Tel est le point de départ de Ma Pensée creuse, deuxième création de la comédienne Kristina Chaumont, co-écrite avec Cécile Raulet. En croisant leurs disciplines, et en puisant dans la philosophie et la neuroscience, elles cherchent à comprendre ce que notre présent fait à la pensée, et surtout comment celle-ci peut être utilisée pleinement et à bon escient. 

Expérience délirante 

Rapidement, une frustration commune émerge : toujours pris dans leurs pensées, iels ont tout deux l’impression de ne jamais être dans l’instant présent. Mais leurs solutions divergent radicalement : lui pense qu’anticiper toutes les situations pourrait lui permettre de s’y consacrer pleinement quand elles se produisent ; elle, au contraire, souhaite ne plus pouvoir anticiper quoi que ce soit. Elle envie son grand-père qui, atteint de démence sénile à la fin de sa vie, était très heureux car il redécouvrait le monde à chaque instant.

La rigueur obsessionnel et les étranges exercices mnémotechniques de l’un, tranche avec la recherche de lâcher prise de l’autre, créant une tension comique qui justifie même les actions les plus hors-sols ou caricaturales. Mais le dispositif initial éclate quand Kristina invite la chercheuse, jusqu’alors assise à un bureau, à les rejoindre dans le cadre. Contrairement aux deux autres, dont la personnalité et les problématiques propres sont déjà bien installées, le personnage de Cécile manque de substance dès lors qu’elle sort de son rôle de scientifique. 

Les hypothèses fusent dans ce laboratoire de fortune, mais aucune n’aboutit. Les auteurs cités par Cécile au début de la pièce, ou l’exposé de Kristina sur la plasticité cérébrale par exemple, nourrissent la réflexion sans vraiment trouver leur place dans la narration, qui tire en longueur. Malgré certains passages très réussis, la pièce comme la quête des personnages, s’emmêle dans l’immensité de son sujet et ne parvient pas trouver son équilibre. 

CHLOÉ MACAIRE 

Ma pensée creuse a été créée le 30 septembre au Théâtre Joliette, Marseille. 
Dans le cadre de la programmation de La Criée, Centre dramatique national de Marseille. 

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Pour sa deuxième création, Ma pensée creuse, elle continue d’explorer ces thèmes, cette fois en compagnie de la chercheuse Cécile Raulet, spécialiste de la critique littéraire, qui co-signe le texte. Combinant leurs pratiques respectives, elles interrogent l’acte même de « penser ». 

La scène devient alors une sorte de laboratoire, et les spectateurices les cobayes des drôles d’expériences menées par Chaumont, Raulet et le comédien Loïc Renard. Leur approche, un peu bancale, très expérimentale, se nourrit tant de savoirs scientifiques que de récits intimes, de philosophie, de poésie… Les trois laborantins, dont l’amitié est mise à l’épreuve par les échecs répétés de leurs hypothèses, réinscrivent l’acte de penser dans un tout qui ne néglige ni le corps et ses mouvements, ni les émotions. 

Une pièce qui promet d’être aussi fantaisiste qu’instructive. 

CHLOÉ MACAIRE

Ma pensée creuse 
Du 30 septembre au 3 octobre 
Théâtre Joliette, Marseille 
Programmation de La Criée, CDN de Marseille 

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La mémoire, les récits invisibilisés et la réparation occupent une place importante dans votre travail. Pourquoi est-il essentiel pour vous de revenir à ces questions ?
La création artistique a pour moi une dimension politique, intime et collective. Je ne crée pas hors-sol. En tant que rwandaise, je porte en moi l’histoire et l’héritage de mon pays. Je vis en Europe depuis près de trente ans et je suis sensible aux sujets qui touchent les sociétés dans lesquelles j’évolue, notamment à Marseille. Je m’intéresse aux personnes qui sont à la marge. Mais la marge n’est pas qu’un endroit de domination, c’est aussi un endroit de force, de lien et d’élan. Comment crée-t-on du pouvoir à cet endroit-là ? L’art est aussi une tentative de réparation, de liens rompus par les ruptures historiques, coloniales, esclavagistes. En mettant sur un plateau des personnes afro-descendantes, c’est aussi une forme de réparation de cette dispersion. Par la chorégraphie, par la voix ou la musique, on vient porter une mémoire. Quand on est encore là, quand on respire, quand on se meut, quand on chante, quand on joue, il y a cette résistance à l’anéantissement, particulièrement pour des personnes issues de peuples ayant subi ou subissant encore des violences qui les rendent invisibles.

