En juillet 2024, les metteurs en scène, auteurs et acteurs italiens Enrico Baraldi et Nicola Borghesi, fondateurs de la compagnie Kepler-452, ont embarqué sur le navire Sea-Watch 5 afin de documenter de l’intérieur les missions de sauvetage en Méditerranée centrale. Leur immersion auprès des « humanitaires », des « migrant·es » secouru·es et des équipes d’intervention marque le point de départ de A Place of Safety – Voyage en Méditerranée centrale dans lequel les expériences vécues à bord, entre urgence, impuissance, solidarité et bureaucratie, servent de matériau brut.
Un spectacle créé au Teatro Arena del Sole de Bologne en février dernier, présenté pour la première fois en France ces 13 et 14 novembre au Théâtre des 13 vents dans le cadre de la Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée.

Un théâtre documentaire engagé
A Place of Safety se présente comme une « pièce documentaire », interprétée sur le plateau par Nicola Borghesi et par les membres de la mission eux-mêmes, refusant la posture victimaire simplificatrice, préférant mettre l’accent sur la complexité du contexte : des vies en suspens, des frontières fermées, des choix difficiles.
Le spectacle pose la mer comme frontière mobile, entre vie et mort, entre exil et refuge, entre engagement et impuissance. Transformant le plateau en un lieu de témoignage direct, grâce à un dispositif scénique qui mêle voix, fragments documentaires, langues multiples, le public est invité à ressentir la fragilité des trajectoires humaines, la tension entre l’attente et l’intervention, et l’énigme d’une mer à la fois usage, enjeu et témoin.
Un spectacle en italien, anglais, portugais surtitré en français, dont la représentation le jeudi 13 sera suivie d’une rencontre avec l’équipe artistique.

13 et 14 novembre
Théâtre des 13 vents, Montpellier

Boujloud (L’homme aux peaux)

Menant une enquête sur le consentement au Maroc pour créer un spectacle documentaire, Kenza Berrada rencontre Houria, femme marquée par une agression sexuelle subie dans l’enfance, concluant son récit par un violent et fatal : « C’était comme ça à l’époque ». Une question s’impose alors à l’artiste : mais quand finit cette époque ? 
Pour dire l’indicible, l’artiste convoque Boujloud, figure rituelle du Rif et du Haut-Atlas occidental. Couvert de peaux, moitié homme moitié bête, Boujloud surgit chaque année après l’Aïd pour incarner la force vitale du passage, de la mue. Dans son spectacle, cette figure devient le véhicule d’une mémoire enfouie : elle porte les voix tues, les blessures transmises, les colères rentrées, transmises de génération en génération.

7 et 8 novembre
Domaine d’O, Montpellier

Et tout est rentré dans le désordre

Avec Et tout est rentré dans le désordre, Julie Benegmos et Marion Coutarel, de la Compagnie Libre Cours, proposent une traversée poétique et politique des pratiques funéraires d’aujourd’hui. Leur point de départ : une enquête menée auprès de celles et ceux qui cherchent à réinventer les rites de la mort, à redonner sens et humanité à ces passages souvent confisqués par le rationalisme ou le marché.
Le spectacle oscille entre théâtre expérimental, documentaire et fiction, explorant le potentiel transformateur des rituels. Sur scène, un rituel se compose, à la fois grave et joyeux, entre documentaire et célébration symbolique. Les spectatrices et spectateurs deviennent témoins d’une tentative de réconciliation avec la mort, d’un partage sensible où le désordre devient lieu de transformation.

7 novembre
Théâtre municipal Jérôme Savary, Villeneuve-lès-Maguelone

13 novembre
Théâtre Molière, Sète

Necropolis

Le danseur, chorégraphe et artiste visuel Arkadi Zaides se penche sur les milliers de migrants disparaissant depuis une trentaine d’années aux frontières de l’Europe. Seul en scène, s’appuyant sur la liste minutieusement tenue depuis 1993 par l’organisation United, il se tient face à un ordinateur et à la projection d’une carte du continent, en faisant émerger une cartographie des vies perdues dans les flots, les déserts, les zones d’attente et les marges administratives.
Un geste, un clic, un nom : chaque point lumineux correspond à une mort. Au fil de cette conférence performée, associant investigation du territoire et enquête médico-légale, l’artiste transforme la donnée brute en un rituel d’attention, cherchant à incarner les noms de celles et ceux à qui l’on a refusé toute identification, après la mort.

