Dès ses origines, le festival s’est appuyé sur Montévidéo – la structure de création et de production fondée quelques mois auparavant par Colas et Jean-Marc Montera du Grim à Marseille, pour favoriser résidences, premières et plateaux partagés entre théâtre, danse, performance, musique et arts visuels. Un lieu-laboratoire en lisière du 6^e arrondissement de Marseille où artistes et auteurs peuvent travailler sur le temps long, hors des contraintes des circuits institutionnels. 

Et un festival qui fait du lien territorial son credo : faire venir des artistes internationaux tout en soutenant des trajectoires artistiques locales, afin que Marseille soit à la fois réceptacle et incubateur d’écritures nouvelles. 

25 ans après

Hubert Colas : « Un anniversaire ? C’est avant toute chose un rassemblement, des amis, une reconnaissance, des complices du festival, des artistes, des lieux partenaires, un public, des institutions. Nous pourrions dire une bande d’êtres humains qui s’est réunie pour faire la fête mais une fête qui met l’art en cœur de toute rencontre. Un anniversaire c’est un espace qui pousse à regarder le chemin parcouru, les plaisirs, les blessures, les combats et enfin 25 ans de festival c’est peut-être un peu aussi une reconnaissance ». 

Le chemin parcouru n’a pas été un long fleuve tranquille. Si le festival a reçu des milliers d’artistes et écrivains, parmi lesquels Bernard Heidsieck, Gisèle Vienne, Nathalie Quintane, Rodrigo Garcia, La Ribot, Sophie Perez, Julien Gosselin, Chloé Delaume, Tiago Rodrigues… tout en développant un réseau de partenariats internationaux (coproductions européennes, échanges avec Montréal et autres villes), il a été localement plus que souvent fragilisé. 

Par des subventions qui arrivent tard, des coupes budgétaires et les difficultés liées à son QG, entre travaux de mises aux normes de sécurité et conflit juridique à rallonge avec le propriétaire des lieux. En 2017, une pétition de soutien rassemble plus d’un millier de signatures en quelques jours, parmi lesquelles celles de figures majeures de la scène contemporaine (Gisèle Vienne, François Tanguy, Rodrigo García). Et en 2023, lors de la perte du bail, une pétition relayée par Libération et Mediapart, soulignant l’importance du lieu comme « maison des écritures contemporaines » et dénonçant une décision mettant en péril vingt ans d’expérimentation artistique. Cette fois-ci, en vain : fin du bail, Montévidéo et actoral doivent partir. 

La Cômerie 

En 2025, actoral et Montévidéo, qui depuis février 2020 occupent quelques espaces de La Cômerie (ancien couvent rue Breteuil) et qui depuis 2024 y ont installé leurs bureaux, suite au départ forcé de leur site historique, ont fusionné pour ne former qu’une seule et même entité sous le nom d’actoral. Si la Ville de Marseille et la mairie des 6^e et 8^e arrondissements ont décidé de confier la gestion de La Cômerie à l’association Yes We Camp, pour « faire de cet espace patrimonial un lieu du quotidien, de pratiques artistiques amateurs et professionnelles, un lieu-ressource de rencontres, d’échange intergénérationnel, d’animation pour tous les publics », les activités d’actoral y sont désormais pérennisées. 

C’est d’ailleurs là qu’a été donné, le 13 septembre dernier, le coup d’envoi des 25 ans du festival, avec lectures, performances, musique live et DJ set signés Julien Pérez, John Deneuve, Mascare, Perez et Je sors ce soir. Un prélude aux trois semaines où vont se déployer plus de 70 projets artistiques (littérature, cinéma, danse, théâtre, performance, musique, cabaret, art visuel, rencontres) dans une vingtaine de lieux marseillais, proposés par plus de 200 artistes invités.

