin

Du 13 au 25 juillet

Carrière Boulbon

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Peur partout, société nulle part 

Ce que met en jeu Orphans, à travers cette effraction d’un réel violent dans le cocon domestique, et l’effet à la fois comique et glaçant de dialogues brefs progressant en trébuchant, c’est un crescendo de cas de conscience, apparaissant au fur et à mesure du dévoilement progressif d’une vérité effrayante. Celle qui amène au début du spectacle à l’arrivée de Liam, couvert de sang, interrompant le repas d’Helen, sa sœur et de Denis, son beau-frère. Est-il un criminel, une victime, les deux ? Doit-on le soutenir, le dénoncer ? Et s’il y a « nous » et les « autres », comment choisir entre les siens et les autres ? Et qu’est-ce que ça implique pour tous.tes ? Un crescendo dramatique et moral qui remet en jeu un dilemme ancien et récurrent (Sophocle, Camus, …) porté par des TG Stan en grande forme, dans une mise en scène sobre, vive et puissante.

MARC VOIRY

Orphans était présenté au Bois de L’Aune à Aix-en-Provence les 10 et 11 mars

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LILLI BERTON FOUCHET

10 et 11 mars 
Bois de l’Aune, à Aix-en-Provence

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Sur le plateau, ils sont deux, pendant des clochards de la pièce de Beckett En attendant Godot, eux aussi discourent, sans doute avec moins de subtilité que Vladimir et Estragon, mais avec une dimension tragique supplémentaire, l’un des protagonistes a choisi de mourir. L’Un et l’Autre, ils n’ont pas d’autres noms, sont déjà installés sur deux chaises lorsque le public entre. L’Autre fume un cigare, et humecte sa longue barbe de parfum tandis que l’Un caresse son crâne chauve et boit avec une maladresse étudiée une canette de Coca, dans un décor dépouillé jonché de quelques bouteilles plastique et de canettes. Le texte en néerlandais est traduit en larges caractères sur la toile tendue derrière les protagonistes. « Ik » (« je » en français) est le premier mot de la pièce. Les deux compères se retournent pour vérifier la traduction affichée jouant avec le public en une connivence rapidement nouée.

Des trouvailles ingénieuses

Sans doute, la relation brillante avec les spectateurs qui se laissent mener par la fantaisie des mimiques, des intonations et des silences, nuit à la tension dramatique et au contenu tragique de la pièce. La lourdeur ressentie par l’Un qui est désespéré de sa relation au monde, – il se sent devenir aussi lourd si ce n’est davantage que les rochers gris émergeant des eaux (les deux personnages voguent sur un bateau à la voile déchirée, du moins on le devine) -, s’oppose à la légèreté à laquelle il aspire. La profondeur du propos est gommée par les clowneries et perd sa puissance existentielle. Certes, selon les instructions de l’auteur, « l’action aussi est inventée, imaginée, elle ne doit pas être accomplie, mais rester imaginaire », cependant la teneur tragique de la mort choisie n’est pas anodine, pas plus que le mal-être de l’Un qui le pousse à se jeter à l’eau, refuser la gaffe que lui tend désespérément l’Autre.

Le français est employé lorsque l’Autre se retrouve seul et raconte, désemparé, la disparition de l’Un, abandonnant le langage qui les reliait pour celui, plus intime, qu’il est le seul à manier correctement et à comprendre. Cette volte fait partie des trouvailles ingénieuses de la mise en scène. Le suicide apparaît ici héritier de la pensée d’un Cioran, vécu comme une délivrance, une conquête de la légèreté, bref, l’expression de l’ultime liberté humaine. Entourés de néant avec le brouillard qui peu à peu envahit leurs descriptions, les deux hommes évoquent les plaisirs de la vie, « c’est quand même bien de vivre non ? », la vacuité du vocabulaire dont ils usent, « ce ne sont que des mots des choses que l’on dit », mais ce que recouvrent ces mots est dépourvu d’existence…

Si le clown est le symbole du tragique, les allusions à Francis Blanche (« je peux le faire ») ou à Laurel et Hardy dont un extrait de film est passé à la fin, après la mort de l’Un, tandis que l’on voit les pieds des acteurs danser des claquettes, sont alors intéressants, mais la distanciation qui aurait dû s’établir entre poésie, humour et désespoir, n’y est pas et c’est dommage, car les comédiens sont excellents. « Maintenant je suis parti. Je suis parti avec le vent. Je suis le vent. » (Jon Fosse). Malgré le charme indéniable de ce moment de théâtre, on aurait aimé garder en mémoire la puissante tension dramatique que l’œuvre réclamait…

MARYVONNE COLOMBANI

Je suis le vent a été donné les 26 et 27 janvier au Théâtre du Bois de l’Aune, Aix-en-Provence.

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