Il imagine pour l’occasion une thérapie menée par une sorte de robot-psychanalyste nommé Enzo Corini (à qui Julien Campani, co-auteur, prête sa voix). Le rendez-vous se déroule en 2058, un futur proche aux contours mal définis, dans lequel de nouvelles technologiques permettent à Macron d’avoir l’air aussi jeune que lors de son premier mandat. 

Ce Macron, incarné par Émilien Diard-Detoeuf qui a avec le président une ressemblance frappante, n’est d’emblée pas très convaincant. On ne retrouve chez ce personnage cartoonesque noyé dans un costume trop grand, ni le ton, ni la geste macronienne, seulement quelques références piquantes à certaines prises de paroles.

Irresponsabilité et victimisation 

Mépris du peuple français, refus de prendre ses responsabilités, impression d’être persécuté… Enzo Corini, dont la méthode flirte avec le sadisme, révèle un à un les vices du président Macron. Il va jusqu’à s’attaquer à sa relation avec Brigitte. Grâce à une technologie inexpliquée (aucune ne l’est dans la pièce), il capte les souvenirs de son patient et l’y replonge de force, rejouant devant nos yeux la naissance de cette histoire sur fond de dissertation sur la sensualité chez Stendhal.

« Brigitte vous a violé » répète Corini, avant de décortiquer les névroses macroniennes qui pourraient être due à de tels abus. C’est l’un des seuls moments où la pièce sort de la caricature, et ose poser des mots nécessaires sur la situation. 

D’autres mots nécessaires seront plus tard prononcés, cette fois par Macron qui admet sous la pression être responsable « des yeux crevés, des vitrines pétées, de la suppression de l’ISF, de la dissolution… » et en somme, de l’état catastrophique de laR épublique. 

Malgré son aspect cathartique, la pièce reste très consensuelle, surtout si l’on prend en compte l’impopularité de l’actuel président. Les sujets polémiques, comme le racisme, la politique internationale ou même l’été des services publics ne sont pas abordés. La psychanalyse supplante toute analyse politique, et remplace des problématiques violentes par des concepts individualisants et nébuleux… ça vous rappelle quelqu’un ? 

CHLOÉ MACAIRE 

@La_Thérapie_d_Emmanuel_Macron a été créé le 3 novembre à Châteauvallon, scène nationale d’Ollioules

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Objet de collection, volontiers considéré comme kitsch ou ringard, la boule à neige a une histoire bien plus complexe et intéressante qu’il n’y paraît, et qui aurait commencé lors de l’Exposition Universelle de Paris en 1878. Sur scène, entourés par le public, El Khatib et Boucheron retracent plus de 130 ans d’usages divers et variés, à partir desquels ils explorent, les raisons de la fascination de certains et le rejets d’autres pour ces microcosmes enneigés. 

La Peste de retour

Patrick Boucheron profite également de son passage à Scènes et Ciné pour donner une conférence plus classique autour de Peste noire, son dernier ouvrage en date, qui comme le nom l’indique s’intéresse à l’épidémie qui a fait environ 25 millions de morts en Europe entre 1347 et 1352. 

Plus que la maladie en elle-même, Boucheron se penche surtout aux réactions face à cette pandémie dévastatrice, et à ce que cette crise révèle du fonctionnement du pouvoir à l’époque, ses failles, et finalement de l’organisation des sociétés européennes du Moyen Âge tardif en général. 

Cette rencontre, qui aura lieu le samedi 14 novembre à la médiathèque René Char de Istres, fera la part belle à la place spécifique de la Provence dans l’épidémie de la peste noire, et l’impact de celle-ci sur notre région et ses habitant·es. 

CHLOÉ MACAIRE 

Boule à neige
Du 13 au 15 novembre 
Théâtre La Colonne, Miramas

Peste noire 
14 novembre 
Médiathèque René Char, Istres

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Le mythe de l’universel

Ce tableau est violent, captivant, et surtout plein d’empathie pour ces mères mues par le désespoir. Mais il est aussi encombré. Louise Vignaud cherche à toucher du doigt l’universel de son sujet en mobilisant le mythe de Médée, mais c’est finalement ce qui l’en éloigne. Les détails mythologiques contenus dans les vers d’Euripide, ici affranchis de leur contexte originel, noient peu à peu le sujet. L’exil, la trahison à sa patrie, occupent une place particulièrement importante, entraînant même un basculement en langue arabe. Un parti pris esthétiquement saisissant pour illustrer tout ce que Médée a sacrifié à son mariage et à sa maternité, mais qui éloigne encore un peu plus la narration de son sujet. Et surtout, des violences vécues par les milliers de mères représentées par cette anonyme dont on ne saura jamais si elle passera à l’acte.

