En résonance

Le plus jeune d’entre ces photographes, étonnant de maturité, est un autodidacte de 24 ans. Jonas Wibaux documente sa vie nomade de saisonnier, dans les vignes ou sur le site de Sainte-Soline, haut lieu de lutte contre les méga-bassines. Le noir et blanc de ses prises de vue est intemporel : il pourrait s’agir d’archives de la Seconde Guerre mondiale, ou bien d’un film de science fiction, avec des traits de camaraderie réconfortante.

Point de réconfort en revanche dans la série de Céline Croze : c’est l’étrangeté qui prédomine sur ses images, amplifiée par la scansion d’une voix off hypnotique dans la vidéo qui les complète. Mala Madre est un conte ou un poème inquiétant, basé sur l’organique : le corps des pilleurs de tombe est sans visage, un serpent prisonnier de barbelés contre-attaque, les formes fractales du végétal nourrissent un imaginaire halluciné, le grain, la couleur sont d’apocalypse. Qu’a-t-on fait à la Terre ?

C’est aussi la question que semble poser Alain Willaume, après avoir pointé son appareil sur les paysages désertiques du Karoo en Afrique du Sud, où l’entreprise Shell a des projets d’exploitation de gaz de schiste. Dans ses tirages dénués de contraste, au ton presque sépia, un voile de poussière recouvre tout, y compris les hommes. L’accrochage avec un léger relief et des ombres ajoute à la sensation de suspens : que va-t-il se passer, si l’eau ne revient pas ? L’exposition est à voir jusqu’au 4 décembre, avant ou après les représentations. Ne la manquez pas.

GAËLLE CLOAREC

Terres & Résistances 
Jusqu’au 4 décembre
Zef, Scène nationale de Marseille

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Cela permet au public de pouvoir fréquenter nos maisons par un autre biais que l’artistique. Pour nous, c’est très important. Et c’est aussi quelque chose qu’on affirme : la cuisine, le jardinage, c’est une culture en soi.

En tant qu’opérateur culturel, on a la responsabilité de sensibiliser le public. Souvent les artistes s’emparent de sujets sociétaux, et en font des spectacles. Et les actions que l’on mène nous permettent de poursuivre ce travail de sensibilisation d’autres manières.

À quoi ressemble l’organisation d’un tel projet collectif ?
C’est toujours difficile de fédérer une quarantaine de structures autour d’un même projet. Mais c’est la sixième édition que l’on mène, et ça devient plus facile. Il y a de plus en plus d’idées, de propositions.

Par exemple, au cours de l’une des réunions organisées avec tous les partenaires, quelqu’un a proposé de travailler autour de l’argile, un autre a répondu qu’il était potier. Et puis après, qu’est-ce qu’on va faire de ces assiettes ? On va faire un repas, on mangera dedans, puis en faire une exposition à la médiathèque Salim-Hatubou. Il y a une dynamique qui est vraiment chouette.

Quels sont les retours de la part des publics?
Ils sont très contents. On propose des choses auxquelles ils ne seraient pas forcément allés, et ils apprécient beaucoup cette dynamique qui se crée devant eux.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR CHLOÉ MACAIRE

Nature et bien commun
Du 20 mai au 7 juin
Divers lieux, Marseille

*Aujourd’hui rattachée au Zef, la Gare Franche est lieu culturel dans le 15e arrondissement dont Catherine Verrier était directrice.

À découvrir sur scène
21 mai : Vagabondages et conversations du chorégraphe Christian Ulb et du paysagiste militant Clément Gilles
 26 mai : vernissage de l’exposition photographique Terres et Résistances par Celine Croze, Jonas Wibaux et Alain WillaumeDu 
29 au 30 mai :La Pastasciutta Antifascista della Casa Cervi de Floriane Facchini Le Zef, scène nationale de Marseille

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Emmanuel Eggermont, artiste de la Bande du Zef, a été l’un de ses derniers complices artistiques, pendant une quinzaine d’années. Le solo qu’il présente ce soir est sous-titré « élégie pour Raimund Hoghe ».

Everything must change 

Le plateau vide est recouvert d’un linoleum blanc, dominé au fond par un portique en tissu blanc, encadrant un écran vidéo clôturant l’espace, sur lequel sont projetées, au début et à la fin du spectacle, les paroles douces-amères de la chanson de Peggy Lee Everything must change. Chanson qui est diffusée pendant que le danseur, habillé de noir, bras nus, vient disposer avec précautions au milieu de l’espace deux petits verres remplis de sable blanc, en s’allongeant doucement entre les deux. Il commence à bouger lentement, mouvement de bras et de mains, qui découpent au sol, autour de son corps, son contour, puis se relève. 