12 au 14 novembre
Théâtre de La Vignette, Montpellier

La Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée est initiée par le Théâtre des 13 vents – CDN Montpellier et un vaste réseau de partenaires

MARC VOIRY

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Ce culot et ce génie, ce sont ceux de Sylvain Creuzevault. Avec Edelweiss [France Fascisme] le metteur en scène propose une fresque satirique, féroce et efficace, qui dissèque les mécanismes idéologiques des milieux collaborationnistes, avec un humour tranchant, tout en mobilisant des références pointues relatives aux milieux collaborationnistes, sans se priver d’anachronismes évidents.

La pièce s’ouvre sur le procès pour « intelligence avec l’ennemi » de Robert Brasillach (Charlotte Issaly), rédacteur en chef du journal collaborationniste Je suis partout. Celui-ci, loin de s’excuser, encaisse sa condamnation à mort en entonnant une Strasbourgeoise véhémente. Le ton est donné. 

Délires et nuances 

La suite de la pièce consiste en un long flashback, parsemé de vidéos stroboscopiques et de scènes délirantes, qui débute le 22 novembre 1941, un an après l’armistice. Deux heures durant, on suit le parcours des journalistes de Je suis partout et d’hommes politiques tels que Marcel Déat, Jacques Doriot et Pierre Laval, tous trois plus ou moins notoirement venus de la gauche. On croise avec eux des travailleurs, des ambassadeurs, quelques opposants politiques ou encore Jeanne Rebatet, mère de l’auteur Lucien Rebatet. La relation de cette dernière, maurassienne germanophobe, avec son fils pro-nazi, illustre subtilement les divergences profondes de l’extrême droite de l’époque. 

La mise en scène, pourtant tape-à-l’œil et imprévisible, n’aliène presque jamais le sens de la pièce, ni son objectif de mise en garde contre les dérives fascistes. De manière générale, la pièce nuance l’homogénéité idéologique de l’époque de façon à illustrer la citation de Bertold Brecht « Le fascisme n’est pas le contraire de la démocratie, mais son évolution en temps de crise », cité par Creuzevault lui-même comme référence. 

CHLOÉ MACAIRE 

Edelweiss [France Fascisme] a été joué du 13 au 15 novembre au Domaine d’O, Montpellier

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Désamour familial
Ce joyeux mélange de tons laisse tout le loisir à Jérôme Deschamps camper, sur un mode de jeu qui ne semble appartenir qu’à lui, cet Harpagon plus décalé que réellement cruel. Pourtant Harpagon n’a ici plus rien de l’émerveillé Monsieur Jourdain ; les costumes de Macha Makeïeff sont élégamment outrés et colorés, mais le décor demeure vide, au grand dam de comédiens heureusement aptes à faire entendre leur voix sur les larges plateaux d’opéra. Un certain malaise s’installe dans cette chronique de désamour et de petites trahisons familiales, que la gaieté de la scène finale ne balayera jamais complètement. L’austérité demeure, sous les oripeaux de la comédie, un bien triste programme, et Harpagon un bien triste sire.

SUZANNE CANESSA

L’Avare
Du 14 au 16 mars 
Opéra Comédie, Montpellier, 
dans le cadre de la saison du Domaine d’O

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Tout serait donc sans surprise ? Au contraire. Il faut compter sur Roméo Castellucci, son art théâtral, total et sans compromis, qui le fait parcourir le monde, chambouler son public, marquer les esprits. Pour ceux qui voulaient du Racine au mot près, c’est perdu d’avance. Puristes, passez votre chemin. 

Œuvre monstrueuse

C’est la Bérénice de Castelluci « d’après Racine » que l’on découvre sur scène dans un décor aussi sombre que minimaliste. Bérénice, ou plutôt Isabelle Huppert, apparition en somptueuse robe Iris Van Herpen au plissé antique fantasmé, un diadème posé sur sa chevelure feu, à la fois actrice et reine, comédienne et personnage. 