CHLOÉ MACAIRE

Médée/s
Jusqu’au 14 novembre
Théâtre des Bernardines, Marseille

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L’évènement commence samedi après-midi avec une visite de la Venise Provençale en compagnie du comédien sourd Grégory Pagès, et se poursuivra à la MJC de Martigues avec une sortie de résidence de la cie Osez ! Vous. Dans Une Vraie Femme, comme dans son spectacle précédent, la jeune compagnie toulousaine interroge les conventions du genre féminin. Le spectacle sera suivi d’une rencontre avec les artistes autour d’un repas convivial, et de l’ouverture d’une exposition célébrant 10 ans d’engagement du collectif MJC signe.

Fin novembre

Le festival reprendra deux semaines plus tard, le 20 novembre, au Centre d’art Fernand Léger de Port-de-Bouc, avec le vernissage d’une exposition de l’artiste pluridisciplinaire Marine Comte qui travaille sur la notion de perception de son point de vue de personne sourde. L’exposition sera visible pendant deux semaines, et une visite en LSF sera donnée en présence de l’artiste le 28 novembre. Le Centre d’art accueillera également une conférence en LSF du comédien Olivier Schetrit sur l’art sourd, sa visibilisation progressive et ce qu’il permet en terme de création contemporaine le 23 novembre.

Retour à Martigues pour les deux derniers spectacles du festival. Le vendredi 27 novembre, le site Picasso accueille un concert chansigne de jazz avec l’Airelle Besson Trio et la chansigneuse Clémence Colin. Le lendemain soir, la clôture du festival aura lieu avec un spectacle de l’International Visual Theatre (IVT, centre culturel dédié à la culture en LSF à Paris) intitulé Tellement sympa, et qui aborde la question des violences faites aux femmes dans la communauté sourde.

CHLOÉ MACAIRE

En Signe !
Du 7 au 28 novembre
Divers lieux Martigues et Port-de-Bouc

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Nicolas Arancibia. La Compagnie Vol Plané avait envie de travailler sur la rencontre intergénérationnelle, dans la continuité de ses expériences avec L’Échappée Belle [le théâtre-école marseillais à destination des jeunes, ndlr]. Ils ont fait appel à nous quatre, avec Mathilde Marsan, Emma Paris et Malo Moati qui sommes d’anciens élèves du Conservatoire de Liège, avec l’idée de nous réunir autour d’un classique. 

On a fait une semaine de laboratoire, à l’issue de laquelle on a décidé de travailler sur La Mouette, qui rentrait bien en résonance avec des préoccupations qui étaient les nôtres, et on a décidé de mettre en œuvre cette rencontre intergénérationnelle dans le processus de création aussi. Ça s’est décidé très vite, et c’était très important pour nous. Chaque poste à responsabilité est donc partagé entre une personne jeune de l’équipe belge, et une moins jeune de l’équipe marseillaise.

Qu’est-ce qui différencie Jouer La Mouette de la pièce d’origine ? 

On suit le fil dramaturgique de La Mouette, et à mesure qu’il se déroule devant nos yeux, on assiste à la fabrique du spectacle. Et puis, par moment, on entre dans la tête d’un ou d’une acteur·ice, pour découvrir comment la pièce résonne pour lui ou elle, par rapport à ses préoccupation, sa place dans le monde… Ces métalepses, comme on les appelle, viennent prolonger la pièce, la contredire, la questionner. 

Il ne s’agit donc pas seulement de créer un miroir à La Mouette ? 

Il y a des effets miroirs, forcément, mais on essaie ne pas être dans le pléonasme, au risque de juste répéter les mêmes choses avec des mots moins bien choisis que ceux de Tchekhov. D’autant que ce qui est dans la pièce de Tcheckhov résonne encore très fort aujourd’hui, il n’y a pas besoin de trop en rajouter avec ça. Les métalepses ouvrent aussi sur d’autres préoccupations comme l’appel à la liberté. Je pense notamment aux rôles féminins, qui sont très émancipés pour l’époque. Il y a par exemple des moments où l’actrice qui joue Arkadina parle de sa place en tant que femme dans la société, de son rapport au théâtre, ou des constructions sociales autour de l’amour… Ça dépasse complètement le conflit générationnel, mais ce sont des sujets qui sont déjà contenu dans La Mouette.

Quel a été le processus d’écriture de ces entrées de texte original ? 

