S.CA.
7 février
Palais du Pharo, Marseille

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S.C.
7 novembre 
Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

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Malgré son jeune âge, le contre-ténor a déjà multiplié les prix et les scènes. Son émotion à fleur de peau n’affecte en rien son timbre chaleureux, grave et rond – rare chez un contre-ténor – ; cette vulnérabilité apportant une belle intensité à son interprétation de l’Alma Redemptoris Mater, pièce méditative, permettant d’apprécier tout le velours de sa voix. Les deux solistes sont accompagnés par l’ensemble à cordes Palatine, emmené par la direction pleine d’énergie du claveciniste Guillaume Haldenwang. Leur interprétation endiablée de l’Adagio e fuga de Franz Xavier Richter (1709-1789) est à couper le souffle.

Moments de grâce

Puis vient l’heure du monument : le Stabat Mater de Pergolèse écrit juste avant la mort du compositeur. Il a tout juste 26 ans. Dans la basilique s’élèvent les deux voix qui entament l’un des duos les plus célèbres du répertoire baroque. Dès le Stabat Mater dolorosa initial, on ressent la complicité musicale entre les deux interprètes, même si leur placement scénique – assez éloignés l’un de l’autre sans doute pour l’équilibre des voix – ne favorise pas toujours cette connexion qui pourrait renforcer encore l’intensité dramatique. Les moments de grâce s’enchaînent. 

Rémy Brès-Feuillet est excellent dans le Quae moerebat et dolebat, morceau technique auquel il donne une belle légèreté. Marie Théoleyre se révèle habitée dans le Vidit suum dulcem natum. Les deux «  fac ut » claquent et le Sancta Mater en duo est aussi poignant qu’élégant. On touche au divin avec le Quando Corpus Morietur où les deux voix entrelacées vibrent vers le ciel avant de conclure avec un Amen final jubilatoire qui éclate dans une explosion de joie mystique.

Mozart au Pharo 

Quelques jours plus tard, Marseille Concerts réunit à l’auditorium du Pharo trois jeunes et talentueux pianistes : Rémi Geniet, Gabriel Durliat et Sélim Mazari accompagnés par l’Orchestre philharmonique de Marseille, pour une soirée Mozart d’un genre unique. La configuration scénique constitue déjà un événement : installés face aux musiciens et tournant le dos au public, les trois solistes ont relevé le défi que Mozart s’imposait lors de ses concerts viennois, dirigeant l’orchestre tout en interprétant sa partie au clavier. 

Rémi Geniet ouvre le bal avec le Concerto pour piano n° 12 en La Majeur (K. 414), composé en 1782 alors que Mozart est fraîchement installé à Vienne. Cette œuvre élégante révèle déjà la grâce mélodique qui fera la signature du compositeur. Geniet, jeune virtuose au toucher raffiné, a su restituer cette fraîcheur mozartienne avec une belle sensibilité, dialoguant avec l’orchestre en complicité.

Gabriel Durliat s’est ensuite attaqué au monumental Concerto pour piano n° 23 en La Majeur (K. 488), datant de 1786, période où Mozart atteint des sommets d’inspiration. Le deuxième mouvement, le célébrissime et pathétique Adagio en fa dièse mineur plonge la salle dans un silence religieux. Mais on préfère le pianiste dans les mouvements rapides dans lesquels sa vélocité et sa direction facétieuse retrouve l’esprit – que l’on imagine malicieux – de Mozart. 

Sélim Mazari a conclu la soirée avec le Concerto pour piano n° 27 en si bémol majeur (K. 595) composé quelques mois avant sa mort prématurée. Ici, plus de flamboyance virtuose, mais une œuvre empreinte de sagesse, de gravité et d’une sérénité presque testamentaire. Mazari a su capter cette dimension avec une maturité impressionnante pour un si jeune interprète. 