Sa voix n’est pas celle que l’on attend. Elle est froide, mécanique, pleine d’écho, tunée comme celle d’un mauvais rappeur, temporairement désagréable. Les mots du poème tragique de Racine, oeuvre monstrueuse de 1506 alexandrins, ont été réduits aux répliques de Bérénice, et quelques phrases qui s’affichent en arrière-plan, dont on ne nous dit pas exactement à qui les attribuer, sans doute Titus, peut-être un autre. Peu importe. Ce que dit cette femme sur le point d’être abandonnée n’est pas ce qu’ils ressassent en boucle. Elle dit plus, bien plus. Quand le coeur est traumatisé, les mots prennent corps à défaut de prendre Racine, deviennent vibrations, tremblements d’âme. 

Dans les abysses du malheur

Entourée de personnages masculins fantasmagoriques et silencieux, cette femme dont on ne sait plus si elle est Bérénice ou Isabelle, use d’une langue abstraite pour tenter de parler d’amour contrarié, de fatalité incohérente, de ce que nous faisons et de ce que nous laissons faire. La tragédie devient hérétique et le langage se met à nu. Sommes-nous face à une femme blessée, dans son corps, dans sa tête ? 

Musical, sonore, déroutant, le son de Scott Gibbons entraîne dans les abysses du malheur, entre révolte, colère et chagrin. Tentée par le désespoir à n’en pas trouver les mots, Isabelle Huppert ressurgit avec rage, secoue le spectateur jusqu’à lui donner la chair de poule….

Reste cette émotion intense, ce frisson dramatique incontrôlable et cathartique que le metteur en scène italien a manigancé pour nous dès le début, usant d’inconfort visuel et auditif pour nous ensevelir sous les couches multiples d’un théâtre plastique et sonore. Les applaudissements sont timides, ceux qui sont venus voir Racine sont déçus et le font entendre, ceux qui sont venus voir Castelluci et Huppert sont ravis. Isabelle, elle, est majestueuse, belle comme une déesse des profondeurs. 

ALICE ROLLAND

Bérénice a été créé au Domaine d’O, Montpellier, du 23 au 25 février
Une production de la Cité européenne du théâtre, du Domaine d’O et de la Societas Romeo Castellucci 

À venir
Théâtre de la Ville de Paris
du 5 au 28 mars

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Méta-bourgeois

Seulement, le même problème se pose toujours lorsque l’on cherche à revisiter des pièces comme celles de Feydeau sans trop en altérer le texte : aucune modernisation de la mise en scène, si brillante soit elle, ne saurait gommer les traces de l’époque et de la classe sociale de l’auteur dans le texte. Feydeau est bien loin d’être le plus misogyne de ses confrères, et on pourrait même qualifier certains personnages de la pièce – Lucienne et Raymonde – de femmes fortes. Elles cherchent tant bien que mal à faire respecter leur volonté dans leur vie amoureuse et sexuelle et, bien que pleines de contradictions, ne sont pas potiches. Mais nous sommes bien obligés de constater que ce traitement n’est accordé qu’aux personnages de bourgeoises. Les femmes qui travaillent, les domestiques et la tenancière de l’hôtel du Minet Galant, sont bien plus creuses. Leur vie sexuelle, débridée et dénuée de toute réflexion, les rend risiblement esclave de leur désir et de celui des hommes. Et ce n’est pas un détail, considérant que la majeure partie de l’intrigue est relative aux activités sexuelles des uns et des autres. Évidemment, il n’est pas possible, en étant de bonne foi, de reprocher à Feydeau sa notion très floue du consentement, mais nous pouvons tout de même nous interroger : est-ce pertinent de rire des bourgeois en adoptant leur point de vue ?