Multiples tableaux

Dans les multiples tableaux qui vont ensuite se succéder, chacun lié à une chanson, un extrait de film, une musique (Joséphine Baker, Gene Kelly, Klaus Nomi, Judy Garland, Ravel, Tchaïkovski, …), agissant comme déclencheurs d’images, de gestes ou de souvenirs, le silence semble malgré tout toujours accompagner la danse. Les déplacements précis du danseur, toujours tiré à quatre épingles, dans des costumes différents, sont silencieux, aucun bruit de pas. Les mouvements de bras et de mains restent toujours très présents, vifs ou lents, tranchants l’espace, enveloppants, ou semblant le creuser. Parfois, sur certains morceaux – Singin’in the rain – on frôle le clown, avec des mouvements guignolesques.  

Débordements

Outre les deux petits verres, dont le contenu de l’un sera dispersé au sol au-devant de la scène, de l’autre projeté en l’air, d’autres objets accessoires vont ponctuer les tableaux : une chemise blanche, une couverture grise, des talons aiguilles, une robe à bretelles, une jupe bouffante verte, un chapeau de bouffon noir. Traçant un chemin en pointillés avec ses vêtements, retirés un à un et laissés au sol, le danseur s’avance un moment vers la nudité. L’ensemble est mélancolique à souhait, mais sans aucun pathos. Une traversée élégante, une boucle ouverte habitée de souvenirs, aux débordements légers, prémédités et méthodiques.

MARC VOIRY

About Love and Death a été présenté les 28 et 29 avril au Zef – Scène nationale de Marseille

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Doutes et manipulations

Les deux actrices Joëlle Fontannaz et Claire Forclaz continuent ensuite le spectacle en duo, dans un décor minimal qu’elles manipulent à vue, en restituant les témoignages recueillis auprès des militant·e·s victimes de ces infiltrations. Décrivant certains faits, moments-clés, leurs étonnements d’avoir été ainsi manipulé·e·s, leurs ressentis, leurs certitudes et leurs doutes. Les deux actrices n’incarnent pas les personnages, mais font circuler leurs voix, parfois fermes, parfois hésitantes, déroulant une histoire en fragments, organisés successivement autour des trois personnages de l’opération d’espionnage, dont les prénoms s’allument successivement sur des enseignes lumineuses.

Des témoignages qui décrivent du côté de Gérard le processus de recrutement d’un agent, et de Sara et Shanti la manière dont elles ont construit la légitimité de leurs personnages respectifs. Des militant·e·s se sentant après coup tout à fait trahi·e·s, s’en voulant de leur crédulité, fragilisé·e·s.

Contrastant avec ces paroles sensibles, le spectacle se termine sur un épilogue froid et informatif : un texte projeté sur un écran, amené sur le devant de la scène, qui résume les suites judiciaires (non-lieu au pénal en 2009, condamnation au civil en 2012 – quelques petites amendes) et les zones d’ombre persistantes : notamment des questions qui peuvent se poser sur la collecte de noms de syndicalistes colombiens par Sandra Meylan et une autre espionne découverte en 2008 au sein d’Attac, communiqués à Nestlé, dont certains ont ensuite été assassinés. Aucune enquête en cours.

MARC VOIRY

Une bonne histoire a été présenté au Zef, Scène nationale de Marseille, les 9 et 10 avril.

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M.V.

4 avril

Zef, Scène nationale de Marseille

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19 au 21 mars
Zef, Scène nationale de Marseille
En co-programmation avec La Criée

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Que faire donc dans cet espace clos et resserré ? Pour le commun des mortels pas grand chose. Mais Alice Rende a beaucoup d’idées au centimètre carré, et c’est ce qu’on va découvrir pendant la durée du spectacle. 

Après un fondu au noir, l’artiste apparait dans cette boite qui était jusqu’alors présentée vide aux spectateurs. Tel un chat, Alice Rende appréhende ce nouvel espace. Elle touche, frappe les parois, se déplace comme elle peut, et cherche l’issue. Les gestes se font plus amples, puis prennent de la hauteur. Alice Rende enchaîne des mouvements saisissants, la tête en bas, les pieds en haut, et semble parfois en lévitation. Alice Rende ne s’arrête pas là, elle ajoute à ses gestes des jeux de lumières, de l’humour aussi, une poésie, tout en restant parfaitement synchronisée avec la musique qui l’accompagne tout au long du spectacle. 

