lundi 15 décembre 2025
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Aristorock marseillais 

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La scène rock marseillaise a une longue histoire, dense, riche, mais qui demeure assez confidentielle. Elle gravite depuis des décennies dans le quartier de la Plaine, du cours Ju et s’exprime dans quelques salles que sont la Salle Gueule, la Maison Hantée, l’Intermédiaire ou Lollipop, magasin de disques au référencement pointu, qui propose régulièrement des concerts pour les initiés. Parmi les stars rock’n rolleuses locales, Kino Frontera se situe entrès bonne place. 

Celui-ci a grandi à Marseille, dans une famille de musiciens. Sa mère, professeure de piano, lui forme l’oreille à la mélodie et à l’harmonie. Il en gardera le goût pour les compositions ciselées, sophistiquées, « glams » à l’image de ses premiers amours auxquels il reste fidèle, comme Roxy Music et David Bowie. À l’adolescence, Kino navigue entre claviers et cordeset multiplie les aventures musicales au sein de groupes marseillais comme Jet Courier avant de fonder les Lemon Cars avec Michel Basly (Cowboys From Outerspace).

Avec Twice Upon a Time (Closer Records), Kino se lance dans un projet solo mais pas tout seul. Le style Frontera, c’est la puissance, l’efficacité mélangée à la retenue, à la pudeur aussi. L’album conjugue des influences multiples : un rock énergique aux riffs affirmés, à la rythmique intransigeante, flirtant avec une esthétique trash comme dans les titres Follow me home ou Autumn mais n’y tombant jamais totalement, dansant avec élégance sur le fil d’unepop anglaise élégante et raffinée sur laquelle il pose une voix de velours ; une pop parfoisenjouée comme dans Normal boys ou flirtant avec les Stones dans What you see, titre sur lequel Jules Henriel, le charismatique chanteur et guitariste du groupe Parade, l’accompagneKino le dandy aime aussi les ballades – avec un ou deux « L » – poétiques, brumeuses comme I can’t stand umbrellas

Kino et sa dream team

Pour donner corps à cet album, Kino s’est entouré de piliers de la scène rock locale. Michel Basly, bien sûr, et Paul Milhaud alias Sonic Polo et cofondateur de Lollipop, viennent enrichir les guitares. Jean-Philippe Méresse (batterie) et Robert Lanfranca (basse) apportent leur fondation à l’édifice. Unn, chanteuse de Piédebiche est aussi de la partie pour les chœurs. Une dream team qui ne se contente pas d’accompagner mais contribue à sculpter la richesse sonore. La production signée Jearc (Local 54 Studio) apporte une patine new-yorkaise à un univers très british. 

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Twice Upon a Time, de Kino Frontera 
(Closer Records)

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Hacker le greenwashing macroniste

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Myriam Rabah-Konaté, Non-Noyées. Maya Mihindou

Le 15 août 2025, le collectif Politic Social Club publie une lettre ouverte adressée au invité•es et participant•es du festival, intitulée Dérèglement Politique, Agir pour le vivant, un festival qui gâche la forêt. Un appel au boycott qui dénonce un festival financé par un mécénat d’entreprises (Décathlon, Hermès…) participant activement à l’éradication du vivant.

Pourtant Mabeuko Oberty, Myriam Rabah-Konaté et Emma Bigé participaient ensemble le 25 août  à une performance autour du livre d’Alexis Pauline Gumbs, dont iels sont les co-traductrices : Non noyées, Leçon féministes Noires apprises auprès des mammifères marines. 

Plus tôt dans la journée, Emma Bigé, comme certain•es autres invité•es, avait déjà choisi d’altérer son intervention sur les écologies transféministes en lisant à la place un texte de soutien au Politic Social Club. L’après midi sur l’estrade de la chapelle Mejan, le public des éditions Actes Sud est invité à s’asseoir sur des coussins mous, des fatboys, des tapis, des chaises, partageant l’espace des performeureuses. La lecture de Non noyé•es.a été fragmentée, Myriam Rabah-Konaté interpelle directement l’auditoire, par une série de questions extraites du livre :

« De quoi avons nous besoin de nous souvenir, pour résister à l’oubli encouragé par la culture de la consommation et son temps linéaire ? » 

Le public, invité à fermer les yeux, digère ce qui vient d’être demandé.