MARC VOIRY

actoral
Du 24 septembre au 11 octobre
Divers lieux, Marseille

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Mais Amina, contrairement à son père, y voit une utopie pour laquelle elle est prête à sacrifier sa vie, à oublier son passé. Car pour intégrer pleinement cette nouvelle société martienne, elle doit se soumettre à un traitement qui efface peu à peu ses souvenirs de sa vie d’avant. Chacun installé d’un côté d’un décor qui tourne sur lui même, ne laissant apparaître qu’un des deux à la fois, ils tentent de communiquer, de se dire les choses une dernière fois avant que sa mémoire s’efface complètement. 

Un monde vide 

Leurs convictions respectives se mêlent à leurs sentiments. Lui croit en la possibilité de créer un monde meilleur sur terre et cherche à la convaincre de rentrer. Elle a pris sa décision de rester et souhaite juste qu’il l’accepte. Le caractère presque caricatural de ce conflit est renforcé par leur séparation physique et par le manque de développement de l’univers dans lequel ils évoluent. Il est question de grands effondrements, d’une opposition entre des Républiques et des Corpo Nations, sans qu’on ne sache vraiment comment on en est arrivé là. Ce monde post-apocalyptique, dont on a à la fois trop et pas assez de détail, demeure une simple toile de fond pour leur relation. 

Mais si la pièce manque de substance à cet endroit, Tiago Rodrigues y déploie un lyrisme sans borne, appuyé aussi bien par l’interprétation d’Adama Diop, brillant dans son désespoir de père, que par la mise en espace. La rotation du décor qui accélère à mesure que le temps se fait plus pressant pour les personnages, puis s’interrompt pour leur offrir un moment de communion que l’on sait éphémère, l’exceptionnel jeu des lumières, qui alterne entre des ambiances chaudes et d’autres cauchemardesques plongent nos sens dans un état d’alerte permanent. On ressort bouleversé de cette pièce qui parvient à toucher à quelque chose d’universel, la peur de perdre un être cher, et ce malgré ses insuffisances. 

CHLOÉ MACAIRE

Jusqu’au 26 juillet 
L’Autre Scène, Vedène

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Tiago Rodrigues : Nous poursuivons la route d’un festival de création. Cette année nous programmons quarante-deux spectacles, plus de la moitié viennent pour la première fois, plus de la moitié sont en première mondiale et  n’ont jamais été vus, plus de la moitié sont portés par des femmes…

Vous aimez cet équilibre,  en particulier entre ce que l’on retrouve et ce que l’on découvre.

Oui. La création c’est l’improbable, le matrimoine, c’est aussi les retrouvailles avec les dernières œuvres des grands noms, Ostermeier, Anne Teresa de Keersmaeker ou Marthaler, et la découverte d’autres dont on ne sait pas encore prononcer le nom…

Parmi ces retours, Le Soulier de satin dans la Cour d’honneur ?

C’est un retour multiple. Celui de Claudel bien sûr, clin d’œil à la version de Vitez, en 1987, dont tous les festivaliers historiques se souviennent. Celui de la Comédie-Française dans la Cour, celui d’Eric Ruf, dont c’est la dernière mise en scène en tant qu’administrateur de la Comédie-Française, celui de Didier Sandre qui jouait Rodrigue dans la mise en scène de Vitez, celui de Marina Hands, qui reprend le rôle de Prouhèze, que jouait sa mère Ludmila Mikaël… Ce sont des couches et des couches d’histoires et de confidences, notre public adore ce labyrinthe historique, tous ces fantômes bienveillants qui habitent la Cour. Ce sera un spectacle fleuve, avec plusieurs entractes, différent de la version parisienne, adaptée pour l’extérieur et le lieu. Une vraie nuit blanche avec cafés et plusieurs entractes, comme celle de Vitez. Évidemment la Comédie-Française est ici chez elle…