CHLOÉ MACAIRE

La Puce à l’oreille par la Troupe de la Comédie Française a été présenté du 15 au 17 février à L’Opéra Comédie, une programmation du Domaine d’O, Montpellier

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Bérénice, tragédie sans mort et sans action, met en jeu la fin d’une histoire d’amour, pour les trois protagonistes principaux. Un amour au schéma tragique classique – Antiochus qui aime Bérénice qui aime Titus qui aime… Rome- sauf que personne ici, ne laisse la passion amoureuse dévorer l’intérêt supposé de la cité. Argument peu tragique…

Bérénice, pièce classique, ne repose sur aucun mythe, aucune tragédie grecque. Son personnage titre, Bere-nike, celle qui porte la victoire, est étrangère. Grecque justement, ou macédonienne, Reine de Palestine. Jean Racine s’approprie l’histoire romaine pour l’opposer à la sphère grecque, qui a inventé la Tragédie. Il invente ainsi, en France la tragédie de la Raison d’État, qui repousse l’étrangère, comme Louis XIV avait renoncé à Marie Mancini pour épouser l’Infante d’Espagne. Rendant la tragédie raisonnable, le contemporain de Descartes l’inscrit, dans Bérénice, très loin de ses fureurs fondamentales.

Bérénice, tragédie de la langue, des mots qui se disent et blessent, de la séparation acceptée et du deuil de l’amour, cherche le naturel, l’éprouvé, loin des fureurs et des violences, loin des actions, jusqu’au départ. Nécessitant un grand naturel et une grande simplicité, la tragédie est pourtant écrite dans cet alexandrin qui sublime et contraint le jeu, le rythme, l’expression même des idées et des sentiments, recherchant un naturel profondément artificiel.

Enfin Bérénice, tragédie janséniste, repose sur une injustice inacceptable pour un chrétien, puisque Bérénice est privée de la Grâce qu’elle mérite, et Titus, rare personnage de Racine sans faute et sans faille, empêché de vivre son amour pur et sincère. Le Ciel serait-il vide ?

Transcender les oxymores

C’est fort de ces paradoxes que Roméo Castellucci propose son Bérénice. Il s’attache à cette cruauté de la raison, la concentrant autour de douze performeurs représentant la foule, et deux comédiens (Cheikh Kébé et Giovanni Manzo) qui tournent autour du mythe vivant qu’est aujourd’hui Isabelle Huppert. « L’actrice définitive », dit le metteur en scène. 

La musique aussi, composée par Scott Gibbons, sample ses mots, ses soupirs, ses colères. Les confidents disparaissent, les dialogues deviennent monologues, isolant encore le trio au cœur d’un monde bruissant de voix intérieures. 

Bérénice est une « hémorragie interne », pas une goutte de sang n’est versée, mais c’est tout un monde, d’accueil de l’étranger, de primauté de l’amour sur la raison, qui s’écroule avec leur renoncement intime. Inactuel ? 

AGNÈS FRESCHEL

Bérénice
Du 23 au 25 février
Domaine d’O, Montpellier

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Laboratoire de création circassienne

Le spectacle commence par la chute délicate d’une plume, la suite s’enchaîne comme une série de tentatives virtuoses menées par cet équilibriste-plasticien, créateur de structures monumentales aussi complexes que minimalistes. Aidé par de discrets assistants, Johann Le Guillerm se transforme en dompteur d’imaginaire face à des machines hybrides à la mécanique mystérieuse capables de fascinantes métamorphoses. Ces dernières sont confrontées aux lois de la physique de manière surprenante. Comme son propre corps.

Le tout se déroule au centre d’une piste, ou plutôt d’un laboratoire de création circassienne. Le temps semble distendu, parfois long, parfois court. Johann Le Guillerm prend son temps, laissant les spectateurs devenir acteurs du spectacle par la force de leur regard, contribuant à créer un monde éphémère chaque soir renouvelé. Ce spectacle, dont l’ingéniosité d’une précision infaillible est une source inépuisable d’inspiration pour les plus jeunes spectateurs, met en branle notre imaginaire d’une manière rare et fondamentalement poétique.

ALICE ROLLAND

Terces de Johann Le Guillerm a été donné dans le cadre du festival Ekilibr, du 10 au 22 octobre au Domaine d’O, Montpellier. 

