En ouverture, on découvre Hadès, maître des Enfers, s’affairant autour d’un corps inerte, enveloppé de plastique. Il s’agit de Jason, fraîchement arrivé dans l’au-delà, bientôt délivré de sa gangue et rejoint par son ex-femme. Coincé dans un purgatoire absurde, entre une porte d’entrée qui accueille les ombres sous des confettis et une sortie sous un néon jaune inquiétant, ce dernier décide de porter plainte contre Médée.

Le mythe est ici littéralement réinterprété à travers une cour de justice infernale. Perséphone et Hadès, vêtus de rose fuchsia éclatant, président ce tribunal d’outre-tombe où Médée comparaît. On y découvre un Jason lâche et opportuniste, dont l’héroïsme repose en réalité sur les actes sombres accomplis par Médée. Si Médée trouve en Perséphone une forme d’alliée, cela ne suffit pas à infléchir le cours du jugement. Malgré ses tentatives d’expiation, l’ombre de l’infanticide demeure, et tout porte à croire qu’elle franchira inéluctablement la porte des Enfers, avant d’avoir bu à la fontaine (une véritable fontaine à eau) de l’oubli.

Œuvre totale

Comme dans un opéra, la bande originale fait partie intégrante de Ruination, avec la directrice musicale et pianiste Yshani Perinpanayagam sur scène aux côtés du brillant contre-ténor Keith Pun. Les interprètes, tous danseur·euse·s, mêlent au texte des moments de pure poésie, incarnant les forces de la luxure, du pouvoir, de l’attraction, de l’obstruction, de la lutte et du destin. Entre humour noir, esthétique décalée et réflexion sur la culpabilité et la mémoire, Ruination offre une expérience théâtrale singulière, saluée par une longue standing ovation.

ISABELLE RAINALDI

Spectacle donné les 29 et 30 avril, au Théâtre des Salins, Scène nationale de Martigues.

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Entre-temps, Rebeka Warrior a publié un livre récompensé par le prix de Flore, dans lequel elle retrace l’accompagnement de sa compagne dans son combat contre le cancer, jusqu’à devenir veuve à 38 ans. Une dimension qui éclaire la portée quasi sacrée des concerts de Kompromat, non sans rappeler l’intensité de The Cure, une de ses influences revendiquée.

Dans la salle, l’esthétique est déjà là : flyers dark electro, silhouettes gothiques. En première partie, Das Kinn transforme le lieu en sous-sol berlinois, saturé de beats efficaces. Le public s’échauffe : parents échappés grâce à la baby-sitter, pogoïstes déterminés, et gardiens anti-smartphones cohabitent dans une agitation bon enfant.

Après une courte pause, le « groupe accident », selon Vitalic, entre en scène. L’ouverture est quasi liturgique : Rebeka apparaît, crâne rasé, silhouette sombre, tandis que sa voix claire s’élève en prière païenne sur les nappes d’orgue de Vitalic.

Un K à part

Le son est d’une précision implacable, le light show respire avec la musique, porté par un light jockey qui improvise en temps réel. Chaque morceau devient une expérience totale. Le « K » de Kompromat, central dans la scénographie, se détache comme un symbole de « K-hole » sonore, une plongée hypnotique et immersive (on pense aux écrits de Rebeka Warrior sur ces états de bascule que provoquent les paradis artificiels).

La tension déborde : stage dives, mur de la mort, toute l’armada du set post-punk est déployée lors d’une transe dionysiaque. Portée à bout de bras à plus de deux mètres de haut, le fil de son micro comme cordon ombilical, la chanteuse hilare semble renaître sous nos yeux. Puis elle invite sur scène des jeunes filles à partager l’expérience de la plongée dans le public traditionnellement réservée aux garçons, les invitant elle aussi à occuper l’espace, n’en déplaise aux machos pogoteurs. On ressort du 6mic un peu hébété mais comme libéré du poids d’un monde devenu si lourd à porter, la catharsis à bien fonctionné.

ISABELLE RAINALDI

 Concert donné le 23 avril au 6mic, Aix-en-Provence.