Vous programmez aussi des projets inattendus, risqués, politiques

C’est une des missions du Festival. Il s’agit d’être à la hauteur de notre histoire avant tout en la poursuivant. En 1947 après la guerre, Jean Vilar voulait un festival populaire, démocratique et républicain.  Aujourd’hui le lexique aussi s’est démocratisé, et on ne peut plus dire ces mots sans dire progressiste, international, féministe et anti-raciste

Avec Claire Hédouin, ou les Radios live, ou le Procès Pélicot vous programmez des formes inattendues, à la limite du théâtre

C’est aussi une de nos missions, dans la continuité de Jean Vilar : renouveler le rapport avec le public, chercher les formes qui le permettent. Avec Que ma joie demeure l’an dernier, avec le Prélude de Pan cette année, Claire Hédouin, que nous accueillons en partenariat avec Villeneuve-en-scène, travaille sur l’espace vivant. Il ne s’agit plus seulement de sortir du bâti, mais d’inventer un nouveau rapport ente le vivant et les arts vivants. 

Quant aux formes qui émanent du journalisme, elle renversent le théâtre documentaire en quelque sorte, une forme très présente sur les scènes. Avec Aurélie Charon, ce sont les journalistes qui font du théâtre, et les témoins qui portent leur propre parole. Caroline Gillet innove elle aussi, avec One’s own room Inside Kaboul où elle nous plonge dans la solitude d’une femme afghane enfermée.  Ces formes m’intéressent, j’aime qu’on se confronte à des spectacles où on se demande « Qu’est-ce que c’est, du théâtre, du reportage, du débat ? ». C’est comme cela que les formes avancent.

Pour Gisèle Pelicot la démarche de Milo Rau est  différente. Elle s’inscrit dans la décision  de Gisèle Pelicot  de rendre public son procès, pour que « la honte change de camp ». La première lecture a eu lieu à Vienne, il s’agit de rendre hommage au courage de cette femme.  Ce sont les paroles telles qu’elles ont été tenues qui sont lues par des comédiens, mais aussi par des figures publiques. Ce procès eu lieu ici, à Avignon, il a eu un très fort impact dans la ville.

C’est aussi la première fois que la danse ouvre la Cour d’Honneur…

Oui, Marlene Monteiro Freitas ouvre la cour avec Nôt, mais elle n’est pas seulement une chorégraphe  invitée, elle est l’artiste complice de cette édition, comme Boris Charmatz l’était l’an dernier. Lui avait proposé trois formes très différentes, avec Marlene, on a exploré plus largement sa bibliothèque, les musiques et les pensées qu’elle aime. C’est une artiste très présente à Paris, mais n’était venue à Avignon qu’avec (M)imosa en 2011 avec Cecilia Bengolea et François Chaignaud. C’est la première fois qu’elle vient pour son propre travail.

Cette complicité, donc, se traduit par l’ouverture de la Cour d’Honneur, liée au chef-d’œuvre de la langue invitée, les 1001 Nuits. Le duo RI TE où elle danse avec Israël Galvan et qui joue sur une complicité dissemblable autour  du flamenco. Le duo Jonas&Lander, avec qui elle travaille depuis longtemps et l’invitation de Georges Didi-Huberman au Café des idées. C’est une lectrice vorace  et  inspirée de sa pensée  de l’art et de la philosophie. Et le cycle Pedro Costa au cinéma l’utopia qui complète ce volet de la programmation conçu par Marlene, qui m’a influencé au-delà de cela par des dialogues constants. 

Vous parliez de la langue invitée, la langue arabe. Pourquoi ce choix ? 

Le principe d’inviter une langue est en place depuis 3 ans, et après l’anglais et l’espagnol, cela me semblait évident. Parce qu’elle est la troisième langue parlée dans le monde, et parce qu’elle est la deuxième parlée en France. La richesse patrimoniale traverse ce festival, tout est traduit en arabe…

Avez-vous fait un travail auprès du public français arabophone ? 

