Le musée Paul Valéry propose depuis juillet et jusqu’au 8 novembre une exposition Les couleurs de Jean Vilar [voir journalzebuline.fr] qui, à travers un parcours d’œuvres majeures, rappelle l’attachement du metteur en scène aux couleurs des costumes et des décors, mais aussi des programmes, des oriflammes et des publications. Le 17 octobre une visite commentée de l’exposition sera suivie d’un débat sur les métiers du théâtre entre Hervé di Rosa et Macha Makeieff, puis une conférence de Violaine Vielmas, docteure en littérature et spécialiste de Jean Vilar, éclairera sur son parcours méconnu d’écrivain. Le lendemain une conférence de Geneviève Winter s’attachera à l’art du comédien. Des lectures et spectacles ponctueront les conférences, en particulier Le Dossier Oppenheim, création du jeune Vilar auteur, et la lecture par Denis Lanoy de sa correspondance avec Georges Perros, que Vilar avait chargé de lui dégotter des auteurs dramatiques, et qui s’est révélé peu conciliant… 

Écouter les fantômes des théâtres 

Mais c’est au Théâtre Molière que débuteront ces journées le 16 octobre, avec la création Vous êtes ici d’Édith Amsellem. La metteuse en scène marseillaise a pourtant déjà créé ce spectacle [voir journalzebuline.fr], plusieurs fois ! Mais Vous êtes ici raconte l’histoire de chaque lieu où il passe, réécrit avec chaque équipe qui intervient sur scène. Un spectacle toujours formidable, où l’on voit aussi défiler de fausse Angelica Liddell, une Mnouchhkine plus vraie que nature, un très sombre Claude Régy… Sans doute le plus bel hommage que l’on puisse rendre au théâtre public, à Jean Vilar et à la décentralisation !

 AGNÈS FRESCHEL

Les Journées Jean Vilar
Du 16 au 18 octobre
Théâtre Molière, Musée Paul Valéry, Sète

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Comment se passe cette poursuite de la Semaine de la pop philosophie, depuis le décès de Jacques Serrano ?

Il y a deux dimensions essentielles. La première, c’est d’avoir une équipe de programmation composée de trois personnes et non plus d’une seule, en essayant d’allier continuité et nouvelles idées. Il y a un dialogue intergénérationnel : Françoise Gaillard, historienne des idées, a été une compagne de route pendant de longues années de Jacques. Elle connaît très bien le format et l’esprit de la manifestation. Julie Beauté et moi sommes de la même génération ; nous étions tous deux étudiants en même temps à l’École normale, donc on se connaît depuis une bonne quinzaine d’années.

Le deuxième point décisif a été de mettre en place un comité scientifique sur le modèle des revues intellectuelles, constitué d’une dizaine d’interlocuteurs et interlocutrices de Jacques. Pas seulement des philosophes, mais aussi des journalistes, ayant un regard sur l’actualité éditoriale, ou des personnes avec un regard plus historique.

C’est lui qui avait choisi la thématique de cette année, Séduction et fantasmes ?

Oui, ce thème vient de très loin. Il l’a même choisi avant le précédent, Éloge de la complexité On avait posé quelques bases avec lui ; par contre, il n’y avait aucun élément de programmation. Le challenge était de déterminer les questions et les invités, sans bousculer trop sa manière de faire, pour lui rendre hommage. On s’est quand même dit « ouh, c’est un sujet difficile, qui présente un certain nombre de risques, il va falloir trouver une bonne manière d’appréhender les choses » !

Les précédents thèmes avaient aussi une part de risque, de « provoc ».

En effet. Là, on s’est appuyés sur une perspective féministe, qui opère un renversement. Avec par exemple l’intervention le 19 octobre d’Isabelle Alfandari, qui a écrit Le scandale de la séduction, il s’agit de s’intéresser à la manière dont le scandale empêche finalement de penser la séduction, alors qu’il s’agit d’un aspect omniprésent de la vie. En réalité, il y a de la séduction dans les rapports marchands, publicitaires, managériaux… Par conséquent l’idée était de la désenclaver de son registre purement érotique, ou disons sexuel.

Vous avez constitué une structure tricéphale, pour cette édition et celles à venir. C’est déjà un changement, être plusieurs à définir une trajectoire. Est-ce que vous prévoyez aussi de prendre du recul vis-à-vis de ce qu’avait construit Jacques Serrano ?

