C’est cette histoire qui sera décrite et vécue en quelques tableaux et changements de costumes effectués rapidement sur scène. La femme qui était allongée se lève d’un bond, saisit un balai : elle est en retard pour commencer son travail, ce qui risque de bousculer les cadences du ménage des chambres. C’est le seul personnage qui porte un prénom, Alice, qui évoque le pays des Merveilles. Comme le personnage de Lewis Carroll, elle court et se joint aux autres. Chacun assure qu’il faut accélérer, mieux organiser travail et activités pour améliorer le monde, veiller à ce que la mécanique ne s’enraye pas au risque de provoquer un désordre mondial…

Un grand ménage

Les dialogues enchaînés de manière extrêmement rapide ne permettent ni réels échanges ni contacts entre les personnages. Ils sont asexués, sans âme, ni émotion. Ils organisent leur espace et leur temps, luttent ensemble pour le progrès matériel et la réussite personnelle, jugent ceux qui tenteraient une variante ! La scénographie et la mise en scène rigoureuses et originales de Nathalie Garraud servent le texte violent d’Olivier Saccomano qui nous bouscule, nous ouvre les yeux. Un personnage se « demande si nous ne serions pas arrivés au bout de quelque chose ? ». La fin, inattendue, surprend : les comédiens, toutes et tous excellents, revêtus de la même tenue de techniciens de surface, se saisissent de balais et font un grand tas de tous les costumes et objets. Tout est à reconstruire, à recommencer. Une image dystopique glaçante.

CHRIS BOURGUE

Créé au Printemps des comédiens 2025 de Montpellier, Monde nouveau s’est joué au Théâtre Joliette du 31 mars au 3 avril, en programmation avec le Zef

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Olivier Saccomano. C’est une question de focale. Pour le diptyque précédent, nous étions partis de figures théâtrales qui nous hantaient. Elles nous ont amené à travailler la façon dont le passé (théâtral, historique) hante le présent. C’étaient des pièces pleines de fantômes. Dans Monde nouveau, notre sujet de départ était directement le contemporain, pris dans sa massivité, sa compacité, son aveuglement aussi. C’est une pièce-monde, une pièce-machine qui se règle et se dérègle à partir des forces (du passé et de l’avenir) qui agitent notre présent.

Vous décrivez un monde pris entre néolibéralisme et néofascisme : comment cela se traduit-il dans la langue ? Et sur scène ?
Par une sorte de glissement progressif. Le fascisme contemporain arrive après quarante années de néolibéralisme. Et de l’un à l’autre, il y a une continuité (un imaginaire de l’entreprise, du profit, de la rapacité commerciale), mais aussi une nouveauté, car il arrive à un moment où le capitalisme avoue qu’il n’a pas ou plus besoin de la démocratie. Apparaît alors, dans toute son obscénité, l’arbitraire d’un pouvoir brut, militaire ou financier. Dans un monde néolibéral où tout semble standardisé (tout le monde, du prof à l’entrepreneur, du facteur au médecin, doit remplir de données son petit tableau pour se faire évaluer et alimenter la machine qui va le détruire), surgissent alors des figures monstrueuses. Trump ressemble davantage à la Reine de cœur d’Alice au pays des merveilles qu’à n’importe quel chef d’État des années 1990 ou 2000 en Occident. La pièce et son langage se tiennent à ce point de bascule.

Vous identifiez les personnages de la pièce comme des « figurants anonymes de l’Histoire » : c’est-à-dire ?

Tous les rôles sont des sortes d’« agents » de la machine, à la fois sujets actifs des transformations de la machine et passivement assujettis à ces transformations. Ils n’ont pas de nom ni d’identité fixe. Sur la page, ils s’appellent tous « K » (K1, K2, K3, etc.), comme un lointain souvenir du Procès de Kafka (qui s’y connaissait en machines). Mais sur le plateau, ils ne se nomment pas, trop occupés qu’ils sont à muter en permanence. Ils sont ce que la machine veut qu’ils soient, à savoir interchangeables, remplaçables à loisir. La seule à se donner un nom, mais peut-être l’invente-t-elle sur le moment, est « Alice », qui fait sans doute écho à Lewis Carroll (Alice au pays du monde nouveau…).

