Ce qui se déroule sur le plateau, ce sont plusieurs histoires en une seule. Celle de la famille de Nevché d’abord et de son arrière-grand-père Loghofète, orfèvre arménien arrivé le 15 octobre 1923 au service sanitaire de quarantaine de Marseille, puis au camp Oddo, avec sa femme Satenik et leurs cinq enfants, dont le grand-père de l’artiste. De ce prénom, l’artiste n’a jamais retrouvé la moindre trace ailleurs. Personne d’autre ne l’a porté. Comment en retrouver l’origine ? 

En avril 2025 Nevché rencontre, à l’initiative de l’Institut français et de la Bibliothèque Orientale de Beyrouth, Diala Lteif, urbaniste et historienne à Cambridge. Ensemble, ils vont imaginer, grâce aux fonds photographiques libanais, une traversée croisée entre le quartier de la quarantaine à Beyrouth et la mémoire de l’exil des Arméniens à Marseille. Si la famille de Nevché n’a jamais mis les pieds à Beyrouth, son destin ressemble à celui des exilés au Liban. En se rendant dans ce pays avec Diala, Fred retrouve les saveurs de son enfance : les sou-beureg, lasagnes arméniennes, le soudjouk, saucisse séchée… 

Ambre, satin et racisme

Le récit se déploie par fragments, entrecoupé de chansons : celle, magnifique, qu’il compose autour du prénom de son arrière-grand-mère, Satenik, qui signifie ambre et satin tandis que son portrait s’anime en fonds d’écran. Des photos de famille défilent, tantes, cousins, grands-parents, tandis qu’à Beyrouth, Lteif décrit l’architecture particulière des maisons arméniennes en tôle ondulée (tanaké), modulables, à charpente de bois, bâties par des mains d’exilés. 

Le spectacle évoque les 58 000 réfugiés débarqués à Marseille entre 1922 et 1924 relégués dans des camps de fortune – Oddo, Saint-Jérôme, Les Milles –, l’hostilité de la population, jusqu’aux mots de Simon Flaissières, sénateur-maire de Marseille en 1923 – pourtant connu comme le médecin des pauvres – dénonçant une redoutable immigration des peuples d’orient qui s’est « abattu sur les quais de notre grand port. La variole, le typhus la peste se dirigent vers nous avec ces immigrants dénués de tout, réfractaire aux mœurs occidentales. » De cette succession de voix, de visages, naît un objet hybride ; un « podcast vivant », qui entrelace récit documentaire, poésie, chansons originales et projections d’archives et dans lequel le prénom disparu de Loghofète incarne tous les anonymes de l’exil.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

14 octobre 2026 
Création française au Palais de la Porte Dorée – Musée national de l’histoire de l’immigration, à Paris, dans le cadre de la Saison Méditerranée.

28 octobre 2026 
 Ouverture des Nouvelles Rencontres Averroès, à l’Espace Julien, Marseille

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Mais avant le grand départ, il y avait d’abord le trio Journal Intime. Composé de Sylvain Bardiau à la trompette, Frédéric Gastard au saxophone basse et Matthias Mahler au trombone, le trio a traversé les époques et les styles. Passant de Jimi Hendrix à Chostakovitch ou même les mélodies du Livre de la jungle, Journal Intime reprend le tout avec les éclats du jazz. Puis la formation cuivrée s’oriente vers le bruitisme. Les notes se mutent en sons aux accents comiques, où les instruments évoquent tour à tour des voix de personnages de dessins animés, un scratch de vinyle ou encore des gargouillements lorsque le saxophoniste verse de l’eau dans son embouchure. 

Puis arrive, dans un tout autre style, le projet Jet Wistle de Fanny Martin, accompagnée de Jules Regard (trombone), Adlane Aliouche (claviers), Théo Fardèle (basse), et Sacha Souêtre (batterie). Avec sa flûte traversière, la leadeuse bouscule les codes du classique grâce à des effets de reverb ou les recherches harmoniques sonores. La flûte est déchaînée et scintillante, portée par des esthétiques électro, rock, ou bruitiste. 

