« Désir destructeur, émancipateur, métamorphoses » : tels sont quelques-uns des thèmes que Pierre Audi avait choisis pour structurer un programme conçu et présenté de son vivant. Cette édition endeuillée, nul n’en doute, prendra la forme d’un hommage vibrant à celui qui en fut l’architecte passionné.

Don Giovanni Saison 8

Parmi les temps forts de la programmation on peut noter le retour, pour la huitième fois, de Don Giovanni à Aix. La mise en scène a été confiée à Robert Icke. Figure du renouveau théâtral britannique, connu pour ses adaptations théâtrales audacieuses de classiques comme Hamlet ou Oresteia, il fait ses débuts dans le monde de l’opéra ; une première incursion quipromet une relecture innovante de l’œuvre de Mozart, en collaboration avec le chef d’orchestre Sir Simon Rattle, à la tête de l’Orchestre symphonique de la Radiodiffusion bavaroise. Le chef anglais, habitué d’Aix n’y a cependant jamais dirigé Mozart.

Tout autre registre pour Louise de Gustave Charpentier, œuvre peu connue que Pierre Audi tenait à remettre en lumière, convaincu de sa portée politique et poétique. Cet opéra naturaliste parle des rêves d’une jeune femme dans le Paris ouvrier de la Belle Époque et dece monde en mutation traversé par les luttes sociales, les aspirations féminines, le désir d’art et de liberté. La soprano Elsa Dreisig incarnera le rôle-titre.

Baroque et boudhisme

Après Elena et Erismena au Théâtre du Jeu de Paume en 2013 et 2017, le festival poursuit sa découverte de l’œuvre de Francesco Cavalli avec La Calisto, opéra inspiré des Métamorphoses d’Ovide, qui sera donné au Théâtre de l’Archevêché, par l’Ensemble Correspondances sous la direction de Sébastien Daucé, référence dans l’interprétation de la musique baroque.

L’exploration des formes contemporaines, si chère à Pierre Audi, sera représentée par The Nine Jewelled Deer, (le cerf aux neufs couleurs) création de la compositrice Sivan Eldar et de l’autrice et chanteuse américaine de tradition indienne Ganavya Doraiswamy en coproduction avec Luma Arles. Inspirée de légendes bouddhiques, cette œuvre métisse les langages, musique expérimentale, électronique, chant traditionnel, poésie et narration visuelle, pour interroger la compassion, le sacrifice et la transmission. 

Place à la voix

On se la répète de port en port… Et pourtant, l’histoire de Billy Budd reste une énigme : comment ce beau marin apprécié de tous a-t-il pu finir criminel, pendu à la vergue de son navire ? Le génial Britten (1913-1976) et ses librettistes s’étaient saisis de ce court roman inachevé de Melville pour en créer un opéra. Le compositeur britannique Olivier Leith, reconnu pour son approche expérimentale, mêlant musique classique, électronique et influences visuelles, en propose une adaptation musicale au format opéra de chambre avec six chanteurs – issus de la Résidence Voix de l’Académie 2025 – et mis en scène par l’Américain Ted Huffmann qui revient pour la quatrième fois à Aix. Il y interrogera la dimension queer de l’œuvre et proposera une méditation politique et métaphysique sur ce qui fait notre humanité, cimente ou anéantit une collectivité.

Deux œuvres majeures du répertoire romantique seront présentées en version concertante. Les Pêcheurs de perles, premier opéra de Bizet aux lignes mélodiques envoûtantes et son atmosphère orientalisante, dirigée par Marc Minkowski avec les Musiciens du Louvre et le Chœur de l’Opéra Grand Avignon. Et La Forza del destino de Verdi, cette fresque tragique où le destin s’acharne avec une intensité presque shakespearienne portée par Daniele Rustioni et le Chœur et orchestre de l’Opéra de Lyon. L’événement signe la première collaboration avec Les Chorégies d’Orange. 

