Il y a de l’Heroic fantasy, du Game of Thrones dans cette séquence et dans l’évocation d’un monde de chaos, d’armes et de guerres. Soudain un personnage tombe du plafond, poupée désarticulée qui se redresse et se déplace sur scène comme un Playmobil dans un jeu vidéo. La danseuse seule en scène se heurte à des portes, des murs puis, déviée de sa trajectoire, s’engage sur de nouvelles diagonales. La maitrise du geste relève de la perfection. Un second personnage, t-shirt rouge apparaît, prisonnier lui aussi d’un itinéraire perpétuel. Jamais ils ne se rejoindront, lancés sur des chemins qu’ils ne contrôlent pas, condamnés à la solitude… Les danseurs ne semblent jamais pouvoir ni se rencontrer ni nouer des relations d’intimité. 

Partouze chorégraphique

Le décor s’est transformé. Le désert est rouge peuplé de cratères et de grands rochers noirs. Origine ou fin de l’histoire on ne sait pas bien. La horde s’est reconstituée et se livre à des rituels guerriers et sacrés. Des phrases résonnent… « Let’s dance for a while, hoping fort the best but expecting the worst, life is a short trip ». Peu à peu des couples se forment. Il s’agit plutôt d’individus assoiffés d’amour qui ne savent qu’exiger du sexe dans la radicalité absolue d’une partouze chorégraphique… Tout n’est qu’exhibition domination, asservissement. Un seul couple tente l’aventure d’explorer une relation plus douce, plus saine, plus lumineuse, sans succès.

Une marche se met en place, d’individus isolés, militaires. Une marche interminable dont s’extirpe un danseur qui quitte la ronde, s’émancipe, se libère, s’épanouit, entraînant derrière lui tous les danseurs recomposés en une suite de lutins facétieux et asexués qui cabriolent, jouent comme des enfants, gaiement, naïvement. La chorégraphie évolue vers une imitation des comédies musicales des années 1950 avec leur joie de vivre artificielle, leur glamour, leur superficialité… Que veulent-ils dire ? Voilà ce que vous vouliez-voir… de la légèreté, des bons sentiments, de la futilité, de l’insouciance ? On va vous en donner. Voilà le monde auquel nous, jeunesse, aspirons ? Plus sûrement sans doute que l’art n’est pas un divertissement mais un engagement total, le témoignage d’une époque dans laquelle le collectif est peut-être un refuge. Dans la salle le public très jeune ovationne cette horde qui lui ressemble.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Age of content était proposé par (La)Horde, 
le 18 décembre à l’Opéra de Marseille

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En scène 

Au bout, la mer !, c’est d’abord une suite de spectacles à découvrir tout au long de la journée., Dès 10h30 sous l’arche du Centre Bourse (puis à 15 h sur la place du Général de Gaulle), c’est la crieuse publique Louvalemonde qui lance les festivités. Après avoir demandé au public d’écrire des mots d’amour à la mer et à l’environnement, elle mettra les textes en voix et en musique dans une performance qui veut sublimer l’art de la criée publique, en œuvre musicale et théâtrale. 

Poétique et collaborative sera la performance de Frank Bötler intitulée Jusqu’au bout du monde. Avec l’aide de toutes les bonnes volonté, l’artiste entreprend la construction d’un bateau en papier plié pour rentrer chez lui, par la mer. Pour l’aider dans son entreprise XXL, rendez-vous à 14h30 au quai de la Fraternité.  

À 17 h, on va s’interroger sur l’effondrement du monde avec Collapsing Land de la compagnie La Tournoyante. Sur une structure inclinée (construite par les ateliers Sud Side), six acrobates-danseurs défient la gravité, avec poésie, et réflexions sur une réalité qui nous échappe. Une performance à découvrir sous tous les angles.  

La programmation n’oublie pas que la Méditerranée et aussi un espace de souffrance. À 11h30 au site archéologique du Port antique, est donné Il y a des montagnes dans la mer ! par les élèves du Groupe Phare de l’Échappée Belle. Une mise en lecture de témoignages issus du travail des équipes de SOS Méditerranée, que ce soit des naufragés, ou de ses membres. 

