lundi 9 novembre 2026
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Le théâtre est punk !

Par
Isabelle Rainaldi
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Punk.es © Arnaud Dufau

C’est dans le cadre enchanteur du site de Châteauvallon, à Ollioules, que l’on embarque dans l’aventure de Punk.es. Car ce qui se joue ici est bel et bien une épopée, qui débute comme dans une pièce de William Shakespeare, lors de « l’hiver du mécontentement » de 1976. Le Royaume-Uni, dans cette ère pré-thatchérienne, connaît une crise économique sans précédent et un chômage massif touchant une partie de la jeunesse ouvrière. Dans cette atmosphère crépusculaire émergent des jeunes gens en colère, dont l’histoire a surtout retenu les figures masculines.

Mais Punk.es se concentre sur le parcours de The Slits, formation initialement exclusivement féminine, composée notamment de Ari Up (chant), Tessa Pollitt (basse) et Viv Albertine (guitare). C’est d’ailleurs le cheminement de cette dernière, inspiré de ses mémoires, qui sert d’épine dorsale au spectacle. Sur scène, son incarnation évoque tour à tour Courtney Love et Debbie Harry, comme une hybridation entre Marilyn Monroe et une guitare électrique.

Riffs rageurs

La scénographie restitue l’atmosphère brute d’une salle de répétition ou de concert, à mille lieues des stades rutilants où évoluent aujourd’hui Beyoncé ou Lady Gaga. La musique y est jouée en direct par six comédien·nes talentueux·ses. On y entend, outre Typical Girls, le titre le plus connu des Slits, leur reprise déjantée de I Heard It Through the Grapevine, ainsi que les morceaux emblématiques de l’époque. De Patti Smith, figure tutélaire, à Iggy Pop, le spectacle se clôt sur un I Wanna Be Your Dog surpuissant, en passant par les Sex Pistols et The Clash, les riffs rageurs s’enchaînent pour le plus grand bonheur d’un groupe de lycéens venus assister au spectacle.

La génération X reconnaît au passage Mick Jones, compagnon de Viv Albertine, Sid Vicious ou encore Budgie, futur membre de Siouxsie and the Banshees. Pour la metteuse en scène Justine Heynemann, qui cosigne le spectacle avec Rachel Arditi, convoquer ces figures rebelles revient à offrir « des figures inspirantes aux jeunes générations, revigorantes pour les moins jeunes ». À en juger par l’enthousiasme du public, le pari est pleinement réussi. Punk.es, comme l’indique le point médian de son titre, rappelle surtout combien, dans la musique comme ailleurs, les femmes ont toujours dû lutter pour s’imposer.

ISABELLE RAINALDI

 Spectacle donné le 3 avril à Châteauvallon, Scène nationale d’Ollioules.

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Le souffle de la poésie

Par
journalzebuline
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© X-DR

L’amphithéâtre de Sciences Po Aix n’est pas une salle de spectacle, mais ce soir-là il l’était presque. Des étudiants, des enseignants, des cheveux blancs : des générations mélangées, venues sans savoir tout à fait ce qui les attendait. Puis levoyage a commencé – Liban, Syrie, Tunisie, Maroc, Gaza, jusqu’en Italie et au Portugal – et toute la salle s’est laissée voguer au gré des Souffles de Méditerranée.

Pour parcourir tout ce chemin, il fallait bien quelqu’un pour ouvrir les portes. Rima Abdul Malak, ancienne ministre de la Culture, directrice du journal L’Orient Le Jour, fondatrice du Rima Poésie Club, n’était rien de tout ça ce soir-là. Elle était passeuse. À ses côtés, Raphaël Imbert, directeur de Campus Art Méditerranée qui regroupe le Conservatoire, les Beaux-Arts et l’IFAMM de Marseille, n’était pas non plus directeur. Il était le souffle.