Le festival accueillera aussi des récitals très attendus, notamment ceux du contre-ténor Jakub Józef Orliński, virtuose aussi à l’aise dans le baroque que dans la breakdance et du ténor Jonas Kaufmann, monument incontournable de la scène lyrique internationale, dont la venue dans un programme Strauss, Mahler, s’annonce comme l’un des événements phares de l’édition.

En attendant la nomination officielle dans les mois à venir du successeur de Pierre Audi, la direction artistique de l’événement a été confiée à Bernard Foccroulle. Directeur général du Festival de 2007 à 2018, c’est peu dire qu’il connaît bien la maison. Il sera chargé d’assurer la continuité de cette édition si particulière. 

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Festival d’Aix-en-Provence
Du 4 au 21 juillet
Divers lieux 

Retrouvez nos articles Musiques ici

L’article De la musique et des pensées  est apparu en premier sur Journal Zebuline.

La complicité qui unit ces musiciens accorde à leur jeu une liberté inégalée.  Un regard, un sourire, l’effleurement d’une corde, l’esquisse d’une note et la magie opère. Dès les premières mesures, un vol d’oiseau s’élève au-dessus de la cour de l’hôtel Maynier d’Oppède. Plus tard, un pigeon roucoulera entre deux accords de l’incipit d’Espoir. 

On sourit : tout se conjugue autour des instrumentistes à qui l’on doit toutes les compositions du concert. Chacune est un condensé d’émotion, convoquant les motifs de la musique classique du Moyen-Orient, usant des maqâms qui associés aux quatre éléments, au jour et à la nuit, insufflent un caractère différent à chacun des morceaux. 

Fusion spirituelle intercontinentale

Dans la touffeur de l’été, le trio invite la douceur d’un Parfum d’hiver, reprend ostinato le motif d’Espoir, l’irisant de variations subtiles, nous invite à plonger dans son Enfance où les instruments se métamorphosent insensiblement, le oud prend des allures de guitare, le violon s’évade en rêveries tziganes… 

Avant l’été nous transporte dans des sonorités d’outre-Atlantique où la country flirte avec les quarts de ton de l’Orient tandis que les musiciens se lancent dans des soli ébouriffants : inventivité, humour, virtuosité qui préparent au duo/duel de Contemplation. Les deux frères jouent en miroir, poussant l’autre à se surpasser, en une émulation espiègle et brillante. Le oud alors s’hispanise, adopte des phrasés dignes de Paco de Lucia et offre des pages d’anthologie d’une musique universelle. Le violon côtoie les étoiles et le qanûn s’exacerbe, les mains du musicien frappent, volent, redessine les rythmiques, soutenant de ses articulations sûres les débauches oniriques des deux autres. 

Nomade tunisien poursuit avec plus de netteté encore « le voyage entre toutes les cultures » : les accents venus de tous les coins de la planète fusionnent ici, une respiration de l’Inde, un écho d’une musique de la Grèce, un soupir d’Asie Mineure, une fragrance des airs classiques de la Tunisie, un soupçon de danse balkanique, un effet de jazz… Tout simplement éblouissant !

MARYVONNE COLOMBANI

Ce concert a été donné le 21 juillet dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence

L’article FESTIVAL D’AIX : Gémellités encordées est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Le temps aura davantage épargné les tessitures les plus graves : le Guglielmo de Russell Braun et la Dorabella de Claudia Mahnke ne diffèrent que peu, vocalement parlant, des interprétations habituelles de leurs rôles, et assurent leur partition sans accroc : tout juste y ajoutent-ils une nouvelle touche libidineuse et un autre mode de présence scénique. Les vocalises plus éthérées et fournies de Fiordiligi et Ferrando donnent un peu plus de peine à Agneta Eichenholz et surtout à Rainer Trost. Mais la difficulté technique est vite balayée par la musicalité de l’interprétation, toujours inspirée : l’émotion, teintée de gravité et même de notes de douleur, remplace ici le goût de l’épate. Les partitions moins tendres de Don Alfonso et Despina, devenu ici un couple, sont exécutées avec panache par Georg Nigl et la formidable Nicole Chevalier.