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Il est accompagné de la remarquable percussionniste d’origine kabyle Nadia Tighidet, née dans les quartiers Nord de Marseille. Solidement ancrée sur le plateau, elle fait vibrer la matière sonore, en osmose parfaite avec Hakim, qui prend son élan et virevolte comme un jeune homme sur scène avec son mandoluth. La soirée se pare d’invités surprises – Gil Aniorte Paz, Sylvie Paz, Squaaly Baba, Ed Hoskidian, Marien – pour une célébration habitée, traversée de chants andalous, de trilles de saxophone déchaîné et de poésie. On notera le beau poème La Grève des fleurs de Philippe Forcioli, dit par Marien, émouvant à souhait.

Entouré de ses amis, une toile de sa période Beaux-Arts en fond de scène, Hakim Hamdouche offre ainsi une traversée musicale intense, guidée par un esprit de liberté et un goût affirmé pour le dialogue des cultures. Marseille, telle qu’on l’aime.

ISABELLE RAINALDI

 Concert donné le 17 avril au Théâtre de l’Œuvre, Marseille.

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Les performances invitées prennent ensuite le relais. Le playback s’invite à nouveau avec une relecture du culte The Rocky Horror Picture Show par Vesper Void. Nicky la Merguez propose des numéros à la fois énergiques et émouvants, évoquant l’absence du père avec un remix de Papaoutai de Stromae, puis convoquant la figure de George Michael à travers Freedom pour célébrer la puissance de la famille choisie.

Alcaline Cheval livre, quant à elle, deux propositions d’une précision redoutable, entre poésie et politique, autour d’un parcours de PMA. Corps engagé, parole incarnée, l’artiste transforme l’intime en manifeste. Moment culminant de la soirée : une performance sidérante sur la congélation des ovocytes et le droit des personnes trans à fonder une famille.

Magie du mix

GUI, de son côté, développe un univers punk et DIY, peuplé de figures hybrides, créatures à mi-chemin entre Ziggy Stardust et fantômes d’opéra, dans une esthétique aussi déjantée que maîtrisée. Marilyn Monvier pousse la caricature de la défunte BB jusqu’à l’absurde, gonflée à l’hélium en icône pop déglinguée. Plus loin, l’artiste fait surgir une prière punk, quelque part entre Johnny Cash remixé et les fulgurances contestataires de Pussy Riot : une collision sonore et politique qui secoue la salle.

Ici, la famille est tout sauf un refuge figé : elle devient champ de bataille, terrain de jeu, parfois « sac de pierres » que l’on traîne ou que l’on réinvente. Dans cette énergie collective, les Déviantes affirment une conviction essentielle : la norme est une matière première à déconstruire pour mieux la réenchanter.

Les deux soirées suivantes ont vu surgir les créatures du Cabaret Jean Moulin Rouge, dont le répertoire dénonce les normes d’une société capitaliste, patriarcale et hétéronormée, puis Le Cercle des Lopettes Disparues, un cabaret artisanal, burlesque et résolument engagé.

ISABELLE RAINALDI

Les Déviantes s’est tenu du 22 au 24 avril au Théâtre de l’Œuvre, Marseille.

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Le tablao de ce vendredi ne fait pas exception. Fidèle à la tradition, on s’y attable comme dans une bodega aux murs d’azulejos. Sangria, paella et pan con tomate circulent entre des tables serrées, propices aux conversations spontanées. Le public mêle aficionados de longue date et néophytes curieux, parfois venus de loin, attirés par la renommée de José Maldonado, tête d’affiche de la soirée.

« Un tablao se construit ensemble. Ce soir, vous n’allez pas assister à un simple spectacle. Le geste flamenco exige silence et recueillement », prévient Maria Pérez, directrice du centre et du festival, avant d’ajouter, non sans humour : « N’essayez pas de taper des mains en cadence, c’est un vrai métier. »

Les premières notes de la guitare de Manuel Gómez s’élèvent, accompagnant la lente tombée de la nuit marseillaise. Les voix de Justo Eleria et Emilio Cortés s’y entremêlent bientôt, portées par le cajón de Juan Luis Fernandez. Puis José Maldonado entre en scène, silhouette tendue dans un somptueux costume de torero. Né à Barcelone, le danseur se revendique « plastique », nourri par l’ensemble des arts de la scène. Son écriture chorégraphique, profondément ancrée dans la tradition, s’ouvre pourtant à une recherche formelle audacieuse. Sa présence, à la fois gracile et incisive, découpe l’espace et transforme le tablao — ces planches vibrantes sous ses talons — en véritable territoire sensoriel.