La musique prend la parole

Pendant une heure, la musique a suivi la même courbe que l’émotion. D’abord discret, presque en fond, le saxophone d’Imbert accompagnait les premiers poèmes sans s’imposer : un paysage sonore, une couleur. Puis quelque chose a changé. Les deux voix, l’une de mots, l’autre de souffle, ont commencé à se répondre vraiment. Le saxophone devenait par moments la voix même du poète, restituant les bouleversements et les silences que les mots venaient de traverser : la guerre, l’exil, la quête d’identité, la langue qu’on arrache… Imbert alternait entre saxophone alto et saxophone basse, poussait des envolées, parfois des cris, son investissement physique était tel que chaque poème semblait lui demander un effort du corps autant que de l’oreille. À un moment, il a simplement retiré le bec de l’instrument pour chanter dedans, nu. La salle a retenu son souffle. Les applaudissements qui ponctuaient chaque poème disaient quelque chose de simple : on ne s’attendait pas à être aussi touchés.

Le Zajal

Pour clore, Rima Abdul Malak a posé les voix de Tueni, Darwich, Farhat, Masri, Kraïem, Laâbi, Pessoa, Merini et Joudah pour finalement porter la sienne. Elle a raconté son enfance au Liban pendant la guerre civile, un oncle menuisier et poète qui pratiquait le Zajal, cette poésie improvisée des repas du dimanche, qu’elle décrit comme « une bulle » dans la violence ambiante. Son poème est une ode à cet art, qu’elle érige en symbole de résistance : quand la violence prend la langue en otage, il reste la poésie. Il reste le souffle. Le dernier vers a tout dit. « Merci la poésie. »

VALENTIN OUZIEL

 Performance donnée le 2 avril à Sciences Po Aix.

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Ceci n’est pas une exposition sur l’environnement

Par
Marc Voiry
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Vue de l’expo © M.V.

C’est dans le cadre de la 8ᵉ édition de la Triennale « De leur temps » que vient de s’ouvrir la nouvelle exposition du [mac], associant les Musées de Marseille et l’Association pour la diffusion internationale de l’art français (ADIAF), cette dernière est notamment connue pour organiser depuis l’an 2000 le prestigieux prix Marcel Duchamp.

Intitulée La vie climatique. Histoires sensibles des collections privées, conçue par Stéphanie Airaud, directrice du Mac et Sandra Delacourt, historienne de l’art, l’exposition interroge le « climat idéal » des musées – environnement stable et contrôlé : lumière, humidité, température – face aux bouleversements écologiques, politiques et sociaux du monde contemporain. Si l’exposition investit tous les espaces du Mac, hall d’entrée, centre de documentation, cinéma, collection permanente, son « noyau dur » se trouve dans les trois premières travées du musée, organisées en trois chapitres.

Vitrines et cloches de verre

La première travée propose plusieurs vitrines et cloches de verre, qui montrent et protègent, telles des métaphores en réduction de l’environnement idéal et protégé du musée. De façon ironique et poétique, avec Béatrice Balcou qui naturalise et encapsule un insecte xylophage, « ennemi historique des collections », ayant endommagé une œuvre de Giuseppe Penone, dont un fragment se trouve toujours dans son « ventre ». Ou un minuscule bâton de verre, exposé au tout début de la travée, contenant des grains d’encens provenant d’une œuvre de Laura Lamiel, placé à côté du grand format explosif et rougeoyant Controlled Burn de l’artiste franco-suisse Julian Charrière, sorte de Big Bang cosmique dans une tour de refroidissement d’un haut-fourneau. Le tout jouant sur l’immensité et le minuscule, le brûlant et le froid.

Une première travée qui interroge également les classifications entre nature morte-objet-vivant, avec par exemple les photographies délicates en noir et blanc de méduses prises dans des sacs plastiques du photographe Jochen Lempert, ou la sculpture de Wilfrid Almendra Nature morte à la figue.

Écologie relationnelle

La seconde travée propose une dimension plus sociale et affective, avec des œuvres qui mettent en jeu des corps en transformation, des identités mouvantes, des récits sensibles. On y trouve notamment une vidéo de la Marseillaise Sara Sadik, Khtobtogone, qui dans une esthétique de jeu vidéo inspirée de GTA, suit un jeune homme s’interrogeant sur son devenir. Ou deux photographies prises en caméra thermique de Smith, visualisant les échanges d’énergie entre êtres et objets, révélant une chaleur partagée, physique autant que symbolique. Ou encore la fragilité et la grâce de portraits signés Françoise Petrovich, jeune adolescent aux cheveux longs, penché sur son mobile, dont la lumière rétro-éclaire le visage, ou d’Edi Dubien avec le portrait d’un jeune garçon associé à un écureuil. Également Double II, une respiration ou un baiser entre deux visages flous, l’un contre l’autre, de Xi Lei, prix Marcel Duchamp 2025.