Le spectacle, qui se veut être une métaphore de la liberté, de l’oppression des corps, a été créé au Bois de l’Aune en 2024, et multiplie les dates ces derniers mois. La petite boîte est en passe de devenir un petit tube du cirque contemporain.

NICOLAS SANTUCCI 

Fora a été donné  les 21 et 22 janvier au Zef, scène national de Marseille

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Attention à l’attention

Un spectacle participatif mettant en jeu « l’attention », faculté qui intéresse et préoccupe Anne-Sophie Turion, artiste de la Bande du ZEF citant Yves Citton, théoricien de la littérature, philosophe et essayiste : « C’est la ressource cruciale de notre époque : sans cesse captée, elle est mise au service d’une logique de marchandisation. Un kidnapping loin d’être anodin puisque notre attention, ce n’est de moins que notre façon d’habiter le monde ; c’est notre sensibilité, nos désirs, nos manières de nous connecter aux cours des choses et aux autres, nos capacités de décisions collectives ».

Par petites touches 

Une attention que l’artiste va chercher chez chacun.e en proposant des situations ludo-poétiques d’actions partagées et de rencontres. Une boite en carton de déménagement sur roulettes télécommandées apparait sur le plateau désert, avec l’inscription : « Chapitre 2 – Poser le décor ». Moment d’hésitation, puis on se lève, on déplie et on lit le rouleau de papier jaune livré, et on passe à l’action : dans une ambiance de fourmilière, le plateau va bientôt se retrouver envahi de diverses plantes vertes, lampadaires, tapis, coussins, tandis que quelqu’un marche, un poste de radio dans les mains, en zappant d’une station à l’autre, et que pop-corns, chips, et boisson chaude sont proposées. Dans les chapitres suivants, il va s’agir en solo, duo, trio, à travers des séries de questions et/ou de petites actions à accomplir, d’observer l’autre ou de se raconter soi-même, par petites touches décalées : estimer la circonférence de l’oreille de la personne en face, dire où se trouve l’endroit où on a passé son enfance et faire trois pas dans sa direction, indiquer quelle est la dernière personne dont on a écouté la respiration, répondre à « est-ce que si j’avais quelque chose coincé entre les dents, tu me le dirais ? », …

Une proposition artistique ludo-poétique, où le participatif avance par petits pas ou en grands bonds, mobilisant l’attention de chacun.e de façon légere, bienveillante, amusante, émouvante, « décontenançante ». Performance dans la performance : aucun.e artiste visible, le texte et le public font tout.

MARC VOIRY

Ce test public de La même chose mais pas tout à fait pareille a eu lieu le 15 janvier au ZEF
Création du spectacle du 28 au 30 janvier

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AGNÈS FRESCHEL

21 et 22 janvier
La Gare Franche (Zef)
Scène nationale de Marseille

23 janvier
Théâtre de Pertuis

28 janvier
Le Sémaphore, Port de Bouc

30 et 31 janvier
Théâtre de Fonblanche, Vitrolles

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Une traversée collective

Traversé d’un bout à l’autre par les atmosphères méditerranéennes créées par la musique répétitive d’Henry Torgue et Serge Houppin, le spectacle s’ouvre sur une mise en mouvement progressive du groupe (17 interprètEs de 10 à 14 ans), vêtu de costumes blancs, simples, fonctionnels, neutres. L’absence de hiérarchie visible entre les interprètEs induit l’idée qu’Ulysse n’est pas seulement un individu, mais une figure collective, portée et mise à l’épreuve par les autres. 

Le plateau est parcouru par des successions de courses, d’arrêts brusques, de changements de directions, d’éclats de voix, de murmures, de respirations, avec des séquences où les danseurs se regroupent, se serrent, formant des masses mouvantes, et des moments plus suspendus, où le temps semble se dilater : un danseur isolé traverse lentement le plateau, pendant que les autres observent ou dessinent des gestes minimalistes en périphérie. 

Une scénographie épurée

Une chorégraphie qui associe légèreté de la danse et rigueur de l’écriture, et se déploie dans un espace ouvert, épuré, sculpté par la lumière : un plan horizontal (le plateau) et un plan vertical (grand écran en fond de scène) à la jointure desquels se trouve une sphère de la taille d’un ballon, qui va glisser discrètement de gauche à droite du début à la fin de la pièce. Une Odyssée qui ne se conclut pas sur un retour triomphal : les danseurs quittent progressivement le plateau ou continuent de bouger dans un flux ralenti, comme si le voyage ne pouvait jamais vraiment s’achever.

MARC VOIRY

Ulysse était présenté au Zef, Scène nationale de Marseille, les 8 et 9 janvier

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