Oui, cette langue, et en particulier le partenariat avec l’institut du monde arabe et le spectacle autour d’Oum Kalthoum, nous a permis, contrairement aux langues invitées les années précédentes,  d’aller vers des publics nouveaux, arabophones, du territoire. Des collégiens, des lycéens des spécialités théâtre, intéressés par les répertoires en langue arabe, même si beaucoup le parlent et ne  le lisent pas, et que les langues arabes sont multiples. Nous avons collaboré avec les bibliothèques d’Avignon, cherché des fables inspirées du territoire, travaillé avec des associations du champ social et médico-social, avec la Maison de s femmes. Une approche du public qui est clairement inédite pour nous. Bouchra Ouizguen, chorégraphe marocaine,  a travaillé avec des amateurs du territoire et présentera They always come back le 4 juillet en avant-première, puis les 5 et 6 pour deux représentations gratuites devant le Palais des Papes. 

Il semble qu’on entendra peu la langue arabe, il y a beaucoup de danse et peu de théâtre….

Oui, je comprends cette remarque. On aurait pu avoir plus de théâtre en langue arabe, on en aura d’ailleurs l’année prochaine, programmer des formes théâtrales prend plus de temps. Mais on entendra de l’arabe, des arabes, de Syrie, de Palestine, d’Égypte, d’Algérie. Nour, programmé avec l’Institut du Monde Arabe, fera le tour des poésies de ces pays, en faisant entendre à la fois leur richesses et leurs différences. Le Syrien Wael Kadour, le Palestinien Bashar Murkus écrivent et jouent en arabe. Et on va  voir la langue, tout sera sous titré en arabe, il est déjà dans toutes nos pages de programme. 

D’ailleurs les spectacles de danse parlent aussi. Ils expriment  l’exil forcé, le corps déraciné, d’une façon particulière, ce qu’on verra dans le spectacle produit avec les hivernales du tunisien Mohamed Toukabri. On entendra aussi la langue arabe dans les radio live d’Aurélie Charon. Et puis on pensera aussi le rapport à la langue arabe en France, les problématiques de l’enseignement, des ces arabophones analphabètes dans leur langue faute d’enseignement de l’écrit. Au Café des idées Leila Slimani parlera aussi de son rapport à la langue arabe. Ce qui m’intéresse, c’est que le festival bruisse de langues différentes et de pensées sur la langue. On s’assume polyglottes et internationaux. 

Interstellaire même… Votre spectacle, La Distance, est une dystopie qui retrace un dialogue épistolaire entre un père et sa fille. Lui habitant une Terre devenue désertique, elle ayant choisi l’exil sur Mars…

Dystopique je ne dirai pas ça, je l’ai pensé comme une anticipation malheureusement, cela ne dépeint pas une société imaginaire, il est probable que la terre devienne inhabitable. On est loin de la fantaisie, les données scientifiques  sont documentaires… Je situe cela dans 50 ans , en 2077, la fille est sur Mars, il s’agit aussi de savoir comment dialoguer avec autant de distance, comment rendre compte des troubles de ces deux mondes, comment aussi le conflit de génération se poursuit, conflit que l’on trouve aujourd’hui entre une jeunesse qui se sent sacrifiée par les modes de consommation de notre génération.

Notre génération… vous vous projetez plutôt dans le père ? 

J’ai l’âge d’Adama Diop, comédien  avec qui je travaille depuis 4 ans, depuis La Cerisaie, et Dans la mesure de l’impossible. Alison Deschamps est une brillante et très prometteuse, et très jeune comédienne. Je l’ai vue dans des projets d’école du TNB (École supérieure d’art dramatique de Bretagne ndlr), elle est bouleversante. Avec eux on a commencé  à imaginer une correspondance, avec une dimension de transmission évidement, due à nos âges respectifs.

Comment se traduit sur scène cette Distance ?