Ciels et frontières

Dans la troisième travée sont abordées des dimensions plus politiques et historiques, à travers notamment des représentations de ciels, interrogeant le ciel idéal : Cristina Garrido, par exemple, qui dans Local Color Is A Foreign Invention (British Islands), réunit des détails de ciels de peinture du XVIe siècle à aujourd’hui en les classant selon le principe du nuancier Pantone. Ou Tacita Dean avec deux lithographies de couchers de soleil éthérés aux teintes pastels intitulés LA Magic Hour. Dans Colors of grey, Thu-Van Tran propose un ciel où se superposent différentes couches de pigments colorés se référant au code couleur des agents défoliants utilisés par l’armée américaine pendant la guerre du Vietnam, dont l’agent Orange. Et juste à côté, Wet Feet – Broken Container. Fig 1 une photographie de Bouchra Kahalili, réalisées dans un cimetière de navire en Floride, inspirée par la « Wet Foot / Dry foot policy » : une loi de cet État concernant les immigrés cubains, faisant le tri avec ceux qui ont les pieds mouillés, interceptés en mer, expulsés, et ceux qui ont les pieds secs, acceptés.

MARC VOIRY

La vie climatique

Jusqu’au 20 septembre

Musée d'art contemporain de Marseille

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Courir et tout balayer

Par
Chris Bourgue
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Monde nouveau © Jean-Louis Fernandez

Le plateau du théâtre de la Joliette est recouvert de 18 ensembles de vêtements et objets divers (chaussures, gourdes, casquettes, plantes vertes en pots…), des cadres rectangulaires vides sont suspendus au-dessus et seront descendus ou remontés à vue. Une femme vêtue d’un collant chair entre et s’allonge sur le dos. Musique. Les lumières s’éteignent. Puis six personnages, eux aussi en collants, marchent de façon mécanique, traçant des lignes géométriques dans un ensemble parfait, découpant l’espace. Une chorégraphie s’esquisse sur fond musical pendant que l’un d’entre eux dit : « nous n’avons pas à rougir de notre histoire ».

C’est cette histoire qui sera décrite et vécue en quelques tableaux et changements de costumes effectués rapidement sur scène. La femme qui était allongée se lève d’un bond, saisit un balai : elle est en retard pour commencer son travail, ce qui risque de bousculer les cadences du ménage des chambres. C’est le seul personnage qui porte un prénom, Alice, qui évoque le pays des Merveilles. Comme le personnage de Lewis Carroll, elle court et se joint aux autres. Chacun assure qu’il faut accélérer, mieux organiser travail et activités pour améliorer le monde, veiller à ce que la mécanique ne s’enraye pas au risque de provoquer un désordre mondial…

Un grand ménage

Les dialogues enchaînés de manière extrêmement rapide ne permettent ni réels échanges ni contacts entre les personnages. Ils sont asexués, sans âme, ni émotion. Ils organisent leur espace et leur temps, luttent ensemble pour le progrès matériel et la réussite personnelle, jugent ceux qui tenteraient une variante ! La scénographie et la mise en scène rigoureuses et originales de Nathalie Garraud servent le texte violent d’Olivier Saccomano qui nous bouscule, nous ouvre les yeux. Un personnage se « demande si nous ne serions pas arrivés au bout de quelque chose ? ». La fin, inattendue, surprend : les comédiens, toutes et tous excellents, revêtus de la même tenue de techniciens de surface, se saisissent de balais et font un grand tas de tous les costumes et objets. Tout est à reconstruire, à recommencer. Une image dystopique glaçante.

CHRIS BOURGUE

Créé au Printemps des comédiens 2025 de Montpellier, Monde nouveau s’est joué au Théâtre Joliette du 31 mars au 3 avril, en programmation avec le Zef

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Une scène de Ménage en pleine rue

Par
Carla Lorang
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Mizu d’Élise Vigneron © X-DR

De Cadenet à La Tour d’Aigues, en passant par Cucuron, Lauris et l’Étang de la Bonde, les arts sortent des salles pour investir les rues de Vaucluse ! Fort du succès de l’an dernier – 13 000 spectateur·ices –, Le Grand Ménage de printemps s’impose désormais comme un rendez-vous incontournable de la région. Au programme : 17 compagnies, 33 représentations et 7 jours de fête. À la lisière du théâtre, du cirque, de la musique et d’autres performances, le festival promet un événement festif et familial, mêlant compagnies locales et nationales autour de créations souvent pensées pour la rue.