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Les concerts se sont déroulés le 14 et le 18 octobre à Marseille

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L.S.
16 octobre
Théâtre du Jeu de Paume, Aix-en-Provence
17 octobre 
Théâtre d’Arles

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 L.S.
18 octobre
Palais du Pharo, Marseille

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Ombres insensées

Après le Covid et #Me too, devant un public rajeuni et renouvelé, comment se reçoit cette reprise ? On admire la voix et la présence d’Eléanore Pancrazi dans Chérubin, on s’émeut de la grâce absolue des déplorations de la Comtesse – incarnée à nouveau par Patrizia Ciofi, merveilleuse dans ses arias, mais très gênée par le voile constant qui couvre ses graves dans les récitatifs. Hélène Carpentier incarne à merveille une Suzanne qui prend de l’assurance au fil de la pièce et Robert Gleadow (Figaro), même s’il rate un peu les aigus de son premier air, habite la scène de sa présence massive. Jean-Sébastien Bou (le comte Almaviva) passe son air de bravoure avec panache, mais dans l’ensemble les voix d’hommes peinent un peu à se faire entendre. Peut-être parce que le propos n’est pas clair ? Lorsque Figaro chante « si tu veux danser, mon petit comte », comment pousser ses « Si » aigus si sa révolte se perd dans les couleurs ternes du décor, et les chœurs décadents et noirs qui tournent autour de lui, l’observent et le manipulent ? Quel est le sens de toutes ces ombres ?

Décalages

Cette hésitation sur le sens semble aussi habiter l’orchestre qui a du mal à régler son rapport au plateau, décale légèrement, surtout quand les chœurs chantent depuis les balcons. Les ensembles se croisent dans le flou au lieu de dessiner des lignes franches, et on perd un peu du sens musical si particulier des fins d’actes de Mozart, où les individus mêlent leurs voix intérieures à celles du peuple qu’incarnent les chœurs. L’évidente clarté de la musique, du livret de Da Ponte/Beaumarchais, de leur propos révolutionnaire et féministe, de la joie des bons mots et du jeu, est escamoté.

Reste que l’œuvre, indestructible, résiste à ces petits obstacles, portée par des solistes et des musiciens d’exception. Comme un plat fabuleux auquel il manque juste quelques grains de sel.

AGNÈS FRESCHEL

Les Noces de Figaro ont été reprises à l’Opéra de Marseille les 24, 26, 28 et 30 avril
À venir
3 mai
Opéra de Marseille

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Une direction minutieuse

Les vents, et tout particulièrement les cuivres, se révèlent particulièrement exposés : les cors de Sylvain Carboni et Jacques Descamps, les hautbois et bassons de Coline Prouvoust, Tiphaine Vigneron, Blandine Delangle et Arthur Antunes assurent avec grâce et musicalité une partition particulièrement difficile. Soutenus, malgré une évidente et payante prise de risque, par la direction toujours minutieuse de Jaroussky, les musiciens s’adaptent également à la présence au clavecin de Yoko Nakamura. C’est ici l’entente et la vigueur concertante des musiciens qui est explorée, notamment sur le genre tombé depuis en désuétude des airs de concerts où la voix de l’épatante Marie Lys s’érige face à eux. À la manière d’un concerto grosso, les airs de concert la placent en complice et imitatrice avisée de leurs impulsions ; jusqu’à ce que cette grande cantatrice en devenir s’épanouisse sur des parties a capella brillantes. Très fournie dans ses graves, la soprano se teinte de colorature lorsqu’elle s’élance jusqu’au contre-mi bémol sans difficulté apparente. La Donna Anna qu’elle donne à découvrir en bis laisse rêveur : sans doute l’entendrons-nous développer ce rôle par la suite – peut-être à nouveau sous la direction de Philippe Jaroussky ? 

SUZANNE CANESSA

Le concert Mozart, l’enfant prodige a été donné les 27 et 28 octobre à l’Opéra Comédie, Montpellier

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Philippe Jaroussky. Il s’agit en effet d’un gros changement, je dirais même : d’un saut de l’ange dans l’inconnu ! Je dirigerai vendredi 27 et samedi 28 un orchestre symphonique, c’est-à-dire un orchestre non baroque pour la première fois de ma vie : l’orchestre de l’Opéra de Montpellier, que j’affectionne tout particulièrement depuis que j’ai été nommé artiste associé dans cette merveilleuse institution. J’ai tant de chance, à mon âge, de pouvoir vivre encore des premières fois ! [rires] La formation Mozart est certes moins intimidante que les effectifs romantiques, mais tout de même, l’effectif s’impose. Heureusement, l’orchestre est constitué de musiciens très talentueux mais également gentils, disponibles et patients. Et Marie Lys est une chanteuse formidable, et une soliste hors pair, particulièrement facile et agréable à accompagner.

Les choses ne se sont cependant pas faites du jour au lendemain. Vous avez notamment dirigé deux opéras baroques, dont un à Montpellier même en juin dernier, l’Orfeo d’Antonio Sartorio, avec votre ensemble Artaserse.