En termes de thématiques, l’objectif est plutôt de s’inscrire dans la manière qu’il avait de faire de la pop philosophie, c’est-à-dire choisir le type d’objets dont il s’emparait. Par contre, une différence importante, c’est qu’on y intégre la question numérique. On ne peut plus situer la pop culture là où on allait la chercher classiquement, disons dans un champ large du cinéma, de la télévision et d’un référentiel commun. Avec les réseaux sociaux, il y a une fragmentation de ce référentiel commun. donc il va falloir trouver une façon de faire avec.

C’est absolument d’actualité : sur les récentes manifestations lycéennes, énormément de pancartes font référence à la pop culture de cette tranche d’âge, et les « boomers » ne comprennent pas tout.

Oui, moi je vais pousser pour qu’on soit peut-être l’une des premières manifestations de cette ampleur à essayer de faire le travail d’intermédiation entre ces cultures-là. Les réseaux sociaux comme culture, c’est-à-dire comme espace de légitimité aussi, et la culture philosophique. Il faudra intégrer des gens assez jeunes dans l’équipe pour avoir un œil et une oreille à cet endroit-là.

Entretien réalisé par GAËLLE CLOAREC

La Semaine de la pop philosophie

du 17 au 24 octobre

Marseille, divers lieux

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Zébuline : Pourquoi cet hommage à Jean-Michel Guiraud est-il aussi tourné vers l’avenir ?
Philip Breeden : Parce que Jean-Michel n’a jamais travaillé sur Varian Fry pour simplement conserver un souvenir. Il a créé des expositions, organisé des colloques, conçu des outils pédagogiques, rencontré des élèves et des étudiants. L’idée de cette journée est de revisiter tous ces projets avec celles et ceux qui y ont participé, pour voir aussi ce qu’ils peuvent encore produire aujourd’hui.

Varian Fry lui-même est arrivé à Marseille pour une mission qui devait être courte…
Oui. Il vient en 1940 pour trois semaines, avec de l’argent et une liste de personnes particulièrement menacées par les nazis. Marseille, en zone libre, est alors l’un des principaux points de départ possibles pour les réfugiés. Mais il comprend immédiatement que la situation est beaucoup plus grave que ce qu’on imaginait aux États-Unis. Il reste treize mois et crée le Centre américain de secours.

Son réseau se distingue aussi par les personnes qu’il cherche à sauver.
Il y a une dimension culturelle très forte. Fry connaît et admire beaucoup de ces écrivains, artistes et intellectuels. Son réseau aide notamment Marc Chagall, Max Ernst, André Breton ou Hannah Arendt. Mais il rassemble aussi des Américains, des Français, des Autrichiens, des Italiens, souvent jeunes, qui veulent agir contre le fascisme. Et assez vite, il accepte de passer à la clandestinité lorsque les voies légales ne suffisent plus.

C’est donc aussi cette dimension politique que l’association veut transmettre ?
Oui, politique et culturelle. Fry agit par reconnaissance envers des artistes et des écrivains qui ont nourri sa culture, mais aussi parce qu’il est antifasciste. Pour moi, c’est une forme de résistance humanitaire. Quand nous racontons cette histoire aux jeunes aujourd’hui, nous voulons aussi montrer que des individus peuvent réagir, qu’ils peuvent décider de ne pas accepter l’inacceptable.

Quels projets pourraient prolonger ce travail ?
Nous aimerions notamment créer un parcours Varian Fry à Marseille, avec des supports audiovisuels, qui permettrait de retrouver les lieux où Fry et le Centre américain de secours ont travaillé. Ce serait une façon d’inscrire cette histoire dans la ville, mais aussi de faire le lien avec les migrations et les réfugiés d’aujourd’hui. Rendre hommage à Jean-Michel est important ; si cette journée inspire de nouveaux projets, elle aura pleinement rempli son rôle.

Entretien réalisé par SUZANNE CANESSA

15 octobre, 14h-18h
Musée d’Histoire de Marseille

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Face à elle, Thierry Fabre raconte une autre enfance méditerranéenne. Né à Cannes, il grandit avec la mer pour horizon, mais aussi avec cette frontière mentale : de l’autre côté, « ce n’était pas nous, c’était eux ». Toute sa réflexion consistera précisément à interroger ce partage. Fondateur des Rencontres d’Averroès et auteur de Face aux empires, la voie méditerranéenne, il invite à penser ensemble les sociétés du Nord et du Sud, non comme deux blocs opposés mais comme les parties d’un même espace de circulation, de mémoire, de conflits et de création.