Des créations innovantes

Cette année encore, le festival mise sur une panoplie de dispositifs originaux. Le collectif Les Aimants propose à deux reprises, à La Tour d’Aigues, (18 et 19 avril), Appartement Témoin, une installation immersive où le public devient témoin invisible, invité à imaginer des scènes à partir de simples bribes de conversations. Avec Se sauver, la Compagnie Jeannette propose de mettre en scène différentes trajectoires de femmes dans les rues de Cadenet. Il sera alors possible de les rencontrer par hasard, au détour d’une placette (24, 25 avril) puis à une représentation officielle le 26 avril.

La création de Karin Holmström L’Absent·e (10, 11 avril, Lauris) donne naissance à une fiction inédite créée spécialement pour le festival et nourrie par des récits collectés en amont. Une performance éphémère qui interroge la mémoire et les récits. Autre proposition singulière, Goldi, (18 avril, La Tour d’Aigues) porté par Johnny Seyx, explore avec humour les liens entre Boucle d’Or et la naissance du hip-hop, à mi-chemin entre conférence et performance. Enfin, parmi les temps forts, Mizu, (18 avril, Étang de la Bonde) création d’Élise Vigneron et Satchie Noro, embarque le public dans un voyage poétique autour de l’eau, mêlant danse, glace et marionnette.

Seul·es en scène

Le festival accueillera aussi des formes plus intimistes. Le 24 avril, au boulodrome de Cucuron, Nathalie, choriste issue d’un milieu conservateur, se révélera être une véritable rappeuse et livrera une performance musico-clownesque. De son côté, dans Georgette K7, prévu à Cadenet (25 et 26 avril), Mathias Forge s’interroge sur le sens même du spectacle à partir d’une cassette audio enregistrée par sa mère. Avec La Mare où l’on se mire, (25, 26 avril, Cadenet) Fabrice Groléat, accompagné de ses amis les canards, mêle quant à lui théâtre d’objet et marionnette à travers une relecture du Vilain petit canard. Mais un festival, c’est aussi des moments collectifs : fanfares, bals et concerts animeront les soirées. La fanfare TG’L fera danser Cadenet le 26 avril, tandis que le groupe marseillais Levantiko revisitera des chansons grecques et turques à travers des sonorités électro le 25 avril à Cadenet.

CARLA LORANG

Le Grand Ménage de Printemps
10 au 26 avril
Divers villages, Sud-Luberon

« Il ne sait pas qu’il nous a massacrés »

Par
Chloé Macaire
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La France, Empire © Pauline Legoff

Dans son exploration du thème de l’oubli, la Biennale des écritures du réel s’intéresse notamment à l’effacement volontaire de certains événements des mémoires collectives. La France, Empire, seul en scène didactique et autobiographique de Nicolas Lambert s’inscrit on ne peut plus parfaitement dans cet axe de réflexion.

Nicolas Lambert grandit dans une Picardie encore très marquée par le traumatisme de la Seconde Guerre mondiale. Sur le monument aux mort, beaucoup de noms d’hommes de sa famille. Un autre monument est dédié aux morts d’Indochine, ce qui intrigue le jeune Nicolas qui ne trouve pas ce pays sur le globe terrestre.

Il vit avenue Charles-de-Gaulle, en est très fier car il admire « l’homme du 18 juin » comme l’appelle sa grand-mère. Son grand-père lui chante La casquette du père Bugeaud. « J’aimais bien, mais je ne savais pas qui c’était Bugeaud », ce général qui regroupait des Algérien·nes dans des grottes pour les enfumer. À l’école, on ne parle pas de la colonisation, et peu des « événements d’Algérie ».