Un Aix relou

Les maîtres du jeu s’y font plus violents et plus capricieux que jamais, y compris l’un envers l’autre : les jeux de rôles et de masques, littéraux, qu’ils proposent à leurs convives se révèlent très vite sordides. Et pour cette génération si identifiable, et cette classe sociale si aisée, les gagnants ne seront jamais les femmes : en cela, la greffe entre cette nouvelle histoire de possession et la machination au cœur du livret opère parfaitement. Et c’est peut-être ce miroir tendu au public même qui engendrera les nombreuses huées lors des saluts, y compris de l’équipe vocale – du jamais vu !

On pourra regretter que les instruments d’époque du Balthasar Neumann Ensemble, sous la direction toujours précise de Thomas Hengelbrock, n’aient que des sonorités rugueuses, des timbres aigres et un phrasé sec à opposer à cette scène manquant déjà d’opulence et de rondeur. Ou reconnaître qu’en cela le plateau et la fosse font parfaitement corps, soutenu par un chœur émanant des profondeurs, aux sonorités étrangement funèbres.

Suzanne Canessa

« Cosi Fan Tutte » est joué au Théâtre de l’Archevêché jusqu’au 21 juillet, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.

L’article Cosi fan tutte : les noces de vermeil est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Odyssée fantastique

Clôturant la session Medinea de l’Orchestre des Jeunes de la Méditerranée, le concert né sous l’égide de Fabrizio Cassol rassemblait vingt-cinq jeunes musiciens issus d’Espagne, Grèce, Italie, France, Maroc, Syrie, Tunisie, pour une Odyssée fantastique arpentant grâce aux improvisations de chacun les différents modes, registres, répertoires, des traditions de leurs contrées d’origine. Les instruments « européens » et « orientaux » se croisent, se mêlent, trouvent des harmonies, des accords, des hauteurs où la virtuosité des interprètes livre de superbes éclats dans une émulation joyeuse. L’assistance apprécie avec jubilation les traits inventifs des participants, scande les passages les plus rythmés, encourage les phrasés agiles. L’une des jeunes chanteuses esquisse quelques pas de danse tandis que la soprano Claron McFadden glisse des airs aux variations subtilement orchestrées.  Les instrumentistes de l’OJM allaient écouter leurs homologues. On les voyait dans le public de l’Hôtel Maynier d’Oppède écouter avec enthousiasme l’accordéon de João Barradas qui, à même pas trente ans a séduit le monde entier par ses talents de compositeur et d’interprète. Son travail reposait le 12 juillet sur un corpus improvisé. Les nappes sonores installent de larges vagues sur lesquelles flottent parfois des notes esquissant un début de mélodie, fragments de pensée qui peu à peu s’organise, découvrant de nouvelles possibilités de langage à un instrument aux capacités étonnantes. Un écho d’Amérique latine venait en rappel, soulignant l’art multiple et sûr de l’accordéoniste.

Improvisations brillantes

Autre voyage, celui dans lequel nous entraînait le pianiste de jazz, pour la première fois à Aix-en-Provence, Tarek Yamani accompagné des étoiles montantes du jazz que sont Igor Spallati (contrebasse) et Marc Michel (Batterie). Ses propres compositions, parfois construites sur des rythmes anciens, 10/8 par exemple, répondaient avec une superbe fluidité aux références nombreuses qui peuplent l’imaginaire de l’artiste, Jobim et son Brésil, Coltrane, les échos du dabkeh, des modes rast, baya, hijaz. Les improvisations brillantes, aux amples développements (dont certains passages font penser à des pages de Debussy ou de Ravel), dessinent leurs orbes moirés, tandis que contrebasse et batterie se livrent à de somptueux mouvements. La magie, concrète, trouve de nouveaux accords.