 « Qu’ai je raté quand j’ai regardé le monde de haut en bas comme on me l’avait enseigné ? »

Ecoute du trouble

L’invitation à l’écoute est un  fil conducteur de la pensée d’Alexis Pauline Gumbs. Elle y interroge notamment les discours produits par une écologie de la surveillance et de la domination sur les mammifères marines, et prête une oreille attentive à ce qu’elles ont à nous apprendre. 

Et c’est une écoute du silence, du trouble et de la gêne qui ouvre la performance. Celle d’une écrasante majorité blanche, venue entendre « des leçons féministes noires ». 

« Sachez reconnaître quand il faudra dire non, sachez vous priver d’une chose aujourd’hui, cette semaine, cette année, toute la vie ».

Que faire, lorsqu’on est invité par un festival qu’on réprouve ? 

Il s’agit de reprendre l’espace, justement. D’utiliser ce rare moment de visibilité pour donner à entendre les contradictions du festival, explique Myriam Rabah-Konaté. 

Les questions suspendues, déposées, les trois performeureuses lisent collectivement, en canon, en échos, un extrait sur les dauphins tachetées d’Atlantique. Difficiles à identifier, elles ont été capturées, marquées, et malgré tout elles « ne sont pas populaires auprès de l’industrie du spectacle ». Artistes-auteurices et dauphins tachetées se posent la même question : « Comment perdre en popularité auprès de celleux qui veulent faire de moi leur esclave ? ».

Hacker l’évènement, transformer ce qui est censé être dit pour faire apparaître autre chose, c’est la pratique de désertion que les performeureuses avaient choisie. Mabeuko Oberty lit, entre traduction et réécritures, des extraits variées d’Alexis Pauline Gumbs, métraduits, détournés délibérément. Son caviardage devient un processus d’écriture poétique. Alexis écrit :« Écoutez, nous n’avons pas l’intention de crier, pour l’instant. ». « Écoutez, nous n’aurons pas besoin de crier », ajoute Mabeuko. 

NEMO TURBANT

Non noyé•es  a été détourné le 25 août à Arles dans le cadre d’Agir pour le Vivant, renommé Vagir pour le néant par le Politic Social Club 

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Au-delà du crayon

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Frederic Pajak Le Monde Encre sur papier Courtesy de l'artiste

Zebuline. Quelles sont les principales évolutions de Paréidolie depuis sa création ?

Martine Robin. Le nombre de galeries invitées, il y en avait neuf à la création en 2014, puis on est passé à quatorze, avec une extension de notre espace d’exposition, tout en proposant une programmation de dessin vidéographique. C’était intéressant mais on s’est rendu compte que le public et les acteurs de l’art contemporain viennent avant tout voir les dessins présentés par les galeries, et n’avaient pas trop de temps pour ce type de propositions. On a préféré arrêter et rajouter une galerie. Puis on a pu encore aménager d’autres espaces et cette année, on arrive à 17 galeries. On ne pourra pas plus !

Il y a eu aussi un espace thématisé, auquel participait l’ensemble des galeries, une salle érotique. On a constaté que, malgré la qualité des œuvres exposées, il n’était pas tant visité que ça. Pour cette édition, on a décidé de lui donner une autre fonction : ce sera l’espace des discussions et des remises de prix.

Quelles sont les nouvelles galeries présentes cette année ?

Sur les 17, il y en a dix qui étaient là l’année dernière, trois lors de précédentes éditions et quatre qui n’ont jamais été présentes à Paréidolie : Cable depot, qui présente un artiste en solo, Amikam Toren, qui fait notamment des dessins insomniaques, pratique nocturne automatique.

La galerie Annie Gentils avec Jacqueline Peeters qui travaille sur l’identité multiple à travers les titres de ses œuvres notamment, et Yan Freichels qui fait du dessin au fusain, qui s’inspirede Grosz et de Dix. 