Tout l’enjeu de la mise en scène repose sur ce défi de créer une distance alors qu’ils partagent le plateau. J’ai pensé à la circularité, donc à une tournette, ils ne se rencontrent jamais. Ou presque. Peut-être une fois. Les grandes décisions je les prends à la fin, la procrastination est un ressort de la création … 

Vous écrivez donc jusqu’au bout, et changez vos textes au plateau ? 

J’écris surtout au plateau. Je viens de finir le texte hier (entretien réalisé le 20 juin ndlr ), il est très inspiré des recherches faites en répétition, j’écris tous les matins pour répéter l’après-midi. Ce que je cherche, c’est écrire des pièces qui sont des imaginations partagées. Cela rend le processus d’écriture fiévreux et intéressant. On se demande ce qu’on va jouer et pas seulement comment on va le jouer. Toute l’équipe de création participe à l’écriture, mais surtout les comédiens.  J’écris le texte, mais il vient d’eux. 

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR AGNÈS FRESCHEL

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Immergé dans une boîte noire, le public découvre sur un écran l’histoire de Malal, avatar du comédien. Cette fable est d’abord contée en utilisant le biais du cinéma, en noir et blanc puis en couleur, navigant entre rêve et réalité, entre le monde des vivants et celui des morts. En filigrane, l’exil et l’urgence de partir pour suivre une belle Marianne qui sourit sous le soleil. 

Une musique omniprésente

Une nouvelle aube, « Fajar » en wolof, se lève sur la vie de Malal, qui quitte sa terre pour devenir ce qu’il est. L’écran se lève aussi pour le laisser apparaître en chair et en os, clamantson poème au micro dans un camps de migrants. Ses mots disent les maux des humains, échoués dans un « tartare des temps modernes » et dont « les espoirs s’éteignent sur les matelas d’une tente ». 

La musique est omniprésente. Adama Diop partage la scène avec les interprètes Anne-Lise Binard, Léonore Védie et Dramane Dembélé, tous trois artistes polyvalents. Leur présence donne de la chair au spectacle, qui mêle musique classique et tradition orale dont les griots sont les gardiens et les passeurs. On entend beaucoup de wolof, cette langue parlée au Sénégal qui donne son titre au spectacle. De belles images traversent l’espace scénique, à l’instar de cette pirogue qui transporte les esprits vers des rives mythologiques. À l’issue de cette cérémonie, Adama Diop revient pour incarner une figure de conteur, qui rappelle la Commedia dell’arte, redonnant de la théâtralité à un spectacle, dont on sort ému et un peu hébété comme éveillé brutalement d’un songe.

ISABELLE RAINALDI

Spectacle donné les 27 et 28 février au Zef, Scène nationale de Marseille. 

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« Si j’avais des réponses je ferais de la politique. Je n’ai que des questions, donc je fais du théâtre », répond-il à un spectateur qui lui demande s’il défend la lutte armée. Et c’est par le théâtre qu’il ouvre des abîmes de questions. Cette famille qui s’habille en paysannes traditionnelles et s’appelle uniformément Catarina, et qui tue chaque année un fasciste depuis 74 ans, défend-elle la démocratie comme elle le croit, ou se comporte-t-elle en fasciste, ce qu’elle admet aussi au prétexte que la fin justifie les moyens ? 

Faut-il encore questionner ? 

Dès que le doute s’installe chez une des Catarina, l’exécution du fasciste enlevé devient impossible. Cette exécution, ce meurtre, est-il l’acte de terroristes, de partisans, de résistants ? Les arguments des Catarina sont convaincants souvent : iels défendent les droits des femmes contre un régime qui couvre les féminicides, interdit l’homosexualité, permet aux « opinions » d’exprimer librement des concepts violemment antidémocratiques et discriminatoires. Mais faut-il tuer, y compris dans un régime démocratique ? Les Catarina ont continué leur meurtre annuel entre 1974 (Révolution des Oeillets et fin de la dictature de Salazar) et 2028 (avènement du fascisme par les élections dans le Portugal dystopique). 