La langue comme passage

La question de l’arabe demeure au cœur de cette rencontre. Deuxième langue la plus parlée en France, elle reste pourtant très peu valorisée dans l’enseignement secondaire et supérieur. Anne-Claire Legendre insiste sur la nécessité d’en faire pleinement une langue de savoir, de culture mais aussi une compétence professionnelle reconnue.

Le partenariat signé le même jour entre Sciences Po Aix et l’Institut du monde arabe va dans ce sens : collaborations scientifiques et culturelles, mobilités étudiantes, accueil de stagiaires et création à Aix du premier centre agréé de l’académie pour le CIMA – certificat international de maîtrise en arabe. Autant de passerelles qui donnent un contenu très concret à l’ambition méditerranéenne de l’école.

Pour Anne-Claire Legendre, l’Institut du monde arabe doit lui aussi être davantage qu’une vitrine : un partenaire et une caisse de résonance de ce qui se crée aujourd’hui dans les sociétés arabes. La vitalité culturelle qui s’y déploie, à travers musées, festivals, artistes et nouveaux lieux de création, demeure encore insuffisamment considérée depuis l’Europe.

Regarder la modernité arabe

C’est peut-être là que la rencontre trouve sa plus belle ouverture : lorsqu’elle déplace le regard de l’héritage vers la modernité. Celle des mondes arabes reste largement périphérique dans le récit proposé par les grands musées occidentaux. Anne-Claire Legendre cite notamment Baya, immense peintre algérienne mise à l’honneur par l’Institut du Monde Arabe et les Musées e Marseille, dont l’œuvre oblige à repenser les catégories trop commodes entre art européen et art « d’ailleurs ».

Le dialogue entre Anne-Claire Legendre et Thierry Fabre, modéré par Roxana Nadim et Angelina Rosselli Greco, donne ainsi un ton particulièrement stimulant à Voix de Méditerranée. Pas une Méditerranée de carte postale, ni seulement un objet géopolitique, mais un espace vivant, traversé par les langues, les œuvres, les étudiants, les idées. Une Méditerranée que cette nouvelle saison entend précisément faire circuler, entendre et regarder autrement.

SUZANNE CANESSA

La rencontre s’est tenue le 1er octobre à Siences Po Aix

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Dans l’Amphithéâtre de la Manufacture, une étrange proximité se noue entre Arno Bertina et Héloïse Brezillon.  Chez Brezillon, la science-fiction est un moyen de desserrer l’emprise du réel sans céder à la dystopie. L’autrice s’en méfie : trop souvent, dit-elle, elle produit de la paralysie là où la littérature devrait remettre du mouvement. Devant un public largement étudiant, notamment venu de l’IUT Métiers du livre, les deux écritures se répondent de façon inattendue. 

Celle de Brezillon, très poétique, entend « chercher une langue impossible pour dire le réel autrement ». Habituée à la performance, l’autrice en donne une lecture qui captive la salle. Chez Bertina, l’artificiel contamine moins les temporalités que les corps. Naïma, jeune femme dont la beauté paraît évidente à tous sauf à elle-même, tente de remodeler son visage par la chirurgie esthétique. De gagner en relief. De passer d’une supposée fadeur à la grâce d’un corps « de traviole ». Une autre manière d’interroger les récits que l’on fabrique sur soi, et ceux que les injonctions sociales imposent aux femmes. La révolte n’est jamais loin chez un auteur qui, dans L’âge de la première passe, donnait déjà à entendre les récits de victimes de prostitution forcée au Congo.

Changer aussi les lecteurs

La suite de la matinée déplace la question : à qui ces récits sont-ils destinés ? Lorraine Selle-Delavaud, fondatrice des éditions La Meute, reprend une formule de Giulia Foïs : elle aime concevoir des livres « pour féministes fatiguées ». Autrement dit, des ouvrages sur les féminismes, les questions LGBTQIA+ ou les rapports de domination qui ne présupposent ni militantisme ni maîtrise préalable du vocabulaire.