Il y a aussi des passages doux, qui laissent place à une voix aérienne ou un solo de trombone à la reverb appuyée. La performance multiplie les éclats d’énergie pour mieux suivre un personnage perdu dans l’espace, cherchant la « planète des poissons ». Major Tom ne retrouvera pas sa planète bleue, mais Fanny a certainement trouvé la sienne et le public aussi.

LAVINIA SCOTT

Concert donné le 12 septembre au Conservatoire Pierre Barbizet.
Une proposition du festival les Émouvantes.

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Mais la mise à distance peut aussi être vue comme une atténuation, un dévoiement, une appropriation, qui peut aussi choquer les victimes qui ont besoin d’une accusation crue, d’une dénonciation radicale, qui ne se déroulerait pas face à un homme assis qui est de fait l’auteur, et le metteur en scène, des mots et des maux d’une autre.  

Car le parti pris de François Cervantès est de mettre en abyme théâtral la révélation de cette femme, directrice de théâtre, qui a été battue et violée par son père comme ses sœurs. Elles ont toutes failli en mourir, on les a séparées en les « plaçant ». Et si les mains tendues, les livres, le théâtre, ont « sauvé » cette femme, il n’en est pas de même de ses sœurs. 

1 enfance sur 10

Anne Alvaro entre progressivement dans le personnage. Se présente : Anne Alvaro, actrice, portant les mots de François, qui est là et répond « oui ». Puis elle s’approche d’une servante – cette lampe de théâtre qui sert à éclairer les plateaux vides – et entre dans le rêve de son personnage – qui représente une personne vraie – pour dire ses mots, soit la transcription calme et sereine, que l’auteur en fait. 

D’un geste, quand elle évoque le moment où son père la fait venir dans son lit, Anne Alvaro ploie comme une liane. S’écroule, de biais. Au paroxysme du spectacle, sans même hurler, un peu plus fort, un peu plus raide, elle évoque la hache qu’elle arrache aux mains de son père qui allait décapiter sa sœur. 

La Maison forestière prend le temps de remercier de leur délicatesse ceux qui tendent la mains accueillent, protègent. De souligner les vertus réparatrices du jeu, du théâtre, des fictions, de l’onirique. Le spectacle émeut et déclenche une immense compassion. Mais compatir signifie souffrir avec. Pour se débarrasser des réflexes incestueux qui ravagent 1 enfance sur 10 en France, il ne s’agit plus seulement de compatir, mais d’accorder pleinement crédit aux victimes directes qui savent aussi, aujourd’hui, prendre la parole. 

AGNÈS FRESCHEL

La Maison forestière a été créé à la Friche Belle de Mai (Marseille) 
du 8 au 12 septembre.

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Terre et ciel

À l’entrée de l’exposition on découvre une constellation de cinq vases en céramique de Yijie Fan, présentés sur des socles à différentes hauteurs, titrée Mémoire du sol, portant sur tous leurs côtés des empreintes de sol récoltées par l’artiste. Tout autour, plusieurs œuvres qui regardent du côté du ciel, de la spiritualité, des rêves : Promenade stellaire de Valentin Aubert, une structure en tiges et plateaux de métal fine et légère, telle une cartographie en 3D, accueillant diverses sphères en verre coloré, réalisées lors d’un workshop avec le Cirva. 

Esprit es-tu là ? d’Elliot Fortin, une vidéo documentaire d’une trentaine de minutes, accompagnée d’un petit carnet de photographies et de dessins rêveurs, réalisée lors de son séjour au sein de la communauté spirituelle de la Vale do Amanhecer au Brésil, où on découvre une communauté baignant dans un syncrétisme religieux total, qui compte des milliers d’habitants et de médiums résidents. Ou bien encore un tableau de Victoire Junot, La chimère et les endormies, à l’aspect de conte doux, et une série de 16 dessins aux traits fins de Kaki Weiss, Cantique des oiseaux, réalisés sur set de table jaune, figurant sur chacun un homme ou une femme à tête d’oiseau et au corps nu, en train de danser.

