Une balle dans le pied

Le FID Marseille avait invité le cinéaste israélien, habitant en France, critique sans ambiguïté de la politique nationale et internationale d’Israël, Nadav Lapid. Il devait faire une masterclass à propos de son film, Oui, qui lui a valu les foudres du Gouvernement israélien, qu’il qualifie très clairement de fasciste, et dont il combat la politique colonialiste et génocidaire. 

La commission européenne avait d’ailleurs refusé de financer son projet de film, qu’elle a jugé « antisémite ». Mais cela importe peu : il s’agit pour quelques cinéastes programmés par le FID de boycotter tout le cinéma israélien. Pas de s’en prendre au Crif ou à l’ambassade d’Israël, aux relais médiatiques de la propagande israélienne, aux produits israéliens, aux États qui le soutiennent, mais aux artistes. Censure insensée : le Gouvernement israélien se réjouit du revers de son opposant, à qui cette polémique donne d’ailleurs une visibilité que le FID était loin de lui offrir. 

Quant à ses détracteurs boycotteurs, ils portent la responsabilité de l’escamotage qui s’opère, et détourne les regards des nécessaires sanctions contre l’état génocidaire, au profit de querelles franchouillardes qui crispent les positions dans une binarité délétère. Plus grave, ils désignent des boucs émissaires à la vindicte de celles et ceux qui s’identifient à la juste cause palestinienne. Si l’accusation d’antisémitisme, qui sert d’outil politique contre LFI, est la plupart du temps ridicule et extensible, les actes antisémites réels, les agressions, ne cessent d’augmenter, y compris dans les cours d’écoles.

Censurer la presse

Un autre établissement marseillais pratique la censure, dans un contexte plus anodin, et moins urgent. Il révèle pourtant la même volonté de faire taire les voix discordantes qui militent pour la diversité culturelle et la représentation de toustes. 

L’Opéra de Marseille refuse désormais la venue des journalistes de Zébuline, du moins à ses grosses productions contestables. Il faut dire que celles-ci se permettent d’être critiques de son fonctionnement, même si c’est aujourd’hui le seul opéra de France qui ne programme aucune femme cheffe, aucune compositrice, aucune musique contemporaine ou de création. 

Pas question non plus d’être critique de ses productions dispendieuses, qui ne tournent pas. Ni de remettre en cause ses mises en scène qui n’interrogent jamais les rapports coloniaux, la domination masculine, les préjugés de classe pourtant si présents, et si problématiques, dans les opéras du XIX^e siècle. Qui constituent la quasi-totalité de ce que propose la maison marseillaise.  

Une journaliste émet un doute sur ces représentations problématiques du répertoire et ce refus caricatural de la parité ? L’Opéra de Marseille lui ferme les portes, et préfère inviter les critiques dithyrambiques qui ne parlent que des voix, et jamais de ce qu’elles chantent. 

Les valeurs réactionnaires qu’elles trimballent perpétuent, à grand renfort d’argent public, une culture de classe, patriarcale, dépassée. Qu’il ne s’agit pas de censurer, mais de remettre en cause, en débats, pour qu’elle évolue et se partage. Parce qu’à Zébuline, vraiment, on adore l’opéra… 

AGNÈS FRESCHEL

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S.C.
Du 7 au 16 juin
Opéra de Marseille

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Pénombre

Dans le hall d’entrée, des cordes en nappes sonores, et sur le tapis rouge de l’escalier qui mène à la mezzanine, une silhouette noire, assise. Biro Soumare observe et bouge doucement ses bras, ses mains, le sol, fait mine d’expulser, de repousser, de ramasser. Il descend puis remonte toujours assis quelques marches, se recroqueville, puis va en se redressant jusqu’au premier palier, et continue sa danse sur un texte enregistré en slam, parlant de ses interrogations, doutes et certitudes, sur ce qu’est l’art, « don et malédiction », invitant le public ensuite, tout en continuant sa danse, à le suivre jusqu’en haut des escaliers, sur la mezzanine, plongée dans la pénombre. Trois apprenti·e·s du Ballet national de Marseille vont s’y frayer un couloir de danse au milieu d’un public compact, et proposer, sur une matière musicale électro-rugueuse, une danse en éclats intenses, déséquilibres, soubresauts, corps absorbants de façon synchrone des impacts rythmiques, débordant sans cesse des ronds de lumières des projecteurs.