MARYVONNE COLOMBANI

_{Concert de l’OJM le 13 juillet au Conservatoire Darius Milhaud, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence
Concert de João Barradas le 12 juillet, Hôtel Maynier d’Oppède, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence
Concert de Tarek Yamani le 23 juillet, Hôtel Maynier d’Oppède, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence}

L’article Le souffle de la jeunesse sur le festival d’Aix est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Car il faut bien admettre que la performance de la soprane franco-danoise relève du prodige : la partition, pourtant rude et ample, semble d’une simplicité désarmante. La pureté surréaliste de son timbre et la souplesse ahurissante de son instrument contrastent brutalement avec la sauvagerie de l’Orchestre de Paris, qu’Ingo Metzmacher fait tour à tour rugir, trembler, danser avec grâce… 

De l’ô dans le gaze 

Cette Salomé d’une blancheur immaculée se fait, malgré elle, astre d’une nuit sans fin. Celle-ci se mue en cène de pacotille, table de banquet vidée de victuailles, ou en terre volcanique, lieu d’éruption du désir. La jeune princesse sort, conformément au livret, à peine de l’enfance : tout juste sait-elle se distinguer de sa mère, Hérodiade. Autre brillante idée : cette mère bafouée par son mari est interprétée avec une délicatesse émouvante par Angela Denoke, qui incarna elle-même Salomé à plusieurs reprises et cale joliment ses interventions sur celles de sa jeune partenaire. Étouffé par la violence mortifère de son environnement, le désir naissant de cette Salomé adolescente est impossible à assouvir. Il ne peut que se faire pervers, morbide : et ce d’autant plus parce qu’il se dirige vers l’incarnation même de la pureté. Soit Jochanaan, aussi fade et pédant que la voix de Gabor Bretz est riche et ancrée. Bien que visiblement moins intéressée par ses protagonistes masculins que par ses figures féminines, Andrea Breth nous gratifie cependant d’un Hérode nuancé, là où d’autres l’auraient volontiers dépeint en beau-père libidineux. John Daszak l’incarne avec le même mélange de majesté et de naïveté, fort d’un ambitus à rallonge et d’un volume particulièrement impressionnant. Les quelques ralentis superflus et surtout les choix de lumière et de floutage par le rideau de gaze, figurant les sept voiles que Salomé ne retirera pas, ou encore le passage obligé de l’abattoir pourront sembler un peu vieillots. Mais la sincérité et la cohérence du projet l’emportent, très largement.

SUZANNE CANESSA

Salomé de Richard Strauss a été donné du 5 au 19 juillet au Grand Théâtre de Provence dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.

L’article Salomé garde la tête haute est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Paroxysme sonore

La qualité de l’orchestre, de son chef, des chœurs (Chœur de l’Orchestre de Paris et Jeune Chœur de Paris), des deux solistes, la soprano Golda Schultz et l’alto Marianne Crebassa  s’accordent à l’ampleur de l’œuvre. On ferme les yeux et on se laisse transporter par les vagues sonores. Se dessinent avec force les fresques des premier et dernier mouvements, les éclats tourmentés d’une âme, lumières contrastées, violemment portées par les ombres. Le ländler qui débute le second mouvement apaise l’impétuosité des origines, se pare d’un sublime contre-chant de violoncelles. Les timbales du troisième mouvement dessinent l’entrée de la mélodie des cordes et des vents, opposant légèreté et tragédie. La contralto que Mahler souhaitait entendre chanter « comme un enfant au paradis », soutenue par les cuivres, épouse le chant populaire Urlicht, « O Röschen rot » (Ô petite rose rouge). Le Dies Irae du dernier mouvement souligne la fragilité de l’existence humaine, déchainements des cuivres, chœurs emportés, récitatifs ciselés, martèlements percussifs… la résurrection promise est amenée par un paroxysme sculpté dans la masse sonore. Le temps s’efface…

Une pluie rédemptrice, on ne sait, inonde alors le plateau couvert d’une terre aride, apportant à la touffeur de l’été une fraîcheur bienvenue. Pourquoi les yeux fermés ? Un cheval blanc a d’abord arpenté la scène, image de liberté, de pureté, sans doute, mais sa propriétaire fait une découverte macabre, appelle les secours. Une équipe d’experts vêtus de combinaisons blanches (on se croirait dans E.T.) extrait du sol, durant tout le spectacle, une ribambelle de cadavres, adultes, enfants, bébés, corps déposés sur des sacs mortuaires dans lesquels ils seront ensuite transportés dans les fourgonnettes des légistes. Le bruissement de leur activité (qui trouve un écho dans celui de la pluie finale) se superpose à celui de la symphonie. Il y aura même un tractopelle pour peaufiner le travail ! Les corps découverts et emportés, une femme continuera à s’acharner sur le sol, cherchant encore un possible oubli… Le caractère régulier et attentif des personnages jure avec la luxuriance de la musique. De résurrection il n’y a guère, de transcendance non plus.

