Au programme 

Le 15 juillet, tout commence par le funk explosif de Scary Pockets, fondé par Jack Conte, aux claviers, et son comparse Ryan Lerman, à la guitare. Le 16, place à Cory Henry, plus connu en tant qu’organiste des Snarky Puppy, pour un solo chant-piano inspiré. Le 17, impossible de rater le chanteur et saxophoniste Thomas de Porquery, lequel a décider pour l’occasion d’inviter la chanteuse à la voix subtilement harmonique Camélia Jordana à enflammer la scène avec lui. Le 18 juillet, Black Lives promet un grand moment de partage autour d’influences musicales venues des États-Unis, des Caraïbes et d’Afrique. Un désir de collectif également porté par les six musiciens de Sixun, le 19 juillet, référence de la fusion européenne dans les années 1980-90, mêlant habilement mélodies et rythmes afro-jazz-funk. Autre groupe mythique : FFF, le 20 juillet, pour une fusion entre rock et funk, de quoi nous faire chalouper toute la soirée. Ce festival vibrant de jazz se termine le 21 juillet, avec le charismatique chanteur et guitariste Chris Isaak, crooner rock par excellence. En première partie : la Montpelliéraine Justine Blue, dont la voix fait résonner avec fraîcheur soul, jazz, blues et pop. Déjà une grande. 

ALICE ROLLAND

Jazz à Sète
Du 15 au 21 juillet 
Théâtre de la Mer, Sète
Programmation hors les murs jusqu’au 4 septembre

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À vous de choisir si vous une escapade au jardin méditerranéen de Montbazin (le 16 juillet) portée par la fusion arabo-andalouse-électro de Rabie Houti Band ou une parenthèse hors du temps à la fabuleuse abbaye de Valmagne pour se perdre dans un dialogue sans fin entre la kora virtuose de Ballaké Sissoko et le violoncelle sensible de Vincent Ségal (le 17 juillet). La fête continue sur le port de Mèze, lors de quatre soirées à partager sans modération. Au programme : le groove teinté de blues de la pétillante Selah Sue (le 19 juillet), le blufunk dansant de l’inimitable Keziah Jones (le 20 juillet), l’énergie transcendante du showman Faada Freddy (le 20 juillet), ou encore le rock flamenco enflammé du mythique duo de guitaristes Rodrigo y Gabriela (le 21 juillet). Sans oublier deux coups de cœur programmés le même soir (le 18 juillet) : Maya Kamaty, belle découverte évoluant entre rap créole, percussions traditionnelles et rythmique électro et Yamê, révélation masculine des Victoires de la musique 2024. Une voix librement imprégnée de jazz, de soul et de rap. À découvrir.

Fakear et l’engagement citoyen

Festival associatif et indépendant depuis sa création en 1991, le Festival de Thau affiche haut et fort son engagement éco-responsable précurseur, lequel fait partie intégrante d’un projet artistique au service d’une vision durable permettant de préserver une lagune méditerranéenne fragile tout en favorisant la réflexion. C’est pourquoi Fakear, musicien électro mondialement connu pour ses morceaux planants et son engagement écologique, propose un DJ set à l’heure de l’apéro (le 20 juillet).Avant d’échanger en live sur son engagement citoyen dans la lutte contre le réchauffement climatique avec Clémence Meunier, journaliste indépendante et présidente de l’association « Music declares emergency France ». Au Festival de Thau, l’engagement est plus qu’un principe. C’est une signature.

ALICE ROLLAND

Festival de Thau 
Du 10 au 21 juillet
Mèze et sur la lagune de Thau 

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Traces et espaces

Ninon Hivert s’intéresse aux rituels célébrant l’amitié, entre sculptures et photographies, comme des indices que l’on essaierait d’interpréter et de remettre en contexte. Konstantinos Kyriakopoulos et Frank Zitzmann ont créé en duo créatif amical une architecture-mobilier qui, malgré sa froideur, apparaît comme une invitation à la rencontre. Flo*Souad Benaddi et Luna Petit ont eux choisi de mettre en lumière de manière ludique les traces de la solidarité (dessin, écriture) sur différents supports, dont la surface vitrée de la galerie. Morgane Baker utilise l’IA et un casque de VR pour s’amuser de l’amitié virtuelle à l’ère du métavers alors que Noémie Erb et Guillaume Tourscher déclinent une identité graphique thématisée. 

