Fauré, inclassable parmi les inclassables, ouvre ce parcours. Victor Julien-Laferrière tire de son instrument un chant mélodique presque éthéré, mais aussi poignant et puissant lorsque l’écriture l’exige. Rien n’est forcé : la ligne respire, soutenue par un piano qui ne la double pas mais l’interroge, l’oriente et lui ouvre d’autres profondeurs. Sur le rare Stephen Paulello Opus 102 aux cordes parallèles, Lucas Debargue, pianiste singulier, lettré, également compositeur, distingue chaque voix sans assécher le lyrisme.

La Sonate de César Franck confirme cet équilibre. Sa version pour violoncelle, autorisée par le compositeur, n’est pas une transcription de circonstance. Le violoncelle n’y occupe pas le centre soliste : il est porté, entouré, englobé par l’architecture mouvante et fascinante d’un piano monumental. La technique est omniprésente ; l’intelligence des plans et la musicalité à l’œuvre n’étonnent pas quand on sait également la carrière de chef d’orchestre de Victor Julien-Laferrière, à l’écoute de toutes les inflexions qui l’entourent.

Le sens de l’écoute

Après l’entracte, les Trois Pièces de Nadia Boulanger fascinent. Deux viennent de l’orgue et conservent quelque chose de son étagement des registres : le violoncelle devient tour à tour pédalier mouvant ou ligne suspendue, tandis que le piano fait chanter le grave et diffuse l’harmonie dans l’aigu. Qui porte alors le chant ? Les deux instruments, selon un échange constant des fonctions. Trop souvent considérée d’abord comme pédagogue, ou laissée dans l’ombre de sa sœur Lili, Nadia Boulanger apparaît ici de nouveau comme une musicienne passionnante.

Grieg ne rompt pas le fil français : on entend plutôt l’estime réciproque que lui et Ravel se vouaient. La netteté du rythme, la couleur, l’art de faire surgir un paysage de l’harmonie. Le duo révèle la modernité et les accents presque français de cette Sonate sans lui retirer son élan propre. Leur entente se mesure moins aux regards échangés qu’à la précision avec laquelle chacun sait écouter et laisser place à l’autre.

SUZANNE CANESSA
Le concert a été donné le 1er août au Parc de Florans dans le cadre du festival international de piano de la Roque d’Anthéron

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article L’art du dialogue s’impose à la Roque d’Anthéron est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Requiem(s) revient à plusieurs reprises sur cette image. Duos, trios et ensembles se construisent entre corps vivants et corps abandonnés à leur poids. On relève, traîne, porte, enlace ; l’élan se brise contre l’inertie. Ce travail redoutable exige des dix-neuf interprètes une technique souveraine : donner sa vérité au relâchement sans perdre la précision du geste. Le chaos vient régulièrement rompre les architectures, jusque dans une bande sonore remarquablement pensée. La fureur mélancolique de System of a Down surprend davantage que Ligeti, Bach ou Messiaen, mais s’impose. On ne sait plus si la paix se trouve dans la frénésie des vivants ou dans la doucequiétude des morts.

Libérer la vie

La voix de Gilles Deleuze prolonge le travail engagé dans Deleuze/Hendrix : corps et pensée, existence et idée ne sont jamais compartimentés. Évoquant Primo Levi et la « honte d’être un homme », le philosophe assigne à l’art la tâche de « libérer la vie que l’homme a emprisonnée ». La Shoah élargit ainsi le deuil intime aux morts de l’Histoire. Plus loin, des voix marquées par l’âge racontent la perte d’un nouveau-né et retrouvent dans le récit une tendresse et une vigueur intactes.

Cette porosité gagne toute la pièce. Sur Messiaen, fait rare chez Preljocaj, la mélopée semble un instant dicter sa ligne à la danse, sans que celle-ci devienne mimétique. Les vidéos de Nicolas Clauss, qui évoquent Bill Viola, reprennent l’image sur laquelle s’achevait Mythologies : Requiem(s) commence là où l’œuvre précédente finissait. Les costumes gothiques d’Eleonora Peronetti, les Pietà, les figures renaissantes et les poupées de Noces composent moins un musée de la mort qu’un répertoire de formes sans cesse réanimées. Vie et mort travaillent ici plus que jamais le même corps.