Les sciences aussi 

Particularité du cette édition de Bleue, les questions scientifiques sont également au cœur de la manifestation, avec plusieurs rencontres et échanges organisés à La Fabulerie. Ce sera le cas avec le film De bois et de vent qui s’empare de la question – ô combien sensible et polluante – du fret maritime, et la possibilité que celui-ci puisse se (re)-convertir à la voile. Dans le prolongement, l’Institut Pythéas et le CNRS s’intéressent aux impacts sonores des activités humaines sur la biodiversité marine. cn

Au bout, la mer ! c’est aussi des ateliers participatifs pour les plus jeunes, mais également des rencontres autour de sujets de société, voire d’actualité, comme ceux de la nage en eau libre et de la place que Marseille veut bien lui offrir. Ou la question de l’ouverture de la Digue du Large, dont l’entrée est strictement réglementée depuis plus de 20 ans, privant – presque – toute la partie Nord de la ville d’un accès à la mer. 

NICOLAS SANTUCCI

Kiosque & Co
Juste avant Au bout, la mer !, le 19 octobre, la Canebière fêtera également la Méditerranée, mais en musique, sous le patronage de La Mesòn, du Théâtre de l’Œuvre et de la mairie des 1/7. Depuis l’Anatolie avec le groupe Biensüre et sa psyché-disco, depuis l’Afrique avec Zar Electrik soit les airs gnaoua remixés à l’électro. Avant eux, et un peu plus haut dans le jardin Labadié, le spectacle jeune public Petit K, un conte musical qui s’écrit en beatbox. N.S.

19 octobre
Jardin Labadié, square Léon Blum
Marseille

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Des galeries

Sur les seize galeries choisies, six sont présentes pour la première fois à cette 11^e édition : la bruxelloise Husk Gallery, fondée et dirigée par l’historienne de l’art Ingrid Van Hecke, orientée sur la peinture et le dessin. Les parisiennes Ingert, spécialisée en art d’après-guerre et contemporain, Florence Loewy, galerie et librairie, spécialiste des éditions d’artistes, et Suzanne Tarasieve, dont l’excentrique fondatrice, décédée en 2022, s’est employée à mettre en avant la scène picturale française pointue et celle des pays de l’Est. Nouvelle venue également la messine galerie PJ, fondée par Pierre et Jisun, jeune couple franco-coréen passionné d’art. Et la Stella Rouskova Gallery qui a ouvert ses portes en septembre 2022 dans le cœur historique de la ville de Gênes. Du côté des galeries « piliers » du salon, on retrouve Laurent Godin, Bernard Jordan, 8+4, Nadja Vilenne, Analix Forever, Éric Dupont et Dilecta. Enfin, trois autres galeries, déjà sélectionnées par le passé, font leur retour cette année : 22,48m², Alain Gutharc et Modulab.

Des artistEs

Les dessins d’une cinquantaine d’artistEs, aux techniques variées, vont être présentés par l’ensemble de ces seize galeries lors du salon. On y trouve, sur papier, aussi bien de la gouache, de l’aquarelle, des crayons de couleur, du stylo-bille, des feutres et du rotring, de la gravure, du collage, que de la sérigraphie à la tempera, des traces de poussières sur de la poudre de graphite, ou encore des impressions de peau de poulpe sur papier. Pour des travaux autour notamment du burn-out (Sandrine Morgante), de l’addiction et de l’aliénation (Jeanne Susplugas), du capitalisme (Olivier Garraud), du paysage (Charles-Elie Delprat), de l’histoire et des mythes (Jean Bedez, Peter Depelchin, Claire Vaudier), de l’intimité (Romain Bobichon, Edi Debien), du post-colonialisme (Les sœurs Chavalme), de l’inconscient féminin (Amélie Barnathan), de l’organique (Cécile Beau). À noter également l’apparition d’une section Second Rayon, où l’ensemble des galeries se retrouvent autour d’une thématique commune. Cette année : le dessin érotique.

Des associé·e·s

Parmi les projets associés, des travaux d’artistEs installé·e·s à Marseille et dans la région sont présentés, en particulier Madely Schott en artiste invitée, une sélection de dessins d’étudiant·e·s et/ou jeunes diplômé·e·s issus du Réseau des écoles supérieures d’art Provence-Alpes-Côte d’Azur et Monaco, et une carte blanche offerte à La Compagnie, qui expose des dessins de Grégory Le Lay et Dalila Mahdjoub. Par ailleurs, Paréidolie sera de nouveau le point de départ d’une nouvelle Saison du dessin qui essaimera jusqu’à fin décembre dans une trentaine de lieux, le long de la Méditerranée, de Montpellier à Monaco.