Certes, appeler un grand metteur en scène comme Romeo Castellucci pour l’ouverture du festival était un pari réussi (le public s’est précipité en masse pour assister à l’événement), mais on peut se demander pourquoi une telle exubérance morbide et même, en amont, pourquoi avoir voulu à tout prix construire une mise en scène pour une symphonie, la musique est suffisamment éloquente à elle seule pour emplir les imaginaires. Avec ce dispositif, les violons et le chef d’orchestre étaient invisibles. Le plaisir de voir diriger une telle œuvre a manqué, terriblement. 

MARYVONNE COLOMBANI

Résurrection a été donné du 4 au 13 juillet au Stadium de Vitrolles dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence. 

L’article Sur les traces du cheval blanc est apparu en premier sur Journal Zebuline.

L’action est actualisée

Ainsi le Printemps arabe est mentionné, mettant en évidence combien il fut difficile aux femmes d’être sur la place Tahir. Les « révolutionnaires » l’étant bien peu dans leur rapport à leurs homologues féminines et les prenant davantage comme proies, consentantes ou non que comme véritables partenaires de réflexion et de révolte. L’action prend aussi une dimension universelle grâce à la multiplicité des langages qui la servent. L’Ensemble Zar au complet sur scène, offre l’écrin d’un chœur aux deux solistes et convoque des instruments classiques de diverses origines. Daegeum, grande flûte traversière en bambou d’origine coréenne (Hyelim Kim), duduk, kaval, cromorne, fujara, flûte à bec (par Milos Milivojevic), sho, nom japonais de l’orgue à bouche chinois (Chatori Shimizu), kamânche, vièle à pique (Faraz Eshghi Sahraei), violoncelle (Hanna Kölbel). Cet instrumentarium puise dans les traditions musicales de l’Europe, de l’Asie, du Moyen-Orient, renoue avec le rôle du chœur tragique des pièces antiques dans son commentaire, ses réactions. Kanako Abe dirige avec finesse cet objet musical qui oscille entre théâtre, oratorio, performance, tenant elle-même presque un rôle de coryphée (déjà son entrée en martelant le sol de ses pas évoquent les sonorités de l’univers carcéral dans lequel l’action se déroule). Des vidéos (Bissane Al Charif et Julia König) viennent compléter le tout, projetées sur le mur de gaze du fond de scène, images de femmes voilées de blanc, extraits documentaires, visages, regards qui ancrent au cœur du réel cette tragédie à portée universelle dans une mise en scène minimaliste qui sait dessiner en épure les lignes de force du texte, symbolisant l’emprisonnement par des fils tendus apparaissant par intermittence, brillants sous les effets lumineux qui ourlent les ombres où se meuvent les personnages. Une pointe d’humour vient souligner la gravité du sujet. Une sororité responsable face aux violences faites aux femmes serait sans doute l’un des piliers d’une résistance qui semble encore bien impuissante à l’échelle de notre planète…

MARYVONNE COLOMBANI

La création mondiale de Woman at Point Zero a été donnée les 10 et 11 juillet, au Pavillon Noir, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.