Hopstreet avec un très beau travail de Dominique De Beir, perforations de support entre destruction et composition et Fabrice Souvereyns, des paysages végétaux imaginaires au crayon.

Enfin Binome avec un duo : Corinne Mercadier qui travaille sur des visions oniriques entre rêve et réel et Guénaëlle de Carbonnières sur des strates mémorielles en mélangeantnumérique, gravure et dessin. 

Frédéric Pajak est l’invité d’honneur de cette édition.

Le principe de l’invité d’honneur, l’une des nouveautés de cette édition, c’est une invitation, qui soit différente de nos cartes blanches ou artistes invités, lancée à une personnalité qui travaille sur le dessin.

Frédéric Pajak est l’un des précurseurs de l’engouement pour ce médium. Un artiste, dessinateur, qui a notamment créé les éditions Les Cahiers Dessinés et est depuis 2023directeur du Festival du dessin d’Arles. Il y aura une rencontre avec lui, animée par Alain Paire, et la présentation d’une trentaine de ses œuvres.

Quelques mots sur l’artiste invité de cette édition, Jérémie Setton ?

Oui, comme chaque année, l’artiste invité est un artiste de la région dont on trouve qu’il a un potentiel exceptionnel, mais qui n’a pas de galerie. L’idée c’est de le mettre à l’honneur au début du salon pour que aussi l’ensemble des galeries puisse le voir. 

Jérémie Setton explore la représentation et les gestes artistiques, avec un accent sur les rapports colorés, l’ombre et la lumière. Il va présenter deux séries distinctes : l’une basée sur les documents d’identité de son grand-père réfugié, en utilisant la pierre noire pour un dessin mémoriel. Et l’autre impliquant la création de pâte à papier pour capter des empreintes architecturales, un travail autour de la fugacité et de la mobilité à travers des techniques d’ombre et de lumière.

Les dessins qui sont présentés par les galeries se situent dans quelle échelle de prix ?

C’est une autre évolution : le prix des dessins a fortement augmenté par rapport à la créationdu salon. Pour la fourchette basse, on peut avoir des dessins à 300 €, l’année dernière il y en avait quelques-uns, et pour la haute, ça peut monter jusqu’à 40 ou 50 000 €. La moyenne se situe entre 2000 et 3000 €, et ça se vend beaucoup.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR MARC VOIRY

Paréidolie, salon international du dessin contemporain
Du 29 au 31 août
Château de Servières, Marseille

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Une rentrée Supersonique 

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Image générée par IA

Fini l’été, finie la pop toute fraîche aux accents dancehall édulcorés, place à la rentrée des artistes, et aux nouvelles découvertes. Depuis 2022, le festival Supersonique attend l’oblique des derniers rayons du soleil pour partir vers de nouveaux horizons musicaux. Ainsi, du 30 août au 7 septembre à Marseille, concerts, performances et rencontres viennent décaper nos oreilles encore obstruées de sels, ou de musique commerciale avec sucre ajouté. 

En ouverture le 31 août, le rendez-vous invite Jonathan Prager pour un concert au Module du GMEM où il interprètera deux pièces sonores : Harbinger d’Eric Broitmann et L’invitation au départ de Jacques Lejeune. Quelques jours plus tard, le 4 septembre, le Conservatoire Pierre Barbizet accueille plusieurs rencontres sur le thème du Do it yourself dans la musique, avec notamment une masterclass de Jean-Luc Hervé. Le lendemain, il faut se rendre à la Cité de la Musique, toujours autour du même thème DIY, mais cette fois en compagnie de Louise Barrière et Catherine Guesde, avant que cette dernière ne monte sur scène pour présenter son projet solo intitulé Cigvë.

Fin en apothéose le 7 septembre au GMEM, avec douze heures de musique acousmatique, de midi à minuit. Un concert long de 80 pièces réunies en douze concerts, à découvrir bien installés dans les quelques 47 haut-parleurs de l’acousmonium. Passeront par-là des œuvresde Pierre Schaeffer, Zazie Grasset, Agnès Poisson ou Stéphane Borrel. 