MARC VOIRY

Paréidolie
Du 30 août au 1er septembre
Château de Servières, Marseille

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Est-il nécessaire de rappeler les apports essentiels des auteur.es et chercheurs ultramarins à la culture française ? La plupart des Français de l’Hexagone ont retenu la part populaire et joyeuse de la Compagnie créole ou celle plus suave, d’Henri Salvador. En dehors de cette douceur et joie de vivre, la culture antillaise est peu valorisée dans l’hexagone. C’est à cet enjeu majeur, de transmission des cultures ultramarines que le Festival La 1^ère entend se consacrer.

Glissant, l’héritage archipélique
La conférence d’ouverture est assurée par l’historien Achille Mbembe et l’auteur Patrick Chamoiseau, et l’exposition un champ d’îles fait référence à la pensée Édouard Glissant :  au-delà de la réalité géographique, l’archipel offre une nouvelle dimension du monde, fondée sur les relations. Tout l’enjeu de l’archipel suppose la reconnaissance de chaque lieu, chaque langue et chaque culture au sein d’une globalité relationnelle. Une sorte de plaidoyer universel des droits culturels, à travers une conception dynamique de l’identité, qui émerge de la mise en contact des différences et de leurs échanges constants. Inspiré par les imaginaires créoles, Glissant a développé des concepts fondateurs tels que le rhizome, l’identité nomade, le tremblement, l’imprévisible, la digenèse, la trace, l’opacité et les mémoires transversales.

Les mémoires diasporiques, transnationales, sont issues de cette analyse qui prend en compte le processus d’acculturation présent dans toute société et a trouvé écho dans le littérature et les arts, mais aussi le droit, l’écologie et la politique, dans des pays aussi éloignés en apparence que le Japon, l’Inde, la Tunisie, le Sénégal, ou le Brésil.

Au delà de l’ultra-marin
La France « des 3 océans » évoque sans équivoque la puissance française : Atlantique aux Antilles (Martinique, Guadeloupe, Saint-Barthélemy et Saint-Martin) et en Guyane, océan Indien (la Réunion et à Mayotte), et Pacifique (Nouvelle-Calédonie, Wallis-et-Futuna, Polynésie). Grâce à ses territoires d’outre-mer et aux côtes de l’hexagone, la France possède un espace maritime qui dépasse les 10 millions de km². Elle est ainsi la deuxième puissance maritime mondiale, juste derrière les États-Unis.  Ce qui contribue largement à la diffusion de la culture française dans le monde, dans sa dimension cosmopolite mais également dans sa dimension décoloniale.

Mais les auteurs ultramarins apportent davantage qu’une richesse économique et  culturelle à la France métropolitaine.  Tout en reflétant la diversité et l’histoire de ces territoires insulaires, leurs œuvres élargissent notre compréhension du monde et redéfinissent l’universel républicain. Aujourd’hui Franz Fanon, penseur engagé dans la lutte anticoloniale, est étudié dans toutes les grandes universités. Les Black french studies se penchent sur l’étude  des modes de racialisation des populations noires, mais également sur leurs productions culturelles et intellectuelles ainsi que leurs constructions identitaires, souvent dans des espaces français et francophones. Ce domaine de recherche explore les questions de race, d’identité, de colonialisme, de migration et de résistance.

En somme, les Black French Studies sont un domaine dynamique qui transcende les frontières académiques et géographiques pour explorer les multiples facettes de l’expérience noire en France et au-delà qui interrogent les héritages persistants et la violence de la colonialité.

Paradoxes persistants
Alors que l’Etat d’urgence est décrété en Nouvelle Calédonie, la Nation rend hommage à Maryse Condé. L’écrivaine guadeloupéenne a pris conscience de son « héritage colonial » comme de son « africanité » par les lectures d’Aimé Césaire et de Franz Fanon, mais aussi par son expérience tumultueuse de l’Afrique, surtout de la Guinée, où elle a assisté aux premiers essors et désillusions de l’indépendance.

La programmation éclectique et diverse du Festival La 1^ère, avec des graffs, des lectures, des explorations documentaires qui racontent les parcours de grandes figures, semble apte à porter les enjeux de ce Tout Monde. D’autant que le  partage des saveurs et des savoir-faire de chefs de renom assaisonnera les débats. Toute la programmation est en ligne !