Comment avez-vous travaillé sur le rapport au public dans cette proposition ?

Il est la plupart du temps frontal, mais médié par une foule de cadres en bois manipulables, dans une sorte d’analogie précaire de nos écrans quotidiens. Si bien que les rôles s’adressent au public, mais pas seulement. Ils s’adressent à qui veut bien les entendre, les écouter, les regarder, les croire. La frontalité est l’adresse favorite des marchands et des communicants. Mais cette frontalité, dans notre pièce, est comme redoublée. Elle n’est pas directe, pas en contact direct avec le public, tout comme les rôles sont rarement en contact direct entre eux. Notre époque est aussi celle du « sans contact ».

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR MARC VOIRY

Nouveau monde

Du 31 mars au 3 avril

Théâtre Joliette, Marseille 
En co-programmation avec le Zef – Scène nationale de Marseille

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Les personnages, figures anonymes de l’Histoire, évoluent dans une « machine infernale » où le temps se raréfie, où les technologies imposent leurs rythmes et où la précarité s’installe comme horizon commun. Les comportements s’uniformisent, les subjectivités se réduisent : mêlant situations burlesques et moments d’inquiétante étrangeté, évoquant à la fois Kafka et Chaplin, Monde nouveau est aussi une exploration des effets du techno-capitalisme sur les existences contemporaines.

M.V.

 Du 31 mars au 3 avril

Le Zef, Scène nationale de Marseille

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Parole adolescente

Mars se fait triplement féminin, la parité est prise très au sérieux aux 13 vents. Quel est ce trio ? Céline Champinot, artiste associée, Marion Aubert, membre de l’Ensemble associé et Rébecca Chaillon. Trois autrices qui se connaissent bien, trois lieux, trois pièces puissantes s’intéressant à la question de la métamorphose, qu’elle soit liée à l’adolescence, à la folie ou à l’amour tragique. Au théâtre Jean Vilar, Plutôt vomir que faillir de Rébecca Chaillon (du 6 au 8 mars) fait sauter les tabous de la parole adolescente, traversée par le rejet des normes, la relation difficile au corps, la violence indomptée… À La Vignette, dans Juliette et Roméo sont morts (26 et 27 mars), Céline Champinots’intéresse à l’amour suicidaire qui hante la tragédie de Shakespeare et aux désirs qu’il met en exergue à un âge lui aussi adolescent. Pour ce qui est de Mues, à voir aux 13 Vents (13 au 15 mars), dont le texte signé Marion Aubert et la mise en scène par Marion Guerrero, raconte la lutte d’une femme pour ne pas se perdre dans la brume de la folie alors qu’elle arpente un coin perdu des montagnes des Cévennes dont on ne sait plus si elles sont rêve ou cauchemar. 

Expérience unique

En avril, Adrien Béal embarque le public dans une expérimentation scénique troublante, aussi précise que déroutante. On découvre avec curiosité ses deux dernières pièces, des créations collectives enthousiasmantes de l’ordre de l’expérience unique. Les pièces manquantes (puzzle théâtral) (3 et 4 avril), met six personnages, trois hommes et trois femmes, face à des situations que l’on préfèrerait éviter. Certaines pièces de puzzle manquent, chaque fois différentes, ce qui rend la représentation unique, alors que l’incompréhension nourrit un jeu théâtral déconcertant. Aussi dérangeante que la précédente, Toute la vérité (23 au 25 avril) se concentre sur cinq gestes transgressant des interdits de la société, notamment parce qu’ils sont en lien avec la sexualité, le désir, la famille. Les sens sont troublés, les perceptions déstabilisées, les habitudes repensées. Mai-juintermine la saison en duo avec Madame l’Aventure de Lionel Dray et Clémence Jeanguillaume, une pièce répétée et créée sur le plateau des 13 Vents, également co-production du CDN, et jouée dans le cadre du festival Le Printemps des Comédiens(31 mai au 2 juin et 7 au 9 juin). Ce périple théâtral s’inspire librement des grands récits d’aventure, faisant vivre sur scène « un monde plein de terreur, de suspens, de sang et d’ennui ». 