Le festival Supersonique est né en 2022 à l’initiative des enseignants des classes de composition électroacoustique du Conservatoire et de la Cité de la Musique de Marseille, et des associations l’Art de Vivre et Dedans Dehors. 

NICOLAS SANTUCCI

Supersonique
Du 31 août au 7 septembre
Divers lieux, Marseille

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Des voix et des rencontres

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Constantinople AFiletta © Armand Luciani

L’édition précédente était exceptionnelle à bien des endroits. Pour ses 20 ans, le rendez-vous avait concocté une programmation tout au long de l’année, emmenant avec lui ses artistes complices, et de nouvelles trouvailles. Cette année retour à la normalité, le festival De Vives Voix, toujours porté par la Maison du chant, invite les oreilles curieuses à une série d’escapades musicales à Marseille, du 31 août au 7 septembre. 

Top départ en plein air et toute la journée dans les jardins du palais Longchamp avec Les Chanteurs de jardin. Les voix de la Maison du chant se réunissent, dans les chœurs etensembles vocaux dirigés par Caroline TollaAnnie Maltinti et Lisa Masal, ou en petits groupes épars pour occuper les espaces verts comme sonores des jardins. Un événement ouvert et gratuit, dont l’idée est apparue à Odile Lecour, directrice de la Maison du chant, lors d’un voyage à Pékin, où les groupes de chanteurs se réunissent en extérieur pour jouer ensemble, souvent dans les parcs, au bord des lacs…

De voyages, il est largement question pour le cœur du festival qui se tient du 5 au 7 septembre dans la cour du palais Carli (Conservatoire de Marseille). Il y a d’abord la cumbia du groupe Médusa, formation marseillaise composée de neuf musiciennes. Percussions, cuivres et accordéon invitent le public à une balade en Amérique du Sud, en Colombie, bien sûr, mais se permet aussi quelques écarts vers le jazz et le folk. 

Le lendemain, retour en Europe, quelque part entre la Corse et Istanbul. Les ensembles A Filettta et Constantinople se réunissent une nouvelle fois pour leur création Clair-obscur, qui a séduit pour son heureux mariage de polyphonies corses et musique savante persane. 

On change de jour, mais pas de rivages. Le 6 septembre, la Méditerranée est une nouvelle fois mise à l’honneur avec le duo LEÏ, composé de Laurène Barnel et Carine Habauzit. Elles y présentent leur programme Amares, « un dialogue polyphonique qui explore un répertoire lié à l’imaginaire des eaux. » Le même soir, De Vives Voix s’en va vers l’Orient et l’Afrique. Pour ce voyage, c’est Ablaye Cissoko et Kiya Tabassian – que l’on aura déjà vu plus tôt avec l’ensemble Constantinople – qui viennent présenter leur pièce musicale Traversées. Du sétar, de la kora, et des chants pour une parenthèse poétique dans les profondeurs des temps musicaux. 

La messe est dite, en occitan

Missa Monica, messe universelle et ouverte, voilà le titre donné à la dernière création de Baltazar MontanaroZabou Guérin et Lionel Ginoux, trois noms bien connus des mélomanes de la région. Sur scène, ils sont cinq. Deux instruments (violon baryton, accordéon) et trois voix féminines (Cati DelolmeGabrielle Varbetian et Zoé Perret). Ensemble, ils donnent une pièce en forme de messe – qui suit le schéma classique de la lithurgie chrétienne – mais, heureusement, « en intégrant des pièces instrumentales, des moments d’improvisation des chants contemporains en occitan ».  

De Vives Voix
Du 31 aout au 7 septembre
Jardins du palais Longchamp
Cour du palais Carli
Marseille 

NICOLAS SANTUCCI

Et aussi

Outre les concerts, le festival De Vives Voix c’est aussi une série d’échanges, de rencontres, de transmission. Tous les soirs, le « Comptoir » du festival – installé au palais Carli – invite le  public et les artistes à passer un moment de convivialité. Les 6 et 7 septembre sont également proposées des journées en compagnie d’artistes invités : le samedi pour un stage de chant afro-caribéen avec Alex Satger, le dimanche pour une journée avec Ablaye Cissoko. N.S.