Face à elle, Anouk Aubert raconte l’aventure de la librairie Les Parleuses. De la manifestation organisée contre Gérald Darmanin, qui fit connaître la librairie niçoise bien au-delà de son quartier, à son installation récente à Vaison-la-Romaine, elle déroule son histoire avec un sens délicieux du récit. Désormais, explique-t-elle, il faut parfois accueillir aussi « des femmes qui veulent acheter le dernier Sarah Knafo ». Toute la difficulté est là : ne pas prêcher les convaincues, ne pas céder pour autant au pinkwashing, ouvrir plutôt que clôturer. La générosité de son propos arrache quelques larmes dans la salle.

Une rencontre consacrée aux réseaux sociaux poursuit cette traversée des habitudes de lecture : BookTok, Bookstagram et autres formes de prescription littéraire imposent désormais leurs propres circuits, leurs rythmes, leurs communautés.

Lilith, enfin

Puis vient Chloé Delaume. La guitare électrique de Benoist Esté accompagne  le texte de Lilith & Cie, il compose en direct un paysage sonore ample et nerveux pour le public réuni à l’Archevêché.

« Au commencement était le verbe assujettir. » Lilith scande cette maxime fondatrice de la condition féminine. Delaume enchaîne les formules qui frappent juste : « Les dieux des vaincus deviendront les démons des vainqueurs. » Et celles qui font éclater de rire la salle : « Nos activités avec Adam étaient très limitées », ou encore « D’autant qu’Adam voulait toujours tout m’expliquer. »

Mais l’humour ne tient jamais très loin de la blessure. « Comment se faire entendre quand on a la parole en petits morceaux ? » Chez Delaume, la drôlerie reste voisine de la douleur et le mythe se conjugue au présent. Lilith a le dernier mot. Les nouveaux récits s’écrivent décidément au féminin.

SUZANNE CANESSA

Les Promesses de l’aube se sont tenues du 1er au 4 octobre à Aix-en-Provence

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L’événement, qui s’étale maintenant sur trois soirées, entend rendre leur place aux personnes sexisées dans l’espace public. « Dans l’idéal, on aimerait que le festival se prolonge vraiment dans la nuit, qui est le moment le plus problématique pour les personnes sexisée dans l’espace urbain » explique Roxane à propos du titre. Mais cela n’est pas possible. « On doit composer avec les règles de l’espace urbain, et c’est tout à fait normal » précise la chargée de production Marie Roche Pinault. Elles ne manquent cependant pas de relever une certaine ironie du calendrier.  « Cette semaine il y a la féria de Nîmes, qui va continuer très tardivement dans des conditions que l’on connait, mais c’est un événement traditionnel alors ça ne pose pas problème… »

Au programme 

Comme chaque année, la programmation est élaborée par les artistes-membres du collectif. Plusieurs spectacles invités s’en prennent frontalement aux pressions qui pèsent sur les femmes et leurs corps, de manière assez figurative : dans le solo de danse Parfaite, de la Cie Ek, une femme se débat avec un lourd sac à dos, et la Cie L’Effervescente propose un spectacle clownesque dans lequel une circassienne demande de l’aide au public pour savoir comment agir dans l’espace public. Ce spectacle, intitulé Seule en Roue, se donnera en présence d’une interprète en Langue des signes française. 

La Cie Chaos Canem présente un spectacle artistico-culinaire, Les assiettes de Mamie Vette, qui aborde les questions d’héritages culturel et familial, et la joie du partage. Avec Furtives, la Cie La Baleine Cargo s’empare du centre-ville de Nîmes pour une déambulation pluridisciplinaire, militante et poétique. 

Le dernier soir, le collectif occupera Le Prolé avec une exposition d’Amandine Lamoulie, Coupé-Collé. Cette cinquième édition se terminera en musique, avec Mme Raid, un one-woman-show musical de Mélodie Gonzalès, et un concert mêlant eurodance et punk du duo queer Grace et Volupté Van Van. 

CHLOÉ MACAIRE 

Les Nuits Occupé·es
Du 23 au 25 septembre 
Divers lieux publics, Nîmes 

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21 août au 6 septembre
Divers lieux, Marseille

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Si l’événement s’est déjà ouvert le week-end du 18 juillet – avec une mise en lumière de récits cinématographiques de réalisatrices sénégalaise, haïtienne, brésilienne et britano-nigériane –, le prochain rendez-vous du festival se tient ce 31 juillet, sur les toits de la Friche. Au programme, un défilé de pièces de designers afrodescendantes de la scène locale, accompagnées de danseuses de voguing. La deuxième partie de soirée est consacrée aux artistes algériennes, Nadia Ammour et Souad Asla. Elles dévoileront une création musicale inédite, à la croisée des héritages gnawa et de la poésie amazighe, avec en invité le mandoliste Malik Ziad – seule présence masculine de la quinzaine.