S’enchainaient ensuite jusqu’à 23 heures une performance sonore de Kmar Douagi artiste et poétesse, puis musicale et lumineuse de Thomas Laigle, artiste sonore et visuel, ainsi qu’un concert de celine chiasera et Nosfera suivi d’un DJ set.

MARC VOIRY

La soirée de performances du Printemps de l’art contemporain à l’Opéra de Marseille a eu lieu le 21 mai.

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Sans attendre quoi que ce soit du travail souvent déroutant de Charles Roubaud, on était cependant loin de se figurer une mise en scène aussi effarante de bêtise. L’ouverture, transposée à la « Rheinbank », où Alberich devient technicien de surface, est le moindre de ses égarements. Car tout s’enchaîne dans un mauvais goût obstiné : Walhalla façon Trump Tower, vidéos monstrueuses puant l’IA, costumes impossibles, perruques blondes pour les Filles du Rhin, rousses pour les Géants, brunes pour les autres. A-t-on seulement considéré l’impensé que ces signes charrient ?

Le livret de Wagner est un champ miné : sexisme, antisémitisme, pulsions de domination, corruption du désir par la propriété. Il y avait là de quoi ouvrir l’espace, produire de la métaphore, installer une atmosphère vénéneuse. Rien. La mise en scène s’abandonne au premier degré, à cette vieille droite réactionnaire qui se rêve populaire parce qu’elle confond accessibilité et avilissement. Samy Camps, en Loge, est même le cas le plus rageant : la scène l’enferme dans une caricature sur-maniérée, quand la voix, elle, a tout du rôle – le nerf, la précision, l’éclat acide.

Le mythe n’est pas un décor

Reste la musique, heureusement. Michele Spotti, moins lyrique et langoureux que dans le Tristan dont il avait récemment sublimé le Prélude et la Liebestod, conduit ici l’Orchestre Philharmonique en très grande forme avec une tension remarquable, claire, tenue, attentive au drame plus qu’à l’effet. Le plateau vocal, largement francophone, tient lui aussi plus qu’honorablement.

Les Filles du Rhin – Amandine Ammirati, Marie Kalinine et Lucie Roche – forment un trio très complémentaire, où les timbres se répondent sans jamais se dissoudre. Élodie Hache en Freia et Marion Lebègue en Fricka sont impeccables, l’une droite et lumineuse, l’autre charpentée, souveraine. Quant à Zoltán Nagy, il impose un Alberich d’une densité superbe, assez mordant pour rappeler que la malice n’a pas besoin d’être grimée pour inquiéter.

SUZANNE CANESSA

L’Or du Rhin a été joué à l’Opéra de Marseille du 5 au 13 mai

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De l’art du contrepoint

Le grand écart ne semble pas si périlleux lorsque retentit la pièce maîtresse : le double concerto pour violon et violoncelle de Brahms, que le chef a fait le pari de ne pas confier à des concertistes extérieurs, mais aux solistes de l’orchestre. Da-Min Kim et Xavier Chatillon ne cherchent pas à briller mais à tisser. Ce goût de la respiration chambriste, d’un dialogue à armes égales entre l’orchestre et les échappées mélodiques a toujours été encouragé par le chef, qui accompagne, soutient, respire avec eux. Il est également cohérent avec l’écriture de Brahms, dont la signature a toujours consisté à conjuguer éclat et intimité. La pâte orchestrale s’allège, les timbres se répondent, et Brahms retrouve une clarté qu’on lui refuse trop souvent

Au retour de l’entracte, on remonte encore un peu plus loin dans le temps, mais toujours avec le même goût du collectif. Beethoven surgit, non comme un monument mais comme une allégorie. L’Eroica n’est pas écrasante : elle est construite, articulée, presque narrée. Après Stravinsky et Brahms, elle apparaît comme une synthèse : énergie, tension, communauté. 