Toute la programmation de cette deuxième partie de saison est aussi traversée par une saison poésie se déroulant en itinérance citadine. Dans plusieurs lieux de Montpellier (Madredriosa, Black Out, Le Dôme), à plusieurs moments, on peut y écouter des artistes reconnus (Rébecca Chaillon le 29 février, Fantazio le 21 mars, Cécile Mainardi le 2 mai) comme des poètes en devenir, lesquels osent faire sortir ce qui les anime lors de scènes ouvertes toujours étonnantes d’inspiration comme de spontanéité. Les 13 Vents est la maison des artistes, de tous les artistes.

ALICE ROLLAND

13 Vents
Centre dramatique national 
Montpellier
13vents.fr

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Olivier Saccomano. La vie d’une pièce a plusieurs étapes. Quand les premières représentations ont eu lieu aux 13 vents en octobre 2022, après un long processus de répétitions, étiré par les épidémies, c’était, comme on dit pour les bateaux, la mise à l’eau. À partir de ces premières représentations, un nouveau travail a commencé pour nous, qui s’est poursuivi au fil de la tournée : nous découvrons dans la pièce des recoins inexplorés ou reprenons des zones momentanément laissés en friche. C’est un processus d’apparition, d’enquête. La reprise de la pièce cette saison fait partie de ce processus. Il est important, quand c’est possible, de faire vivre le répertoire : les œuvres et les artistes ont besoin de ce temps de mûrissement et de creusement. Et puis, cette reprise marque à la fois le retour de la pièce sur son lieu de naissance (ou sur le lieu du crime) et le début d’une deuxième saison de tournée. C’est une sorte de seuil symbolique qui est important. 

La pièce a-t-elle beaucoup évolué depuis sa création ? 

Nathalie Garraud. En réalité, le travail ne s’arrête jamais et la pièce vit des métamorphoses successives. On répète tous les après-midis avant de jouer, et dans chaque séance de travail, dans chaque représentation, se jouent des micro-déplacements parce qu’on se met à entendre, à comprendre des choses nouvelles. Alors disons que la structure d’ensemble de la pièce n’a pas changé mais qu’au cœur de son mouvement, des modifications se sont opérées, des gestes se sont précisés ou affirmés, et le mouvement lui-même s’en trouve peut-être approfondi ou amplifié. 

Institut Ophélie a été conçue en diptyque avec Un Hamlet de moins, qu’est-ce que cela dit de votre compréhension du personnage shakespearien d’Ophélie ? 

O. S. C’est d’abord une expérience de théâtre : l’actrice qui jouait Ophélie dans Un Hamlet de moins (Conchita Pas) joue ici une femme qu’on pourrait dire hantée par l’image d’Ophélie, c’est-à-dire par l’image de jeune fille sacrifiée, qui pèse lourdement sur les représentations féminines. Mais notre pièce, de ce point de vue, est une sorte de contre-offensive poétique : Ophélie nous sert de guide pour traverser et subvertir un héritage, et la façon dont il traverse l’histoire, du début du XX^e siècle jusqu’à aujourd’hui. Le nom d’Ophélie parcourt la pièce, mais ce n’est plus le nom d’un rôle ou d’une personne, c’est le nom d’une lutte féminine avec et contre les images qu’une époque institue. Le trajet de cette femme, qui n’est ni fille ni épouse, n’a rien de sacrificiel. Sa solitude conquise, peuplée de fantômes, de spectres, de figurants de l’histoire, de questions, est une solitude joueuse, violente, souveraine.

Entretien réalisé par ALICE ROLLAND

Institut Ophélie
Les 7, 8, 13, 14, 15, 19 et 20 décembre 
Théâtre des 13 Vents, Montpellier 

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MARC VOIRY

A venir
Institut Ophélie
30 et 31 mars
Théâtre du Bois de l’Aune, Aix-en-Provence

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