Enfin N0L4.44 et Eau Vive, du collectif Entourage, clôtureront la soirée avec un DJ set en forme de melting-pot sonore. Une invitation pour les corps à se libérer grâce aux rythmes dancehall, baile funk, kuduro et autres pépites musicales dénichés dans les clubs des diasporas africaines, afro-créoles et latines.

De Dar es Salam à Marseille

La suite se passe le 1^er août, aux Ateliers Jeanne Barret. Loélia y propose un atelier d’écriture, voix et corps, en non-mixité choisie. L’artiste danseuse, autrice et circassienne dont le travail est très ancré dans son héritage afro-descendant, interrogera le rapport au corps. Comment se situe-t-on par rapport à lui ? Et comment se situe-t-il face aux discriminations et aux questions d’intersectionnalités ? Pour cela, elle convie, entre autres, les hanches à raconter les héritages, les résistances, et bien sûr aussi les joies. « Une forme de thérapie politique » qui présente l’une des multiples manières d’exister en tant que femme afrodescendante. Des discussions, ateliers et une chorale sont également attendus le lendemain à La Friche. 

Du 6^e au 15^e arrondissement de Marseille, Empreintes Africaines entend « mettre en lumière les histoires et les imaginaires que les femmes africaines ou afro-descendantes ont envie de raconter », explique une des organisatrices du rendez-vous, Mialy Razakarivony Ratsifehera. Avant d’ajouter que « si les femmes en 1974, en Tanzanie, ont réussi à monter la JIFA, à notre échelle à Marseille, on peut réussir à mettre en lumière toutes les diversités ».

AMANDINE EL ALLAUI

JIFA : une date pour l’émancipation des femmes africaines 
Des femmes venues de tout le continent se sont réunies le 31 juillet 1962 à Dar es Salam, en Tanzanie, pour créer la première Organisation Panafricaine des Femmes. Malgré les barrières linguistiques et les différences culturelles et ethniques, elles allient leurs forces pour dessiner de nouveaux imaginaires qui visent à améliorer leurs conditions de vie et s’émanciper. La Journée Internationale de la Femme Africaine est promulguée la même année par les Nations unies, et il faudra attendre le 31 juillet 1974 pour qu’elle soit officiellement consacrée à l’occasion du premier congrès de l’Organisation panafricaine des femmes au Sénégal. A.E.-A.

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L’Itinéraire bis de Julien Gosselin accompagne ce parcours avec tendresse et bienveillance au fil de cartels jaune canari. Son regard est drôle – « Même Avignon a essayé d’être cyberpunk » – mais surtout éclairant sur la manière dont l’héritage récent du Festival a nourri son théâtre dès ses jeunes années. À quoi ressemblera cette exposition dans vingt ans ? Que retiendra-t-elle de notre présent ? 

Belles heures bouillonnantes
Parmi la soixantaine de rencontres de la Maison Jean Vilar durant le Festival, les journées d’Artcena induisent un bouillonnement plus intense encore. Place y est faite aux auteurices dramatiques pour des lectures et des rencontres simultanées dans toute la Maison. Les 10 et 11 juillet, Stanislas Nordey est venu parler d’Espaces 34 [Litre notre entretien avec Stanislas Nordey ici], Actes Sud des livres audio, Léonore Confino du jeune public, Baptiste Amann de son écriture… 

On retiendra surtout la lecture de Claudine Galea, qui a dirigé le service culture de La Marseillaise dans les années 1990. Lear for real actualise l’histoire du roi fou et de sa fille : Daddy Lear perd la mémoire, devient sénile, veut sortir de la maison de retraite et appelle sa fille toutes les minutes pour dire sa douleur… Un texte bouleversant, touchant au plus juste la détresse de ceux qui se perdent et de ceux qui les regardent partir. Interprété par Laurent Ziserman et Sophie Lahayville, il devrait être créé lors du Festival 2027.

