Fondé en 1999 par la claveciniste Céline Frisch et le violoniste argentin Pablo Valetti, l’ensemble Café Zimmermann s’est imposé comme l’un des ensembles baroques majeurs en Europe.

Le programme a révélé toute la richesse de la formation, avec ses deux flûtistes remarquables : Karel Valter au traverso et Michael Form à la flûte à bec, spécialiste recherché pour le répertoire brandebourgeois. Leur dialogue gai, fusionnel et véloce dans le Double concerto en mi mineur de Telemann a parfaitement illustré la joyeuse complicité musicale qui anime l’ensemble.

Pablo Valetti, habité par la superbe partition, a brillé dans le Concerto pour violon en la mineur de Bach, déployant toute sa sensibilité, tandis que le Concerto pour 4 violons de Telemann, pièce très originale sans basse continue, a offert au public un moment de virtuosité collective. Balázs Máté, violoncelliste inspiré, s’est avéré aussi tout à fait remarquable dans le Concerto en la majeur de Telemann aux côtés du traverso et du violon ; ces trois-là ont dialogué dans une mélancolique allégresse, caractéristique du style galant de Telemann. Mais c’est Céline Frisch qui a subjugué l’auditoire dans le Brandebourgeois n°5, où Bach confie au clavecin une longue cadence sans précédent dans l’histoire du concerto. Ses doigts volaient littéralement sur le clavier, révélant toute la modernité et l’audace de Bach capable de transformer un instrument, alors destiné à l’accompagnement, en soliste éclatant.

Le concert s’est achevé avec le Brandebourgeois n°4, discours lumineux entre les deux flûtistes et le violon, conclusion parfaite d’une soirée où excellence musicale, esprit de convivialité et intelligence de l’interprétation ont cheminé de concert.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 10 février au théâtre du jeu de Paume (Aix en Provence)

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 M.V.
9 et 10 décembre
Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence

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L’Alceste d’Éric Elmosnino étonne. Il n’est ni statue morale, ni caricature grinçante : un homme à vif, mélancolique, qui voudrait encore croire à une certaine pureté du monde, autant qu’à la sienne. Sa colère n’est jamais tonitruante : plutôt rugueuse, sanglotante, presque lasse. Et c’est cette fatigue-là qui le rend véritablement humain. Georges Lavaudant met en scène les âges comme des lignes de force. Entre la maturité d’Alceste et d’Arsinoé – Astrid Bas, superbe d’austère fragilité – et l’énergie plus vive de Célimène, la tension n’est pas seulement sociale : elle est temporelle. Mélodie Richard ne joue pas les séductrices frivoles : elle est une Célimène lucide, affable, mais presque revenue de tout. Elle cisèle, observe, brosse les portraits des absents au vitriol, à la manière d’une moraliste.

De l’art de l’équilibre

La couleur vient de cette fausse coquette, romantique avant l’heure : de ses pas légers, de la garde-robe éclatante que révèle un pan de décor pivotant comme un secret. Les tissus chamarrés deviennent une extension de son esprit, de sa liberté. Alceste voudrait la retenir au bord du monde ; elle refuse d’être figée.

La troupe suit ce bal des nuances avec une belle précision. Seul un détail, presque anecdotique, trouble légèrement le tableau : le duo Éliante-Philinte. Anysia Mabe, superbe, mesurée mais généreuse, forme un couple scénique improbable avec François Marthouret, charmant mais assez âgé pour être son grand-père. L’écart, pure coïncidence sans doute, contredit la fine dialectique entre générations que le spectacle tisse ailleurs. Rien qui entame toutefois la cohérence d’ensemble, tant les interprètes défendent avec justesse la ligne claire du metteur en scène, et s’emparent de la langue avec une facilité et une simplicité déroutantes.

C’est peut-être là la belle réussite du spectacle : faire sentir combien Le Misanthrope parle encore de nos désirs contradictoires : vérité et masque, élan et sagesse. Une élégance rare.

SUZANNE CANESSA

Le spectacle est joué jusqu’au 29 novembre au Théâtre du Jeu de Paume d’Aix-en-Provence

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Cet opéra, exclusivement masculin, se déroule au XVIII^e siècle, à bord d’un navire de guerre britannique, L’indomptable, régi par des lois morales où émotions et désirs n’ont pas droit de cité. Britten, qui vit alors son homosexualité dans une Angleterre conservatrice où celle-ci est encore criminalisée, trouve ici un terrain d’expression symbolique.

Tragédie du non-dit

La force de cette pièce réside dans la dynamique entre trois personnages : le jeune Billy, d’une beauté et d’une innocence lumineuse, interprété par Ian Rucker, baryton à la voix claire et souple qui incarne le mousse désarmant, marqué par un bégaiement, illustrant, latragédie du non-dit, de la parole empêchée, de l’amour réprimé. 

Celui-ci est l’objet d’un désir trouble de la part de Claggart, capitaine d’armes, interprété avec une noire intensité par Joshua Bloomer. Ce dernier, incapable d’assumer l’attirance qu’il éprouve pour Billy préfère fomenter sa perte. Son aria central O beauty, O handsomeness, goodness! déploie une interprétation radicale, celle d’un personnage rongé par la frustrationqu’il détourne en haine.