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Une vie de luttes 

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SORJ CHALANDON © JF PAGA

À dix-sept ans, le héros qui se fait appeler Kells – en référence à un manuscrit irlandais enluminé du IXe siècle – et qui ressemble en tout point à Chalandon a tout quitté : Lyon, le lycée, une mère effacée et soumise aux ordres d’un père raciste et violent, ce « Minotaure »qui menace de le dévorer. Dans son nouveau roman, Le Livre de Kells, l’écrivain-journaliste revisite cette fuite en avant, marquée par la misère et la rue, avant la rencontre déterminante avec des militants de la gauche prolétarienne.

Le roman plonge dans la faim, le froid, la peur : « plus de maison, plus de toit, plus de refuge», Chalandon ne masque rien de son effondrement intérieur « J’ai peur, je pleure. Seul, je n’y arriverai pas. […] Il me faut ma maman dans la nuit. » La confession brute, lapidaire de la première partie du livre, dit l’urgence de survivre autant que l’absence de repères. D’une vulnérabilité déchirante, elle rappelle que derrière la légende du militant, du grand journaliste, de l’écrivain renommé il y eut d’abord un enfant perdu, une jeunesse fracassée par l’errance dans les rues et des squats – qui ne portent pas encore ce nom – de Paris. 

On retrouve dans ce parcours un peu de la Teigne, ce héros de l’Enragé, avant-dernier roman de l’auteur, qui racontait la rage et la lutte désespérée de liberté de ce jeune garçon emprisonné dans la colonie pénitentiaire pour enfants de Belle-Île-en-Mer au début des années 1930, victime de violence et d’humiliation. Si La Teigne va croiser sur sa route des adultes bienveillants, facteurs de résilience, Kells-Chalandon rencontre fortuitement des hommes et des femmes engagées, figures fraternelles qui vont lui offrir une seconde naissance. 

Jusqu’à l’embourgeoisement ?

L’intime cède la place au politique, la rue à l’utopie révolutionnaire. Chalandon raconte l’apprentissage de la solidarité, la ferveur militante, mais aussi les dérives idéologiques, l’aveuglement, le jusqu’au-boutisme et l’action directe désordonnée et violente qui va traverser la vieille France des années 1970. L’événement pivot est la mort de Pierre Overney, ouvrier maoïste abattu en 1972 devant l’usine Renault. Sa disparition précipite la dissolution de la gauche prolétarienne et marque un basculement : « Certains ne s’en remettront jamais, d’autres chercheront une issue différente à leur combat. »

Pour l’auteur, ce sera l’écriture, puis le journalisme. En 1973, il rejoint Libération qui vient de naître ; projet enthousiasmant bien sûr que la création de ce journal issu des mouvements gauchistes où chacun va apprendre le métier en le faisant. Pour Kells, le dessin politique puis l’écriture sera cette « autre façon » de poursuivre son engagement. A travers les lignesaffleurent, la culpabilité de l’« embourgeoisement », le sentiment d’imposteur de celui qui n’a jamais étudié mais manie la plume et les idées, de trahison aussi envers ses camarades de terrain, qui pour la plupart ont vu leurs destins révolutionnaires et leurs rêves d’un monde plus juste brisés. Ce livre – que l’on a hâte d’offrir à tous nos moins de trente ans – leur est dédié.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le Livre de Kells, de Sorj Chalandon
Grasset – 23 €
Paru le 13 août
Chalandon en tournée

Dans le cadre de ses Tournées générales, l’association Libraires du Sud a convié l’auteur à venir parler du Livre de Kells dans la région. On pourra retrouver l’auteur le 27 août à la librairie Lettres Vives à Tarascon, le 28 août au Couvent des Prêcheurs d'Aix-en-Provence en partenariat avec la librairie Goulard, le 29 août à la médiathèque Pôle culturel Chabrande Draguignan et enfin le 30 août à la Librairie La Pléiade à Cagnes-sur-Mer. A.-M.T.