Les arguments de la jeune Catarina s’affermissent jusqu’au « non » final, qui ressemble à celui d’Antigone : le meurtre n’est pas efficace, tuer n’a pas empêché que le fascisme advienne, tuer ajoute à la terreur et à la confusion. 

Sans issue

La fin, pourtant, semble lui donner tort, le fasciste libéré tenant un discours de 25 minutes, en crescendo, énonçant toutes les horreurs auxquelles la médiatisation et la banalisation des discours d’extrême droite ont habitué nos démocraties. Un discours de rejet des minorités, suprématiste, sexiste et raciste, qui s’impose jusqu’à l’écœurement. Le public, révolté, se divise, certains sortant pour ne plus entendre, d’autres hurlant des slogans antifascistes, d’autres disant « mais enfin, c’est du théâtre... »

Du théâtre, porté par des comédien·ne·s extraordinaires, dans un décor pesant et sylvestre, une prison qui semble s’ouvrir pour enfermer toutes les Catarina dans ses murs sauvages, ses rituels barbares, ses repas de pieds de porcs et ses costumes dégenrés et folkloriques, auxquels ne s’opposent que le costume aseptisé du fascisme. Le doute leur survit, sans aucune sortie possible, sauf à croire, passionnément, au pouvoir politique du théâtre. 

AGNÈS FRESCHEL

Catarina et la beauté de tuer des fascistes a été joué à la FabricA, Avignon, les 18 et 19 janvier.

À venir
Du 19 au 21 mars
La Criée, Centre dramatique national de Marseille

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Ces libertariens, adeptes du libre échange de propos comme de va- leurs, étant capables de représailles, judiciaires ou non, quand on exerce cette liberté d’expression à leur encontre, nous ne dirons donc pas que ce geste maladroit, chez un homme aux propos fréquemment fascistes, est un salut nazi. 

Prétéritions

Nous ne prétendrons pas non plus que cet homme qui renie sa fille trans, rêve d’un homme nouveau sans « absurdité woke » et se déclare « absolutiste de la liberté d’expression » est un fasciste – même si on ne peut que constater qu’il tient des propos fascistes, soutient un président des États-Unis qui, aussitôt investi, veut envahir la Pologne et est félicité par tous les gouvernements belliqueux, racistes, despotiques et meurtriers de la planète, jusqu’à Mars où les States n’ont pas encore planté leur bannière étoilée mais y songent très sérieusement.

Non. Nous ne dirons rien. Mais Zébuline a quitté X pour Blue sky. Nous cherchons des alternatives à Méta, puisque Zuckerberg devient lui aussi dangereusement libertarien et masculiniste, et ne veut plus modérer ses réseaux. Nous vous invitons à nous suivre, à quitter ces outils qui semblent nous faciliter la communication mais nous rendent dépendants et malléables, férocement binaires, inversant le rapport entre le mensonge et le fait vérifié, le réel et le virtuel, la rencontre humaine et ce qui fait écran.

Rejoignons le réel

Nous vous invitons à rejoindre le réel, celui où les journaux s’achètent et se lisent en les feuilletant, où les journalistes enquêtent librement, recoupent les informations et protègent leurs sources. Celui où les artistes se rencontrent dans les théâtres et les salles de concerts, les vernissages ; les écrivains et les réalisateurs, les scientifiques et les historiens, dans des rencontres publiques, des avant-premières. Celui où l’on discute avec ses amis au restau ou au bar sans regarder l’écran de son téléphone, sans écouteurs dans les oreilles. 

Cette semaine, ce sont encore une fois les artistes et les penseurs qui ont proposé des contrepoids puissants au naufrage politique que nous vivons : une réflexion sur le fascisme avec Tiago Rodrigues ou à L’Istituto italiano, une recherche d’équilibre de suspension et de délivrance avec le cirque, des maisons folies communes à Avignon, des penseurs écologiques avec Opéra Mundi, et des réflexions sur le lien humain sur toutes les scènes.