Les 6 et 7 juillet, vous présentez Version(s) au Théâtre de la Criée. Que raconte ce spectacle ?
C’est un portrait sensible de Christian Nka qui, à travers le geste de la boxe, les mots et la musique, célèbre une vie. Christian Nka est une figure des quartiers Nord de Marseille. Il a été éducateur, champion de boxe. C’est une légende. Et qui dit légende dit plusieurs versions. Comment se raconte-t-on ? Comment créer un portrait à la fois intime, lié à une histoire, un parcours, une vie ? C’est un hommage, mais aussi une œuvre poétique qui parle de masculinité, de paternité et de virilité. À travers lui, je parle d’autres hommes noirs, métis, non-blancs, qui font face à des violences ou doivent incarner une certaine masculinité pour survivre. C’est une manière de parler de ce dont on hérite, de créer du lien et de continuer à proposer d’autres versions. Quand je l’ai rencontré, nous avons beaucoup parlé des rôles que l’on incarne dès le plus jeune âge. Dans nos sociétés, nous sommes nombreux·es à être pris dans ces performances. Ce n’est pas seulement Christian, c’est nous tous·tes. Mais je ne pouvais pas parler de n’importe qui pour raconter ces différents rôles que l’on porte en nous. Avec lui, cela relevait de l’intuition. C’était lui que je voulais mettre sur le plateau, lui que je voulais célébrer.

ENTRETIEN RÉALISÉ PAR CARLA LORANG

 Version(s)
6 et 7 juillet
La Criée, Théâtre national de Marseille

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Portée par neuf interprètes, la pièce explore notamment l’ambivalence des chorégraphies de masse : les mouvements synchronisés peuvent évoquer la célébration, la joie du collectif ou le partage d’une énergie commune, mais peuvent aussi renvoyer à des phénomènes de conformisme, d’embrigadement ou de contrôle. Poussant cette logique jusqu’à son point de rupture, accompagnée d’une création vidéo de César Vayssié et d’une musique composée par Benoît de Villeneuve et Benjamin Morando, une invitation à réfléchir, avec humour et lucidité, à la tension permanente entre appartenance et singularité.

M.V.

27 et 28 juin

La Criée, Théâtre national de Marseille

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Dans un espace qui se transforme progressivement sous les yeux du public, comme si le décor lui-même était affecté par les secousses d’une époque en crise, les 16 interprètes évoluent entre révolte, solidarité et épuisement, ruptures, renversements et métamorphoses. Des scènes qui s’enchaînent comme autant de rituels, des corps qui se portent, se soutiennent, se déforment ou s’effondrent, explorant à la fois leur vulnérabilité et leur capacité de résistance face à l’incertitude.

M.V.

5 au 7 juillet

La Criée, Théâtre national de Marseille

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Macha Makeïeff s’inscrit, en femme féministe, dans cette démarche de démystification du « grand seigneur/méchant homme ». Comme Bobée, elle fait remplacer « tabac » par « théâtre » dans le monologue d’ouverture de Sganarelle (formidable Vincent Winterhalter) qui bégaye et plastronne, campant le personnage du valet, à la fois complice et réprobateur, dès les premières minutes. Mais elle poursuit la métaphore du théâtre, et les personnages ne sont jamais dans le réel : ils surgissent du décor à double fond où ils semblent tous épier, pour le détruire, la bête malfaisante que tous réprouvent. Sganarelle navigue d’un espace à l’autre, intercesseur entre la scène et le public, comme le faisait sans doute Molière, qui jouait le valet.

Enfermé au boudoir

Théâtre dans le théâtre, Dom Juan devient aussi un huis clos : le libertinage du prédateur n’apparaît plus comme la libre-pensée du XVII^e siècle, mais comme une « liberté » abusive que Macha Makeïeff transpose, pour mieux la dénoncer, dans une ambiance sadienne : une alcôve, un boudoir, des portes dérobées. Dans un XVIII^e siècle qui, comme le souhaitait la metteuse en scène, répand comme une « odeur de lit défait ».

Là, Don juan, enrubanné mais aussi négligé, apparaît sous les traits d’un stupéfiant Xavier Gallais, qui parvient à n’être, à aucun moment, grandiose ou désirable. Il joue avec une abnégation dont peu d’acteurs sont capables un personnage totalement détestable, faible, sans panache, et clairement sadique. Violentant les femmes, et son valet. 

Ainsi Makeïeff démine un à un tous les préjugés qui parcourent le texte : Piarrot le paysan manie une langue claire et belle, les proverbes enfilés de Sganarelle prennent sens, et le mépris linguistique de Don Juan est le signe d’une malsaine domination de classe. Et de genre : Charlotte et Mathurine, les paysannes si souvent raillées dans les mises en scène de Don Juan, deviennent des comédiennes jamais dupes de leur séducteur, qui ne les séduit pas. Quant à Elvire, même sous emprise, elle dit « non ». 

Le patriarcat signe là son arrêt de mort : le commandeur est une femme trompée et non l’incarnation virile du courroux céleste. Et Don Luis, le père de Don Juan qui incarne dans le texte l’honneur de la noblesse, il apparaît sur scène comme un pervers ridicule et crédule. Le symbole d’un patriarcat sans bienveillance qui génère des monstres.

Don Juan est mort « et voilà par sa mort un chacun satisfait », conclut le valet. Même s’il ressurgit, toujours, sous d’autres formes, au moins n’est-il plus possible de le glorifier.