Gossip girl

Quant à Céleste Moneger, elle présente un court-métrage intitulé Toujours pas New-York. C’est le récit vidéo, en plusieurs chapitres, d’amitiés féminines nourries par la pop culture, notamment les séries pour ados, Gossip girl en tête, mais aussi la musique et les mangas. Exclusives et fusionnelles, ces relations amicales s’avèrent dévastatrices quand elles s’achèvent, souvent brutalement. Et bourrées de stéréotypes, survalorisant la société de consommation comme lieu d’épanouissement féminin. 

ALICE ROLLAND

Amiex
Jusqu’au 14 septembre
Mécènes du Sud, Montpellier

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Sororité

Nazanin Pouyandeh aime se jouer des interprétations que pourrait faire le spectateur de son travail. Elle se permet des clins d’oeil au Facteur Cheval, à la peinture du Moyen-Âge, à Léonard de Vinci. Un processus intensément ludique est présent à la genèse de chaque toile : l’artiste fait poser ses amies dans son atelier avant de les mettre en scène. Trace indélébile d’une sororité bienveillante, héritage d’une culture perse où les femmes partagent tout à défaut de voir leur droit à l’équité respecté. D’ailleurs, l’Iran est omniprésent, ne serait-ce à travers les couleurs très vives des peintures. La guerre est un autre sujet intime impossible, à évincer. Il faut dire que Nazanin Pouyandeh est arrivée en France à 18 ans, un an après l’assassinat de son père. 

Peinture sacralisée

Parfois, elle s’autorise à prendre la pose. C’est le cas dans cet Autoportrait au masque et au miroir où le regard se perd. Bien que l’artiste n’aime pas beaucoup parler de ce que l’on voit, elle nous offre un généreux dialogue plastique et sensoriel. Sensuel aussi, avec des corps féminins qui se mettent à nu, non pas pour choquer, plutôt pour se révéler. À l’occasion de cette exposition, l’artiste a dessiné à l’encre de Chine une gigantesque femme pharaon sur le mur immaculé de la galerie. On pourrait y voir une représentation symbolique de la peinture sacralisée, fil conducteur de son travail. Le lieu de tous les combats. Et de toutes les femmes. Regardez-bien. De dos, sur plusieurs tableaux, une femme peint. Libre.

ALICE ROLLAND

Jusqu’au 9 novembre 
Fondation GGL, Hôtel Richer de Belleval, Montpellier 

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Strates mélodiques

Les corps s’enflamment tandis que leur futur part en cendres. Aziz, pris en tenailles entre son amour pour Shirin et son désir de contrôle de sa sœur, les filme en secret. Ce qui va les conduire à leur perte. Depuis le début, Aziz filme tout, c’est une obsession. Pour documenter, témoigner, à défaut de changer les choses. Ce parti-pris audacieux fait de ce théâtre musical, oscillant entre fiction et documentaire, un spectacle en mouvement qui se regarde sur la scène comme sur de grands écrans où se mêlent des images filmées en live et des scènes enregistrées. Le tout dans un clair-obscur qui suggère les émotions et flatte les corps. Dans cet imaginaire cinématographique affiché, la musique de Keyvan Chemirani se fait bande originale aux multiples strates mélodiques, entre orient et occident, grâce à des voix sensibles aux riches tessitures et un bel équilibre entre instruments classiques et traditionnels. Il n’en fallait pas moins pour faire revivre la beauté d’un monde perdu. Celui de l’exil. Et des amours mortes. 