Intimes

En peinture, à côté des propositions à tendance surréaliste amusante et inquiétante de Mathilde Jardin (Les jeux sont faits – Communion, colza et gymnastique – Tubercules) on trouve plusieurs travaux figuratifs liés aux relations familiales ou intimes : une peinture qui regarde pour retenir avec Florian Leu et ses deux portraits attentionnés de grand-mère, accrochés côte à côte, Nonna et Mamie. Et dispersés dans plusieurs espaces de l’exposition, les œuvres d’Emilie Martinez Ngombet, une constellation autour de la transmission, de la filiation et des gestes domestiques : portrait de Sophie Akendengue, assise cigarette à la main au coin d’une table, regard perçant. Main de maman et Structure de soutien, petite peinture à l’huile sur bois posée à l’horizontale sur un petit support en plâtre et en grès, au-dessus desquels est installée Aux tresses que j’ai coupées, deux suspensions composées de mèches synthétiques et de grès blanc. Et Triptyque autour de la table, huile sur un bloc de bois aux côtés biseautés, représentant une sorte d’architecture familiale : ombre de dossier de chaise, bras nu et main ouverte, verre de vin, femme assise.

Dans ce même registre, une vidéo d’une dizaine de minutes signée Zoé Bardot, J’aime tout (extrait). L’artiste est filmée en train d’ouvrir de vieilles portes, fermées depuis longtemps, dont les serrures résistent, de sa maison familiale, et redécouvre en les commentant espaces, objets et histoires intimes. 

MARC VOIRY

Glaneuses et glaneurs 
Jusqu’au 4 octobre 
Friche la Belle de Mai, Marseille

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Celui-ci aurait dû s’appeler Chat·tes ou Cochon·nes, expliquent-elles, et elles avaient « un super programme pour ça » mais leur producteur s’y est opposé – après tout Avant le soir est un évènement familial. Elles ont donc choisi le titre bien moins explicite Coco·tte·s, terme qui désignait jadis les prostituées, ont conçu un programme musical porté sur les oiseaux, un répertoire foisonnant qu’elles font remonter jusqu’au XIVe siècle avec l’aubade Rossignolet du bois.

Poule-itiquement correct 

Les performeuses, accompagnées au piano par Roberto Bello, n’épargnent presque aucun style. De l’air de beuverie Summer is coming in, première chanson profane enregistrée en Angleterre, à une version française de Papageno-Papagena extrait de La Flûte enchantée, en passant par Le Faux-cul de Coccinelle et une interlude pianistique avec La poule de Haydn, elles retracent une étonnante histoire de la musique. Et surtout des textes : dans beaucoup de chansons, les noms d’oiseaux permettent d’évoquer des sujets tabous, comme l’homosexualité. C’est le cas dans Les Pingouins de Juliette Greco dont les paroles évoquent les relations homosexuelles et en particulier entre pingouines, écrit à une époque où le jeu de mot n’était pas aussi évident qu’aujourd’hui.

Ces sous-entendus, qu’ils soient de nature sexuelle ou ouvertement politique comme dans Poulailler’s Song de Souchon, dont Oral de Luxe propose une reprise particulièrement saisissante, s’inscrivent parfaitement dans la tradition drag, dont l’art du jeu de mot a toujours fait partie. Un brillant terrain de jeu pour les deux chanteuses qui s’en donne à cœur joie, égrainant la représentation de petites leçons d’ornithologie plus ou moins scientifique – leur explication de la différence entre pingouins et manchots est correcte, le fait que « les coucous, c’est ceux qui se mettent des plumes dans le… » peut-être un peu moins…

Le succès de Coco·tte·s rappelle que « familial » et « grand public » ne signifient pas nécessaire consensuel ou politiquement correct, mais seulement rassembleur. 

CHLOÉ MACAIRE 

Coco·tte·s 
a été donné le 26 août
Square Albrecht (Marseille) dans le cadre d’Avant le soir 

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L’idée de cette dystopie, qui pousse à son paroxysme le souhait porté par la frange dure de la population israélienne, est géniale. Dans Le Livre de la disparition, la romancière palestinienne Ibtisam Azem s’en empare avec délectation. Publié en arabe en 2014, il est enfin traduit en français.