Pour toujours Novarina
La Maison Jean Vilar a rendu hommage au poète disparu avec des rencontres, le Dictionnaire Valère Novarina et une installation présentant ses œuvres plastiques, en particulier le néon bleu La lumière nuit. On y retrouve les images de ses onze spectacles donnés au Festival jusqu’en 2020. De L’Origine rouge à Personnages de la pensée, reste l’électrochoc d’une langue inimitable, qui cherche le sens dans des recoins inusités et passe par le corps et la voix. 

André Marcon, novarinien en chef, a lu – à peine, joué plutôt – la première partie du Discours aux animaux. Moment exceptionnel de maîtrise, d’invention, de restitution fine de chaque virage, chaque caillou du texte. Aussi précis, incisif, drôle, harangueur et digressif qu’il y a presque quarante ans, quand il l’a créé et laissé Avignon bouche bée… 

Feuilleton de l’été
En écho aux Clés du Festival, Mon Festival, nos festivals confie chaque matin les archives à deux voix. Jean-Louis Martinelli et Charles Berling offrent un épisode émouvant, porté par leur vieille complicité. Ils évoquent leur Avignon commun, l’édition 1998 – assez épique – et cet Œdipe le tyran mis en scène dans la Cour d’honneur, avec Berling dans le rôle-titre. Jean Eustache surgit le temps d’un joli détour, Jean Vilar reste la boussole. Derrière les souvenirs affleure leur goût du théâtre politique et du service public, jusqu’au rappel de la menace que le gouvernement Sarkozy avait fait peser sur le spectacle vivant. 

Stanislas Nordey, accompagné de Virginie Colemyn, livre un épisode à la mesure, démesurée, de son talent d’acteur. Il raconte son premier Off en 1988, dans un Marivaux qui fut d’emblée un triomphe, puis sa Cour d’honneur dans Architecture de Pascal Rambert. Il cite Peter Handke, Falk Richter, les lit, les dit, les joue, rendant chaque passage essentiel. De son père réel, Jean-Pierre Mocky, à Jacques Weber qui le représente, il va jusqu’à Munition d’amour, texte de Claudine Galea qu’il créera l’an prochain. Elle y parle de la découverte tardive de son cancer : « j’ai préféré écrire à voir ». La vie, la mort, l’amour font vibrer la calade, tandis que Virginie Colemyn lit Avignon à vie, de Pascal Rambert, et ses mythiques « Je n’ai pas vu ».

Le Off entre en scène
Le lendemain, place au Off avec Alain Timár, directeur du Théâtre des Halles, qui ne parlera pourtant que du In, interrogé par Michel Flandrin, notre collaborateur, qui l’aiguillonne et contextualise. Ce pionnier évoque les spectacles qui ont changé sa vie : Aperghis, Beckett dans la Cour avec un arbre sans feuilles – « on n’a pas besoin de remplir l’espace pour l’occuper » -, Georges Wilson, Rufus, Michel Bouquet et Fabrice Luchini enfant. Des marionnettes géantes sur roulettes traversent, incontrôlables dans le vent, le cloître des Célestins : « ce qu’on a vécu comme un psychodrame devient, par la force du souvenir, une belle histoire à vous raconter ». Et puis May B de Maguy Marin, Nelken de Pina Bausch, ces chorégraphes qui ont fait de la danse un « art total », dans l’esprit du « service public du théâtre » voulu par Jean Vilar.

Pour clore le feuilleton, Justine Heynemann, accompagnée de Rachel Arditi, apporte une vision plus récente du Off, qu’elle fréquentait dès l’adolescence, toujours à la recherche d’un théâtre féministe. Marivaux pour ses premières armes, puis ses propres textes : Les Petites Reines, PUNK.E.S, Culottées et Olympe(s) rappellent, dans un festival dont l’histoire reste dominée par les hommes, que le théâtre ne s’écrira plus sans les femmes. 

Les figurants au premier plan
Lors d’une rencontre menée avec finesse par le journaliste et écrivain Matthieu Mével, Delphine de Vigan est revenue sur l’adaptation, qui permet parfois de découvrir une part intime, personnelle, insoupçonnée de son propre texte. Les Figurants est pourtant sa première pièce directement écrite pour la scène, mise en scène par Valérie Donzelli, venue du cinéma. 