Rejoignons-les, physiquement, histoire d’imposer nos rêves dans le réel, et de sortir des cauchemars qu’ils infusent à nos pauvres esprits, et jusque dans nos assemblées démocratiques. 

Agnès Freschel

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CÉLIANE PERES-PAGÈS

14 et 15 janvier
Théâtre du Bois de l’Aune, Aix-en-Provence

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Car Hécube, pas Hécube n’est pas Hécube, mais un jeu autour des répétitions, par les Comédiens-Français, de la deuxième partie de la pièce, une fois la mort de Polyxène évacuée, concentrée sur la mort du fils et la vengeance. L’actrice qui joue Hécube est aussi mère d’un enfant autiste victime de maltraitance dans un centre d’accueil. Elsa Lepoivre, magnifique, se dédouble, portant la douleur des deux mères et leur commun besoin de réparation. 

Justice ou vengeance

Les analogies entre les deux histoires jettent un trouble sur les motivations des mères : Hécube est essentiellement vindicative mais la démarche de Nadia, la comédienne, n’est pas exempte de culpabilité et d’ambiguïté. Comment aime-t-on son enfant autiste qui refuse parfois les câlins, et dont on ne peut projeter l’avenir ? Que doit faire un État, ses lois, pour protéger les handicapés qui s’automutilent et ne comprennent ni les consignes ni les interdictions ? Qui est coupable, l’employé maltraitant ou l’État qui le recrute sans le former ni le contrôler ? 

Protection. C’est la leçon du théâtre antique qui aveugle les coupables, les rois de Thrace et les Œdipe, qui ont manqué de clairvoyance. Le secrétaire d’État qui n’a pas réagi aux alertes et signalements de maltraitance finira comme eux les yeux crevés, hurlant de douleur. Les rois et les États doivent protéger les faibles, ou tout perdre face à la douleur et aux aboiements des mères blessées.

Théâtre et humanité

La force de Tiago Rodrigues est de tisser tout cela peu à peu, par des analogies, une grande fluidité entre les scènes où la tragédie antique se déploie, Loïc Corbery faisant face avec panache et duplicité à la vengeance d’Hécube ; celles où Nadia face au juge, à l’avocate, parle avec une humanité sensible de son fils et de ses intérêts restreints d’autiste ; et celles où tous répètent Hécube.

Car c’est le théâtre qui fait lien, offert de l’intérieur par la troupe hors norme du Français. Les spectateurs invités à leur table, dans l’intimité de leurs répétitions, assistent à leur questionnement amusé sur le texte, son racisme et son sexisme ; sur la mise en scène, le décor, les costumes noirs ; sur le jeu, les scènes chorales mal réglées, la juste hauteur d’un cri, le ressenti réel d’une comédienne qui pleure une fiction. Une maîtrise du jeu, du lieu, du temps, du texte, du sens, magistrale. 

AGNÈS FRESCHEL

Hécube, pas Hécube est donné jusqu’au 16 juillet à la Carrière Boulbon

À noter
Spectacle diffusé en direct sur France 2 le 5 juillet

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A.F.

4 et 5 avril
Châteauvallon, scène nationale d’Ollioules

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À deux

Sur les scènes de Châteauvallon-Liberté, décidément bipolaire, l’année ne s’arrête jamais, l’été présentant une programmation d’exception dans le magnifique amphithéâtre de plein air de Châteauvallon, et la saison étant marquée par quatre temps forts, les Thémas, qui proposent une programmation pluridisciplinaire autour d’un thème sociétal d’actualité. Y croire ? a ouvert le premier trimestre, et Couple(s) débuté l’année : l’occasion, à travers deux expositions, une rencontre avec Eliette Abécassis et nombre de spectacles, d’interroger cette drôle de propension que nous avons d’être à deux, et les nouvelles façon de le vivre. Amoureux ou contractuel, conjugal ou libre, durable ou éphémère, hétéro ou homosexuel, le couple s’interroge sous toutes ses formes : après la création de Marie Vauzelle, Maelström, un texte de Fabrice Melquiot sur les difficultés de l’adolescence et la violence de ses rejets, Rodrigo Portella met en scène Tom na fazenda/Tom à la ferme, magnifique texte sur l’impossible deuil d’un amour homosexuel, ignoré par la famille. Une pièce de Michel-Marc Bouchard, portée à l’écran par Xavier Dolan : au Liberté on aime croiser théâtre et cinéma ! 