Au cœur du roman, deux hommes. Ariel Levy est journaliste israélien, progressiste, athée, convaincu d’appartenir au camp de la paix. Alaa Assaf est cameraman palestinien, petit-fils de Teta, grand-mère qui vient de mourir. Ils sont voisins à Tel-Aviv, se respectent, se déclarent amis. 

Puis vient le matin sans Palestiniens. L’État d’urgence est déclaré. Les recherches battent leur plein. Si les extrémistes et les colons se félicitent de voir le pays, « nettoyé », la majorité de la population, est hébétée. D’autres, comme Ariel, sont saisis de culpabilité. 

Le carnet rouge

Pour trouver des indices, ce dernier pénètre dans l’appartement de son ami. Il y découvre un carnet rouge, le journal d’Alaa. Au fil des pages, le juif mesure l’abîme qui les sépare et dont il n’avait pas conscience. Dans ses écrits, le palestinien consigne les souvenirs de sa grand-mère Teta qui vivait à Jaffa en 1948, année de la Nakba, « la catastrophe ». Les Juifs occupent la ville, chassent la population arabe qui passe de 100 000 à 4 000 habitants. Tandis que son mari s’exile à Beyrouth, Teta, bien qu’expulsée, choisit de rester dans la ville. Un jour, elle retourne dans sa maison espérant récupérer les rideaux qu’elle a cousus. Un couple de juifs y est installé. Elle repart les mains vides. Ariel prend peu à peu conscience, avec difficulté, du poids que porte son ami dans un pays qui lui demande de sourire et d’être reconnaissant.

La colère contenue

Il se souvient d’un accès de fureur d’Alaa, un soir où Ariel lui avait fait observer, avec la bienveillance du libéral convaincu, qu’il vivait tout de même dans un État moderne, avec des libertés qu’envieraient les réfugiés de Beyrouth. Alaa avait explosé. 

La Disparition fait surgir avec clarté ce qu’Azem fait murmurer à travers la voix d’Ariel : « Que s’est-il passé à tes citoyens sains d’esprit, ô patrie ? Depuis que nous avons établi cet État, creusons-nous notre tombe de nos propres mains ? Allons-nous exécuter l’agenda des colons et réaliser leurs rêves ? Ce sont les premiers ennemis de l’État. »

Le génie d’Ibtisam Azem est de mettre en lumière, en creux, l’importance d’une présence quotidienne et de montrer à quel point l’économie, la culture, le quotidien d’Israël repose sur une présence palestinienne indispensable tant le destin des deux peuples est intriqué.

Ibtisam Azem est née et a grandi, près de Jaffa. Elle est fille et petite-fille de déplacés de 1948. Elle a étudié à l’Université hébraïque de Jérusalem, à Freiburg en Allemagne, avant de s’installer à New York où elle travaille comme journaliste. 

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le Livre de la disparition, Ibtisam Azem
Éditions Globe – 21€
Traduit de l'arabe par Leïla Tahir
Paru le 26 août

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Revendication et joie de vivre

C’est une lecture musicale délicieusement subversive qui se déploie et les thèmes interprétés font écho aux extraits choisis, telle cette livraison de A Child Is Born lors du tableau rétrospectivement hilarant consacré à l’éducation des enfants. Pendant que la leadeuse lit avec une conviction débordante de second degré, la pianiste égraine quelques notes bleues, et la batteuse, elle, développe quelques piques percussives bien senties. La fin du programme se dirige vers l’émotion, avec quelques mots personnels adressés par Heiting à sa mère, soulignés par une interprétation de Piensa en mi (ce boléro composé en 1935 revigoré par l’interprétation de Luz Casal dans Talons Aiguilles d’Almodovar en 1991). 

La prestation se termine entre revendication (You don’t owe me « Je ne t’appartiens pas » de Lesley Gove en 1963 : le premier hit féministe étatsunien) et joie de vivre avec notamment James Brown… une sorte de braquage bien senti sur un monument de soul écrit par un vieux macho que l’on dirait masculiniste de nos jours.

LAURENT DUSSUTOUR

Concert donné le 22 août au domaine Camaïssette, Éguilles. 