SUZANNE CANESSA

Requiem(s) a été donné du 28 au 30 juillet au Théâtre de l’Archevêché, à Aix-en-Provence.

Retrouvez nos articles Scènes ici

L’article Le poids des morts est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Une expérience unique, une mise en scène adaptée

Tâche délicate car il fallait créer l’empathie en respectant la distance, Olivier Pauls s’est attelé à la mise en scène en recueillant le ressenti des comédiennes. Ainsi il y a deux espaces de jeu : celui des chansons, de la poésie et celui de l’expérience des artistes confrontés à une situation si particulière pour des interprètes. 

La version donnée dans le jardin a dû être adaptée spécialement car les spectacles étaient auparavant joués dans des espaces clos. Les textes des enfants parfois très jeunes sont chantés, ils disent leurs rêves, leurs espoirs, mais aussi leurs douleurs. Écrire et chanter leur a permis d’oublier un moment leur situation. Ils laissent leur « trace », même si certains ont maintenant disparu… Hommage à ces artistes totalement engagés qui trouvent la manière la plus juste possible de rendre compte de la parole de ces enfants qui ont beaucoup parlé d’amour. « L’amour, c’est essentiel », disent-ils.

CHRIS BOURGUE

…Traces… s’est joué le 15 juillet place Labadie. 
Prochaines représentations les 29 juillet au jardin Benedetti et le 18 août au square Bertie Albrecht 

Retrouvez nos articles On y était ici

L’article Avant le soir : Du théâtre social et engagé à Marseille est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Plus de vingt nationalités sont représentées dans cette formation symphonique, réunie quelques jours avant le concert dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence : le pari est de faire naître en quelques jours une communauté sonore à partir de personnalités qui n’ont rien de commun a priori. Pour cette session, l’orchestre affiche 87 musiciens et un programme construit sur mesure autour du grand répertoire et sous la direction musicale, la cheffe coréenne Sora Elisabeth Lee, ample et enthousiasmante qui est déjà venue à l’Académie du Festival en 2024 comme cheffe en résidence.

Le concert s’ouvre sur les Danses de Galánta de Zoltán Kodály, magnifique compositeur hongrois trop peu joué. L’œuvre puise dans ses souvenirs d’enfance : le village de Galánta, sur la route reliant Prague, Bratislava et Budapest, était renommé pour son orchestre tsigane, dont le répertoire de danses nourrit toute l’inspiration de la pièce.

Vient ensuite une œuvre d’un autre hongrois Ernő Dohnányi, dont tout le monde a le thème principal à l’oreille : les Variationen über ein Kinderlied, tournent autour du « Ah vous dirai-je maman », popularisé par Mozart mais attribué aussi à Campra ou à Rameau. Cette fresque symphonique est portée au piano par Aris Alexander Blettenberg, directeur musical de l’Opéra de chambre de Munich depuis 2024, qui fait ici ses débuts au festival d’été. L’œuvre déploie un dialogue constant avec chaque pupitre. On peut entendre des carillons de Noël, des moments joueurs et des passages plus sombres ou lyriques, des fugues enjouées où le thème circule d’un pupitre à l’autre. Une partition qui va comme un gant à cet orchestre, mettant en valeur cors, bassons, flûte et piccolo, avant une dernière variation convoquant l’orchestre au grand complet, puis un finale qui redonne toute sa place au soliste.

Terre et mer

Comme toujours avec l’OJM, un principe de création clôt la première partie. Cette année une composition collective pour quintette, née d’une résidence au Caire sous la direction de Fabrizio Cassol, directeur musical depuis 2015 des sessions de composition collective de l’orchestre. Le propos : depuis un lointain recoin du cosmos, la Terre apparaît comme un point bleu pâle ; l’humanité s’est égarée sur de sombres chemins, oubliant l’importance du contact, de la paix et de la solidarité. Cette musique se veut un noyau de gratitude et de bienveillance.

Grande place est donnée au trombone impressionnant du jeune Jules Regard, qui ouvre la création, rejoint par Akram Ben Romdhane à l’oud, passé par l’Institut Supérieur de Musique de Tunis. Le quintette s’enrichit du piano de la Grecque Eirini Alisá et des voix d’Amena El Abd,chanteuse égyptienne formée sur les appels à la prière et les maqâms, et du Tunisien Saber Radhouani, aux graves exceptionnels. Une belle richesse née de la rencontre entre traditions multiples.