SAMIA CHABANI

Festival la 1ère
Du 30 mai au 2 juin
La Friche La  Belle de mai, Marseille
EN PARTENARIAT AVEC
La Friche La Belle de Mai et les frichistes
Les Grandes Tables, La librairie, Sisygambis,
Radio Grenouille, BSM, Compagnie Kader Attou, Campus AFD

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Quel programme pour 2024 ?

Comme depuis 2016, la programmation du festival allie avec adresse les talents et les styles. Dans les murs et sur le toit de la Friche la Belle de Mai, de jour comme de nuit, se pressent quelques noms des plus excitants de la scène électro mondiale. Comme Héléna Hauff, la DJ et productrice de Hambourg, qui à l’image de sa ville, s’inspire de l’héritage industriel dans ses sets : acid house et EBM font – notamment – partie de sa large panoplie. Invitée en résidence par le festival, elle se produit deux fois pendant les trois jours : le vendredi (à 3h30) et le samedi (1h30) en compagnie de Ben Ufo. Autre nom attendu, Nina Kraviz l’artiste sibérienne qui s’est imposée comme une des DJ les plus influentes de son époque, notamment à travers ses labels Trip et Galaxiid. Ou l’illustre Laurent Garnier, qui à presque 60 ans, reste toujours dans l’air du temps, et tiendra bonne place parmi la soixantaine d’artistes attendus. 

En plus de la programmation musicale, le festival promet cette année des performances artistiques hors scènes : danse, drag-shows, improvisations, arts numériques, photographies et concerts acoustiques « pourront surgir à tout moment au cœur du dancefloor ou dans les espaces de circulation » prévient l’organisation. 

NICOLAS SANTUCCI

Le Bon Air
Du 17 au 19 mai
Friche la Belle de Mai, Marseille
le-bon-air.com

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Laura Falzon : Ce sont des écritures qui partent des gens, de récits de soi et d’histoires vécues. Elles naissent d’une volonté de questionner l’état de nos sociétés et l’ordre du monde, et engagent la vision d’un artiste,  d’un auteur ou d’un chercheur qui pose sur le monde un regard sensible et poétique mêlé de politique. 

Comment ont été pensées les trois grandes traversées autour desquelles s’articulent la programmation ?

Les traversées, c’est vraiment un fil rouge, une dialectique, une entrée possible dans la programmation. Elles sont conçues pour dérouler un chemin,  de la première « Se dire » à la dernière « Faire nous ». L’idéeest d’entrer dans la programmation par le récit de soi, qui est la matière initiale des écritures du réel. Cette première traversée propose surtout des solos intimes, des histoires vécues qui questionnent la manière dont advient la construction de soi au sein du corps social et de la société. 

La deuxième, « Renverser », élargit la focale pour venir interroger des enjeux plus globaux, politiques, sociétaux, contemporains. Ce mot évoque à la fois l’affrontement, le détournement, le changement de perspective pour comprendre et parfois détricoter les systèmes qui régissent nos sociétés. Le croisement art-science est très présent sur cette traversée-là, avec des rencontres, des conférences, des formes hybrides, qui vont inviter à croiser les regards d’artistes et de chercheurs et chercheuses. 

La troisième traversée est une tentative de dépassement par le « nous ». Il s’agit de questionner la manière de faire du collectif à l’heure des individualités reines, un appel à l’action collective. Cette troisième traversée est marquée par des créations partagées, des scènes ouvertes, des journées immersives. L’idée est d’inviter chacun à ajouter sa pierre à l’édifice. 

Il y a plusieurs « journées festives et partagées » dans cette édition. En quoi consistent-elles ? 

Nous voulons amener des programmations pluridisciplinaires dans des lieux non dédiés, vers des territoires qui, très souvent, en restent éloignés. On sera toute une journée dans les quartiers Nord de Marseille, avec une programmation plurielle qui mêlera à la fois des pratiques non professionnelles avec une scène ouverte, par exemple, et puis les spectacles professionnels. On partagera aussi un goûter préparé par les habitants et encadré par l’association du Bouillon de Noailles. C’est une autre manière de tisser des programmations. On expérimente aussi pour la première fois des programmations partagées, avec Cap à l’Est. On a proposé à des complices, qui suivent l’activité du théâtre et de la biennale depuis un moment, de choisir une programmation et de participer à l’organisation d’une journée. 