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Laboratoire de l’art et du design émergents

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Maya Inès Touam Paravent Ce que le jour doit à la nuit (2024) Tirage Fine Art contrecollé encadrement métal sculpté Courtesy de l'artiste et Les filles du calvaire Paris

Pour cette édition 2025 d’Art-o-rama, plus de soixante galeries venues d’une quinzaine de pays vont s’installer dans les espaces de la Friche à Marseille. Parmi elles, des figures de la scène française comme Les filles du calvaire, mais aussi des historiques telles que In Situ – fabienne leclerc ou Suzanne Tarasieve. Et de la scène internationale, avec aaa nordhavn(Copenhague), dédiée aux pratiques conceptuelles nordiques, Alice Amati (Londres), qui met en avant de jeunes artistes à la croisée du numérique et de la performance, Polansky (Prague), tête chercheuse de la scène d’Europe centrale, ou encore Sabot (Cluj, Roumanie), qui défend une génération d’artistes post-conceptuels. 

Stands concepts

Les propositions des galeries témoignent d’un soin particulier accordé aux projets : chaque stand se pense comme une exposition autonome, et non comme un simple étalage d’œuvres.

Ainsi, Sabot présente, avec les artistes Alexandra ZuckermanDaniel Moldoveanu et Pepo Salazar Lacruz, une exposition autour de l’abstraction comme outil critique explorant formeset significations. 

Dans son stand immersif, la galerie Neven (Londres) présente un solo de H. M. Baker, série de sérigraphies sur moquette de bureaux, « des formes architecturales qui informent et symbolisent l’autorité, l’ordre professionnel et le mouvement collectif, ainsi que les fantasmes et les esthétisations du travail ». Quant à Vacancy (Shanghai), elle expose des œuvres d’Anna Gonzalez Noguchi, de Kristian Touborg et de Jesse Zuo, explorant « les formes résistantes de la mémoire, la sensibilité incarnée et les traces persistantes de soins dans les structures quotidiennes ».

À noter également un hommage collectif au galeriste Roger Pailhas (1945 – 2005), figure emblématique de l’histoire artistique marseillaise, fondateur d’Art Dealers, premier salon international d’art contemporain à Marseille dans les années 1990. Huit galeries (Air de Paris, Art : Concept, Esther Schipper, Galleria Continua, Catherine Bastide, Les Filles du Calvaire, Loevenbruck, Mennour) ayant participé à son salon historique présentent chacune une œuvre dédiée dans un stand qui lui est consacré.

Showroom Région Sud

Comme chaque année, Art-o-rama accueille le Showroom Région Sud, qui présente les jeunes artistes et designers présélectionnés pour les deux prix soutenus par la Région : le Prix Région Sud Art et le Prix Région Sud Design.

Les préselectionnés en art sont Ix DartayreJuliette GeorgeRémi Lécussan et Léon Nullans avec des propositions qui oscillent entre installation, vidéo et performance, autour d’enjeux très actuels : écologie, mémoire des territoires, hybridation entre images et langages.En design, ce sont Chloé BerthonFabrice PeyrollesEdda Rabold et Atelier Zerma présentant des recherches mêlant innovation formelle et attention aux matériaux, entre upcycling et expérimentation autour du mobilier urbain.

Trois jours de rendez-vous 

Pendant ces trois jours, le public est invité à participer à de nombreux rendez-vous :conférences et tables rondes, performances et projections. Vendredi 29 août, ce sera notamment à 18 h l’annonce des Prix Région Sud Art, Prix Région Sud Design et du Prix François Bret de l’École des Beaux-Arts de Marseille. Le lendemain à 14h30, une rencontre entre Éleonore False, artiste et Muriel Enjalran, directrice du Frac Sud – Cité de l’art contemporain, et à 17h15 une discussion organisée par la revue 02 : Néo-médiéval – enjeux esthétiques, politiques et sociétaux, avec Clémence AgnezCamille Minh-Lan GouinLou Le Forban et Alexis Loisel-Montambaux. Le dimanche à 14h30 une projection de Le Gai Savoir de Jean-Luc Godard suivie d’une discussion, organisée par Alphabetville.