La puissance de son engagement, portée par les encouragements des musiciens, saisit le public, suspendu, parfois proche de l’extase. À la virtuosité du danseur répond celle des chanteurs, dont les voix expriment une urgence presque vitale. L’entracte survient comme une nécessité, une respiration après l’intensité de la première partie. Les verres s’entrechoquent de nouveau, les conversations reprennent, avant que chacun ne regagne sa place.

Pour la seconde partie, Maldonado apparaît en costume trois-pièces, jouant avec sa cravate comme d’un accessoire dramatique, à mesure que la tension et la chaleur montent. Le public, entièrement conquis, se lève finalement pour accompagner les artistes dans un même élan. 

ISABELLE RAINALDI

Spectacle donné les 10 et 11 avril au Centre Soléa, Marseille.

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Mais Punk.es se concentre sur le parcours de The Slits, formation initialement exclusivement féminine, composée notamment de Ari Up (chant), Tessa Pollitt (basse) et Viv Albertine (guitare). C’est d’ailleurs le cheminement de cette dernière, inspiré de ses mémoires, qui sert d’épine dorsale au spectacle. Sur scène, son incarnation évoque tour à tour Courtney Love et Debbie Harry, comme une hybridation entre Marilyn Monroe et une guitare électrique.

Riffs rageurs

La scénographie restitue l’atmosphère brute d’une salle de répétition ou de concert, à mille lieues des stades rutilants où évoluent aujourd’hui Beyoncé ou Lady Gaga. La musique y est jouée en direct par six comédien·nes talentueux·ses. On y entend, outre Typical Girls, le titre le plus connu des Slits, leur reprise déjantée de I Heard It Through the Grapevine, ainsi que les morceaux emblématiques de l’époque. De Patti Smith, figure tutélaire, à Iggy Pop, le spectacle se clôt sur un I Wanna Be Your Dog surpuissant, en passant par les Sex Pistols et The Clash, les riffs rageurs s’enchaînent pour le plus grand bonheur d’un groupe de lycéens venus assister au spectacle.

La génération X reconnaît au passage Mick Jones, compagnon de Viv Albertine, Sid Vicious ou encore Budgie, futur membre de Siouxsie and the Banshees. Pour la metteuse en scène Justine Heynemann, qui cosigne le spectacle avec Rachel Arditi, convoquer ces figures rebelles revient à offrir « des figures inspirantes aux jeunes générations, revigorantes pour les moins jeunes ». À en juger par l’enthousiasme du public, le pari est pleinement réussi. Punk.es, comme l’indique le point médian de son titre, rappelle surtout combien, dans la musique comme ailleurs, les femmes ont toujours dû lutter pour s’imposer.

ISABELLE RAINALDI

 Spectacle donné le 3 avril à Châteauvallon, Scène nationale d’Ollioules.

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Dès l’entrée dans la salle, le public découvre une scénographie composée autour d’un vaste miroir modulable qui sera tour à tour miroir social, miroir du souvenir, miroir du corps scruté. Lorsque Suzanne de Baecque entre en scène, comme un écho contemporain de la fille de 1958, elle évoque ses complexes, son corps de femme et de comédienne sans cesse évalué et jugé.

Effacer les frontières

Pendant 1h40, elle impose sa présence magnétique, jouant, riant et dansant. Au micro, elle fait surgir des récits d’autres femmes avant de revenir à la sienne, créant un chœur dont elle serait le coryphée. Puis revient le récit de l’été 1958 : celui des « sur-pats », de Brigitte Bardot, des chansons de Dalida diffusées à la radio. Ce décor d’époque contraste avec la modernité brûlante du propos. Achevé par Annie Ernaux à l’âge de 76 ans, le texte résonne aujourd’hui avec une acuité troublante. Il décrit avec une précision clinique les traumas des premières expériences sexuelles, la violence diffuse de la domination patriarcale, la honte d’être née femme dans un monde qui observe, classe et condamne.