La seconde partie est consacrée aux Tableaux d’une exposition de Moussorgski. Chaque tableau y ménage un solo pour un musicien de l’orchestre : un exercice formateur pour ces jeunes interprètes, appelés à porter seuls la couleur de l’œuvre avant de se fondre à nouveau dans le tutti. Un programme généreux, une soirée qui confirme la vitalité de ce magnifique projet de rencontre entre des jeunes musiciens méditerranéens… Ovationnés.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé le 20 juillet au Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

Retrouvez tous nos articles Musiques ici

L’article L’Orchestre des Jeunes de la Méditerranée électrise Aix est apparu en premier sur Journal Zebuline.

L’amplification légère ne dénature guère les instruments, mais complique la tâche des voix. Très peu augmentée, Patricia Petibon souffre parfois de la trop grande présence des graves, tandis que les micros saisissent jusqu’au moindre soupir de Jean-Christophe Spinosi. Heureusement, sa ligne de violon ne tremble jamais. L’Ensemble Matheus part à l’assaut de Haendel : le continuo fuse, les attaques claquent, la musique avance avec une énergie à toute épreuve.

Remanié pour s’accorder à l’acoustique, le programme devient un voyage plus libre encore que la succession d’airs annoncée. La Music for the Funeral of Queen Mary de Purcell répond à la Médée de Charpentier ; le Cum dederit de Vivaldi, transcrit pour violon et continuo, glisse vers la Sarabande de Haendel, avant le Concerto rustico et les folies de Platée. Les pages espagnoles de José de Nebra et de Haendel, puis les airs de tradition orale, déplacent encore les frontières. Tonalités parentes, traits semblables, mêmes élans de danse ou de plainte : ici, la musique classique n’est ni corsetée ni morte. Elle circule, vibre et se partage.

Vers l’horizon

Cette liberté tient beaucoup à l’amitié ancienne et à la complicité réelle entre la soprano et le violoniste. Elle joue, ose, passe de la tragédie au sourire ; il relance, accompagne, provoque. Même les accidents deviennent matière de concert.

Mais la fête ne dissipe pas tout. Depuis mars, la commune est dirigée par le RN, vainqueur par vingt et une voix d’avance. Le nouveau maire a promis de conserver l’édition 2026, tout en annonçant qu’en 2027 le festival « prendra une nouvelle forme » [Lire ici]. Une formule assez vague pour nourrir les craintes exprimées par Jean-Christophe Spinosi et les musiciens en fin de soirée.

Patricia Petibon prend alors le micro pour évoquer sa famille de La Seyne-sur-Mer, les ouvriers des chantiers navals, artistes et musiciens en puissance qui auraient peut-être pu le devenir pleinement si les circonstances le leur avaient permis. Elle se dit chanceuse. L’émotion la gagne. Soutenir un festival, rappelle-t-elle en creux, c’est aussi empêcher que des vocations demeurent des vies inaccomplies.

En bis, Danny Boy suspend la salle. Le navire tangue, mais la musique tient bon.

SUZANNE CANESSA

Le concert a été donné le 19 juillet à l’Espace André-Malraux de Six-Fours-les-Plages dans le cadre du festival La Vague Classique

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article Ainsi va la Vague Classique est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Turbulences de l’adolescence

Elle a choisi une amie comédienne qui a la même énergie : Chloé Zufferey possède une voix aux modulations étonnantes dans les graves qui ouvre d’ailleurs le spectacle. Descendant du fond de la salle, elle saute sur la scène dans un hurlement. S’ensuivent les récits alternés de victoires amoureuses, de défaites et de trahisons. Car le sujet est bien celui des amours de jeunesse, du désir de plaire, du corps qui change, des premières règles…

La scénographie est sobre. Un grand tableau noir occupe le fond. Camille y écrit et dessine, note les dates. Les épisodes se succèdent avec cocasserie, recherche de vêtements sexy, jeux de lèvres et de hanches dans le miroir. Épisode enthousiasmant : la comédienne va s’assoir sur les genoux d’un spectateur qu’elle appelle papa et lui donne à lire des répliques imprimées. Tout cela a un charme fou, c’est inventif et léger !

Le spectacle se fait plus sobre et plus sérieux quand Camille est confrontée au décès de sa grand-mère, découvrant à la fois la douleur de la perte et la crainte de sa propre disparition. Surgissent alors les questionnements sur ce que l’on devient après la mort avec l’angoisse de grandir trop vite. Un spectacle très équilibré et des artistes pleines de promesses.