Et je dois tout cela en grande partie à la confiance que m’a accordée l’Opéra de Montpellier, et à cette résidence qui revêt de multiples façettes : soliste, pédagogique… J’ai pu m’y produire en récital moi-même, mais aussi proposer des masterclasses, auxquelles j’ai pu rattacher les activités de mon académie. Certains des jeunes talents que j’ai accueillis à la Seine Musicale se sont produits à la salle Molière ! Et puis il y a ce rêve que je nourrissais depuis toujours de diriger un orchestre, et de m’attaquer à Mozart. Il a toujours été le compositeur que je rêvais de diriger : il me trotte dans la tête depuis toujours… J’étais heureux de pouvoir commencer avec ses œuvres de jeunesse, encore proches de la période baroque qui m’est si familière, et pourtant déjà singulières. Ce programme m’a permis de comprendre Mozart en profondeur. Il débarque réellement sur la scène musicale dans le style galant des années 1770 : il compose des opéras serias à l’ancienne avec une inventivité phénoménale. Ses premières symphonies durent 12, 13 minutes, à l’instar des sinfonias baroques. Tout y est flamboyant ! Nous en parlions lors de notre première répétition avec Dorota Anderszweska, la violon solo supersoliste : sur certains traits malicieux, on a presque l’impression de l’entendre rire ! Il s’amuse : il ne se pose pas encore les questions existentielles, profondes qui l’occuperont pendant les dernières années de sa vie. L’intégralité du programme que nous avons pensé a été composée entre ses quatorze et ses seize ans : on y lit aussi un désir de prouver, comme l’éternel enfant célébré par Milos Forman, de quoi il est capable. Il sait en effet déjà mieux écrire que tous les autres…

Qu’apprend-on justement de son style si singulier en se plongeant dans ses œuvres de jeunesse ?

Ce qui m’a avant tout frappé, c’est qu’il comprend et connaît déjà si bien les voix. Les choix qu’il fait pour les doubler, les accompagner avec le pupitre des bois, et les cuivres, sont très audacieux et surtout inédits ! Il y a quelque chose de si jubilatoire dans ses intuitions mélodiques, et dans ses choix de timbre. Le travail de chef m’a toujours passionné, il est si différent de celui de chanteur ! On se met à la table, en face de la partition, on écoute chaque voix, on essaie de comprendre pourquoi le hautbois double la mélodie ici, pourquoi cette petite échappée de la trompette par là… Ce travail d’analyse musicale est grisant : on a l’impression d’entrer dans sa tête, dans son cerveau, tout simplement. On finit par pleurer en lisant simplement une partition, c’est prodigieux. Et puis, il y a le travail avec l’orchestre, l’engagement physique qui est très intense, même si j’espère apprendre par la suite à communiquer avec un peu plus de sérénité pour moins m’épuiser ! Mais j’ai davantage appris en cinq heures de répétition que pendant toute une année d’étude. 

Êtes-vous donc parvenu à pardonner à Mozart son plus grand défaut : ne pas avoir écrit de grand rôle pour contre-ténor ?

Peut-être oui, enfin [rires] ! Cependant, même si peu de ces rôles sont passés à la postérité, Mozart a écrit pour les castrats de son époque lors de sa première période : dans Lucio Silla, ou dans Mitridate, re di Ponto… Et puis, à la fin de sa vie, il y revient avec La Clémence de Titus. Mais les castrats d’alors avaient des ambitus que les contre-ténors ne possèdent pas. A Coven Garden, récemment, on a entendu un contre-ténor chanter le rôle de Chérubin dans Les Noces de Figaro par exemple. Mais ce sont des rôles que je ne pense pas être en mesure d’aborder. Mon plus grand rêve, ce serait un jour, je l’espère, diriger un Don Giovanni !

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR SUZANNE CANESSA

Mozart, l’enfant prodige
27 et 28 octobre
Opéra Comédie, Montpellier
opera-orchestre-montpellier.fr

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Les sonorités chaudes et souples de l’instrument se ploient aux volutes mélodiques émouvantes, spirituelles, dont l’époustouflante virtuosité se fait oublier tant le jeu du clarinettiste est clair, comme évident. La clarinette dialogue avec justesse avec un orchestre mené avec un subtil art de la nuance et un allant sans faille. L’émotion touchante de l’Adagio vient colorer l’Allegro initial aux frontières des ombres, tandis que le Rondo final décline un art de la joie, infrangible et brillante.