Ainsi le théma Couple(s) se poursuit avec A Bergman affair, inspirée d’un roman du cinéaste sur une femme qui n’aime plus son mari, et tombe amoureuse, dramatisé et mis en scène par Olivia Corsini et Serge Nicolaï. Et se conclut à Châteauvallon avec Sans Tambour, un spectacle joyeux sur une rupture amoureuse (!) où Schumann rime avec des effondrements comiques, où le théâtre, le cirque et la musique forment un spectacle total et réjouissant… 

De la mer au travail

Affirmant son ancrage maritime et ses enjeux écologiques et humains, Passion Bleue décline quatre spectacles, avec Marine Chesnais qui danse sa rencontre avec les baleines à bosse, Lucie Berelowitsch qui met en scène la disparition fantastique d’un homme en mer, et l’adaptation de 20 000 lieux sous les mers par Christian Hecq et Valérie Lesort, qui fait la joie des familles depuis près de dix ans. Plus profond encore, le poème de Lucrèce, Evangile de la Nature : la traduction de Marie N’Diaye redonne ses accents lyriques au grand poème de l’épicurisme, fondé sur une acceptation de la « nature » humaine. 

Le dernier Théma de la saison Oh ! Travail traversera la programmation de mars à juin, avec des spectacles très engagés. Dans la mesure de l’impossible déploie la parole des travailleurs de l’humanitaire, ceux qui se confrontent aux guerres, aux horreurs de l’humanité. Un intense et bouleversant spectacle de Tiago Rodrigues. 

Tout aussi indispensable, Télévision française de Thomas Quillardet revient sur la privatisation de TF1, qui a signé le début du déclin des médias, avec une violence impensée. Coupures de Paul-Éloi Forget et Samuel Valensi se penche sur une fable plus actuelle, celle d’un maire écologiste confronté à ses administrés, tandis que Philippe Collin, Violaine Ballet et Charles Berling inventent un événement participatif où le public sera invité à partager le destin de Léon Blum : ses combats, ses espoirs, et l’ambiance d’une époque partagée dans un grand banquet républicain.

Foison d’incontournables

De nombreuses autres propositions se mêlent à ces grands thèmes qui rythment la saison, avec des artistes de la région, qui sont souvent coproduits, comme Guillaume Cantillon, Sébastien Ly ou Agnès Régolo. 

La création chorégraphique de Joanne Leighton pour la compagnie Coline, ou la création musicale portée par Tandem, scène de musiques actuelles du Var, avec Rosemary Stanley, sont accueillies, de même qu’une partie importante de la saison de l’Opéra de Toulon, actuellement en travaux. 

La scène nationale coproduit également le dernier conte d’Emma Dante Re Chicchinella, et accueille d’autres grands noms de la scène contemporaine : le cirque Altaï, une création avec Charles Berling sur Montessori, Elsa Lepoivre qui dit et joue des frngments de Rien ne s’oppose à la Nuit de Delphine le Vigan. On verra aussi Rhoda Scott, Yann Frish, Carolyn Carlson, Les Chiens de Navarre, Anne Brochet, Omar Porras… pour une programmation multidisciplinaire qui sait allier grands spectacles, intimité, engagement et créations. 

AGNÈS FRESCHEL

Scène Nationale Châteauvallon-Liberté
Toulon, Ollioulles
Chateauvallon-liberte.fr

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