ALICE ROLLAND

Negar a été présenté à l’Opéra Comédie les 5,6, 9 et 10 avril, une programmation de l’Opéra Orchestre National Montpellier

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Caligula au féminin

La pièce de Sara Stridsberg est librement inspirée de la vie sulfureuse du mythique « roi » Christine de Suède qui régna de 1632 à 1654. De manière aussi intelligente que poétique, l’auteure suédoise nous donne à voir l’introspection d’une femme qui en prenant le titre de roi ne fait que perpétuer les stéréotypes d’une société patriarcale sans pitié. La mise en scène très réussie de Christophe Rauck renforce la sensation que cette reine d’un autre genre est prise au piège de son propre jeu. Car jamais elle n’en maîtrise les règles. Pas plus que ses pulsions qui la transforment peu à peu en Caligula au féminin, tenté de sombrer dans une folie morbide par idéalisme. Face à elle : un amoureux transi, une amante malmenée, un conseiller qui tient les comptes, une mère devenue folle à force de mépris, un père fantôme… Et un philosophe qui pose les bonnes questions l’air de rien, l’entraînant malgré elle dans une maïeutique socratique salvatrice. Les douleurs traversées finissent par la faire accoucher de son propre destin. Parfois, combattre c’est renoncer. 

ALICE ROLLAND

Dissection d'une chute de neige a été présenté du 3 au 5 avril au Domaine d’O, Montpellier

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Une fable déconnectée, féministe et décroissante

De toute évidence, Marion Aubert, autrice et comédienne de ce texte, et Marion Guerrero, la metteuse en scène, se sont amusées à créer cette fable déconnectée, féministe et décroissante qui frôle parfois avec le grotesque comme avec le mythologique. Alors oui, il faut parfois grossir les traits pour saisir l’essentiel, rire fort pour sourire un peu, se jeter à l’eau pour se sentir vivre. Les femmes qui arrivent ici sont vieilles ou moins vieilles, parfois fêtardes, ou méditatives, ou randonneuses… Peu importe. Ce sont des femmes. Quoique… Henriette la Gardoise ne semble pas bien les distinguer de ses vaches. Après tout, elles aussi ont leurs secrets et leurs blessures. Pour Marie, il arrive ce qu’il arrive aux autres : la mue. Ce moment où on enlève les couches qui nous pèsent pour révéler ce qui se cache en dessous, où au lieu de voguer en surface sur les eaux limpides des Cévennes, on choisit de sauter dans la cascade, se laisser attirer par les profondeurs, prendre le risque de se noyer. Alors seulement, le laisser-aller commence. Dans une transe étrange portée par sept comédiennes survoltées, Marie s’ensauvage, se laisse gagner par ses pulsions, vit l’extase de la nature. À travers les couleurs brutes des « Gogoles », elle se libère d’un traumatisme qui n’est pas jamais clairement nommé sans pour autant nier son existence. Contre toute attente, Marie se retrouve et sort de cette bulle salvatrice visiblement changée. Sûrement plus elle-même que jamais. 

ALICE ROLLAND

Mues par la Cie Tire pas la nappe a été présenté le 13 mars au Théâtre des 13 vents, Montpellier

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Raconter l’irracontable

Vient le cœur même de l’exposition. Plus exactement cinq accrochages très différents, récit choral en cinq chapitres du rapport à l’art contemporain d’écrivains eux aussi contemporain.e.s. Chacun.e avec sa perception de l’art comme de la littérature, son style singulier, sa sensibilité, sa façon de raconter et ses obsessions. Daniel Rondeau, membre de l’Académie française, a choisi de faire découvrir l’oeuvre narrative du peintre espagnol Eduardo Arroyo, Maryline Desbiolles se penche sur le compagnonnage artistique qu’elle mène avec l’artiste Bernard Pagès, Christine Angot demande à l’architecte Patrick Bouchain de recréer un dressing où elle pourrait continuer à raconter l’irracontable. Pour ce qui est de Jakuta Alikavazovic, il est plutôt question de rêverie dans un temps suspendu hors de pensée, tandis qu’avec Jean-Baptiste Del Amo, qui fut un temps montpelliérain, notamment lors de l’attribution du Goncourt du premier roman à Une éducation libertine en 2009, il est question de la façon dont l’art nourrit une écriture dans laquelle le corps, souvent malmené, joue un rôle central. Ainsi, l’écrivain a choisi de parler de ses dernières recherches sur le corps… mort. Les photographies de cadavres d’Andres Serrano prises dans une morgue à New-York dans les années 90, les années Sida, nous laissent sans mots. 