En replongeant dans ces souvenirs, le comédien rend compte de l’ampleur du tabou colonial, et de la manière dont celui-ci a façonné notre roman national. Il raconte aussi comment il a découvert les horreurs de la colonisation au Sénégal, lors d’une tournée internationale. « Il ne sait pas qu’il nous a massacrés » se sont moqués ses amis sénégalais, avant de lui expliquer le sort des tirailleurs africains, volontairement gommés des récits de la Libération, puis fusillés pour avoir réclamé leur solde. Combien de morts ? « Quand on aime pas, on ne compte pas ».

Des mots pour bien décrire

Il raconte tout cela d’un air de conférencier un peu distrait, se laisse aller à des tangentes autobiographiques un peu superflues, imite Charles de Gaulle, Sarkozy et son discours de Dakar, une Marianne en thérapie… et le grammairien et star de la télévision Maître Capello. Ce dernier est le plus récurrent, accompagnant le récit d’importantes précisions lexicales qui rappellent que dans l’écriture du roman national, le choix des mots est primordial.

Ces tangentes et imitations créent un rythme assez inégal et rendent parfois la pièce difficilement lisible, mais n’empêchent cependant pas de saisir les informations importantes, rarement restituées de manière aussi dense. Car si les exactions coloniales sont de plus en plus reconnues et décriées, elles restent encore majoritairement minimisées, marginalisées alors qu’elles faisaient système, et certaines sont complètement passée sous silence, comme l’illustre Lambert lorsqu’il dit « Je ne savais pas qu’il y avait une guerre au Cameroun quand j’étais petit ».

CHLOÉ MACAIRE

 Le spectacle a été donné dans le cadre de la Biennale des écritures du réel le 2 avril aux Archives départementales, Marseille.

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La Citadelle en « Résistances »

Par
Anne-Marie Thomazeau
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Citadelle de Marseille © Isis Mecheraf

« Résistances », le choix du thème résonne avec force dans ce lieu qui fut un centre d’emprisonnement de figures comme Giono ou Jean Zay, et où le chantier d’insertion Acta Vista lutte depuis vingt ans contre l’exclusion sociale.

La saison débute le 18 avril avec une carte blanche aux partenaires : concerts et propositions artistiques investiront les espaces patrimoniaux restaurés – bastions, glacis, tour de garde, demi-lunes. Au programme : la performance aérienne LI(E)N de la Compagnie Appesa, à la croisée du cirque et des arts plastiques ; le solo de guitare augmentée Les propriétés étonnantes de Benjamin Dupé, hybridant guitare classique et dispositif électronique ; la performance immersive Repartez dans l’ombre ! de Chuglu au sommet du Haut-Fort ; l’exposition collective Uchronies réunissant Fanny Souade Sow, Elsa Martinez, Marie Hervé et Valentin Vert ; et un dancefloor disco pour enfants par le festival Basses Fréquences.

Musique et résidences

Plusieurs acteurs musicaux s’emparent du fort cette saison : le Off de Marsatac le 2 mai, encore le festival Basses Fréquences le 30 mai en open air, Le Makeda pour trois soirées en juillet, et la Fête de la Musique avec les chœurs du Conservatoire Pierre Barbizet, le Trio Houblon, la Maison du Chant, le Bal Klezmer de Léa Platini et un DJ set.

En mai, la Citadelle co-accueille l’ouverture de la Saison Méditerranée de l’Institut Français avec deux projets. D’abord Résistances et Désobéissances, une résidence croisée Tunisie-France prenant pour point de départ l’emprisonnement d’Habib Bourguiba au Fort entre 1939 et 1942. L’artiste Saber Zammouri sera accueilli à Marseille ; Hugo Mir-Valette se rendra à Tunis au B7L9. Les œuvres seront visibles en visites guidées dès le 18 mai, puis présentées à la Biennale des imaginaires numériques fin octobre 2026 et à la Biennale JAOU à Tunis.

De son côté, la Fondation Camargo présente Mondes Marins, programme multidisciplinaire sur les écologies marines méditerranéennes (février-octobre 2026), avec cinq artistes en résidence : Sonia Levy, Lamia Abi Azar, Bint Mbareh, Laure Winants et Vartan Avakian.