ENTRETIEN REALISE PAR CHLOE MACAIRE 

7e   Biennale des Ecritures du réel 
Du 20 mars au 25 mai
Divers lieux, Marseille
theatrelacite.com

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Accompagnée de trois musiciennes, Maud Pizon investira ensuite la scène avec sa création Cover, un spectacle qui interroge sur le principe de reprise en danse. Pourquoi devrait-on suivre à la lettre les volontés du chorégraphe original, au lieu de prendre des libertés, comme le font les musicien·ne·s quand iels reprennent des morceaux ? Partant d’un corpus de soli dansés, elle expérimente ces possibilités… Un concert du groupe My Imaginary Love viendra finalement clore la soirée, prouvant que les femmes aussi savent jouer du rock indé. 

Place au +

À partir du 14 mars la programmation reste tout aussi féministe, mais s’affirme plus queer, tendance trans. Dans Circé, Mathieu Hocquemiller met en scène quatre corps aux prises avec la déesse de la transformation et de l’hybridation. Il accompagne aussi Violette Guillarme dans son Abîme, une autobiographie féministe où il est question de violence et de réparation.

Le 16 mars la compagnie Essevesse fait danser les Trans et Max Fossati s’interroge sur la filiation masculine. Puis les huit interprètes de Volmir Cordeiro feront exploser leur diversité  au son d’un soubassophone tout à fait brésilien, à la recherche d’un Abri joyeux pour leurs corps exclus des normes patriarcales.

Le 19 mars Baptiste Cazaux cherchera un Break dans la scansion électro tandis que Melissa Guex fera exploser Raiponce, cette princesse enfermée qui attend un charmant pour sa délivrance. Et si elle avait attendu jusqu’à ce qu’elle soit rance et chauve, cette Rapunzel ? 

+ de genre se poursuivra avec Amour .h (le 22 mars) quatuor masculin qui explore la relation amoureuse gay de Gaël Rougegray, puis un duo de Sylvain Riéjou, Je badine avec l’amour, où comment un homme gay perçoit les sempiternelles représentations hétéro du couple amoureux.

Enfin I’ll lick the fog of your skin, installation interactive d’Emmanuel Guillaud, invitera à se perdre dans une forêt de désirs interdits (le 26 mars) tandis que la soirée de clôture (le 29 mars) proposera deux événements : la relecture féministe, queer et racisée de l’histoire de la révolution par Hortense Belhôte ; puis celle de Johanne, plongée vibrante dans l’intimité des corps non binaires enfin libres de leur sensualité : Appetite for the depths, c’est dans les profondeurs des voyages intime que se révèle, souvent, la justesse du sentiment esthétique. 

CHLOÉ MACAIRE ET AGNÈS FRESCHEL

+ de genres
Du 8 au 29 mars
Klap, Maison pour la danse, Marseille
kelemenis.fr

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Maître de la danse-escalade, Antoine Le Menestrel et les grimpeurs de para-escalade de l’association ATHOM, livreront un travail en cours, en vue d’une création labellisée Olympiade Culturelle Paris 2024 (25 février). Rester verticale, est le mot d’ordre pour les six danseuses d’AYTA, pièce signée Youness Aboulakoul produite par les Hivernales (29 février). 

Nouveau partenaire du festival, l’Alpilium de Saint-Remy-de-Provence reçoit Sébastien Ly et Sideral, création pour danseuses, agrès et sons spatialisés (28 février). Outre cet artiste installé dans le Var, les Hivernales convient deux autres compagnies de la région. Chanteur-danseur, Simon Bailly présente Canti une pièce, pour pour quatre interprètes, qui creuse une écriture où la gravure s’inscrit dans les voix et le mouvement (24 février). Implanté à Toulon, Maxime Cozic évoque l’ivresse des corps dans Oxymore, duo, corps à corps, à base d’ivresse durant lequel le hip-hop déborde le contemporain (29 février). 

La fantaisie n’est pas en reste, notamment le 27 février, qui verra se succéder Gigi, solo autobiographique, parlé-dansé par Joachim Maudet, suivi des Grâces, mise en jeu des canons de beauté, par un quatuor conduit par Sylvia Gribaudi.