Cécile, Orso, Bruno, Joyce et Nora attendent sur un tournage. Invisibles mais indispensables, ils sont, selon Cécile, la vieille dame jouée par Béatrice de Staël, les « prolétaires du cinéma ». La pièce leur offre enfin le cadre et la parole. Les comédien·nes jouent avec naturel, solidement ancré·es dans le théâtre, tandis que la mise en scène convoque surtout le cinéma : voix hors champ, attente, ordres donnés par ceux que l’on ne voit pas. Une jolie ode aux oubliés des plateaux. Le texte, évocateur et attentif aux êtres, demeure pourtant plus littéraire que véritablement dramaturgique : les confidences dessinent les personnages sans toujours produire la tension que réclame la scène. Comme quoi écrire pour le théâtre n’abolit pas le mystérieux travail de l’adaptation.

SUZANNE CANESSA

Les Clés du Festival, exposition permanente ouverte toute l’année, 
Maison Jean Vilar, Avignon

Itinéraire bis — Le Festival vu par Julien Gosselin et Viva Novarina !
Jusqu'au 25 juillet

Les Belles Heures 
Les 10 et 11 juillet 

Mon Festival, nos festivals
Du 12 au 17 juillet  

Du livre à la scène
Les 13 et 14 juillet
Maison Jean Vilar

Les Figurants, de Delphine de Vigan, mis en scène par Valérie Donzelli, 
Jusqu'au 25 juillet à 19h, La Scala Provence. 

Rencontres, conférences et lectures sont enregistrées par L’Écho des planches et disponibles gratuitement sur maisonjeanvilar.org. 

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Pour moi, il y a trois ans, il était temps. Mes parents sont morts à 6 mois d’intervalle, je me suis dit tu attends quoi ? De toute façon à ce moment, je ne pouvais parler que de deuil, de perte, de souvenirs et de ce manque que l’on éprouve quand on devient orphelin.

La pièce, pourtant, ne parle pas que de ce deuil intime…
Non. Requiem(s) est au pluriel parce que les morts sont multiples. Parce qu’elles ne sont pas égales. Quand un homme de 95 ans meurt, la peine de son fils est immense, mais consolée quand même, atténuée, rendue plus douce par le fait qu’il a eu l’espace d’exister. Quand un gamin de 8 ans meurt à Gaza sous les bombes c’est atroce, révoltant, insupportable. Le deuil aussi à ses nuances, le requiem pour un génocide, pour une guerre, ce n’est pas pareil. Le trajet de Requiem(s) c’est de passer de l’intime à la notion d’humanité. De faire ressentir intimement, aussi, les deuils à grande échelle que nous sommes en train de vivre.

Le rituel de la mort fait de nous des humains. Durkheim a montré que le rituel de l’enterrement, ou tout autre rituel d’adieu aux morts, signait l’entrée dans une société humaine. Il est commun à toutes, sous des formes diverses. On n’abandonne pas ses morts au bord de la route.

Requiem(s) est aussi au pluriel parce que plusieurs musiques s’y succèdent…
Oui. On y entend du Mozart, mais aussi System of a Down, ce rock lyrique, violent, métal, puissant et révolté, quand il est question de torture et de génocide. Aussi du Messiaen, parce qu’un requiem est aussi une messe et que des images chrétiennes sont présentes dans notre perception de la mort. Et des chants médiévaux, liés à la grande peste noire, une histoire qui nous guette avec les menaces virales actuelles.

Après, mon travail, ce n’est pas le discours, mais comment le corps bouge sur ces réalités physiques-là, de la violence, de la mort, du deuil, du souvenir. Le poids des corps présents et absents, comment cela se rejoint, fait corps commun ou isole. Comment on retrouve la joie aussi, après le deuil, comme augmenté de quelque chose.

Vous travaillez à une nouvelle création Soulèvement. Est-ce toujours une question de poids, de trace, de ce que les idées font au corps ?
Bien sûr. Soulèvement c’est l’idée de travailler sur une énergie, celle de se regrouper pour affronter l’injustice. C’est un mouvement aussi consubstantiel à l’humanité que le deuil. Le spectacle sera traversé par nos soulèvements, la Révolution française, le Front populaire, mais aussi par celui du Népal en 2025, de cette génération de jeunes qui a mis fin à la dictature. Évidemment, le « regardeur » peut en avoir une vision politique, et c’est lui « qui fait l’œuvre » disait Duchamp. Mais moi, je travaille sur l’énergie des corps, pour savoir ce qui les lie…

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR AGNÈS FRESCHEL

 Requiem(s)
Du 28 au 30 juillet
Théâtre de l’Archevêché, Aix-en-Provence

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