ALICE ROLLAND

Entre les lignes, art et littérature
Jusqu’au 19 mai
MO.CO, Montpellier
moco.art

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Tout serait donc sans surprise ? Au contraire. Il faut compter sur Roméo Castellucci, son art théâtral, total et sans compromis, qui le fait parcourir le monde, chambouler son public, marquer les esprits. Pour ceux qui voulaient du Racine au mot près, c’est perdu d’avance. Puristes, passez votre chemin. 

Œuvre monstrueuse

C’est la Bérénice de Castelluci « d’après Racine » que l’on découvre sur scène dans un décor aussi sombre que minimaliste. Bérénice, ou plutôt Isabelle Huppert, apparition en somptueuse robe Iris Van Herpen au plissé antique fantasmé, un diadème posé sur sa chevelure feu, à la fois actrice et reine, comédienne et personnage. 

Sa voix n’est pas celle que l’on attend. Elle est froide, mécanique, pleine d’écho, tunée comme celle d’un mauvais rappeur, temporairement désagréable. Les mots du poème tragique de Racine, oeuvre monstrueuse de 1506 alexandrins, ont été réduits aux répliques de Bérénice, et quelques phrases qui s’affichent en arrière-plan, dont on ne nous dit pas exactement à qui les attribuer, sans doute Titus, peut-être un autre. Peu importe. Ce que dit cette femme sur le point d’être abandonnée n’est pas ce qu’ils ressassent en boucle. Elle dit plus, bien plus. Quand le coeur est traumatisé, les mots prennent corps à défaut de prendre Racine, deviennent vibrations, tremblements d’âme. 

Dans les abysses du malheur

Entourée de personnages masculins fantasmagoriques et silencieux, cette femme dont on ne sait plus si elle est Bérénice ou Isabelle, use d’une langue abstraite pour tenter de parler d’amour contrarié, de fatalité incohérente, de ce que nous faisons et de ce que nous laissons faire. La tragédie devient hérétique et le langage se met à nu. Sommes-nous face à une femme blessée, dans son corps, dans sa tête ? 

Musical, sonore, déroutant, le son de Scott Gibbons entraîne dans les abysses du malheur, entre révolte, colère et chagrin. Tentée par le désespoir à n’en pas trouver les mots, Isabelle Huppert ressurgit avec rage, secoue le spectateur jusqu’à lui donner la chair de poule….

Reste cette émotion intense, ce frisson dramatique incontrôlable et cathartique que le metteur en scène italien a manigancé pour nous dès le début, usant d’inconfort visuel et auditif pour nous ensevelir sous les couches multiples d’un théâtre plastique et sonore. Les applaudissements sont timides, ceux qui sont venus voir Racine sont déçus et le font entendre, ceux qui sont venus voir Castelluci et Huppert sont ravis. Isabelle, elle, est majestueuse, belle comme une déesse des profondeurs. 

ALICE ROLLAND

Bérénice a été créé au Domaine d’O, Montpellier, du 23 au 25 février
Une production de la Cité européenne du théâtre, du Domaine d’O et de la Societas Romeo Castellucci 

À venir
Théâtre de la Ville de Paris
du 5 au 28 mars

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Fantôme du passé

Étonnant Tunnel sonore, dessiné en 1966 mais réalisé pour la première fois lors de cette exposition. Soit une succession de cadres de métal qui se transforme en instrument géant quand un personnage revêtu d’un costume d’écailles le parcourt. Le corps est souvent invisibilisé, comme dans l’installation Presenza/Assenza datée de 2020, où l’artiste laisse en creux les traces de sa présence, fantôme du passé comme de la création achevée. Dans une autre salle, une architecture de raphia sature nos sens d’un paysage inattendu aux senteurs exotiques. Un peu plus loin, des manteaux se transforment en chaises et des chaises se portent sur le dos pour se faire nomades et affirmer leur présence dans l’espace public avec une certaine radicalité. La dernière salle est celle qui nous emmène le plus loin. Paper est uneinstallation créée pour la première fois en 1971 à Minneapolis : un monde de bandelettes blanches de papier qu’il faut défricher pour avancer, faire naître l’architecture qui construit l’espace tout en la détruisant, permettre au visiteur d’agir sur son environnement de manière consciente. Une invitation à inventer un autre langage où le corps a toute sa place. 

ALICE ROLLAND

Anarchitecture
Jusqu’au 1er septembre
CRAC Occitanie, Sète 

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