Face à eux, le capitaine de navire Vere, campé par Christopher Sokolowski, semble droit dans ses bottes. Mais sa voix trahit l’ambiguïté. Il incarne cette figure du témoin déchiré entre sa fonction et sa tendresse pour Billy. Son grand monologue final, après l’injuste condamnation à mort de Billy, le montre hanté par la culpabilité de celui qui, lui non plus, n’a pu ni dire, ni sauver.

Le sommet émotionnel est atteint par Billy in the Darbies, solo de Billy juste avant son exécution, porté par le phrasé juvénile, presque enfantin de Rucker. Cette acceptation paisible de la mort, servie par la mise en scène, donne à Billy une dimension christique.

Si le livret, coécrit par Britten et E.M. Forster, n’évoque jamais explicitement l’homosexualité, tout le suggère. Ce « sous-texte » devient aujourd’hui central dans les lectures contemporaines. Cette création l’assume avec justesse et élégance. Soixante-dix ans après sa création, l’histoire de Billy Budd ne cesse de résonner.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Spectacle donné le 5 juillet au Théâtre du Jeu de Paume, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.

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MARC VOIRY

25 février au 1er mars
Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence

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NICOLAS SANTUCCI

5 et 6 février
Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence

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CHLOÉ MACAIRE

Du 10 au 14 décembre 
Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence 

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Mystère poétique

Les deux pianistes sur scène, Elsa Bonnet qui joue « à la maison » (elle a débuté ses études pianistiques à Aix-en-Provence avant d’intégrer le CNSM de Paris et de connaître une carrière internationale) et Pierre-Marie Gasnier lui aussi au palmarès impressionnant et « ambassadeur Pleyel », adoptent des costumes (dus à Nadia Fabrizio) qui renvoient aux deux protagonistes du conte, petite robe de poupée et nœud blanc dans les cheveux pour elle et tenue d’enfant sage pour lui. La vivacité complice et intelligente des instrumentistes tresse les phrases musicales autour du récit porté avec une subtile espièglerie par Nadia Fabrizio. Les voix des personnages naissent au fil de la narration ; les articulations du conte, les formules incantatoires scandent le déroulé de l’action tandis que les dessins de Lorenzo Mattoti, rétro-projetés sur un grand écran en fond de scène épousent les péripéties du conte. On voit l’ombre de la main armée d’un pinceau tracer des formes étranges qui peu à peu prennent sens. 

La peur invoquée d’emblée par la conteuse se traduit dans le foisonnement des arbres, des perspectives où s’entremêlent ronces, buissons et fourrés, laissant une place minuscule aux personnages stylisés. Le mystère poétique des formes correspond à celui des musiques, et enrobe le spectateur dans son orbe expressionniste. Le conte se mue en fable par sa morale qui célèbre la fraternité solidaire. Le spectacle accessible dès huit ans est une pépite dont les largement plus de huit ans se régalent aussi !

MARYVONNE COLOMBANI

Hansel et Gretel a été donné du 30 novembre au 2 décembre au Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence.

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Les témoignages recueillis forment un livre dense tissé au plus près de l’intime de ces femmes qui ont osé partir à la guerre, ont décidé de se sacrifier pour leur patrie, occupant les postes les plus divers, infirmières, tireurs d’élite, tankistes, pilotes, chirurgiennes… Leur expérience est transcrite sans fard, avec les interrogations, les souffrances, l’épreuve des atrocités vues, vécues, commises, par des femmes souvent à peine sorties de l’adolescence (certaines partent à quinze ans).

Nappe rouge

C’était une véritable gageure de porter un tel foisonnement à la scène sans tomber dans un pathos mièvre ou grandiloquent. Avec La guerre n’a pas un visage de femme, la metteur(e) en scène Marion Bierry (« metteur en scène, comme tireur d’élite, pas de concession ! le métier n’a pas de sexe, ne devrait pas en avoir », sourit l’intéressée) s’empare du texte avec intelligence, remodèle, restitue une ligne chronologique, articule l’ensemble, l’orchestre en un quintette harmonieux porté par les subtiles actrices que sont Cécilia Hornus, Sophie de la Rochefoucauld, Sandrine Molar, Emmanuelle Rozès et Valérie Vogt.

Les cinq femmes irradient sur scène au sein d’une scénographie sobre et efficace : une table et quelques chaises qui suivent une chorégraphie précise rythmant par leurs évolutions les temps de la pièce. Une large nappe blanche puis une seconde rouge couvrent la table évoquant symboliquement le sang versé ou les peurs ressenties au fil d’un récit qui circule entre les protagonistes, à la fois poétique et épique. Les saynètes, les anecdotes, s’enchâssent dans le flux de l’histoire. Les survivantes, ces « filles de 41 » s’adressent à nous, à un groupe de parole ou à des amies, se racontent, narrent le cheminement qui les a conduites à s’investir dans l’effort de guerre.