On a fait beaucoup d’improvisations autour de la notion de collectif, de son fonctionnement, des crises qu’il peut y avoir et comment on réussit à en sortir. Et pour les métalepses dans lesquels on plonge dans la perception d’un personnage, ce sont des écritures personnelles des acteurs et des actrices qu’on leur a commandées. Mais ces moments de fabrique du spectacle ne se limitent pas qu’au texte, ils passent aussi par des musiques, des chansons, et par notre rapport à l’espace.

Comment le dispositif scénique prolonge-t-il ces thématiques ? 

Parmi les sujets contenus dans La Mouette, il y a le basculement d’une époque à une autre, la fin d’un monde et le commencement d’un nouveau, dont les contours ne sont pas bien définis, avec des personnages qui aspirent à d’autres possibles. Très concrètement, on le traite par l’effondrement, c’est-à-dire que petit à petit le décor s’écroule, et le collectif doit essayer de tenir la pièce malgré cette catastrophe. Cela parle aussi de la nécessité de faire commun pour pouvoir continuer à vivre et à imaginer d’autres possibles ensemble. 

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR CHLOÉ MACAIRE

Jouer La Mouette 
Création le 9 novembre 
Théâtre Joliette, Marseille 

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Des planches de BD sans dialogue sont projetées sur un écran, Berberian comble les bulles, ajoute du contexte ou des anecdotes à l’envie. Il raconte son amour des bandes dessinées, son admiration pour son grand frère Alain et sa relation privilégiée avec sa grand-mère chez laquelle il vit, et dans le lit de laquelle il se réfugie les nuits d’orage : « Si tu entends la foudre, c’est qu’elle ne t’ait pas tombé dessus. » Une phrase qu’elle lui répète plus tard, pendant la guerre, quand les coups de feu l’empêchaient de dormir.

Un récit décousu 

Son récit se construit à travers des allers-retours dans le temps et est augmenté, par rapport à la version publiée, de photographie, cartes postales, documents d’identité. Il nous plonge dans son processus créatif avec des dessins de Beyrouth réalisés lors de voyages. Une multitude de fils intéressants, mais que Berberian, manifestement peu à l’aise dans l’exercice, ne déroule jamais jusqu’au bout. 

L’ensemble, décousu, gagne en substance pendant les interludes musicaux où il dessine. Sur l’écran au dessus de la scène, les planches de bande dessinée laissent alors la place aux images qu’il crée. En quelques traits affirmés il fait apparaître un immeuble, un visage, un homme qui marche. L’encre et l’aquarelle se mélangent au rythme de la guitare électrique – dont Haber joue parfois à l’archer – et des chansons en arabe ou en arménien. Des moments de convergence artistique qui sont sans conteste les plus beaux du spectacle.

CHLOÉ MACAIRE

Une Éducation Orientale a été donné le 29 novembre au Mucem, Marseille.

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Ce 3 novembre, en plein mouvement social, Léo Cohen-Paperman crée

@La_Thérapie_d_Emmanuel_Macron à la Scène nationale de Toulon. Il décrit cette cinquième pièce de la série comme une comédie psychanalytique et science-fictionnelle. Il y imagine la psychanalyse de notre actuel président, dans un futur proche dans lequel l’intelligence artificielle à révolutionner ce type de thérapie. 

Guérir de quoi ? 

La pièce se déroule en 2058, un futur dans lequel Emmanuel Macron continue de s’accrocher au pouvoir : en 2032, il a été réélu président de la République et a effectué deux mandats de plus. Et à 79 ans, il entend se présenter une cinquième fois. Léo Cohen-Paperman imagine donc les événements de cette décennie supplémentaire de macronisme, qui viennent se mêler dans sa thérapie à ceux bien réels, tels que la pandémie du Covid-19 ou le mouvement des Gilets Jaunes, ou encore sa relation avec Brigitte (psychanalyse oblige, l’intime n’est pas mis de côté). 

À travers le dialogue qui s’installe avec la thérapeute, l’auteur cherche à décrypter l’impact de la politique macroniste sur la société française, la relation de Macron aux Français·es, et vice-versa. Cohen-Paperman brouille volontairement, progressivement, la relation soignante-patient : qui des deux doit vraiment être soigné, se demande-t-il dans sa note d’intention, et « Qui doit être guéri de qui ? ». Une création on ne peut plus d’actualité. 

CHLOÉ MACAIRE 

@La_Thérapie_d_Emmanuel_Macron 
Du 3 au 9 novembre 
Le Liberté, Scène nationale de Toulon

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Louise Vignaud. Non. On ne sait pas si elle va le commettre, si elle l’a commis… En fait, la pièce pose la question de la possibilité, cette possibilité qui existe quand on va mal.