Pourtant, loin de se réduire à une dénonciation, le spectacle laisse vibrer la voix de l’écrivaine dans toute sa justesse et sa valeur inestimable. En effaçant les frontières entre littérature et théâtre, cette équipe de femmes réussit un geste artistique fort : porter sur scène une lauréate du prix Nobel et faire du plateau un espace de mémoire, de réparation et de puissance. À ce titre, le spectacle est une véritable réussite. Le théâtre accomplit pleinement sa mission : faire entendre ce qui fut tu, rendre visible ce qui fut enfoui, et rappeler que l’intime, lorsqu’il est dit avec cette exigence, devient une affaire collective.

ISABELLE RAINALDI

 Spectacle donné le 13 février au Théâtre des Salins, Scène nationale de Martigues.

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Nouveaux équilibres

Son histoire est portée collectivement par les interprètes, qui endossent tour à tour la robe bleue et la perruque blonde, symboles d’une héroïne plurielle. Soutenue par la création lumière d’Éric Soyer – fidèle collaborateur de Joël Pommerat – Laura Bachman compose, à partir des mots de Jean-Philippe Toussaint, un véritable théâtre d’images et de mouvements.

L’écriture, profondément physique et cinématographique, fait du corps un langage à part entière et convoque des visions puissantes, sensibles et évocatrices. Même sans connaissance préalable de l’œuvre littéraire, le public est invité à découvrir le portrait d’une femme complexe et fascinante, interrogeant les rapports masculin-féminin au sein d’un monde patriarcal en quête de nouveaux équilibres.

Le but avéré n’est pas de retranscrire le texte de manière littérale mais de créer un dialogue entre l’œuvre originale et la scène. Un pari réussi pour la chorégraphe, qui rappelle avec émotion, à l’issue de la représentation, combien le soutien aux artistes et au spectacle vivant demeure aujourd’hui plus que jamais essentiel.

ISABELLE RAINALDI

 Spectacle donné le 3 février, au Théâtre des Salins, Scène nationale de Martigues.

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Le dispositif scénique se présente comme un cocon. Rose pâle et blanc dominent, les gradins miniatures et circulaires sont installés à hauteur d’enfant. Ici, pas de frontalité : tout invite à la proximité. Le temps de l’accueil est soigné, assuré par les artistes eux-mêmes qui distribuent des ballons de baudruche. Au centre, un ballon coiffé d’un casque, relié à une console de loopers, annonce l’univers sonore à venir.

Les premiers sons naissent du souffle s’échappant d’un ballon dégonflé, mêlé à des bruitages façon beatbox, joués en direct par Augustin. Ils accompagnent la performance de Violetta, une acrobate, qui pratique l’acrodanse, une discipline qui mélange danse et cirque. Ensemble, les interprètes explorent les liens entre l’air et le corps, le geste et le son. Le ballon devient membrane sonore, le souffle moteur du mouvement.

Baoum ne raconte pas une histoire au sens classique, mais développe une dramaturgie du sensible : gonflement, tension, attente, explosion. Chaque « baoum » est aussitôt adouci par un sourire, un geste rassurant, une pluie de confettis. La peur se dissout, le rire surgit. Sans discours pédagogique, le spectacle interroge subtilement l’interdit et sa transgression, en transformant l’éclatement du ballon en jeu partagé. La fin ouvre l’espace : les enfants investissent la scène, dansent, rient, entraînant parfois les parents. Le spectacle ne se regarde plus, il se vit.

ISABELLE RAINALDI

Spectacle donné le 31 janvier à Archaos, Pôle national cirque, Marseille.

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Au fil des épreuves, les candidat·es dévoilent leurs univers. Cette année marque une première avec l’accueil d’un Drag King, Andromax, seul artiste à proposer une performance théâtralisée de marionnettiste, mimant un combat de catch contre la masculinité toxique.

Les références pop et plaisirs coupables s’assument, de Annie Cordy à Diane Tell en passant par Raffaella Carrà. La scène devient un espace de liberté totale, où le hashtag #saleconne, involontairement lancé par une certaine personne, revient en force comme une affirmation féministe et puissante.

En point d’orgue, l’élection consacre une miss au corps et au tempérament loin des clichés sur papier glacé, affirmant que la beauté se niche dans l’authenticité. Cagole Nomade rappelle que l’inclusivité n’est pas qu’un slogan mais une fête de tous les jours dans nos espaces culturels marseillais.

ISABELLE RAINALDI 

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