MARC VOIRY

Art-o-rama
Du 29 au 31 août
Friche La Belle de Mai, Marseille

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« Dis-moi pourquoi ces choses sont si belles » : amour et botanique

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 « Je voudrais savoir pourquoi toutes ces choses sont belles » C’est le projet que Frère Marie-Victorin expose à Marcelle Gavreau quand il la rencontre. Elle en fera des années plus tard la devise de l’Ecole de l’Eveil qu’elle initie en 1935.

Frère Victorin, auteur d’un ouvrage de référence sur la flore laurentienne, fondateur du Jardin Botanique de Montréal est un universitaire charismatique très connu au Québec.

Marcelle, bien à l’étroit dans la condition faite aux femmes de l’époque – sans droit de vote, orientées vers les Humanités plus que vers les Sciences, cantonnées aux métiers d’auxiliaires et vouées in fine au mariage et à la maternité, fut sa brillante élève, sa secrétaire, sa disciple, son âme-sœur, son alter ego, son amour impossible, célibataire jusqu’à sa mort.

Ces deux-là, rescapés de la tuberculose, sont émerveillés par le monde et la vie, portés par leur foi commune au Ciel mais aussi à la Nature comme œuvre divine. Tous deux pensent que l’amour s’incarne. Que rien de ce qui a été créé, les fleurs comme le sexe, n’est laid. Que le mal c’est l’incuriosité, et le diable, la frustration et le secret imposés par les dogmes.

Lyne Charlebois est fascinée par l’histoire entre le Religieux et la jeune femme, par leur amour persistant qui n’effeuille jamais la marguerite, par leur riche relation épistolaire.  Bondieuseries et considérations très crues sur le sexe, propos convenus et discours amoureux quasi extatique, coexistent dans ces échanges bien peu conformistes mais ancrés dans leur époque. On retrouve cette coexistence dans le film qui passe du biopic bien sage à des scènes torrides de désirs domptés mais acceptés.

Apprendre à voir

La réalisatrice choisit de lier les années 30 à notre présent, de proposer un film dans le film. De glisser sur le tournage, d’intervenir dans son propre rôle et de basculer les relations amoureuses des personnages sur celles des acteurs : Antoine joue Frère Marie-Victorin ( Alexandre Goyette); Roxanne joue Marcelle (Mylène Mackay). Antoine et Roxanne finissent une relation adultère, passagère, douloureuse, de « sexe sans amour », tout en donnant corps à l’amour sublimé de Marie-Victorin et de Marcelle, sans sexe, sensuel, éternel. La romance du présent ne pèse pas grand-chose face à celle du passé. Parfois les époques semblent converger, révélant des constantes. Ainsi lorsque Marcelle avec un sérieux scientifique dénué d’affects et d’artifices de langage, interroge ses amies mariées, sur leur plaisir (ou non-plaisir) hétéro qu’elle cherche à définir.

Le film parfois trop bavard sent un peu l’hommage. Son plus grand intérêt est sans doute de placer le regard au centre du projet. Celui de Marcelle et Marie-Victorin qui photographient le monde, le dessinent, pour mieux le définir en mots et concepts. Celui du spectateur saisi par la beauté des arbres, des feuilles, des algues, des fleurs vives, frémissantes ou séchées, collées sur les pages d’un herbier.

Le poème de Rimbaud « Sensation », infuse de bout en bout ce film qui se conclut en quatrain :

Je ne parlerai pas, je ne penserai rien :

Mais l’amour infini me montera dans l’âme,

Et j’irai loin, bien loin, comme un bohémien

Par la Nature, heureux comme avec une femme.