Par delà les talents émergents ou consacrés : Bintou Dembélé, Yvann Alexandre, Régine Chopinot…, le programme donne à découvrir des artistes mal identifiés sur Avignon, telle la suissesse Rafaëlle Giovanola. A l’honneur sur l’affiche des Hivernales, cette ancienne interprète de William Forsythe, place dans Vis Motrix, les danses de rue à l’épreuve de l’horizontalité (1er mars).

Enfin, des paroles de danseurs : Donnez-moi une minute, désigne les portraits vidéos, réalisés au quatre coins de la planète par Doria Bélanger, qui seront projetés en continu (23 février- 2 mars) au Grenier à sel. 

MICHEL FLANDRIN

Les Hivernales, un des plus anciens festivals de danse contemporaine française, a historiquement porté une attention soutenue aux combats féministes. La programmation présente cette année 13 spectacles d’hommes, dont 3 coproduits, et 6 spectacles de femmes, qui ne sont pas coproduits. Un déséquilibre très étonnant, qu’on espère passager ! A.F.

Hivernales d’Avignon
jusqu’au 2 mars

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Ce revirement après l’aveuglement est emblématique du séisme qui saisit le monde du cinéma, et avec lui la société qui se construit par ses images. Comment un homme qui, dans le théâtre qu’il dirige, lutte contre toutes les discriminations, en particulier la transphobie, l’homophobie, les racismes, qui programme des artistes exilés, des mémoires plurielles, dans une ville marquée par le FN, comment Charles Berling a-t-il pu signer une tribune pareille qui fait fi du droit des victimes de s’exprimer, du droit des médias de relayer les informations, du droit des spectateurs d’admirer ou de prendre des distances ? 

« J’ai le sentiment d’avoir été manipulé »

« Il est évident que je n’ai pas bien lu. La raison, qui ne justifie en rien ma signature, est que je suis contre la cancel culture, l’idée de l’effacement du passé, que je la trouve dangereuse, parce qu’elle peut précéder une réécriture totalitaire de l’histoire. Je crois que toute personne qui est entrée au Théâtre Liberté sait que les couleurs LGBT animent notre hall, que l’égalité homme femme s’affiche sur nos murs, que notre programmation reflète le combat de tous les opprimés, les discriminés, les violentés, et notre volonté de les rendre visibles et dignes. C’est ce théâtre et mon équipe qui peuvent souffrir des annulations annoncées, le travail que nous y menons pour faire avancer ces causes, qui risque de pâtir de cette signature idiote qu’on m’a soustrait à la va-vite, parce qu’on sait que je n’aime pas l’effacement. »

Laurène Marx et Fanny Sintès ont effectivement annulé leur venue à Châteauvallon, dans des termes violents, sur Intagram, juste avant que Charles Berling ne se rétracte publiquement : « nous n’irons pas dans le théâtre de Charles Berling, signataire de cette immonde tribune […] Sachez simplement que nous viendrons vous chercher et qu’on n’a qu’une hâte, c’est que vous disparaissiez et soyez oubliés. […] Nous serons là pour applaudir au moment de votre chute. A très vite. »  

Une violence que Charles Berling comprend, « parce qu’elle est celle des victimes »mais dont il souffre visiblement, d’autant qu’il est tout autant attaqué, et moqué, depuis qu’il s’est rétracté. « Je suis classé soudainement dans le camp des réactionnaires, on veut ma chute, celle de mon théâtre. Je demande simplement qu’on m’accorde un droit à l’erreur… » Le comédien, la voix tremblante, explique sa position. « Oui je pense qu’il faut conserver la culture, même coloniale, même phallocrate, en la contextualisant, en la critiquant, en favorisant la naissance et la reconnaissance des autres histoires. Une œuvre théâtrale, un spectacle, un film, n’existe que dans un contexte, Madame Butterfly n’est pas que l’histoire du capitalisme et de la prostitution au Japon. Nous devons continuer à montrer en contextualisant. Sans guerre entre nous, sans reniement de ce que nous avons aimé. Attention, cela n’excuse en rien ma signature, mais cela explique sans doute pourquoi je me suis laissé avoir ».