AGNÈS FRESCHEL

Dom Juan a été créé au Théâtre Liberté, Toulon, en décembre 2024.

 Du 4 au 7 juin
La Criée, Centre dramatique national de Marseille

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I.L.

21 mai

La Criée, Théâtre national de Marseille

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 D.D.-V.
18 mai
La Criée, Théâtre national de Marseille
Un programme de Marseille Concerts

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Elle raconte ensuite l’histoire de la chanson Vienne, telle que la rapporte Romanelli, – accordéoniste, pianiste mais surtout compagnon de la dame en noir – lui-même : Barbara ne partait pas vraiment, elle lui glissait chaque soir une lettre sous la porte qui commençait par « Si je t’écris ce soir de Vienne… », et lui en faisait une chanson. Une vraie lettre d’amour entre deux personnes vivant côte à côte.

Paradoxalement, ce sont ces récits, ces récitatifs parlés, théâtraux, qui révèlent la meilleure Waysfeld : dans Mon Enfance, chanson-déchirure où elle cherche sa mère dans les murs et les odeurs sans la trouver, ou dans Le Sommeil, où le chanter-parler témoigne d’une vraie conviction. Je serai douce aussi, habitée, crédible, émeut.

Ça coince

Mais quelque chose manque. Ce qui « faisait » Barbara, ce qui touchait au cœur et aux tripes, c’étaient bien la noirceur, la fêlure, les fractures, la colère souterraine, la puissance créatrice née de douleurs accumulées. Waysfeld, elle, aborde ce répertoire avec une vulnérabilité lisse, une délicatesse lumineuse qui charme sans bouleverser. L’intervention de sa toute jeune fille F.C., presque gênante, et le solo pianistique de Guillaume de Chassy, certes élégant, coupent inutilement l’élan.

Alors on se prend à rêver : et si un jour un compositeur écrivait pour Noëmi Waysfeld ? Un répertoire à sa mesure, qui épouserait son expressivité, au carrefour de cultures dans lequel, elle aime flirter entre chants yiddish et mélodies françaises, sans se contraindre à l’ombre d’une légende ? Ce soir, Noëmi était « jolie ». Mais Waysfeld, elle, mérite, comme Barbara d’être grande.

ANNE-MARIE THOMAZEAU

Le concert s’est déroulé à La Criée, le 2 mai 2026 dans le cadre de la saison Marseille Concerts.

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L’intérêt est, outre de découvrir ou redécouvrir des pièces majeures de ce qui constitue aujourd’hui un répertoire, de mesurer ce que le temps fait aux œuvres, et ce que les œuvres, en retour, font au temps. Annonciation demeure aujourd’hui encore d’une beauté troublante. Dans l’espace contraint du tapis rouge, entre peinture renaissante, récit sacré et vertige intime, l’Archange vient moins annoncer que fracturer un monde clos. Tout repose alors sur une tension très précise, presque musicale, entre apparition et effraction, consentement impossible et dialogue muet. L’ambiguïté de l’ange, sa puissance martiale, la candeur inquiète de Marie, ne cessent de recomposer la scène.

Torpeur, création de 2023, déplace ce trouble vers une autre matière. Le chorégraphe, dont l’appétence pour le langage est devenu la marque de fabrique, évoquait à son sujet l’élaboration « grammaire de l’hébétude », d’une « dynamique de l’indolence ». Les formules sont belles parce qu’elles disent le paradoxe de cette pièce plus solaire que ses prédécesseuses: faire de l’alourdissement un mouvement, de l’abandon une tension, de la lenteur une force. Après la fulgurance d’Annonciation, Torpeur suspend le temps, l’épaissit, le charge d’une sensualité inquiète. On se souviendra de ces pauses, de ces respirations profondes, de ces regards perdus qui marquent durablement la rétine, parfois plus encore que les élans.

Avec Noces, créé en 1989 sur un Stravinsky interprété par l’ensemble Musicatreize, le trouble devient collectif, presque rituel. Rien, ou presque, n’aurait changé dans la chorégraphie ; mais tout se lit autrement. Ce qui pouvait autrefois paraître stylisation brutale d’un cérémonial archaïque résonne aujourd’hui avec une violence plus frontale. Les mariées de chiffon jetées de mains en mains, la fête qui tourne au rapt, la communauté qui encercle plus qu’elle ne célèbre : Noces regarde en face la contrainte imposée aux femmes et ce que les traditions peuvent charrier de domination sous couvert de liesse.

C’est donc moins une anthologie qu’un dispositif de résonances que La Criée accueille : une pièce de l’intime, une pièce de l’engourdissement, une pièce du rite. Trois états de trouble, trois âges d’une écriture, trois façons de faire entendre ce qui, dans les rapports entre hommes et femmes, entre désir et emprise, entre élan et entrave, continue de nous regarder.

SUZANNE CANESSA
Annonciation, Torpeur, Noces, Ballet Preljocaj
Du 12 au 16 mai
La Criée, Marseille

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