Pourquoi explorer cette possibilité ? 

Je dirais que la pièce porte sur la manière dont on regarde les choses. Les mères qui commettent des infanticides sont qualifiées de monstres ou de sorcières, mais je trouve nécessaire, et poétiquement passionnant aussi, d’essayer de comprendre ce qui s’est passé humainement pour en arriver là.

Le projet est né de deux sources d’inspiration. La Médée d’Euripide, la première version de la tragédie qui est assez incroyable dans ce qu’elle raconte de la souffrance de cette femme pour en arriver là. Et le documentaire de Sophia Fischer, Mères à perpétuité [qui donne la parole à des proches de mères qui ont tué leurs enfants, ndlr], à propos duquel elle dit « quand il y a un crash d’avion, on regarde dans la boîte noire ce qui s’est passé. » La même question se pose pour l’infanticide, d’un point de vue sociétal, on s’empare de la boîte noire, de ce qui s’est passé avant, de la dépression, de ces choses-là, pour comprendre. C’est cet endroit qu’on a cherché.

Comment décririez-vous votre approche du sujet ?

Ce n’est ni une approche documentaire, ni sociologique ou politique. Mon endroit, au plateau, c’est une résistance esthétique et poétique au monde. La poésie au sens large permet d’aller au fond des âmes, dans des chemins tortueux, au-delà de la difficulté de nommer ou de formuler certaines choses. C’est par là que j’ai abordé le sujet. 

Quel a été votre processus d’écriture ? 

J’ai repris l’essentiel des grandes tirades de Médée, dans lesquelles elle exprime ce qu’elle ressent. Je les ai retravaillées, retraduites, pour que ça entre en dialogue avec la langue contemporaine que je travaillais à côté. Et puis je me suis inspirée du documentaire pour plonger dans ce chaos, et essayé de mettre des mots dessus.

Le dispositif mêle de la musique et du dessin au texte. Pour ce choix multidisciplinaire ? 

Je travaille avec une scénographe qui fait vraiment de très beaux dessins, Irène Vignaud, et une créatrice sonore, Orane Duclos, qui est aussi violoncelliste et compositrice. Je trouvais intéressant pour ce sujet-là de rassembler des visions d’interprètes, de femmes, pour en parler chacune avec nos biais. Moi avec l’écriture et la mise en scène, Orane avec le violoncelle, Irène avec le dessin, Rachida [Brakni] avec le jeu…

La pièce est donc le fruit d’un travail collaboratif. 

J’ai donné la direction par l’écriture, mais on a ensuite travaillé collectivement. Il y a des projets plus ou moins construits, et d’autres qui apparaissent comme ça, comme un surgissement, et celui-ci en fait partie. C’est un projet très instinctif.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR CHLOÉ MACAIRE

Médée/s 
Du 3 au 14 novembre
Théâtre des Bernardines, Marseille 

L’article « Médée·s » de Louise Vignaud : la boîte noire d’un infanticide  est apparu en premier sur Journal Zebuline.

L’action se déroule le temps d’un dimanche pluvieux. Assis sur un canapé blanc, un couple n’a pas grand chose à se dire. Marie (Bérengère Warluzel), l’épouse, essaie de combler le vide par un flot de paroles rapides. Son début n’est interrompu que par les claquements du briquet cassé de son mari. Elle enchaîne les commentaires passifs agressifs, menace à moitié de divorcer, s’inquiète pour leur fille qui sort trop et se drogue sans doute, déblatère sur l’émission de radio qu’elle doit présenter cette semaine. Eric (Charles Berling), las, ne répond que vaguement.

Dans cette première conversation, comme dans la plupart de celles qui vont suivre, Marie est le seul moteur, la seule à essayer de maintenir les liens familiaux. Comme elle le dit elle-même, elle veut que « quelqu’un ait besoin d’elle » et ce n’est plus le cas de son mari ni de ses enfants, qui rejettent son affection.

Tourner en rond

La tension, omniprésente, arrive à son paroxysme, lorsque Anne (Louise Arcangioli), sa fille toxicomane de 19 ans, entre en scène. Elle est acariâtre, agressive, mais les reproches qu’elle adresse à sa mère sont légitimes. Celle-ci l’a notamment forcé à avorter d’un enfant qu’elle voulait, et a toujours déléguer la santé mentale de sa fille à des psy au lieu de l’écouter. L’empathie ressenti pour la mère jusqu’alors s’estompe, et on épouse la colère de la fille.