« Je demande simplement qu’on m’accorde un droit à l’erreur »

Effectivement que faire de notre culture, traversée par des images de domination masculine et de culture du viol ? Le dernier rôle de Charles Berling dans Après la répétition, (mise en scène d’Ivo van Hove d’un film d’Ingmar Bergman) repose sur les relations problématiques d’un metteur en scène avec ses comédiennes, liant intimement théâtre, séduction et domination.  « Je pense que ce film de 1984  fait partie de l’histoire. Ce qui intéressait Van Hove et l’a poussé à l’adapter à la scène, c’était les possibles qui étaient évoqués dans ce film, et qui n’advenaient pas. Le film s’inscrit dans une époque révolue mais le personnage que je joue renonce à sa relation avec une toute jeune actrice. Il sait qu’il faut changer les choses, c’est ce renoncement qui m’intéresse. L’acteur suédois le jouait en force, je ne le voyais pas comme ça. Son questionnement intérieur l’ouvre à de nouveaux possibles pour les relations entre les hommes et les femmes, en particulier dans le milieu du théâtre. »

Un sujet qui est au cœur de la programmation de la scène nationale pour les prochains mois, qui questionne le couple : «  Je crois fondamentalement au couple, mais je sais aussi que c’est un travail de construire un couple sans domination. Je crois aussi qu’il n’existe pas sans amour, c’est l’amour qui le fait et le défait, un couple n’est pas forcément durable, le mariage n’est qu’un contrat, il ne fait pas les couples. Il y a mille façons de parler du couple, et j’aime particulièrement les photos d’Arianne Clément, le regard qu’elle pose sur des couples aux corps imparfaits, vieillissants, marqués par les épreuves. Comment ils sont beaux, parce qu’ils s’aiment, et que cela se voit. »

AGNÈS FRESCHEL

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Serge Dentin. Eh oui, le festival Risc existe depuis 2006, même si il y a eu des « années sans », et si la dernière fois, en 2021, tout a dû se tenir en ligne. Nous sommes un peu tentaculaires dans la ville, avec dix lieux de diffusion, des partenaires historiques et des nouveaux, comme l’Artplexe sur la Canebière.

Vous déployez aussi beaucoup de projets à l’année semble-t-il ?

Oui, de plus en plus notre modèle économique repose sur les ateliers de réalisation que nous menons au long cours. On se retrouve producteurs, sans être des professionnels de la production, mais ce sont des partenariats qui se sont développés à partir de 2017 et que l’on construit avec des écoles, collèges, lycées, structures sociales… Essentiellement pour le jeune public, mais on pourrait tout à fait imaginer cela avec des adultes.

On note une nette montée en puissance des sciences humaines dans votre programmation.

En effet, elle s’est repositionnée pour inclure toutes les sciences, humaines comprises. Si à l’origine elle était plutôt portée sur les sciences dures, c’est un peu de ma faute, j’ai un doctorat en physique théorique… Or les ateliers que l’on mène sont justement très axés sur les questions de société, de citoyenneté, qui de fait relèvent des sciences sociales. Il y a aussi possibilité de croiser des champs disciplinaires : les questions environnementales, par exemple, peuvent être abordées par les sciences dures comme par l’anthropologie. On pourrait même inviter des philosophes.

Qu’est-ce qui a prévalu dans votre sélection, y a-t-il un fil rouge cette année ?

Le fil rouge est un peu toujours le même, qui est de partir du cinéma, mais nous le requestionnons régulièrement. D’autres manifestations se présentent comme des festivals de films scientifiques, informatifs avant tout ; nous ne sommes pas à cet endroit-là. Notre sélection comprend beaucoup de documentaires de création, d’œuvres expérimentales, parfois sans paroles, et pourtant parlantes. Il y a un comité de sélection, qui porte un regard collectif, et choisit des films d’artistes, suffisamment travaillés pour enrichir une réflexion dans un dialogue art-sciences.

Vont être remis différents prix (du jury, en court, très court, moyen et long métrage ; un prix jeune public ; et un prix du public très court métrage), mais vous présentez aussi des films hors-compétition ?

Oui, notamment lors de la soirée de clôture au cinéma La Baleine : une première nationale à Marseille d’une production locale, par les Films de Force Majeure, La mécanique des choses [lire notre critique p.XIV]. Ce n’est bien-sûr pas parce qu’il est marseillais que nous l’avons choisi, mais nous sommes attentifs à ce qu’il se passe ici, pour les cinéastes, ou les scientifiques. Nous travaillons, par exemple, étroitement avec les chercheurs et chercheuses d’Aix-Marseille Université, et c’est important pour nous.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR GAËLLE CLOAREC

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