À venir
23 septembre
Hôtel C2, Marseille

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Défaire

L’un des exemples les plus littéraux de la notion de « défaire » se trouve sur une petite étagère blanche, où est exposé, par Sonya Clark, sous le titre Unraveled ce qu’il reste d’un drapeau confédéré (associé à la défense de l’esclavage et à la suprématie blanche) détricoté : du coton dénoué, réduit à des fils, rassemblés en trois petits tas, rouge, blanc, bleu. Une œuvre non spectaculaire, qui a demandé patience, attention et travail partagé.

Chez Adam Pendleton, c’est l’image d’un monument qui est soumise à la déconstruction. Notes on the Robert E. Lee Monument, Richmond VA (figure) est une vidéo en noir et blanc (de 7 minutes) qui se focalise sur la statue équestre du général confédéré Robert E. Lee à Richmond, en Virginie. Un monument devenu le point central des manifestations de Black Lives Matter en 2020, à la suite du meurtre de George Floyd. Parcourue de flashes lumineux et d’obscurité, la caméra tourne autour de la statue clôturée, recouverte de graffitis et slogans (« ACAB », « I Can’t Breathe »…), transformant la statue confédérée en symbole de résistance antiraciste.

Gaza 

Plusieurs œuvres font directement référence à Gaza : à l’entrée de l’exposition, Salvage de Rana Batrawi est une sculpture-installation de trois mètres d’envergure, réalisée à partir de gravats provenant de bâtiments détruits à Gaza lors de la guerre de 2021. Un tas gris dans lesquelles se trouvent des traces de vie : des photographies, une télévision qui grésille, un livre (Men in the sun de Ghassan Kanafani). Une mémoire, une identité et des émotions qui résistent au milieu des décombres. 

Juste à côté, sous le titre I love Gaza de Shareef Sarhan, une installation constituée d’un ensemble de petits blocs de béton posés individuellement sur des socles, sérigraphiés, sur tous leurs côtés, d’images d’immeubles, transpercés de fers à béton sectionnés. Quelques mètres plus loin, trois photographies d’Amer Nasser : En attendant le cessez-le-feu, En attendant le retour et En attendant la reconstruction, documentant, dans une temporalité étrange, à la fois suspendue et suivant son cours, des signaux de vie.

MARC VOIRY

Unworlding
Jusqu’au 11 octobre
Friche la Belle de Mai, Marseille

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Ce qui reste

À l’entrée de l’exposition, l’immense toile au crayon de Julie Darmon, aux allures du Dormeur du val, interpelle. Inspirée par Touching Reality (2012) de Thomas Hirschhorn, Julie Darmon puise dans des images de corps mutilés issues de différents conflits trouvées en accès libre sur Internet. Sur une immense toile, sont représentées trois victimes de morts violentes dépourvues de couleurs et recomposées en une figure anonyme. Avec Survivances, leur mémoire continue de résonner, tandis que d’autres artistes prolongent cette même réflexion sur les traces laissées par les conflits. Avec My Dear Gaza… I Love You, Shareef Sarhan rassemble des photographies prises à Gaza entre 2005 et 2023. Après la destruction de son studio et d’une partie de ses archives, ces images deviennent des témoins directs d’un quotidien ordinaire bouleversé, dont il retranscrit des fragments sur des pierres cubiques couleur ocre. 

Place à la couleur

À quelques pas de là, Silvio Mildonian, artiste d’origine arménienne, présente des toiles colorées inspirées de l’expressionnisme abstrait. Des peintures faites de couches successives, faisant écho aux manuscrits arméniens enterrés pendant les invasions pour être préservés. « Les textes pouvaient disparaître, tandis que les couleurs, elles, subsistent. La couleur devient une trace, capable de traverser le temps », explique-t-il. Survivances interroge les formes contemporaines de la mémoire, de la transmission et de permanence, un troisième chapitre intitulé Hypothèse d’un paradis prévoit de prolonger cette démarche.

CARLA LORANG

Survivances
28 août au 9 septembre
Hôtel de Région, Marseille

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La Frappe a cette force-là !Le film qui sort en salle le 2 septembre vient d’obtenir le Prix de la mise en scène et le Valois du Meilleur Acteur pour Diego Murgia au Festival du Film Francophone d’Angoulême

Annie Gava

© Ad Vitam

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