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Sur tout le territoire

De fait, cette saison 2023-24 est une étape nouvelle. Pour l’occasion, le somptueux Opéra Comédie de Montpellier est investi à plusieurs reprises tout au long de cette saison, à commencer par Othello de William Shakespeare revisité par l’incontournable Jean-François Sivadier (du 4 au 6 octobre). Si tous les arts du spectacle vivement sont présents dans cette programmation 2023-24, notons côté théâtre une très belle pièce Gisèle Halimi, une farouche liberté de Lena Paugam (27 et 28 novembre), ou encore la création sous forme de libre adaptation par Nicolas Oton de L’éternel mari de Fiodor Dostoïevski (2 au 4 novembre). Il faudra attendre février pour voir la nouvelle création du pôle de création PCM, ou quand Romeo Castellucci s’empare du destin tragique de la Bérénice de Racine incarnée par Isabelle Huppert. Mais pour bien commencer l’année théâtre, l’important est de ne surtout pas rater le Warmup#9, un temps fort dédié à « la création théâtrale au travail » locale, les 22 et 23 septembre au Domaine d’O, mais aussi au Théâtre Jean Vilar, au Hangar théâtre, à l’Ensad ou au théâtre Jacques Coeur à Lattes.

ALICE ROLLAND

Domaine d’O
Montpellier
domainedo.fr

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Palestine au cœur

Le Trio Joubran s’est forgé une réputation à travers le monde grâce à l’intelligence avec laquelle les trois frères se sont approprié la musique traditionnelle classique arabe pour en redéfinir les codes grâce à leur maîtrise du oud. Ce luth oriental devient alors un instrument capable d’explorer des champs musicaux bien plus vastes, évoquant des territoires se rapprochant du jazz comme de la musique flamenco, en laissant une grande place à l’improvisation et à la rythmique. Des mots résonnent, que l’on devine être ceux du grand poète de la liberté, Mahmoud Darwich. À défaut de les comprendre, l’émotion intensément poétique et politique qu’ils portent nous atteint sans requérir une traduction. « Nous avons grand espoir qu’un jour nous pourrons rentrer chez nous« , lâche Samir dans un souffle. Avant que les oud reprennent leur course folle, se répondent avec malice, caracolent entre les rythmiques endiablées, accompagnés par deux percussionnistes (dont l’incroyable percussionniste-chanteur iranien Habib Meftah) et un violoncelliste librement… inspirés.

ALICE ROLAND

Le Trio Joubran était en concert le 17 septembre au Domaine d’O, Montpellier

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Un démon en lunettes de soleil

Portés par la peur, la rage, le manque, les personnages ne savent même plus à quoi ressemble le monde d’avant la guerre. Avant l’arrivée des « libérateurs », comme cet homme désormais à leur merci. Le grand-père le martèle : il n’y a rien à dire, rien à comprendre. On finit par s’habituer aux infamies. S’inspirant librement d’une nouvelle de Nikolaï Gogol, cette pièce sonne comme un écho troublant à la guerre qui se déroule en Ukraine, aux douleurs qui tiraillent des innocents de chaque côté de la frontière comme au désir de fermer les yeux sur l’horreur. La légende dit que regarder le Wij ouvrir les yeux, c’est prendre le risque d’être foudroyé par la peur. Sur scène, le Wij, démon de la guerre en lunettes de soleil, fait le show l’air de rien, impose son rire cynique aux spectateurs avec une autorité sans alternative, sorte de version expresse de l’expérience de Milgram. Le rire sauve. Mais les vivants seulement. Pour les morts, c’est une autre histoire. Sur scène, ne restent que des morts, longtemps morts-vivants, leur récits, enfin libérés nous le confirment. La conscience humaine s’est évaporée dans l’enfer de la guerre depuis longtemps, le Wij peut ouvrir ses yeux sans danger. Nous ne saurons pas le nom du prisonnier, un bourreau qui a obéi aux ordres lui aussi, se laissant aveugler comme tant d’autres. Il se contente de citer Shakespeare : « Mon nom m’est odieux ». Malgré sa brutalité, Der Wij est un formidable acte de résistance politique par le metteur en scène et cinéaste russe, exilé à Berlin depuis un an. Et démontre qu’en temps de guerre, l’humanité toute entière est prisonnière de ses contradictions et exilée de sa propre vie. 

ALICE ROLLAND

Der Wij a été donné les 16 et 17 juin dans le cadre du Printemps des Comédiens, au Domaine d’O, Montpellier.

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