La Citadelle inaugure également un format de résidence longue durée : pour 2026-2029, le compositeur et guitariste Benjamin Dupé, fondateur de la compagnie Comme Je l’Entends, en est le premier résident. Sa présence donnera lieu à des rendez-vous mensuels publics et des projets d’éducation artistique.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

 La Citadelle de Marseille 
Du 18 avril à l'automne 2026
Fort d’Entrecasteaux, Marseille

La Mémoire trouée

Par
Suzanne Canessa
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Kafka - Fragments © Valentin Haas

Présentées le 2 avril à Klap, Kafka – Fragments et Kata s’inscrivent dans des trajectoires différentes mais partagent un même point d’ancrage : une histoire familiale marquée par la séparation et la rupture.

Dans Kafka – Fragments, Clara Freschel entre dans Kafka par éclats. Des bribes de journal, des mots en allemand, des inflexions yiddish, des motifs qui reviennent, se heurtent, bifurquent. La pièce avance ainsi, par fragments, au plus près d’un imaginaire de l’angoisse, du ressassement et d’une folie qui affleure. La guitare et l’électronique de Jean-Marc Montera travaillent le mouvement, le déplacent, le mettent en tension. Quelque chose insiste, se défait, repart. Puis la pièce se ferme sur un autre régime de présence : le témoignage filmé de Ruth, tante de l’interprète, rescapée d’Auschwitz, racontant sa séparation d’avec son père, puis d’avec sa mère, au moment de la déportation. Après les éclats, cette parole arrive comme un seuil. Elle ne résout rien ; elle laisse au contraire la pièce au bord de ce qui, enfin dit, n’en demeure pas moins irréparable.

Faire face

Avec Kata, Anna Chirescu part d’un autre héritage : celui d’un père qui a fui la dictature de Ceausescu. Ce qui se transmet ici passe par le corps, par une pratique – les arts martiaux –pensée comme un mode de défense. Le mouvement s’organise à partir de gestes appris, répétés, tenus, dans une logique de préparation et de réponse. Mais la pièce ne s’y limite pas. Elle laisse apparaître autre chose : la volonté de réintroduire de la danse – la hora – dans cet ensemble contraint. Pas comme une forme installée, plutôt comme une tentative, une direction possible, qui reste en tension avec ce qui précède. Une image interviendra ici aussi : des hommes enchaînant des poses de karaté sur une plage de Bucarest.

Clara Freschel dansait le surgissement du souvenir, l’angoisse, la paranoïa précurseuse de Kafka, le ressassement. Chirescu place ces états dans une autre écriture : plus cadrée, plus retenue, mais traversée par la même inquiétude et une belle inventivité – mention spéciale à l’histoire introductive d’une rencontre amoureuse narrée par… un coing. Et déroulé par un corps lui aussi mûri et doré par une vie qui point et bombe son – joli – ventre.

SUZANNE CANESSA

Kafka – Fragments et Kata ont été dansés le 2 avril à Klap – Maison pour la Danse, Marseille.

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Impulsion : 10 ans de hip-hop

Par
Lavinia Scott
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Be.Girl par la Cie Uzumaki © Ville Elancourt

Dix ans que le festival Impulsion œuvre à mettre en avant la scène hip-hop. Et cette 10e édition se déroule du 10 au 19 avril, à Aubagne – au Théâtre Comœdia, à l’Espace des Libertés, à l’Avant-Scène – ainsi qu’une soirée à Gémenos, ne déroge pas à la règle. Le festival, toujours porté par la Compagnie En Phase, créée sous l’impulsion de Miguel Nosibor, prévoit créations inédites, spectacles d’improvisations, battles, concerts, une projection, des stages et une masterclass.

Impulsion s’ouvre sur sa soirée d’anniversaire. Miguel Nosibor, son directeur artistique, y présente une nouvelle création avec le Labo – groupe de danseurs hip-hop « avancés » de la Cie En Phase, présents sur scène chaque année depuis les débuts du festival. Ce spectacle, proposé en extérieur devant l’Espace des Libertés, sera suivi d’un grand concert avec du gospel (Massilia Sounds Gospel), des musiciens (Lowmax) et Miguel Nosibor.

Juste après le concert, c’est l’évènement Bring your Flow, créé il y a quelques années. « Sur scène, il y a un collectif de musiciens avec basse, batterie, guitare et clavier, mais aussi un DJ et une pianiste. Les danseurs peuvent choisir d’improviser avec les musiciens, le DJ ou la pianiste », explique Miguel Nosibor. Un « moment de danse unique » poursuit le directeur artistique.