ELISE PADOVANI

Dis-moi pourquoi ces choses sont si belles de Lyne Charlebois

En salles le 20 août

Sans sexe, avec amour

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Slow (C) Totem film

Elena enseigne la danse contemporaine à des malentendants. Dovydas interprète  son cours en langue des signes. Deux langages très différents, ce qui n’empêche pas que ces deux jeunes gens s’attirent. Une histoire d’amour nait mais une histoire très particulière comme on en voit peu- peut-être jamais  au cinéma.- Dovydas est asexuel. Il n’a jamais éprouvé de désir pour quiconque et n’en aura jamais. Quand il l’ annonce à Elena, elle pense d’abord qu’elle ne lui plait pas d’autant que sa mère semble ne pas lui avoir permis de prendre confiance en elle  durant son enfance et son adolescence. La séquence où Dovydas, qui s’est invité à un repas, fait connaissance avec cette femme dure est éclairante.

 Peu à peu la relation se construit, une alchimie opère entre cet homme qui aime sans désir et la sensuelle Elena, une relation faite de silences, de signes, de caresses, de fous rires, de gestes esquissés et de malentendus aussi. Filmées en 16mm,  les séquences des cours de danse, ou la danse des corps sont superbes, au rythme de la musique et des chansons de la compositrice d’Irya Gmeyner. La caméra de Laurynas Bareisa filme au plus près le grain de la peau, les mains qui d’abord se frôlent, les corps de ces deux êtres qui cherchent une nouvelle façon d’aimer, sans sexe mais avec beaucoup de tendresse. Sans  doute le film aurait il gagné à être un peu plus resserré car il a tendance à s’essouffler. Heureusement les scènes de danse où Greta Grinevičiūtė exulte de sensualité  sont superbes tout comme celles, étonnantes, où Kestutis Cicenas signe les chansons.

Slow de Marija Kavtaradze, (dont le titre original, Tu man nieko neprimen signifie : Tu n’es rien pour moi, tu ne me rappelles rien) avait été présenté en compétition du festival Music et Cinéma de Marseille.

Annie Gava

© Totem film

Couleurs sonores, nuances en palettes

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Le Festival de la Roque d’Anthéron se décline hors-les-murs entre tradition picturale et avant-garde

Sous les lumières tamisées du Musée Granet à Aix-en-Provence, puis dans l’acoustique attentive de l’auditorium Marcel Pagnol, l’édition 2025 offre un double visage, à la fois intime et expérimental, qui a su captiver un public comme toujours nombreux, curieux et exigeant.

Nathalia Milstein, un Chopin ciselé dans l’écrin de Cézanne

Lundi 4 août, sous le regard des toiles de Cézanne, Nathalia Milstein proposeun récital où Schumann et Chopin dialoguent comme les couleurs d’une même palette. Les Scènes de la forêt op. 82 de Schumann se déploient comme autant de petits tableaux : du Chasseur aux aguets à l’Adieu empreint de douceur, chaque pièce dessine un univers sonore précis, tout en nuances.

Avec les Mazurkas op. 50, Milstein donne à entendre un Chopin méditatif, presque aérien, où la liberté des tempi invite à la rêverie. L’intégrale des 24 Préludes opus 28 se dévoile comme un kaléidoscope d’émotions et de textures, du premier prélude au vingt-quatrième presque orchestral. La pianiste, loin d’une démonstration technique pure, fait preuve d’une interprétation picturale et vivante, où chaque phrase semble s’imprégner des couleurs impressionnistes du lieu.

Márton Illés et l’atelier du son en scène
Jeudi 7 août, le Centre Marcel Pagnol a accueilli une expérience rare : une répétition publique consacrée aux œuvres du compositeur hongrois Márton Illés. Sous le regard passionné du compositeur, Florent Boffard et les instrumentistes complices ont exploré un langage musical novateur, où les gestes, les nuances et les techniques étendues redéfinissaient la production sonore.

Les pièces Drei Aquarelle et Négy Tárgy ont mis en lumière une esthétique du détail, du frottement d’archet sans attaque aux résonances obtenues par des objets non conventionnels, brouillant les frontières entre instruments et sons. Plus qu’un concert, ce laboratoire sonore sollicite tout particulièrement le piano tous terrains de Jiyoun Shin. Et révèle la genèse même de la musique d’aujourd’hui, avec ses questionnements et son intensité dramatique, inscrivant Debussy et Bartók en arrière-plan comme des ombres tutélaires. Un moment tout simplement passionnant.

SUZANNE CANESSA