CHRIS BOURGUE

De 10 à 13 écrit et mis en scène par Camille Dordoigne se joue au Train Bleu jusqu’au 23 juillet

Retrouvez nos articles On y était ici

L’article De 10 à 13 : Tribulations d’une adolescente du XXIe siècle est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Cette traduction-adaptation du philosophe-poète Lucrèce (98-55 av.J.C) s’adresse à un disciple et lui donne des règles de vie, évoquant la misère et les souffrances du monde pendant une pandémie dont les survivants sont morts de chagrin. Selon Lucrèce, Épicure a compris que c’est le ciel et la terre qui ont construit l’univers : il n’y a pas de dieu créateur et immortel, la nature est constituée d’atomes, tout retourne à la terre ; et le cycle recommence. La mort inévitable rentre dans le mouvement universel. « Nous n’avons que l’usufruit de la vie ».

L’immense acteur, Stanislas Nordey est totalement habité par cette parole poétique. Vêtu d’un costume noir et transparent, pieds nus, il arpente le plateau comme habité du feu intérieur d’une révélation matérialiste, et cosmique. 

Au centre du plateau, le ciel, avec nuages ou étoiles. Sur les trois murs, des panneaux où circulent incessamment des images en mouvement : minéraux, espaces déserts, mer et ruisseaux, ciels encore. L’espace scénique prend une dimension cosmique soulignée continûment par la musique organique d’Emmanuel Jessua. On est emporté par ce mélange de mots, de notes et de motifs, dans ce flot d’une modernité étonnante. Qui ne s’interdit pas l’humour, et invite à regarder au-delà de soi et de la possession, vers les étoiles

CHRIS BOURGUE

Évangile de la nature de Christophe Perron se joue au Théâtre des Halles jusqu’au 25 juillet à 16h40 

Retrouvez nos articles Scènes ici

L’article Évangile de la nature : Remélanger les atomes est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Matze a inscrit Léa en cachette de son ex-femme à une émission de télécrochet, The Voice of Germany. Elle vient d’être retenue. C’est ce concours, de la sélection initiale aux auditions et étapes éliminatoires à Cologne, qui réunira la famille et servira de trame narrative. Une trame ténue brodée de fils de traverse, qui se croisent, se nouent, remontent le temps ou dessinent délicatement des motifs inachevés. Les traces des fractures est-ouest, le sentiment de dévalorisation des Allemands de l’Est après la réunification, l’individualisme face au collectif, la société du spectacle triomphante, la place de chacun parmi les siens. Et la quête d’identité. Le titre allemand Quelque chose de très spécial reprend la question d’un journaliste à Léa : Qui es-tu ? qu’est-ce qui fait de toi quelqu’un de spécial ? L’adolescente ne saura quoi répondre.

Home, c’est la maison mais aussi la patrie. Stories est au pluriel : ce sont les histoires bidonnées pour les shows télévisés, celles toujours un peu opaque des romans familiaux, celles plus secrète d’une intimité qu’on ne partage pas, celles du récit national qui se modèle au gré des politiques, et enfin celle parcellaire, sans narrateur principal que nous propose ici la réalisatrice.

Le film, tout à la fois, fragmente et tisse des liens. Un bestiaire le jalonne : le paon, le cheval malade, le chat, les oiseaux tués, les massacres aux murs de la salle à manger, les rats morts dans les assiettes d’hôtes indésirables. « Ce n’est pas dans mes habitudes de prendre les spectateurs par la main de manière paternaliste, et de faire comme si j’avais une réponse à leurs questions. » dit Eva Trobisch.

Servi par un casting impeccable, Home story n’est pas un film confortable. Il travaille sur les tensions, le malaise, le mal être mais n’exclut jamais ni la tendresse, ni l’espoir. Un enfant naît et le chant bouleversant de la lumineuse Léa fait presque l’unanimité du jury.

ELISE PADOVANI

Home Stories d’Eva Trobisch

Sortie le 29 juillet 2026

Météore Film Distribution

L’article Home Stories : quelque chose de très spécial est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Quelques ellipses plus tard, voilà notre héroïne trentenaire au cimetière : « pas de thune, pas de mec, pas d’enfant, mais une tombe » et une mission : exécuter les dernières volontés de la défunte pour distribuer ses icônes religieuses et ses vinyles disco. Les disques sont destinés à un certain Titou résidant à Cavalaire. S’en suit un road trip en Twingo vers le sud.