Clarinette enchantée

La lumière l’emporte sur les ténèbres, achevant la quête spirituelle que l’on peut rapprocher de celle de La Flûte enchantée. Novateur, Mozart essayait avec son Quintette pour clarinette et cordes de 1789 un nouveau genre qui demande la perfection soliste de chaque instrument et une parfaite qualité d’écoute et de cohésion. L’excellence du Quatuor Modigliani qui semble souvent n’être qu’un seul instrument, une colonne sonore finement ciselée, s’allie à celle de Raphaël Sévère en une étroite fusion. L’interprétation est bouleversante tout en restant d’une irréprochable retenue.   

Outre ses qualités d’interprétation, cet enregistrement prend une valeur particulière puisqu’il est sorti au lendemain de la mort précoce du chef d’orchestre, survenue le 5 septembre 2022. Lui qui a tant enregistré les œuvres du maître de Salzbourg. 

MARYVONNE COLOMBANI

Mozart Clarinet Works
Raphaël Sévère, Quatuor Modigliani
et l’Orchestre de Chambre de Paris dirigé par Lars Vogt
Mirare

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Pour la petite histoire, le piano sur lequel il joue ce soir-là sous la conque du parc de Florans est celui sur lequel il remporta son prix à Varsovie. L’accordeur en titre du festival, Denijs de Winter, a, pour ce faire, appelé la maison mère des pianos Fazioli en Italie, muni du numéro de l’instrument qui fut ainsi acheminé à La Roque pour le concert du jeune impétrant.

Sans doute, il y a quelque chose d’émouvant dans ces retrouvailles entre l’artiste et l’instrument, une familiarité complice, liée à des souvenirs décisifs. Attaques sûres, phrasés aériens, irréprochable technique, tout y est, mais on sait bien que cela ne suffit pas toujours. Ici, le musicien passe la rampe, vit et donne à vivre les pièces qu’il interprète. Tout devient langage, voix incarnée. Les intentions des compositeurs soudain prennent une tournure d’évidence.

Des touches au sublime

On suit le cheminement des pensées, vagabondages oniriques de Chopin, avec les envolées et les ruptures abruptes de la Ballade n° 2 en fa majeur opus 38 que le compositeur dédie à Schumann, ou la poésie mêlée d’éclairs de sa Ballade n° 3 en la bémol majeur opus 47. Les Variations de Frédéric Chopin sur Là ci darem la mano nous font entrer dans les mystères de l’improvisation. S’emparant du thème du duo chanté par Don Giovanni et Zerlina dans l’acte I de l’opéra Don Giovanni de Mozart, Chopin brode, s’amuse, paraphrase, s’exclame, sourit, livre sa lecture de l’œuvre mozartienne. Il y ajoute une vision amusée voire espiègle. Le morceau a les allures d’une conversation légère, la fluidité du jeu de Bruce Liu fait oublier les difficultés techniques. Que ce soit une note ou une série d’accords arpégés, un rythme simple ou des tempi différents selon main gauche et main droite, peu importe, on est emportés au-dessus de tout cela.

Oui, mais Chopin, direz-vous, c’est son auteur de prédilection. Peut-être, mais la même verve se retrouve dans l’interprétation de Miroirs de Ravel, cette série sublime de tableautins expressifs où se croisent Noctuelles et Barque sur l’océan. Les Réminiscences de Don Juan de Liszt sonnent en écho aux Variations sur « Là ci darem la mano » de Chopin, mettant en évidence la différence des approches de ces deux virtuoses, l’un qui commente l’œuvre évoquée, l’autre qui s’en sert pour exposer sa maestria, chacun avec le brio et le brillant qui les caractérisent.

Au public enthousiaste le jeune artiste dédie quatre rappels avant de signifier sa fatigue : deux pièces de Rameau, Les tendres plaintes et La poule (rarement on entendit l’oiseau de la basse-cour aussi loquace !), le bouleversant Nocturne n° 20 en do dièse mineur (opus posthume) de Chopin, décliné avec une sobriété qui laisse la pureté des lignes mélodiques se conjuguer au vent dans les grands arbres, avant le clin d’œil aux Études du compagnon de George Sand avec la n°5 op. 10, Sur les touches noires… Le sublime existe, on l’a rencontré !

MARYVONNE COLOMBANI

_{Concert donné le 25 juillet, au parc du Château de Florans, dans le cadre du Festival international de piano de la Roque-d’Anthéron.}

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