L’article Être une femme libre dans une société patriarcale, et ailleurs aussi ? est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Exigeante partition

Prise de rôle réussie par Karine Deshayes du personnage titre dans sa version originelle (qui avait été vite transposée d’un demi-ton, car trop aigue pour Giuditta Pasta qui créa le rôle), avec un métier impressionnant qui triomphe de tous les pièges de l’exigeante partition, avec une belle présence scénique, même pour cette version de concert au cours de laquelle les entrées et sorties des chanteurs du chœur Pygmalion ainsi que celles des différents personnages correspondent au temps de leur partie, ce qui ajoute à la dramatisation de l’action. À la tête de l’Ensemble Resonanz, Riccardo Minasi dirige avec fougue, n’hésite pas à modifier certains tempi, soulignant les tensions de cette tragédie lyrique. L’architecture de la pièce est creusée, sculptée à vif, tient le spectateur en haleine qui a lu avec intérêt les réflexions du chef mêlées à celles du critique Maurizio Biondi juste avant la représentation. Les rôles des confidents Flavio (Julien Henric) et Clotilde (Marianne Croux) prennent un intéressant relief. Amina Edris campe une Adalgisa soprano d’une émouvante simplicité, à la fraîcheur délicate, dont le timbre se marie, complice, à celui maternel de Karine Deshayes qui incarne une superbe Norma. Quelle que soit le caractère ardu des airs, récitatifs, déclamations, écarts vertigineux, pianissimi délicats, forte épanouis, variations acrobatiques, dont on oublie les difficultés tant l’intention, le discours, transportent. Le baryténor Michael Spyres (Pollione) trouve une place convaincante aux côtés de Norma tandis que Krzysztof Baczyk nimbe son rôle sévère d’une inattendue douceur face à sa fille. C’est très beau.

MARYVONNE COLOMBANI

Norma a été donnée au Grand Théâtre de Provence le 18 juillet, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.

L’opéra sera diffusé sur France Musique le samedi 3 septembre à 20 heures.

L’article Opéra de légende est apparu en premier sur Journal Zebuline.

SUZANNE CANESSA

Il Viaggio, Dante a été donné du 8 au 17 juillet au Grand Théâtre de Provence dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.

L’article Dante voyage en terrain (trop) connu est apparu en premier sur Journal Zebuline.

Le bien et le mal 

Jacquelyn Stucker incarne le rôle-titre avec appétit : dans le plus simple appareil ou en déshabillé suggestif, elle fait entrer sur la scène politique, où le costume trois-pièces est de rigueur, la chambre à coucher, second lieu du pouvoir. La scène se fait également coulisse : les tenues s’y échangent, les personnages s’y épient les uns les autres comme dans toute cour qui se doit. Poppée y règne en séductrice aguerrie : elle sait charmer le très solide Néron de Jake Arditti à coup d’aigus tendres et de vocalises légères, mais aussi se faire d’une cruauté sans nom le temps de graves autoritaires et d’éclats puissants. Elle dissout ainsi son mariage avec le timide mais émouvant Othon (Paul-Antoine Bénos-Djian)– sans détour ni pitié, pour s’unir à Néron. Lequel outrepasse l’autorité morale de Sénèque – renversant Alex Rosen – et répudie une Octavie qui, sous les traits de Fleur Barron, se fait double inversé de Poppée. Sous l’apparente autorité d’un personnage aux contours vocaux bien définis viennent pointer un vertige tragique et une fragilité certaine. La symbolique des décors de Johannes Schütz et Anna Wörl n’est pas toujours d’une grande subtilité : la palme revenant à ce tube en noir et blanc suspendu au plafond et oscillant d’un personnage à l’autre pour illustrer leur capacité à se situer tantôt du côté du bien, tantôt du côté du mal (!). Monteverdi ne se faisait pourtant aucune illusion quant à la vacuité et à la dangerosité des monarques : s’il les peignait parés du plus beau des chants, c’était pour mieux en imposer la vue aux premiers intéressés et échapper à la censure. Mais une fois de plus, Ted Huffman se refuse à choisir. La sauvagerie du meurtre de Sénèque et la suavité du Pur ti miro final, réunissant enfin Néron et Poppée, sont déclinées comme autant de faces d’une même pièce, rassemblant querelles de pouvoir et romance à l’eau de rose. Quitte à sombrer dans un contresens tout de même gênant. 

SUZANNE CANESSA

Le Couronnement de Poppée a été donné du 9 au 23 juillet, au théâtre du Jeu de Paume, dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.

L’article Poppée de nouveau couronnée est apparu en premier sur Journal Zebuline.