Dans la petite ville de la Côte d’Azur, Charlie rencontre Marina (Raya Martigny), une barmaid trans, un peu cabossée par la vie, qui l’héberge et la prend sous son aile. Un copain d’école de Marina. Une ado rebelle et amoureuse. Un vieil homme mourant et le fameux Titou (Eric Cantona, toujours improbablement juste, en professeur de danse dans une cave ou sur la piste d’une boîte de nuit, vêtu d’une veste rose à paillettes). Titou, fan de disco, a connu autrefois Florence la mère de Charlie sur le dance floor. L’orpheline Charlie entre dans cette famille « élective », dénoue la raideur de son corps. Pour elle, c’est un voyage libérateur et intime. Elle retrouve via d’anciennes cassettes vidéo, les chorés de sa mère, belle et jeune, en robe à sequins. Les générations se télescopent. La mort, la vie, l’amour aussi. En contrepoint, les chansons populaires -qui disent toujours la vérité, comme écrivait Truffaut.

Feel good music

« Les matins merveilleux » du titre pour un clin d’œil à « Notre histoire » de Dalida, « Ah que la vie est belle » de Brigitte Fontaine en épilogue et comme une moralité à ce conte. Et puis « Piensa en mi » de Luz Casal pour un clin d’œil peut-être au mélo almodovarien. Sans oublier le bouleversant karaoké de Charlie interprétant « Mon amie la Rose ».

India Hair confirme ici son incroyable talent pour incarner toutes les facettes d’un personnage : candide ou audacieuse, forte ou fragile, engoncée ou libérée, enfantine ou sensuelle, désarmante de sincérité, ouverte à la vie qui vient, et attentive aux blessures des autres.  

Le film d’Avril Besson, dédié « à tous les fantômes qui dansent en nous »,est un feel good movie. Il n’y a pas de méchants. Les gens y sont bienveillants pour peu qu’on s’ouvre à eux. Les relations se tissent fil à fil, sans grand discours à travers des petits riens. On accepte la maladresse ou la réserve de l’autre. Et si à la fin de cette comédie romantique tendre et attachante, les amant.e.s ne se marient pas et n’ont pas d’enfants, ils-elles essaieront de vivre ensemble pour le meilleur !

ELISE PADOVANI

Les Matins merveilleux d’Avril Besson

En salle le 29 juillet 2026

L’article Les Matins merveilleux : les fantômes qui dansent en nous est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Le spectacle commence avec Zahrah, interprétée par Alice Rahimi ; elle veut brûler son foulard. En fond de scène, un écran fait défiler des images de Ralph Moussa sur les manifestations bruyantes de klaxons et de slogans. Avec ce geste de révolte, elle revit des événements marquants, souvent douloureux : à sa naissance les hommes s’en sont désintéressés puisqu’elle était fille, à 4 ans son père l’oublie dans la maison lors d’un incendie, plus tard un garçon l’oblige à une fellation… Sa mère l’a surnommée Badjens, qui veut dire effrontée ou mauvais genre et la soutient secrètement dans sa résistance à la soumission. Elle s’est construite sur ces blessures et à 12 ans s’habille en garçon pour contourner les interdits. La peur l’habite constamment, mais quand elle est à cette première manifestation, elle se sent « au bon endroit. »

Projet multidisciplinaire

Delphine Menoui a choisi un plateau dépouillé, uniquement occupé de trois cubes rouges, un grand tissu, rouge également, sert de drapeau ou de costume. La musique en live de Renaud Sastre accompagne les textes d’archives et les images, tandis que les chants (en alternance Hura Mirshekari et Fiona Sanjabi) évoquent la voix intérieure de la jeune fille. On s’émeut à cette évocation des femmes sacrifiées qui entonnent le chant de la colère pour libérer enfin la parole et le corps.

CHRIS BOURGUE

Badjens mis en scène par Delphine Menoui s’est donné au *11 Avignon durant tout le festival 2026

Retrouvez nos articles On y était ici

L’article Avignon Off : « Badjens», le souffle de la liberté est apparu en premier sur Journal Zebuline.