De scène en scène, chaque conversation ou engueulade vient éclairer la précédente d’un nouveau  point de vue. Les dynamiques familiales se précisent ainsi, d’un dialogue de sourds à l’autre. Dans le jeu tout en retenu des comédien·nes, qui d’un coup partent dans une colère violente ou en sanglot, on devine que toutes ces conversations ont déjà été tenues, sans que jamais cela ne viennent à bout des tensions.

L’ambiance est étouffante. La voix de Marie, le bruit de la pluie, de la télévision, des portes saturent l’espace sonore. Et la proximité d’une partie du public, installée sur scène dans des fauteuils blancs au plus près des comédien·nes, renforce l’impression d’enfermement.

Cette famille est dans l’impasse, et c’est là tout le propos… et le problème. Car s’il n’y a pas d’issu, pas d’espoir, à quoi s’accrocher ? Formellement, la pièce est une réussite, mais elle décrit une situation stagnante, donc la narration stagne elle-même, au risque de perdre l’intérêt des spectateur·ices.

CHLOÉ MACAIRE

Lost and Found a été créé le 7 octobre au Liberté, scène nationale de Toulon, et est donnée jusqu’au 18 octobre.

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Zébuline. Dans Un moment suspendu, que vous créez le 16 octobre à La Criée, vos personnages se rencontrent autour d’un sport peu connu, le korfball.

Pauline Sales. Je n’avais pas envie que les personnages se connaissent au préalable, et je souhaitais qu’ils se réunissent autour d’une activité. J’ai d’abord pensé à la cuisine, mais en ce moment beaucoup de choses sont faites là-dessus, alors j’ai cherché sur Internet un sport qui réunisse des femmes et des hommes.

C’est comme ça que j’ai découvert le korfball. C’est un sport mixte et paritaire inventé en 1902 par un instituteur néerlandais qui travaillait avec des pré-adolescents en difficulté. Dans une équipe de korfball, il n’y a pas de place attitrée, tout le monde joue en attaque et en défense, et il n’y a pas de contact physique. J’ai beaucoup apprécié les valeurs de ce sport, et je me suis dit qu’on pouvait parler de plein de choses au travers de ce sport.

Pourquoi avoir choisi de situer l’action dans un centre social, avec des personnages qui viennent d’arriver à Marseille ?

Cette pièce est une commande de La Criée, qui va se jouer dans deux formes, une spectaculaire et l’autre plus petite, qui sera jouée notamment dans des centres sociaux. Quand j’ai accepté cette commande, La Criée m’a proposé de rencontrer des travailleurs sociaux qui suivait alors une formation de médiation culturelle. L’idée n’était pas du tout de partir de leurs témoignages pour écrire une pièce, mais plutôt de leur demander ce qu’ils attendaient d’un spectacle accueilli dans leurs centres sociaux. Ils m’ont dit qu’ils avaient envie d’une forme pas trop longue, dans laquelle il y ait de l’humour, et qui parle de la jeunesse de manière plutôt positive.

Et puis, j’ai senti que Marseille, c’était un lieu incontournable pour eux. Plus qu’une ville, une identité très forte. N’étant pas marseillaise, je ne m’en rendais pas compte à ce point-là, et je ne peux pas en parler de l’intérieur. C’est pour ça que j’ai décidé que tous ces jeunes venaient de s’installer à Marseille, qu’ils découvraient la ville.

L’idée de situer l’action dans un centre social est donc venue après les discussions ?

Je me suis dit, quitte à jouer dans des petites salles et des centres sociaux, autant assumer. Au moins, quand on jouera dans un centre social, on n’aura pas de problèmes de scénographie. Et puis, ce sont des lieux auxquels on ne pense pas vraiment théâtralement, alors qu’il s’y passe beaucoup de choses. Des aventures humaines commencent dans ces lieux-là. Ça peut paraître anodin comme ça, mais ça peut être très important pour les individus.

C’est justement une aventure humaine, plus qu’un sport, qui est au cœur de la pièce.

Exactement. À travers ce sport, ils vont apprendre à se connaître, à pouvoir compter les uns sur les autres, à être une équipe dans la vie, autant qu’une petite équipe de korfball. À un moment donné, leur entraîneuse disparaît, elle arrête de venir du jour au lendemain. Ils ne savent pas comment reprendre contact avec elle, et ils se rendent compte qu’ils ne savaient rien d’elle. Elle est mère célibataire, comme beaucoup dans le public des centres sociaux. La pièce parle donc aussi de la précarité, et d’élever un enfant seule.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR CHLOÉ MACAIRE

Un moment suspendu
16 et 17 octobre
Théâtre Antoine Vitez, Aix-en-Provence
Programmation hors-les-murs de La Criée

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