SUZANNE CANESSA

Le concert a été joué le 19 avril à l’auditorium du Pharo dans le cadre de la saison de l’Opéra de Marseille

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 A.-M.T.
18 et 19 avril
L’Odéon, Marseille

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 A.-M.T.
12 avril
Foyer Reyer, Opéra de Marseille

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L’épure de la mise en scène de Louis Désiré – fidèle à ce que Poulenc aurait sans doute souhaité, lui qui s’agaçait qu’on lui reproche, à l’Opéra de Paris, de ne pas avoir mis « des défilés de Sans-Culottes et des Carmagnoles à toutes les scènes » – favorise sans doute cette prise de conscience. Là où un dispositif plus spectaculaire noierait l’essentiel, le dépouillement laisse le drame parler.

Jusqu’à l’échafaud

La tragédie est réelle. Le 17 juillet 1794, seize carmélites de Compiègne montent à l’échafaud, quelques jours à peine avant la chute de Robespierre, ce qui a conduit certains à voir dans leur supplice le signe d’une intervention divine précipitant la fin de la Terreur. L’histoire nous est parvenue grâce à Marie de l’Incarnation, qui échappa à l’exécution.

Au cœur de cet opéra, trois figures dominent. Une Blanche de la Force, hantée par la peur, à la naïveté lumineuse – personnage auquel Poulenc s’est identifié au point de confier : « Blanche, c’est moi » -, incarnée avec une fraîcheur désarmante par Hélène Carpentier. Sœur Constance et sa grâce espiègle, portée par Ana Escudero. Et surtout Madame de Croissy, héroïne de l’une des scènes de doute les plus bouleversantes du répertoire lyrique : cette prieure qui a consacré son existence à la prière, à la discipline et à la certitude, ne rencontre au moment décisif que le vide. Dans son agonie, elle avoue craindre la mort et va jusqu’au blasphème. On notera que Bernanos a rédigé les Dialogues en 1947, alors qu’il était lui-même en phase terminale d’un cancer. Il mit le point final à l’œuvre, s’alita, et mourut le 5 juillet 1948. Dans ce rôle, Lucie Roche – enfant de Marseille – est sublime.

Mais avant l’échafaud, il y a le choix de Blanche d’entrer dans les ordres. Dans le très beau duo entre la jeune femme et son frère le Chevalier de la Force (Léo Vermot-Desroches), une question affleure : serait-elle entrée au couvent pour servir Dieu ou plutôt fuir le lien trouble qui l’unit à ce frère qui la surnomme « petit lièvre » et refuse de la laisser partir ?

La scène finale est un tableau en noir et blanc où ne pointe qu’une touche de rouge : le collier au cou de chacune des martyres. L’une après l’autre, en montant à l’échafaud, elles arrachent l’ornement, résignée, fuyante ou exaltée. Chaque collier claque comme la lame de la guillotine. Le Salve Regina composé par Poulenc s’amenuise à mesure que le chœur se réduit, voix après voix avalées par le silence. Puis Blanche surgit de la foule pour rejoindre ses sœurs, in extremis, dans un élan à la fois désespéré et serein.

On se réjouit que cette œuvre, qui parle si profondément des femmes broyées par l’Histoire, ait été dirigée ce soir-là par une femme : Debora Waldman, devenue en 2020 la première à la tête d’un orchestre national permanent français : celui d’Avignon-Provence.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Spectacle donné le 25 mars à l’Opéra de Marseille.

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Un drame dans l’épure est apparu en premier sur Journal Zebuline.

 S.CA.
Du 25 au 29 mars
Opéra de Marseille

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 A.-M.T.
29 mars (11 h)
Foyer Ernest Reyer, Opéra de Marseille

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