La suite du festival inclut une date au Théâtre de Gémenos – une soirée qui se déroule maintenant depuis trois éditions. Miguel Nosibor y présente une première version de sa nouvelle création intitulée Métamorphe. En deuxième partie, le public va découvrir Big Girls, une performance portée par cinq breakeuses de la Cie Uzumaki – sous la direction artistique de Valentine Nagataramos : « un spectacle qui interroge la place de la femme dans le milieu artistique » explique Miguel Nosibor.

Le festival propose également une soirée de concerts avec six jeunes talents originaires de Marseille, Aubagne et Avignon, en plus d’un collectif de 13 rappeurs aubagnais – 13K. « On accorde toujours une grande place à la scène locale » souligne Miguel Nosibor.

Du ciné et des stages

Au cinéma Le Pagnol est prévu une projection-débat du film Marmaille – film de Grégory Lucilly, et la veille, Impulsion reçoit une masterclass avec Joseph Go – pionnier et spécialiste du style New Jack Swing : une esthétique qui mêle danse africaine et funk.

Entre le 13 et le 17 s’articulent plusieurs stages. Un stage de graff avec Kitsa, mais surtout des stages de danse avec Miguel Nosibor, Lô Hoody et Bboy Harry – artiste brésilien invité depuis plusieurs années et excellent pédagogue selon le directeur artistique d’Impulsion.

Ces stages s’inscrivent par ailleurs dans ligne directrice de la Cie En Phase (créée en 2007) : une danse hip-hop « pour tous », en allant chercher les publics jeunes ou les publics éloignés de l’offre culturelle.

LAVINIA SCOTT

Impulsion
Du 10 au 19 avril
Divers lieux, Aubagne et Gémenos

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Flamenco rebelle

Par
Anne-Marie Thomazeau
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© A.-M.T.

« Le flamenco est un cri », lance Maria Pérez d’emblée. Un cri né au carrefour des cultures, dans les marges de l’Espagne du XVe siècle. Pendant des siècles, la Convivencia avait permis la coexistence de juifs, musulmans et chrétiens. Puis la Reconquista catholique met fin à cet équilibre : ceux qui ne se convertissent pas sont expulsés ou tués. Gitans, juifs, musulmans et esclaves noirs se retrouvent alors soudés dans les marges, sous la pression. De cette communauté de déracinés naît un art transversal, à la fois musique, chant, danse et posture et dans lequel les costumes ont une grande importance. Le mot flamenco viendrait de l’arabe fellah mengo, le paysan sans domicile fixe, ces déracinés des montagnes de Grenade, mêlés aux gitans, peuple expulsé d’Inde au Ve siècle et arrivé en Espagne dix siècles plus tard.

L’histoire défile, illustrée d’extraits vidéo : Carmen Amaya, gitane du Somorrostro de Barcelone, première à danser en pantalon ; Antonio Gades ; la dynastie des Farrucos ; Lola Flores, « flamenca jusqu’aux os » sans être gitane. Maria Pérez remonte le fil : le triangle fondateur Séville-Cadix-Jerez, les cafés cantantes du XIXe siècle où les artistes commencent à vivre de leur art, l’ópera flamenca des arènes dans les années 1920, puis le concours de cante jondo organisé à Grenade en 1922 par Manuel de Falla et García Lorca pour sauver le chant de la marchandisation.

Le chant flamenco est une forme particulière : des strophes de trois à cinq vers, brèves sophistiquées comme des haïkus, qui ouvrent une fenêtre sur une tranche de vie. Sous Franco, le flamenco bascule dans les « espagnolades » nationalistes, trahison d’un art qui est, « comme le jazz et le rap, une rébellion ». Aujourd’hui, des artistes comme Rocío Molina – elle s’est publiquement déclarée lesbienne et a fait de son identité un matériau central de sa création au sein d’un art très codifié et genré – ou Israel Galván repoussent les frontières.

Pour clore la soirée, Justine Verlaque déroule les palos – soleá, alegrías, tango flamenco – et invite le public à frapper les palmas.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

 La conférence s’est déroulée le 5 avril au centre Soléa, Marseille.

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