Austère simplicité

Combattantes, elles ont dû lutter pour le devenir alors que les seuls postes qui leur étaient dévolus étaient des places à l’arrière, à l’état-major, jamais au front. Là encore il leur a fallu s’imposer pour occuper les fonctions correspondant à leurs aspirations. L’horreur, elles ne la racontent pas, la suggèrent, laissent une image émerger mais se retiennent au bord du gouffre de l’innommable. Dignes, puissantes, les comédiennes incarnent avec justesse et sensibilité ces destins hors-norme, campent des caractères, des sensibilités, des parcours particuliers, denses, bouleversants.

L’héroïsme ne tient pas dans des formules redondantes mais se dit par les actes qui sont présentés d’une manière aussi naturelle que n’importe quel geste quotidien. Et pourtant, leur retour au pays à la fin de la guerre n’est pas triomphal, elles sont méprisées, qualifiées de « femmes à soldats ». À l’inverse des hommes qui paradent, elles n’osent pas porter leurs décorations gagnées sur le champ de bataille. Elles ont perdu des années d’études, les métiers auxquels elles auraient pu prétendre, l’estime des personnes de leur entourage alors qu’elles ont mené des hommes au combat, déminé des routes, conduit des avions (ceux destinés aux femmes étaient de véritables jouets dangereux à manipuler et seulement capables de rase-mottes !), sauvé des vies, conquis des territoires… La pièce subjugue dans son austère simplicité en déclinant tous les registres : on rit, on frémit, on est au bord des larmes, on admire, on s’indigne.

Le discours devient universel, nous parle de la condition de la femme, de son dénigrement systématique face aux puissances patriarcales, des systèmes qui stigmatisent toute entreprise qui semble sortir du cadre. Bien sûr, aujourd’hui l’œuvre prend un relief encore plus tragique en résonnance avec l’actualité internationale. Un livre à lire et méditer, une pièce à voir et revoir. On en sort grandis.

MARYVONNE COLOMBANI

La guerre n’a pas un visage de femme est joué jusqu’au 26 janvier au Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence.

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Ce début nous entraîne au pôle Nord, aux premières lueurs de l’aube, une petite fourgonnette avance dans un univers blanc. D’abord minuscule, perspective oblige, elle prend sa taille réelle, invisible et pourtant présente grâce au mime parfaitement synchronisé de ses trois occupants, depuis les remuements intempestifs du véhicule dont le petit sapin parfumé brinqueballe, pendu au rétroviseur intérieur, aux mouvements imperturbables des essuie-glaces, toujours à la même place, mus par les comédiens qui se les passent pour accomplir tel ou tel autre geste, prendre un thermos, l’ouvrir, verser un verre, boire… Impeccable horlogerie qui souligne le mécanisme implacable de la dégradation des conditions de vie sur terre et sur la glace !

Un flamant rose passe

Les trois reporters qui se sont extraits du véhicule, armés de micro, prise de son et caméra, choisissent l’emplacement le plus approprié pour décrire la fonte de la calotte glaciaire. La banquise se fendille puis s’ouvre sous leurs pieds. Fin du caméraman dont l’outil de travail est récupéré par une ourse accompagnée de son petit. Premières victimes du réchauffement… Pendant ce temps une famille se réunit pour le repas dominical (le changement de décor est aussi rapide qu’ingénieux), la grand-mère tente de descendre grâce à un siège monte-escalier récalcitrant, les ventilateurs disséminés un peu partout tentent de dissiper une chaleur excessive, un jeune couple s’affaire, un phonographe dispense sa musique vieillotte… l’électricité multiplie les caprices parfois mortels, le soixante-dix-huit tours prend l’aspect d’une crêpe ratée, les meubles fondent, et les personnages essaient de s’adapter aux métamorphoses, sans en rechercher la cause…

Un flamant rose passe, nourrit son oisillon dans un marécage asséché, puis repart, bientôt emporté dans une tournade à l’instar de la reporter qui, agrippée à l’échelle d’un hélicoptère, poursuit les travaux de constat et de mise en garde initiés au début de la pièce. Les lanceurs d’alerte témoignent de l’aveuglement tragique de nos hybris contemporaines… La prise de conscience est trop tardive, un tsunami dévaste tout. Subsistent les vestiges des hautes tours des quartiers d’affaires, quasiment immergées dans les eaux qui recouvrent la planète… Le récit pourrait juste être glaçant, moralisateur et lourd.

Le tour de force des deux compagnies Focus et Chaliwaté, réunies sur ce projet est d’avoir abordé un sujet complexe et combien prégnant aujourd’hui d’une manière onirique, drôle, humoristique. Grinçante parfois, en utilisant les supports du mime, de l’acrobatie (comme dans le passage d’anthologie des personnages luttant contre le vent), des marionnettes, (les mains agitées dans l’ombre des eaux deviennent des êtres marins évoluant entre les débris des meubles qui flottent désormais avant leur dislocation) sans jamais un mot si ce n’est du gromelot de théâtre, le tout dans des clairs-obscurs qui poétisent le propos. Le public mêlé d’enfants et d’adultes est conquis par la puissance onirique de l’ensemble et d’un sujet qui nous est commun. 

MARYVONNE COLOMBANI

Dimanche a été joué du 13 au 17 décembre au théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence.

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